La pandemia obligó a posponer las fechas del fallo del 12º Certamen Nacional de Pintura del Parlamento de La Rioja, pero este próximo viernes podrán reunirse ya los miembros del Jurado para decidir qué artistas serán los galardonados.

Quien obtenga el primer premio recibirá 10.000 euros; el ganador del premio al Joven Artista riojano, 2.000 euros y se concederán asimismo tres Medallas de Honor dotadas en conjunto con 18.000 euros.

Todas las obras premiadas enriquecerán el fondo artístico de la Cámara riojana, formado por más de un centenar de obras de arte entre pintura, escultura, tapices, etc.

Del total de 388 inscritos al Certamen, un Jurado formado por Antonio López García, Pedro Martínez Sierra, Jose María Luzón Nogué, Silvia Lindler García y Manuela Mena ha escogido 42 obras como finalistas; se expondrán temporalmente en los claustros alto y bajo del Parlamento durante el mayo y también de forma virtual, en la web institucional. Además, como novedad este año, se van a incluir audioguías sobre cada pieza expuesta en la que se podrá escuchar la motivación de cada artista, así como un breve currículum de estos.

La inauguración de la exposición temporal y la entrega de premios se realizará el próximo 30 de abril y la exposición se abrirá al público entre los días 1 y 31 del mes que viene. Los viernes por la tarde el director del Certamen, Francisco Javier Garrido Romanos, realizará visitas guiadas en dos turnos: a las 17:00 y a las 19:00 horas.

Por otro lado, coincidiendo con la resolución del premio, el viernes 16 de abril a las 19:00 horas tendrá lugar un encuentro entre Garrido Romanos y Antonio López. Charlarán sobre el arte como itinerario en continuo retorno en el Hemiciclo del Parlamento. El aforo será reducido.

Mañana, 13 de abril, se cumplirán cien años del nacimiento de Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza (1921-2002) y el Museo que lleva su nombre en Madrid lo conmemorará con varias exposiciones y actividades; en realidad, la celebración arrancó en octubre, con la presentación de la muestra “Expresionismo alemán en la colección del barón Thyssen-Bornemisza“.

Le seguirán “Orfebrería, pinturas y esculturas en la colección del barón Thyssen-Bornemisza” (12 de abril de 2021-23 de enero de 2022), “Pintura italiana de los siglos XIV al XVIII de la colección del barón Thyssen-Bornemisza en el MNAC” (26 de octubre de 2021-9 de enero de 2022) y “Arte americano en la colección Thyssen” (13 de diciembre de 2021-26 de junio de 2022), todas ellas muestras que podrán verse en las salas de la colección permanente. Además, continuará la exhibición en el centro de los retratos del Barón pintados por Lucien Freud.

En cuanto a otras actividades, hay que destacar el ciclo de conferencias El Barón y la Colección del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, que comenzará el día 22; los conversatorios educativos El barón Thyssen-Bornemisza como coleccionista (hasta junio de 2021), el proceso de restauración ante el público de Joven caballero en un paisaje, de Vittore Carpaccio, y la posterior exposición de los resultados de la misma (17 de mayo-1 de noviembre de 2021), así como la semana de celebración del Centenario, en la que nos encontramos.

Hasta el 18 de abril, el acceso será gratuito (previa reserva de la entrada online) a la colección permanente, en la que se podrá ver el montaje especial “Tesoros de la colección de la familia Thyssen-Bornemisza”. Además, a lo largo del día 13 se podrán disfrutar cinco mini conciertos, en colaboración con la Escuela Superior de Música Reina Sofía, en el salón de actos; y la semana se rematará (viernes 16, sábado 17 y domingo 18) con otros seis conciertos (esta vez con la colaboración del Centro Superior y Fundación Katarina Gurska).

