NOMBRE: Hodei
APELLIDOS: Herreros Rodríguez
LUGAR DE NACIMIENTO: Vitoria-Gasteiz
FECHA DE NACIMIENTO: 1997
PROFESIÓN: Artista
Conocimos a nuestra última fichada a finales de 2024: fue en la galería murciana Artnueve, donde Hodei Herreros presentó un conjunto de propuestas escultóricas e instalativas con las que no buscaba generar formas de narratividad y lenguaje, sino escenas basadas en la forma y en la imagen.
Lograba que superficies más o menos planas habitasen los espacios, sugiriendo sombras, siluetas, contornos o la impresión de que constituían fragmentos de un cuerpo dividido, y concedía, además, importancia al ornamento, recalcando el peso de aquellos elementos arquitectónicos o mobiliarios cuya función estuvo a medio camino entre lo estructural y lo estético y planteando la posibilidad de diluir esos roles.
Nacida en Vitoria y residente en Granada, Hodei se graduó en Bellas Artes en la universidad de esta última ciudad, donde también cursó estudios en Historia, y cuenta con un máster en Investigación y Creación en Arte por la Universidad del País Vasco, centro en el que actualmente lleva a cabo su doctorado. Otras muestras individuales las ha ofrecido en el Espacio Lavadero, Fuentenueva Espacio-Arte y La Madraza (Granada), el Espacio Incógnita de Murcia, el Centro Cultural Montehermoso de Vitoria, el Museo de Málaga, la Galería El Chico de Madrid y la librería ANTI Liburudenda (Bilbao).
Su participación en colectivas le ha llevado a centros como el Palacio de los Condes de Gabia, el Hospital Real y el Palacio del Almirante (Granada), la Fundación BilbaoArte, la galería House of Chappaz y Fabra i Coats (Barcelona), el Instituto Riojano de la Juventud, el CAAC de Sevilla, el Museo de Arte Contemporáneo Fernando Centeno de Genalguacil, Intermediae Matadero (Madrid), la Sala Rekalde de Bilbao, el Centro de Arte Contemporáneo La Coracha de Málaga o el Centro Marcos Valcárcel de Ourense.
Además, ha participado en varias ediciones de ARCO, ha obtenido uno de los premios de adquisición Alonso Cano de la Universidad de Granada (2023), el año pasado fue seleccionada en la convocatoria Propuestas VEGAP y, en marzo y abril, la veremos en Generación 2026, en La Casa Encendida. Igualmente ha desarrollado residencias del JAI Instituto de Prácticas Artísticas (Tabakalera, Artium Museoa y Fundación Museo Jorge Oteiza), de los Encuentros de Arte Genalguacil Pueblo Museo, la Fundación Bilbaoarte o el C3A cordobés.
La dedicación de Herreros a la creación es reciente (es muy joven), pero como veis ya ha adquirido bases muy sólidas. El arte le permite, más que otras disciplinas, materializar -en sentido literal- sus ideas: Mi primera participación en una exposición colectiva fue en 2019, estando en primero de Bellas Artes, pero cuando cogí verdadera conciencia del arte como trabajo fue quizás a partir de 2020 o 2021. A nivel profesional llevo trabajando como artista desde 2022, cuando terminé el grado.
Mi interés en dedicarme a esto surge de un sentimiento de vocación creativa que poco a poco fue cristalizando en las artes plásticas. Creo que el arte, y principalmente la escultura y la instalación, es la única disciplina donde la creación adquiere cuerpo físico y se coloca en el mismo nivel que la realidad. Las ideas que en otras disciplinas creativas, como la literatura o el cine, permanecen en el plano de la imaginación, la narrativa o la imagen visual, en la plástica cogen forma y dialogan directamente con el mundo material, y eso me interesa mucho.
Creo que el arte, y principalmente la escultura y la instalación, es la única disciplina donde la creación adquiere cuerpo físico y se coloca en el mismo nivel que la realidad.
