Cheim & Read acoge, desde el 25 de marzo, “Following Sea”, una exposición de nuevas pinturas de Peter Shear abierta hasta mayo. Pintor autodidacta nacido en 1980 en Beverly Farms, Massachusetts, es autor de lienzos de tonos profundos que elaboró a escala humana, la mayoría de ellos montados en paneles que miden 11 x 14 pulgadas.

Se basan en una clara ausencia de dogma: escurridizos y sobrios, parecen flotar en un espacio intermedio entre la abstracción y la representación, incorporando elementos de ambos; pueden sugerir figuras, paisajes o arquitecturas, o simplemente existir como configuraciones espontáneas de líneas y colores.

En la pintura de Carlos Morago encontramos siempre espacios despojados, serenos e iluminados con una luz tenue; sus tonalidades recurrentes son los grises y los blancos y elabora escenas de gran intensidad lírica y también misterio. Le interesan los espacios deshabitados y silenciosos, en los que puede sugerir ausencias, y especialmente los interiores, que frecuentemente representa desde puertas o ventanas entreabiertas que revelan y a la vez ocultan. En otras ocasiones elige llevar a sus lienzos vistas panorámicas de ciudades, jardines y patios, donde algunas plantas le permiten desarrollar una armonía de colores y formas.

Estas suelen aparecer, asimismo, en sus bodegones, muy poéticos, junto a cerámicas que destacan por sus tonos sobre fondos austeros. Hasta el 14 de mayo, sus composiciones recientes nos esperan en la Sala Parés de Barcelona, donde viene exponiendo desde 2009.

El Museo Oteiza presenta, hasta el próximo junio, “Interestratos”, un proyecto expositivo que analiza nuevas maneras de formalizar lo escultórico a partir de intervenciones realizadas en este centro por las artistas Nora Aurrekoetxea, Miren Doiz y Marina González Guerreiro. Las tres vienen trabajando en aproximaciones personales a la práctica escultórica, cercanas a lo subjetivo y derivadas de la diversidad de materiales y modos constructivos que determinan hoy la creación actual, en un sentido amplio.

El título de la exposición hace referencia al concepto de “interestrato”, identificado por Gilles Deleuze y Felix Guattari en el ensayo Mil mesetas. Capitalismo y esquizofrenia; con él se referían a las transcodificaciones, intersecciones y encuentros que se producen en el desarrollo de los procesos de creación de nuevas formas. En Alzuza, la alusión a ese término quiere favorecer reflexiones sobre cómo la creación escultórica actual aborda los encuentros entre objetos y materiales, en sus acoples y desdoblamientos. Además, las intervenciones escultóricas de las tres autoras se han concebido para confrontarse con el legado de Oteiza, de cuyo fallecimiento se cumplen dos décadas.

La muestra está comisariada por el subdirector del Museo Oteiza, J. P. Huércanos, y se ha organizado en colaboración con la Fundación Caja Navarra, la Fundación la Caixa, el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte y los Encuentros de Pamplona 72-22.

En las décadas de los setenta y los ochenta, varias autoras españolas de cómic adulto replantearon en su obra la representación femenina. Más allá del idealismo dominante y frente a la invisibilización habitual, estas historietistas de diferentes orígenes instauraron un panorama muy diverso en lo narrativo y lo estilístico.

Una de esas figuras fue Núria Pompeia, y seguirían su estela Rosa Lleida, Sara Presutto, Montse Clavé, Isa Feu, Mariel Soria y Marika Vila, quienes desarrollaron sus historietas al margen de tics sexistas y desde una actitud combativa.

A partir de 1979, y mientras las autoras antes mencionadas seguían en activo, surgió una nueva generación que aprovechó aquel legado previo, formada por Marta Guerrero, Pilar Herrero Bendicho, Ana Juan, Mamen la del Cafó, Victoria Martos, Ana Miralles, Roser Oduber y Laura Pérez Vernetti. Sus trabajos se caracterizaron por un giro hacia lo lúdico y lo festivo, sin dejar de lado la defensa de la libertad de la mujer y el tratamiento abierto de la sexualidad.