La Galería Joan Prats barcelonesa cumplió 45 años el pasado 23 de marzo: ese día de 1976, Manuel y Joan de Muga abrían sus puertas en la Rambla Catalunya. Se situó en el espacio que ocupaba la sombrerería de Joan Prats, a quien rindieron homenaje conservando su nombre, por acercarlos a Miró, Tàpies, Brossa, Sert, Gomis, Llorens Artigas, Calder, Chillida o Penrose, entre otras figuras del arte contemporáneo de vanguardia.

Sert justamente diseñó el espacio de la galería y su primera exposición, titulada “Presència de Joan Prats”, mostraba obra de su íntimo amigo Joan Miró.

A finales de este año, este espacio rendirá homenaje a su fundador en una exposición que se acompañará de una publicación, editada con la colaboración de Carles Guerra.

Hasta el próximo septiembre, el Guggenheim neoyorquino acoge “Knotted, Torn, Scattered: Sculpture after Abstract Expressionism”, un conjunto de obras escultóricas de sus fondos datadas en los sesenta y los setenta y realizadas por autores sin los que no entenderíamos hoy el arte de posguerra en Estados Unidos: Lynda Benglis, Maren Hassinger, Robert Morris, Senga Nengudi, Richard Serra y Tony Smith. Sus trabajos suponen una respuesta crítica a las innovaciones de los pintores expresionistas abstractos incidiendo en procesos y materiales.

La exhibición subraya que autores de generaciones posteriores a Pollock vieron en su legado un camino para el impulso a las experimentación con las técnicas tridimensionales. Serra, por ejemplo, relacionó su instalación Belts (1966-1967), realizada con bobinas de caucho industriales y neón, con los murales de aquel; Tony Smith buscó traducir sus ambiciones espirituales a través de geometrías orgánicas y esenciales y los trabajos de la serie Knot de Benglis son superficies pintadas que podemos considerar objetos escultóricos que desafían al muro.

El espacio belga BOZAR celebra este año el centenario de Roger Raveel presentando una retrospectiva a gran escala de su obra.

Se trata de uno de los pintores del país más destacados de la segunda mitad del siglo XX: su lenguaje visual equilibró figuración y abstracción y sus temas solían basarse en su entorno inmediato, aspecto que lo separó de buena parte de sus contemporáneos. A través de varios capítulos temáticos, la exposición traza su periplo creativo y puede visitarse hasta julio.

El Museo Gustavo de Maeztu de Estella (Navarra) presenta, hasta el 16 de mayo, una muestra dedicada al pintor donostiarra Rafael Ruiz Balerdi, una de las grandes figuras del panorama vasco del arte vanguardista de la posguerra.

Se exhiben una quincena de obras cedidas por la Galería Altxerri de San Sebastián, su ciudad, que reflejan su madurez creativa: una decena de óleos y cinco trabajos sobre papel que prueban su faceta como dibujante y colorista.

Ahondó en diversos estilos, sobre todo en el informalismo gestual, y concedía mayor importancia al acto de pintar que al objeto resultante del mismo. Su forma de pintar se caracterizaba por la rapidez de ejecución derivada de la libertad de la mano; llegó a decir ¡Si yo supiera lo que sabe mi mano…!. Esta manera de crear facilitaba la ejecución de sus piezas en múltiples superficies y con varios materiales: lienzos, papeles de embalaje, óleos y lápices, bolígrafos, tizas de color pastel, ceras o tinta china; trabajaba la pintura muralista y los pequeños formatos, incluso en cuartillas o cuadernos de dibujo.

La Câmara Municipal de Lisboa, IFEMA y el Comité Organizador de ARCOlisboa han decidido trasladar esta cita a septiembre (entre los días 16 y 19) con el fin de favorecer la participación en la misma de galerías, coleccionistas y profesionales internacionales. Por la misma razón y excepcionalmente, tendrá lugar en otra sede: Doca de Pedrouços, frente al río Tajo y de fácil acceso.