Hemos avanzado en parte, refiriéndonos a su exhibición en Artnueve, los intereses fundamentales de Hodei; tienen que ver con la legitimación del ornamento en nuestra época (con lo que ello implica) y con la posibilidad de generar sensaciones no necesariamente plácidas en el espectador a través de sus formas: Mi práctica artística se construye desde dos pilares que, más que temáticos, son cuestiones que sobrevuelan, rodean y atraviesan mi hacer y mi experiencia vital.
Uno de ellos es la reivindicación del ornamento (y con ello de materiales, técnicas y objetos tradicionalmente femeninos) como estructura y no como accesorio, dinamitando esa dicotomía entre la estética y la ética/política. El uso de elementos cosméticos, como el maquillaje o la bisutería, y formas relacionadas con lo ornamental, la moda y lo corporal es central en mi trabajo, poniendo en un primer plano la experiencia femenina del mundo y los objetos y rituales de embellecimiento que forman parte de mi cotidianeidad y de la de muchas mujeres.
Reivindicar la feminidad es un modo de dar forma a un cuerpo genealógico que es el mío propio, el de mis piezas, el de tantas mujeres y el de saberes que a lo largo de la historia han quedado marginados, considerados como frívolos o menores precisamente por estar asociados al campo de lo femenino y de lo estético. La feminidad es un espacio político que habito, que me atraviesa, y que me es imposible mantener ajeno a mi obra.
Por otro lado, hay un interés en imágenes que guardan relación con lo inquietante, la sombra, la silueta y el contorno que delimita las formas y las superficies, ocultando muchas veces el interior de las mismas. Ilusiones ópticas, como la Copa de Rubin, que confunden fondo y figura, forma y contraforma, produciendo un cierto sentimiento de intranquilidad en el espectador, al no poder identificar plenamente lo que se está viendo, están muy presentes en mi trabajo.
Me interesa especialmente la silueta por la sensación de ocultamiento que produce, que para mí está muy cerca del misterio o de cierto cripticismo que forma parte intrínseca de mi modo de entender el arte. También la silueta me ayuda a dar forma, contornos, a las cosas, materiales e ideas que manejo. Ese dar forma a un cuerpo que se traduce en objeto. En un tiempo donde gana cada más espacio el concepto de lo fluido, considero que trabajar con el contorno, el límite y la definición de la forma es tomar un posicionamiento político y estético firme, que rehúye la tibieza y la equidistancia tan comunes en nuestra época.
Me interesa especialmente la silueta por la sensación de ocultamiento que produce, que para mí está muy cerca del misterio.
A Hodei Herreros no le preocupa tanto la adopción de unas u otras técnicas, y lograr en ellas oficio, como los lazos entre sus creaciones. Sí nos habla de materiales frecuentes en su trabajo: No considero que me ate a una técnica, formato o material. De hecho, me interesa bien poco el virtuosismo o los procesos técnicos complejos que ocurren en el proceso de gestación de la pieza, sino más bien las relaciones, vínculos y mutaciones que establece la misma con otras piezas, cuerpos o espacios una vez materializada.
Aun así, sí que hay ciertos materiales que se repiten en mi trabajo, como la madera y derivados de esta como el DM, el maquillaje, la bisutería u objetos cotidianos encontrados, como copas, jarras y vajilla de alpaca. En cuanto a procesos, trabajo con diferentes metodologías, que incluyen el corte láser y manual, la pintura con maquillaje y el curvado mediante cámara de vapor, por citar algunos de ellos.
Sus referentes son numerosos, y le importa ser consciente de ellos; tener claras sus fuentes y saber de qué familias forma parte: Podría citar infinitas influencias y referentes. Me interesa mucho la idea de genealogía, de tomar conciencia de dónde vienes, de tus referencias y de la comunidad que eso puede construir.
En mi caso, mi genealogía empieza en los bajo relieves egipcios, la imaginería medieval, continúa con pintores barrocos como Georges de la Tour, surrealistas como Remedios Varo o Leonora Carrington y escultores más contemporáneos (Pepe Espaliú, Juan Muñoz, Bruce Nauman, Eva Lootz, Robert Gober, Louise Bourgeois, etc.). Pero de lo que realmente me nutro es de creadores, principalmente creadoras, actuales que comparten conmigo las problemáticas e intereses de nuestra época.
En el campo del arte, artistas tanto nacionales como internacionales como Belén Zahera, Sahatsa Jauregi, Ana Laura Aláez, Teresa Solar, Stella Zhong, Andrea Levy, Julia Spínola, David Bestué, Cristina Mejías, Fuentesal Arenillas, June Crespo, Clara Sánchez Sala, Iman Issa, Tarik Kiswanson, Alegría y Piñero, Sandra Val, Karlos Gil, Carlos Fernández-Pello, María Alcaide, Bárbara Arcos, José Miguel Pereñíguez o Diego Delas han sido fundamentales a la hora de construir mi propio entendimiento de la práctica artística.
En la música, destacaría a Eddi Circa, Raxet1, Molly Nilsson y Amaral. Y en la teoría/literatura me interesan especialmente autoras cercanas a mi generación, como Noemí López Trujillo, Daphné B. o Nùria Gómez Gabriel, que reflexionan acerca de la feminidad desde una perspectiva feminista y femenina, pero también autoras como Ursula K. Le Guin o Sara Ahmed, así como numerosos ejemplos surgidos de la cultura popular. En general, me nutro de muchas cosas diversas, de dentro y fuera del arte y de lo que consideramos “cultura”: de mis amigas, de conversaciones con gente, de bailar reggaetón hasta el suelo, de socializar, de la militancia política, del mundo de la moda y el diseño de mobiliario, de las escenografías teatrales y las series de misterio, de los tutoriales de maquillaje o de mi manicurista.
En cuanto a sus principales proyectos hasta el momento, cita Hodei los trabajos desplegados en cuatro de sus muestras, la primera justamente ligada en parte a Ursula K. Le Guin: Realmente no siento que trabaje por proyectos, sino que más bien desarrollo una línea de trabajo que se va bifurcando y de la que nacen nuevas líneas. Algo así como el delta de un río.
Igualmente podría considerar mis exposiciones más relevantes hasta el momento como “Las comensales” (Espacio Fuentenueva, Granada, 2022), “Bye bye caravansar” (Galería Artnueve, Murcia, 2024), “Dámela, dame la, dame là” (Palacio de la Madraza, Granada, 2025) y “Las niñas del royo” (Museo de Málaga, Málaga, 2025).
Comenzamos por “Las comensales”, que se inició en la ciencia ficción y tomó caminos decorativos: A partir del libro de ciencia ficción “La mano izquierda de la oscuridad” de Úrsula K. Le Guin, en el que se narra la historia de un planeta donde los seres humanos carecen de género, empiezo a trabajar sobre la idea de generar un diseño ornamental para una sociedad hipotética que no conozca el concepto de ornamento.
Utilizando la columna como un elemento arquitectónico que hace de puente entre lo ornamental y lo estructural, al tener a la vez una función decorativa y sustentante, y que también recuerda a un cuerpo humano erguido, propongo eliminar estas dos funciones. Así pues, realizo una serie de esculturas basadas en diferentes tipologías de columnas y otros elementos ornamentales, como flores, etc., recortadas a láser en cartón contracolado gris y ensambladas entre sí. Un material frágil, precario y considerado feo. Así pues, el ornamento pasa a representarse únicamente a través de la forma y el contorno, diluyendo la idea dicotómica que separa estructura de ornamento.
La mencionada “Bye bye caravansar” fue su primera individual en Artnueve: Comienzo a explorar el color como parte de mi práctica artística, encontrando la paleta de colores que definirá mi trabajo de aquí en adelante. Empiezo a incorporar el maquillaje como elemento pictórico en mis obras, afianzando tanto mi estilo estético como mi discurso sobre la feminidad.
También es un proyecto donde trabajé mucho la idea de escena como lugar donde no sabes si está ocurriendo algo, ha ocurrido o va a ocurrir. Un suceso congelado en el tiempo.
“Dámela, dame la, dame là” también nos llevaba a terrenos de transición: En esta exposición, que se desplegaba en tres salas del Palacio de La Madraza en Granada, exploré la leyenda urbana de las backrooms, supuestos espacios liminales en los que puedes caer accidentalmente y no salir, compuestos en su mayoría por pasillos infinitos de oficinas vacías. Me interesaba esta idea del espacio liminal por la cuestión escénica y la inquietud que generan.
A través de las tres salas planteaba una backroom personal, alejada de esta idea fría de la oficina vacía y habitada por criaturas (piezas) salidas de mi imaginario, un imaginario más cálido y femenino, aunque igual de perturbador. Concebí esta exposición no como una sucesión de piezas, sino más bien como una instalación gigante site-specific que habitara y se adaptara al espacio expositivo. Una de las obras, por ejemplo, consistía en una enorme cenefa en pared de paneles de DM, con rostro y acabados en manos con las uñas pintadas que abrazaban unos restos arqueológicos que había en el centro de la sala. Otra de las piezas acogía las siluetas de los arcos del antiguo oratorio nazarí del palacio histórico para construir una suerte de templete suspendido a diez centímetros del suelo.
Las niñas del royo (2025) fue trabajada a la par que el anterior proyecto e invertí la metodología. En lugar de obras instalativas, realicé una exposición de piezas objetuales independientes, pero a la vez interdependientes entre sí, que establecían relaciones y vínculos de parentesco y afinidad entre ellas, como si fueran hermanas, madres, amigas, pareja, primas, etc.
El proyecto se articulaba en torno al objeto del arco y a dos leyendas medievales sobre la mutilación corporal donde aparecía este elemento. Cada pieza actuaba en cierta forma como metonimia, una parte de un cuerpo que a su vez formaba un todo, reivindicando la idea de exvoto o reliquia medieval a modo de otras formas de entender la corporalidad, frente a la concepción unitaria del cuerpo de la modernidad: un cuerpo sano, masculino, blanco, burgués y cisheterosexual.
Próximamente podremos ver su obra en Madrid: El último proyecto que he realizado (y sigo realizando, ya que es un proceso de investigación plástica de largo aliento) versa sobre la voz femenina y su capacidad escultórica, tanto para generar forma material como comunidad social entre mujeres. Es un trabajo multidisciplinar que incluye escultura, instalación, pintura, audiovisual y performance y que se articula en torno a ejercicios logopédicos de feminización vocal para mujeres trans que yo misma realizo.
A través de performances corales basadas en estos ejercicios, esculturas pintadas con maquillaje y un gesto que hemos realizado prácticamente todas las mujeres como es pintarnos los labios, me pregunto qué bocas, qué estéticas y qué voces son más silenciadas en el espacio público y cómo poder construir comunidad femenina en torno a esos saberes cosméticos y vocales compartidos que nos haga visibles, escuchadas y unidas.
Este proyecto consta de tres capítulos. El primero, “The voiceless voice of the girls”, se presenta en La Casa Encendida del 29 de enero al 11 de abril de 2026 en el marco de la exposición colectiva “Generación 2026”. El segundo, “Moldear, modelar, modular”, se encuentra en proceso y lo estoy desarrollando actualmente en el Centro de Residencias Artísticas de Matadero gracias a una ayuda del Ministerio de Cultura, y el tercer capítulo que cerrará el ciclo, “La Voz Girls”, formará parte de la exposición de las ayudas INJUVE en 2027.
Podemos seguir sus pasos aquí: https://hodeiherreros.com/