El Museo Reina Sofía presenta, en su Biblioteca y Centro de Documentación, y en su Espacio D, “¡Mujercitas del mundo entero, uníos! Autoras de cómic adulto (1967-1993)”, una muestra que busca contribuir a la difusión del trabajo de estas viñetistas.

Hasta el próximo 23 de septiembre, Haus der Kunst presenta “Ooooooooo-pus”, la primera antología en Alemania de Katalin Ladik, artista pionera en la corriente conceptual en la antigua Yugoslavia. Su obra desafía los roles de género y los arquetipos femeninos, utilizando su cuerpo y su voz como instrumento y medio.

Nacida en Novi Sad, en la actual Serbia, ha abordado los discursos folclóricos y nacionalistas predominantes en su país con gran ironía y desde una perspectiva crítica, y ha explorado la propia fisicidad como lugar que engendra poesía y como espacio para la autorrepresentación.

En el siglo XIX, Dinamarca experimentó las consecuencias de las guerras napoleónicas, del bombardeo de Copenhague, la bancarrota y su creciente rivalidad con Alemania. Sin embargo, esas convulsiones sociopolíticas y económicas no mermaron un ambiente cultural y filosófico vibrante para los artistas daneses de la época.

La muestra “Beyond the Light”, que el Metropolitan Museum de Nueva York alberga hasta el 16 de abril, exhibe una selección de dibujos, bocetos al óleo y pinturas de autores de aquel momento, testigos de la transformación de una Dinamarca que alguna vez fue poderosa en un país pequeño en el borde de Europa. Esos creadores forjaron una comunidad muy unida durante aquel tiempo, y las obras que realizaron exploraron nociones de lugar, identidad y pertenencia, y lo que significa viajar y regresar a casa.

La exhibición cuenta con trabajos de Christoffer Wilhelm Eckersberg, Christen Købke, Constantin Hansen, Martinus Rørbye y Vilhelm Hammershøi, así como de artistas menos conocidos como Anton Melbye, Johan Thomas Lundbye, Peter Christian Skovgaard y Heinrich Gustav Ferdinand Holm, entre otros.

El próximo mes de julio, entre los días 15 y 19, el Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander acogerá la 31ª edición de la feria ARTESANTANDER, que un año más, y será el décimo, hará coincidir sus fechas con la celebración del Curso de Coleccionismo y Arte organizado por el Instituto de Arte Contemporáneo y la Asociación de Coleccionistas 9915.

Serán seleccionadas 42 galerías, que podrán presentar solo projects de autores vinculados a cualquier disciplina (pintura, escultura, instalación, fotografía, nuevos soportes tecnológicos, obra gráfica, dibujo y múltiples). Hace también más de una década que los responsables de esta cita, con Juan González de Riancho al frente, decidieron adoptar este formato, diferenciador respecto a otras ferias y que permite a público y coleccionistas profundizar en los intereses y desarrollos formales de los artistas representados. Asimismo, ARTESANTANDER ha reforzado sus propuestas a través de alianzas con distintas instituciones y colectivos.

Cada sala interesada en participar en la muestra este verano podrá enviar un único proyecto, que será valorado por un comité de selección compuesto por Alejandro Alonso Díaz, director y comisario de Fluent; Javier Díaz Guardiola, coordinador de las secciones de arte, arquitectura y diseño de ABC Cultural y ABCdeARCO; Vanessa H. Sánchez, directora de la Galería Silvestre junto a Pep Antón Clua; María Regina Pérez Castillo, crítica y comisaria y Carmen Quijano, gestora cultural, comisaria y diseñadora.

Las solicitudes pueden presentarse a través del portal www.artesantander.com hasta el 26 de mayo.

Tras la buena acogida del proyecto “La esencia de un cuadro. Una exposición olfativa”, que el Museo del Prado presentó en el verano del año pasado, la pinacoteca, contando con tecnología AirParfum de la firma Puig, ha desarrollado un difusor especial que llamará nuestra atención, de manera permanente, sobre algunas pinturas que ponen de relieve la importancia de la cultura olfativa en la Edad Moderna.

Situado en la sala 56, emite una fragancia elaborada conforme a una receta del siglo XVII de un guante perfumado de ámbar, elemento presente en varios retratos de Antonio Moro expuestos en este espacio.