Cerca de setenta galerías portuguesas e internacionales participarán en la cuarta edición de esta Feria, que repetirá su articulación en Programa General y secciones comisariadas: Opening, que este año crece con la participación de un mayor número de galerías, seleccionadas por João Mourão y Luis Silva; Kunsthalle Lissabon, que aportará nuevos artistas y escenas, y África en Foco, de nuevo con Paula Nascimento al frente, que propondrá descubrimientos artísticos a los coleccionistas y aficionados al arte africano.

Veepee y ARCOmadrid han hecho público hoy que, coincidiendo con el vigésimo aniversario del ecommerce líder de ventas flash y la 40ª edición de la Feria, pondrán en marcha los Premios Veepee a la Creatividad, destinados a potenciar el arte y los jóvenes talentos.

Estos galardones estarán dirigidos a creadores participantes en la sección Opening, de la que forman parte galerías con menos de siete años de trayectoria, y reconocerán obras nuevas o ya producidas que reflejen el concepto “Visiones del futuro”.

Según Maribel López, directora de ARCO, visibilizar el arte emergente es fundamental para ARCO; forma parte de nuestra esencia y, por lo tanto, la creación de los Premios Veepee a la Creatividad, dirigido a las galerías de la sección Opening, nos permitirá observar la dirección a la que señala la creación del futuro.

El autor de la obra ganadora recibirá 9.000 euros y esta será expuesta en el Exhibitors’ Lounge durante la celebración de la Feria, un lugar de reunión de galeristas y profesionales. Además, las dos obras finalistas, premiadas con 2.000 euros cada una, se expondrán en los stands de las galerías de los artistas seleccionados.

Las galerías participantes en la sección Opening de ARCOmadrid 2021 podrán enviar su candidatura hasta el 3 de mayo, fecha a partir de la cual el jurado, compuesto por representantes de Veepee, ARCO y dos profesionales del mundo del arte contemporáneo, valorará las propuestas recibidas. En junio se habrá público el proyecto ganador y las dos piezas finalistas.

Hasta el próximo 17 de abril, la Galería Herrero de Tejada acoge la colectiva “Asterión”, que reúne a Marina Vargas, Simón Zabell y Jesús Zurita en torno al cuento corto de Borges La casa de Asterión, protagonizado por el propio Asterión y el Laberinto pero estrechamente enlazado a la misma personalidad del escritor argentino.

Vargas ha elegido autoidentificarse con el minotauro borgiano durante sus procesos de quimioterapia; Zurita ha profundizado en la noción de laberinto, casa y espacio cotidiano de ese minotauro, planteando que si este lo recorría con un espejo y una antorcha es porque todo debe arder y Zabell presenta pinturas inspiradas en la clausura de Asterión, ocasión para su diálogo interior.

La Galería Daniel Cuevas presenta la primera muestra de la temporada relacionada con su línea de trabajo vinculada al libro: “AGUAVIVA”, de la joven artista dominicana Julia Aurora Guzmán. Es autora de instalaciones, esculturas, fotografías y piezas textiles en las que recontextualiza mecanismos y elementos arquitectónicos para, dejando a un lado su función original, convertirlos en metáforas de emociones individuales y colectivas; así, sus columnas no son ya elementos estructurales y se convierten en nuestro espejo.

Concede, asimismo, protagonismo al agua y su movimiento: mareas y olas aluden a nuestros procesos de cambio, y también apunta Guzmán a elementos cotidianos de su país, a través de semillas, arena, coral o malla de coco.

El Patronato de la Fundación Lázaro Galdiano, presidido por el Ministro de Cultura y Deporte, Rodríguez Uribes, ha nombrado a Begoña Torres González directora gerente de esa institución.

Torres González es Doctora en Historia del Arte y miembro del Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos; desde 1997 hasta 2010 fue directora del Museo Nacional del Romanticismo y de 2010 a 2020 ha sido Subdirectora General de Promoción de las Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Deporte y directora de Tabacalera. Desde marzo del año pasado ha ocupado, por último, el cargo de Subdirectora General de Registros y Documentación del Patrimonio Histórico del mismo Ministerio.

Especialista en museología, museografía, patrimonio, arte del siglo XIX y artes visuales contemporáneas, ha sido comisaria de un gran número de exposiciones y también cuenta con una extensa experiencia docente. Ha sido además miembro de diversos patronatos de Museos e Instituciones culturales, del Comité para la movilidad de artistas de la Unión Europea y de la Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Histórico Español.

Entre sus cometidos en la Fundación Lázaro Galdiano -que aúna el Museo, la biblioteca, el archivo y la edición de la revista Goya– estarán las funciones ejecutivas, organizativas y de planificación y dirección técnica de la misma.

La Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Reina Sofía presenta, hasta el 11 de junio de este año, la exposición “El peso de la forma. El diseño gráfico de Carlos Cruz-Diez”, que divulga la producción menos conocida del artista venezolano.

Organizada en colaboración con el Archivo Fotografía Urbana y la Cruz-Diez Art Foundation, y comisariada por Ariel Jiménez, recoge parte de las creaciones que llevó a cabo entre 1930 y 2015 en tres formatos: el diseño editorial, los afiches y los catálogos de exposiciones. Se han reunido un centenar de piezas, entre ellas cuadernos, tiras cómicas, catálogos, libros, vídeos, carteles…

Desde el inicio de su trayectoria en los cincuenta, Niki de Saint Phalle desafió convenciones en una obra abierta a la performatividad, los proyectos colaborativos y el feminismo. Hasta el próximo septiembre, el MoMA de Nueva York acoge su primera gran exposición en Estados Unidos, “Structures for Life”: consta de dos centenares de trabajos que subrayan el carácter interdisciplinar de la obra de esta autora y su compromiso social: siempre quiso imaginar nuevas formas de habitar el mundo.

Se inició la artista en los ensamblajes y los proyectos performativos para, desde los sesenta, expandir su producción a la arquitectura, los jardines de esculturas, los libros, grabados, películas, decorados teatrales, la ropa, las joyas e incluso a su propio perfume. Buscó romper estigmas sobre el sida, promover los derechos de la mujer y también el cuidado del medio ambiente.

La antología puede visitarse hasta el 16 de septiembre.

La Fundació Joan Miró de Barcelona abre al público hasta julio la muestra “Miró-ADLAN. Un archivo de la modernidad (1932-1936)”, que pretende poner de relieve el rol fundamental del colectivo de artistas ADLAN y del propio Miró en la introducción de la modernidad creativa en la capital catalana en los años treinta.

Podemos ver en la Fundació los documentos y materiales correspondientes al gran archivo del grupo, guardado en varios centros públicos y privados pero sobre todo en el COAC y en esta misma institución barcelonesa. Se trata fundamentalmente de invitaciones, cuadernos o carteles que remiten a los actos que ADLAN organizó, relativos a todo tipo de disciplinas (pintura, arquitectura, música, danza, circo, fotografía, cine, etc).

Se exhiben asimismo piezas de las cinco exposiciones efímeras que Miró presentó en Barcelona, en primicia antes de llevarlas a París, Nueva York o Zúrich. Aquellas muestras solo podían ser visitadas por los miembros de ADLAN y subrayaron el carácter experimental de sus piezas.

Desde el próximo 19 de marzo, el MNAC barcelonés dedica la muestra “La guerra infinita” al fotógrafo Antoni Campañà, centrándose en las imágenes que tomó durante nuestra contienda civil y que su familia encontró casualmente en 2018. Habían permanecido ocultas en una caja, la llamada caja roja, donde el propio artista las ocultó desde la Guerra, y un buen número de ellas no habían sido positivadas antes, ni siquiera por Campañà.

También podrán verse fotografías pictorialistas previas, parte depositadas en el MNAC, que prueban la extraordinaria variedad estética de la producción de este autor, que se fijó asimismo en paisajes, escenas deportivas o ligadas a una incipiente modernidad.