La instalación surge de la colaboración entre Alejandro Vergara, Jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo del Prado, y Gregorio Sola, perfumista senior de Puig.

Coincidiendo con el que hubiese sido el 98º cumpleaños de Martín Chirino, el Museo Reina Sofía acogió el pasado 1 de marzo la presentación del segundo volumen de su catálogo razonado de esculturas, un estudio exhaustivo que reúne las creaciones últimas del artista canario, así como una relación de exposiciones individuales, bibliografía, catálogos de exposiciones e índice de obras que resultará de interés a los investigadores.

Forman parte de la publicación un conjunto de piezas que debieron figurar en el listado anterior y cuya existencia entonces se ignoraba. En los años en los que se ha elaborado este libro han sido localizadas obras de juventud dadas por perdidas, esculturas que viajaron y han aparecido en colecciones privadas internacionales o piezas de la época de aprendizaje de Chirino nunca antes mostradas. Se trata de un volumen de 516 páginas con edición bilingüe en castellano e inglés que incluye la totalidad de las obras del autor y completa la catalogación de los trabajos escultóricos reunidos en el primer tomo, editado en 2005. Además de las citadas composiciones, contiene asimismo la descripción de todas las esculturas del artista canario, tanto trabajos únicos como ediciones, y medallas fechadas desde 2005 hasta marzo de 2019.

A principios de este año, el Museo Nacional del Prado puso en marcha el itinerario El Prado en femenino, destinado a ofrecernos una mirada diferente sobre sus colecciones, haciendo protagonistas a las mujeres: se articulaba en torno a 32 obras relacionadas con las mecenas que promocionaron, coleccionaron e inspiraron piezas esenciales de los fondos de la pinacoteca; o con las artistas que las llevaron a cabo.

Hoy el Museo presenta, con esa misma denominación, un portal web, alojado en su página institucional, que recoge y comparte con los usuarios la experiencia del centro en la exploración, recuperación y difusión de las aportaciones de mujeres al ámbito artístico; y que continuará creciendo, no siendo una propuesta hoy cerrada. Se nutre El Prado en femenino de la labor realizada por los profesionales de la pinacoteca y otros investigadores en torno a exposiciones monográficas e itinerarios por la colección permanente, reuniones científicas, congresos, conferencias y becas especializadas en su Centro de Estudios.

En el sitio www.museodelprado.es/el-prado-en-femenino nos esperan 436 obras de mujeres artistas, entre las que se destaca una imagen del día; un archivo virtual y alfabético de autoras, a modo de eco del Museo Feminista Virtual de Griselda Pollock; un compendio de itinerarios y exposiciones que en el Prado han subrayado el papel de la mujer en el mundo del arte y grabaciones de conferencias sobre la agencia artística femenina en los diversos períodos de la historia. Accederemos, asimismo, a testimonios recogidos en el documental Voces del Prado, que cuenta con narraciones de trabajadoras y colaboradoras del Museo; a diálogos de creadoras, en los que han participado artistas, críticas de arte, conservadoras, historiadoras o galeristas; a un compendio de actividades o becas relacionadas y un repositorio de recursos. Forman parte de este último itinerarios interactivos, videojuegos y galerías.

El Prado en femenino cuenta, por cierto, con perfil propio en Instagram.

El último encuentro anual del Consejo Internacional de Mecenazgo de la Fundación Museo Reina Sofía culminó con la donación al MNCARS de obras por cerca de un millón de euros que representan un 80% del total de adquisiciones de esta institución para 2023; a esas donaciones hay que añadir las compras, con un valor cercano a 300.000 euros. Todas esas piezas pasarán a formar parte de la colección del Museo, como depósito indefinido.

Alberto Cruz, José Antonio Llorente, Juan Carlos Maldonado, Francesca Thyssen-Bornemisza y Mercedes Vilardell, miembros de la Fundación, han donado la mayor parte de las propuestas; son 41, realizadas por 24 artistas de diferente origen, muchos de ellos latinoamericanos, y correspondientes a distintas técnicas: pintura, fotografía, instalación, escultura, dibujo o vídeo. La mayoría de estos autores no estaban representados hasta ahora en el Reina Sofía y sus trabajos vienen a completar algunos discursos de las líneas de investigación que desarrolla este centro.

Entre los nuevos artistas en el MNCARS se encuentran los brasileños Maxwell Alexandre, Jonathas de Andrade y Lucas Arruda. El primero reivindica en su obra la dignidad de la negritud y expone actualmente en La Casa Encendida; de Andrade, ingresa en el Museo la serie fotográfica Exercício constructivo para uma guerrilha sem terra, sobre la vida cotidiana en las tiendas de campaña y cabañas del Movimento dos Trabalhadores Rurais Sem Terra, y de Arruda, cuya obra acoge estos días el Ateneo madrileño, se incorpora un óleo sin título, un paisaje en el que se subraya su carácter de superficie pintada. Sí estaba presente ya en sus fondos el fotógrafo cubano Juan Carlos Alom, de quien se han adquirido las imágenes Libia y José de la Caridad y Evel y Sonia (1989), sobre la crisis económica en la isla a fines de los ochenta; y el argentino Marcelo Brodsky (ahora en Foto Colectania), del que sumará el centro la serie Buena Memoria, vinculada a su defensa de los derechos humanos.

De Yto Barrada, nueva en el Reino Sofía, se ha donado la bandera de tela Majdoub Appliqué Flag (2016), en la que la artista reflexiona sobre las tradiciones marroquíes y su falsificación a partir de versos de Abderrahman al-Majdoub; y de la estadounidense Olga Dueñas, cuya pintura transita entre la abstracción, el cinetismo y el constructivismo, Trémolo luminoso II (1973).

La Escola de Samba Estação Primeira de Mangueira es una escuela de samba de Río de Janeiro muy celebrada en los carnavales de esa ciudad; de ella se han donado cuatro banderas con sus colores y los rostros de figuras de la resistencia brasileña. De ese país procede igualmente Sonia Gomes, que elabora sus esculturas con materiales que le proporciona la gente, recuperando tradiciones: lo veremos en Dois Acordes, una evocación de formas vegetales.

Ângela Ferreira es mozambiqueña y sus proyectos, basados en métodos de investigación y archivo, abordan las huellas del colonialismo y el poscolonialismo hoy. Se incorpora al MNCARS su instalación Hollows, tunnels, cavities and more #3 (2015), compuesta por una escultura, fotografías y dibujos relativos al contexto de Sudáfrica y de su país. Y se suman igualmente proyectos de dos venezolanos: Fina Gómez y Sheroanawe Hakihiiwe; la primera con tres fotolibros (Fotografías, Racines y Las piedras) y el segundo con el trabajo reciente sobre papel Hii frare frare oru keki, dedicado a la cosmogonía indígena latinoamericana.

Del chileno Alfredo Jaar se ha donado la serie fotográfica ¿Es usted feliz? (1978-1980), crítica con la dictadura de Pinochet; y de la marroquí Bouchra Khalili, actualmente en el MACBA, ejemplos de su cine documental igualmente vinculado al peso del colonialismo en nuestros días. Engel Leonardo, que examina en su trabajo la cultura popular caribeña y africana, se suma al MNCARS con la escultura en metal Bejuco (2018) y el relieve Vara (Palo) (2019); Mateo López, arquitecto colombiano, con Time as activity (2015), conjunto de cuatro dibujos sobre el azar, el tiempo y el encuentro; y el dominicano Jorge Pineda, con un dibujo extremadamente delicado y asociado a la cultura urbana.

Roman Ondák, de quien el Museo Reina Sofía ya presentó una individual hace una década en el Palacio de Cristal, estará representado en sus colecciones con dos esculturas representativas de su ironía, Swapped Roles (1997) y Crack of Dawn (2016), y el resto de incorporaciones corresponden todas a creadores brasileños. Se trata de un vídeo y tres dibujos de Paulo Nazareth, que ha dedicado su obra a la inmigración y la globalización; de un óleo de Antonio Obá, que ahonda en la identidad negra partiendo de su propio cuerpo; de cuatro dibujos de Rosana Paulino, referente para la nueva generación de artistas afrobrasileños; una escultura de Rubem Valentim vinculada a la abstracción geométrica; una pintura de influencia pop de Cybèle Varela y Estandarte VI, pieza de Castiel Vitorino Brasileiro vinculada a la investigación decolonial.

Por otro lado, la Fundación Museo Reina Sofía estrena dirección: Carolina González Castro sustituye a Ana Tomé Díaz, que la ha encabezado en los últimos nueve años. De origen colombiano, formaba parte de la entidad desde 2014 y cuenta con un perfil vinculado a la economía y la gestión cultural.

La artista británica Bridget Riley considera el acto de dibujar como un proceso de selección, un método esencial para descubrir y resolver los desafíos que se presentan durante el desarrollo de sus pinturas abstractas. Durante más de seis décadas, esta técnica ha sido una parte crucial de sus prácticas, por eso el Hammer Museum de Los Ángeles revisa esa labor en la exhibición “Bridget Riley Drawings: From the Artist’s Studio”, que puede visitarse hasta el 28 de mayo y es la primera y más extensa muestra de este centro dedicada exclusivamente a los dibujos de la artista en más de medio siglo (y también la primera que le brinda un museo de la costa oeste de Estados Unidos).

Consta de cerca de noventa trabajos sobre papel y abarca el conjunto de la carrera de Riley, desde su etapa de estudiante a fines de los cuarenta, cuando se centraba en dibujar para sus cursos en el Goldsmiths College de Londres, hasta sus piezas ópticas en blanco y negro de los sesenta y los innovadores estudios de color que ha llevado a cabo desde finales de aquella década hasta la actualidad.

La mayoría de las obras en la exhibición provienen del estudio de la artista, donde continúa sirviéndose de ellas como referencia para su producción actual.

Entre 1617 y 1619, Guido Reni pintó su San Sebastián, escena que muestra el momento en que el santo, en el inicio de su martirio, se encomienda a Dios y que destaca por su extraordinario estudio del cuerpo humano en una posición tensa, a la que el italiano, sin embargo, supo imbuir de su habitual clasicismo. Militar romano condenado a morir asaetado a causa de su fe, pero salvado por santa Irene, fue este un santo muy popular al que se atribuía la capacidad de detener la peste.

La pintura -de la que se tiene primera constancia de su presencia en España en el inventario de la colección de Isabel de Farnesio en el Palacio de La Granja, y que hoy forma parte de los fondos del Museo del Prado– venía sometiéndose a un proceso de análisis y restauración que comenzó hace un año, en marzo de 2022, y que ha eliminado los repintes sobre partes censuradas del cuerpo y desvelado elementos originales ocultos, acercando nuestra visión actual de la pieza al modo en que el artista la concibió. Además, este proceso de limpieza ha logrado definir con más fuerza la anatomía de la figura, iluminada por una luz de la luna que desde el rostro va modelando cada músculo de la fisionomía.

Hay que recordar que el paño de pureza se amplió, al considerarse excesiva la desnudez de San Sebastián, posiblemente por deseo de la esposa de Felipe V (las nuevas pinceladas lo harían parecer más rígido, frente a la naturalidad propia del autor) y que, además, se incorporaron otros repintes en diferentes zonas de la tela: su eliminación ha permitido descubrir la mano que aparece a la izquierda de la figura, en la penumbra, y la cuerda con la que las dos del santo están atadas al árbol.

La limpieza ha logrado, asimismo, recuperar la profundidad de la composición en su conjunto y percibir mejor el espacio entre los planos, así como el aire que rodea al retratado. Los frutos de la intervención podremos verlos muy pronto: la obra formará parte de la gran exhibición dedicada a Reni, y comisariada por David García Cueto, que la pinacoteca abrirá al público el 28 de marzo.

Pinturas sobre tela y sobre papel realizadas desde 1959 hasta 2017 por Alfons Borrell forman parte, hasta el 18 de marzo, de la muestra “Entrar al mar i sortir-ne blau”, en la Galería Joan Prats de Barcelona.

Según Valentín Roma, los conceptos de obstinación, ligereza y apertura hacia lo innombrable, que señalan, según Mark Strand, razones para nuestra inclinación a poner palabras e imágenes al vacío, pueden servirnos para aproximarnos a la obra de este pintor. Su lenguaje es siempre abstracto y trabaja analizando los límites de la superficie pictórica, las distancias entre espacios principales y subalternos, las siluetas que pueden emerger de gestos y el rol constructivo del color.

Predominan en estas piezas los azules, que, en palabras de Roma, marcan la hondura y la espiritualidad, la elegante negritud del sonido negro.

El Museo Nacional del Prado ha anunciado hoy la apertura nocturna, de 20:30 a 23:30 horas, de varios de sus espacios expositivos el primer sábado de cada mes, con el patrocinio de Samsung y empezando el 4 de marzo. Esta acción permitirá a los visitantes, además de contar con tres horas mensuales más para acercarse a la pinacoteca hasta el mes de agosto, descubrir algunas de las experiencias interactivas que la firma tecnológica ha desarrollado en colaboración con la institución, como La Guía del Prado, S Pen Academy, Historia del Museo del Prado y sus edificios y Roma en el Bolsillo. Tendremos, asimismo, acceso a una selección de obras editadas del Museo para la Tienda de Arte de Samsung The Frame y servicio de cafetería en distintos espacios.

La Galería Central del edificio Villanueva, la más emblemática del Prado, será el área protagonista de la primera noche de apertura. Allí saldrán a nuestro encuentro Adán y Eva de Tiziano junto a la versión realizada por Rubens, además de dos obras maestras centradas en el tema de Venus y Adonis: la de Veronés, datada hacia 1580, y la de Annibale Carracci, pintada cerca de una década después, en la fase más “veneciana” del autor. Disfrutaremos, asimismo, del cruce de vistas que ofrece el tramo central de la Galería, con la perspectiva de Carlos V en la batalla de Mühlberg, de Tiziano; Las meninas de Velázquez y La Familia de Carlos IV de Goya.

El Museo ha anunciado, igualmente, que Radio 3 dinamizará esa primera visita nocturna con la emisión en directo de un programa especial dedicado al Prado en el vestíbulo de Jerónimos; en él participarán periodistas y djs de la emisora.

La Comunidad de Madrid ha concedido su Premio ARCO 2023 a la artista Sahatsa Jauregi, por sus trabajos Aizkora y Jone, así como a Eva Fàbregas, por su obra Crecimiento.

Jauregi, nacida en Salvador de Bahía en 1984, analiza la simbología de los objetos con los que habitamos y que, desde su perspectiva, construyen nuestra identidad, prestando atención asimismo a la humanidad que dejaríamos impregnada en ellos. Busca generar taxonomías sensuales que cuestionen nuestros modos de crear imaginarios colectivos, tratando de permitir que el alma de esos objetos se insubordine frente a lo que pensamos que deben ser.

Para la serie Aizkora trabajó junto a su tío, artesano especializado en la fabricación de hachas de competición. Se trata de un conjunto de esculturas sensuales que remiten a un espacio simbólico muy característico del País Vasco, contexto donde el hacha tiene muchos significados poco asociados al deseo.

La barcelonesa Eva Fàbregas tiene algunos lazos en común: investiga la erótica del objeto de consumo y los mecanismos de ingeniería del deseo en esculturas, vídeos, instalaciones y proyectos sonoros. Por su atención a los afectos, ha articulado obras dedicadas a la cultura del bienestar y la relajación, el psicodrama, la industria del marketing y las subculturas terapéuticas en las redes sociales. Crecimiento, pieza perteneciente a una serie del mismo nombre, tiene carácter biomórfico y se elaboró con látex, resina y tejidos sintéticos.

El jurado ha estado formado por el director del Centro de Arte Dos de Mayo, Manuel Segade; la asesora de Artes Plásticas de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte y subdirectora del Centro de Arte Dos de Mayo, Tania Pardo; la miembro de la Comisión Asesora para la Adquisición de Obras de Arte de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, María Corral; el director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza, Guillermo Solana; el director general de Promoción Cultural de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte, Gonzalo Cabrera Martín, y la subdirectora general de Bellas Artes de la Comunidad de Madrid, Asunción Cardona.

Estos galardones vienen fallándose desde 2004, reconocen propuestas de artistas menores de 40 años y las piezas escogidas enriquecen la Colección de Arte Contemporáneo del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles.