La Buchmann Galerie berlinesa exhibe, hasta el próximo 30 de enero, pinturas de Jason Martin realizadas en el último año. Suponen un cambio importante en su trayectoria: regresa al pincel y por primera vez emplea una paleta de colores versátil en distintas tonalidades con las que genera imágenes que destacan por su profundidad, por el espacio insondable que sugieren.

Sus piezas parecen llevarnos a realidades casi figurativas, a la visión que nos produciría mirar dentro de un fuego ardiente, un remolino de agua o hielo. El movimiento lateral de la pincelada apoya el juego de colores de múltiples capas en las pinturas más translúcidas; otras resultan más opacas.

Sonia Rueda ha donado al Museo de Bellas Artes de Bilbao el fondo documental del historiador del arte Xabier Sáenz de Gorbea, una figura esencial para el impulso del arte vasco en los últimos años. Fue además profesor, crítico y comisario, por eso durante sus investigaciones reunió un extenso acervo de documentos que ahora custodiará la Biblioteca de este centro y que se destinará al estudio de la creación actual. Se trata de monografías artísticas, revistas, ejemplares de prensa fechados a partir de los años 70, recortes de prensa cultural, semanales de periódicos, folletos y catálogos de exposiciones, diapositivas, disquetes y cassettes. Una parte de los materiales donados pueden verse ya en la Sala W.

Además, para mantener la memoria de Sáenz de Gorbea, Rueda y el museo bilbaíno han acordado convocar un concurso bienal de artes visuales que estará dotado con 10.000 euros y al que podrán optar personas físicas o jurídicas que hayan realizado una aportación probada y decisiva para el desarrollo de la creación en el País Vasco.

En su primera edición ha recaído en la pintora Marta Cárdenas, por decisión de un jurado compuesto por la propia Sonia Rueda, Miguel Zugaza, director del Museo, y, como vocales, Beatriz Herráez, directora de ARTIUM y Francisco Javier López Landatxe, exdirector de Koldo Mitxelena Kulturunea.

Inma Herrera, que acaba de ser reconocida con el Ducat Prize 2020 de la Finnish Art Society, presenta hasta el 6 de febrero su primera exposición en F2 Galería: “Ese espacio fuera de mi cuerpo”. Consta de obras fechadas en los últimos tres años en las que ahonda en las relaciones entre imagen y tactilidad; las ha planteado como continuación al proyecto que desarrolló entre 2017 y 2018 en la Real Academia de España en Roma.

La producción de Herrera se basa en el análisis y la deconstrucción del lenguaje del grabado y su complejidad. Ella lo enlaza con los códigos de la escultura y la imagen en movimiento.

Las Galerías de Arte de Catalunya y la Asociación Art Barcelona cerraron el pasado 2020 concediendo, un año más, sus Premios GAC.

El artista Antoni Llena y la galerista Chus Roig recibieron los Premios Honoríficos Fundació Banc Sabadell y también fueron reconocidos el coleccionista Josep Maria Civit, la Galería Marc Domènech por la exposición “Magda Bolumar. Papeles de los años 60 y 70”, RocíoSantaCruz por su programación anual, Arnau Horta por el comisariado de la exposición “¿Arte Sonoro?”, realizada en la Fundación Joan Miró; Gonzalo Elvira como artista con la mejor exposición en galería, por “Idilio” en RocioSantaCruz; Glenda León como artista emergente por la mejor exposición en galería, con “Mecánica Celeste” en la Galería Senda; la crítica de arte Ángela Molina y el medio de comunicación Mirador de les Arts.

El jurado de los galardones estuvo presidido por el historiador Josep Casamartina y formada por Montse Frisach, periodista y crítica de arte; Roser Figueras, coleccionista de arte y directora de Cal Cego; Helena Tatay, historiadora, crítica de arte y comisaria y el artista Rafel G. Bianchi.

La artista zaragozana Eva Armisén y sus célebres figuras sonrientes han recalado en el Espacio Sin Título de Madrid, en la muestra “Vida”. Consta de óleos, obra gráfica y trabajos sobre papel realizados en los últimos tres años y en los que, según la artista, hay muchas ganas de sentir, muchas ganas de amar y muchas ganas de vivir mirando hacia fuera y hacia dentro.

Interesa a Armisén representar la vida diaria y lo cotidiano acentuando lo que tienen de extraordinario y desde una mirada emocional y optimista. Más en un momento como este: Es un momento en el que la vida late de una forma más intensa. Creo que las durísimas circunstancias que vivimos me hacen sentir más viva y consciente que nunca. Quiero representar que, de alguna manera, la vida no nos deja en paz y nos cuestiona qué queremos, qué necesitamos, qué cambiaríamos. En mi caso la pintura vuelve a ser el vehículo perfecto para representar esas inquietudes.

El Palacio Valeriola valenciano se encuentra sometido a obras de rehabilitación para adaptar sus espacios a fines expositivos: albergará el Centro de Arte Hortensia Herrero, que tendrá a Alejandra Silvestre como directora gerente. El espacio se inaugurará, según lo previsto, en 2023 y contará con 3.500 metros cuadrados en los que podrá contemplarse tanto la colección privada de Herrero como muestras de artistas internacionales.

Los trabajos de remodelación del edificio corren a cargo del estudio ERRE Arquitectura y tienen vocación continuista: además de disfrutar de esos fondos de arte contemporáneo, permitirán a los visitantes descubrir parte del circo romano de Valencia o ver las vigas originales de madera y el revoltón cerámico de la sala noble del Palacio.

Las obras se iniciaron en 2018, ya se han terminado las cimentaciones y actualmente se trabaja en la ejecución de la nueva estructura y el refuerzo de los elementos existentes. Se devolverá la fachada a su estado original en su reforma de principios del siglo XIX, se mantendrá el pavimento original de adoquín de rodeno y se eliminarán los elementos impropios modernos que se han añadido en las últimas décadas en las distintas fases del edificio. En cuanto a la capilla del inmueble, se restaurará y se reconstruirá adaptándola como una sala más del futuro Centro de Arte.

En el proceso ha habido hallazgos, como un horno bajomedieval y los tramos de la gruesa pared de cinco metros de ancho del graderío occidental del circo romano de Valencia, hallados en el patio y datados hacia la primera mitad del siglo II d. C.

Bailarín, coreógrafo, pintor y cineasta, Shen Wei se mueve con fluidez entre esas disciplinas con la voluntad de estrechar lazos entre cuerpo y entorno. Como pintor, trabaja con lienzos monumentales para crear entornos visuales envolventes que evocan antiguas pinturas de paisaje chinas y también el dripping o la gestualidad de la abstracción del siglo XX.

Por sus dimensiones, sus telas integran el movimiento en la experiencia contemplativa del espectador mientras que sus filmes sintetizan coreografía, tiempo, lugar y luz a la hora de generar universos etéreos. Así, el conjunto de su producción trasciende los límites entre las artes visuales y escénicas, buscando un significado espiritual que une su práctica en todas las áreas.

Hasta el 20 de junio, Wei presenta en el Isabella Stewart Gardner Museum de Boston “Painting in motion”, su primera exhibición en Estados Unidos. Cuenta con sus pinturas recientes, dos de ellas elaboradas durante una residencia en este centro, y con cuadernos, bocetos y documentación de sus coreografías.

Hasta el próximo 9 de enero, la Berggruen Gallery de San Francisco presenta “Bruce Cohen 2020”, un repaso a las pinturas recientes del artista. Se trata de la décima exposición del autor en este espacio y consta, nuevamente, de interiores cautivadores que contienen elementos de etérea intriga: ramos de flores junto a ventanas o reproducciones de Mondrian proyectadas en las sombras geométricas de otros objetos.

Organizadas minuciosamente pero concebidas de forma caprichosa, sus escenas no tienen origen real, sino que proceden de la propia imaginación del artista, que las elaboró en su mayor parte durante el confinamiento, periodo en el que se centró en la exploración del paso del tiempo en un entorno doméstico.

Influenciado por la pintura de naturalezas muertas holandesa y el surrealismo, orquesta sus composiciones para que resulten al tiempo estrictamente figurativas y oníricas. Su primera inspiración fue Magritte, pero, dos décadas después, Cohen continúa presentándonos escenarios tan domésticos como trascendentes.

Hasta el próximo 30 de enero, la Galería Gema Llamazares de Gijón presenta “El Cuerpo del Amor”, primera individual de la artista granadina Marina Vargas en Asturias, comisariada por Óscar Alonso Molina.

La producción de esta autora es sensible al sustrato cristiano y barroco de la cultura andaluza, y a los procesos de sincretismo establecidos en religión y arte, más allá de periodos y geografías. También a la complejidad de lecturas vinculadas al cuerpo y el feminismo. En esta exposición se han reunido trabajos recientes: dibujos, esculturas y fotografías protagonizados por diosas que son a la vez creadoras y destructoras y que cuestionan los roles tradicionalmente asociados a la mujer.

El 12º Certamen Nacional de Pintura del Parlamento de La Rioja, cuyo plazo de inscripción finalizó el pasado 11 de diciembre, tiene ya finalistas: se trata de Fernando Jiménez Fernández, Sofia Moreno Domínguez, Pepe Baena Nieto, Julio Sarramian Bernal, Arturo Sarramian Bernal, José Luis Aguiló Hernández, Fernando Devesa Molina, Jesús Rivero López, Antonio Lara Luque, Daniel Nuñez Pernás, Luis Javier Gayá Soler, Elena Goñi Goicoechea, M.ª Paz Pellín Sánchez, Ismael Alí de Unzaga, Yann Leto Redondo, Karlos Galarraga, M.ª Raquel Urzi Miatello, Ariadna Martínez Benito, Richard Somonte Llerena, Ana del Valle Ojeda, Jorge Llopis Jordá, Pau Cassany, Eduardo Millán Sañudo, Jorge Gallego García, Carolina Ferrer Juan, Carmen Montero Gutiérrez, David Martínez Calderón, Pedro Reinares Gurrea, Amalia Navarro Jara, Lidia Martín Pinzolas, Wenceslao Robles Escudero, Koldo Etxeberria Etxeberria, Juan José Vicente Ramírez, Juan Antonio Gil Segovia, Lucía Hervás Asins, Natalia Auffray, Luis Paltré Jiménez, Alfonso Sicilia Sobrino, Sebastián Velasco Navarro, Pablo Bellot García, Lidia Sancho Heras y Noelia Marcolain Samaniego.

Dada la situación sanitaria y las actuales restricciones de movilidad, se han modificado las fechas correspondientes a las últimas fases de esta convocatoria. El fallo del Jurado está previsto para los días 16 y 17 de abril y la inauguración de la exposición temporal y la entrega de premios se celebrará el día 30 de ese mes.

Como novedad respecto a ediciones anteriores, el director del certamen, Francisco Javier Garrido Romanos, realizará visitas guiadas a la exposición todos los viernes del mes de mayo y podremos acercarnos a la muestra de forma virtual. Además, cada obra dispondrá de una audioguía en la que se describirá la pieza y se nos transmitirán las impresiones de los artistas y creadores.

El videoartista taiwanés Hsu Che-Yu ha resultado ganador de la última edición del Premio de producción de videoarte de la Fundación Han Nefkens – Loop Barcelona, concedido en colaboración con la Fundació Joan Miró.

Este galardón tiene como fin impulsar la producción artística contemporánea en el ámbito del videoarte, apoyando a autores de origen o nacionalidad asiáticos.

Según el jurado, Hsu Che-Yu “construye una ingeniosa amalgama de tragedias reales de nuestro mundo mediante tecnologías, incluyendo animación y cine, para crear obras humanísticas que nos interpelan. Destacamos sus complejas y sofisticadas estructuras narrativas, así como su visión subversiva y poética de los temas que trata.”

El artista recibirá 15.000 dólares para la producción de una obra nueva que será presentada en la Fundació Joan Miró en noviembre de 2021, coincidiendo con Loop Barcelona. Su trabajo se presentará en 2021-2022 en el Centre d’Art Contemporain de Ginebra, en el Inside-Out Art Museum de Pekín, el MOCA Taipei y en ILHAM, en Kuala Lumpur.

Yu realiza fundamentalmente animaciones, vídeos e instalaciones que muestran la relación entre los medios y los recuerdos. Le interesa tanto la historia de los acontecimientos que se puede seguir a través de los medios como, sobre todo, la construcción y la visualización de los recuerdos, personales y colectivos.

Cristina Iglesias prepara una intervención escultórica para la Casa del Faro de la Isla de Santa Clara (San Sebastián): se llamará Hondalea y podrá visitarse en el interior de dicho faro a partir de la primavera del año que viene.

Hondalea significa en euskera abismo en el mar, porque la pieza tiene a este y su profundidad como idea fuerza; se trata de un término de extensa tradición literaria que aparece en textos del poeta Arnaud Oihenart en el siglo XVII.

Iglesias busca plasmar en su trabajo la profundidad interior de la isla, a partir de la construcción de una gruta; una isla implica, además, lo contrario a un abismo, antítesis que convenía a las inquietudes de la artista. Promueve el proyecto el Ayuntamiento de San Sebastián.

Instalaciones a pequeña y gran escala, dibujos, acuarelas y esculturas en bronce componen la nueva muestra (la segunda) de Do Ho Suh en Lehmann Maupin Londres.

Nacido en Seúl y establecido en Londres, aborda en su producción multidisciplinar asuntos relativos al hogar, la memoria, la marginalidad y la correlación entre espacios físicos y psíquicos; de hecho algunas de sus esculturas elaboradas con tejidos recrean, a escala, espacios de sus antiguas residencias y estudios, reflejo de su vida itinerante en Corea, Rhode Island, Berlín, Londres y Nueva York.

A Londres ha llegado también Hub-1, Entrance, 296-8, Sungbook-Dong, Sungboo-Ku, Seúl, Corea (2018), reproducción a escala real de un área del pasillo de la casa de la infancia del artista en Seúl. Explora el autor, en este y otros trabajos, los espacios intermedios que transitamos antes de entrar a las habitaciones, en los que la relación entre exterior e interior, lo público y lo privado se difumina. Esa indagación supone su respuesta a la calidad porosa de la arquitectura tradicional coreana, en la que las habitaciones se reconfiguran para diferentes propósitos a lo largo del día y el entorno natural se hace muy presente.

El interés de Suh en cómo construimos y mantenemos nuestro sentido identitario, así como en nuestra necesidad de seguridad, se extiende más allá de la creación de escenarios. En su Karma de tres columnas (2015) aborda la conectividad humana a través de una representación literal del yo en relación con los demás a través de figuras uniformes apiladas.

Mientras aún se exhibe en Huesca, hasta febrero, la muestra “Arte ingenuo. Colección Santos Lloro”, compuesta por una selección de obras de arte y de vida de esos fondos fechados desde la Edad Media hasta hoy, la Diputación de esta provincia ha presentado en el Jardín Botánico madrileño “Miradas ingenuas”, una reflexión sobre la inocencia a partir de juguetes populares de ese mismo acervo y del artista Antonio Santos. Se aborda tanto su presencia en la vida cotidiana como su relevancia en la historia del arte reciente.

Dos secciones articulan la exhibición, en el Pabellón Villanueva: La vida en el juego, que consta de juguetes españoles y europeos de los siglos XIX y XX, creados artesanalmente o en el ámbito doméstico, y El juego de la vida: 75 obras de Antonio Santos de cuyo proceso creativo también formó parte lo lúdico. Ambos planteamientos se entrelazan a la hora de ofrecernos una definición del arte ingenuo y de sus valores expresivos a través de una estética simple.

La vida en el juego alude a su importancia en el transcurso de la infancia, su relación con el ocio, su uso con fines educativos o de adoctrinamiento o a los modos en los que los juguetes han replicado la vida. Mientras, El juego de la vida recuerda la estrechísima relación entre creación y juego en la producción de Santos, que conjuga lo culto y lo popular y mantiene su originalidad en tiempos de uniformización.

Nos sumerge este apartado en un lugar lleno de fantasías y ensoñaciones, de objetos que contienen paradojas del crecimiento o que enlazan hogares (la intimidad) e identidades.

“Miradas ingenuas” puede visitarse hasta el 31 de enero de 2021.

El Ayuntamiento de Madrid ha adquirido media docena de obras de arte contemporáneo a las galerías madrileñas, por valor de 30.000 euros, y las piezas han pasado a formar parte de los fondos de su Museo de Arte Contemporáneo. Se trata de una adquisición extraordinaria destinada a favorecer el alivio de la situación por la que atraviesa el sector a causa de la situación sanitaria, y se enmarca dentro del Plan Aplaude.

La decisión de compra la adoptó el pasado septiembre la Junta de Valoración de Adquisiciones de Bienes de Patrimonio Cultural, órgano colegiado de apoyo y asesoramiento al Área de Cultura, Turismo y Deporte que fija las directrices que han de presidir la compra de bienes culturales para las colecciones municipales.

Esta vez, dicha Junta ha contado con expertos externos que han colaborado en la selección de las obras conforme a los criterios fijados por la Dirección General de Bibliotecas, Archivos y Museos para ampliar la colección del Museo de Arte Contemporáneo. Entre esos criterios, figuraba potenciar la obra de mujeres artistas ligadas a Madrid: de los seis trabajos adquiridos, cinco son de autoría femenina.

Se trata de El proceso mural 4 de Gabriela Bettini (Galería Sabrina Amrani), La forma dada X, VIII y VI de Miren Doiz (Moisés Pérez de Albéniz), Dramatize progress de Paula García-Masedo (Twin Gallery), una pieza sin título en gelatina de plata sobre papel de Alfredo Rodríguez (Espacio Valverde) y las series Orden Biológico I y Orden Biológico II de Ana Buenaventura (José de la Mano).

El Palacio Real presenta hasta abril la muestra “Rafael en Palacio. Tapices para Felipe II”, exhibición con la que Patrimonio Nacional homenajea a Rafael en el quinto centenario de su muerte. Se trata de la primera vez que se expone la secuencia completa del ciclo apostólico que perteneció a la colección de Felipe II (1527-1598), siendo esta la reedición de los cartones de Rafael mejor conservada. Esta propuesta es la última gran cita de 2020 a nivel internacional, en el marco del quinto centenario de la muerte del artista de Urbino.

Se trata, además, de la primera muestra temporal que Patrimonio Nacional organiza tras el confinamiento.

El origen de esta serie apostólica se remonta al encargo que el autor de La escuela de Atenas recibió en 1514 por parte del Papa León X para realizar, a escala natural, los cartones de una decena de tapices que, durante ceremonias solemnes, vestirían la parte baja de la Capilla Sixtina. Ya entonces habían trabajado en el Vaticano los mejores artistas de su tiempo: Perugino, Botticelli, Ghirlandaio y Miguel Ángel.

El Papa y su círculo de teólogos escogieron un programa iconográfico que incidía en la legitimidad del pontífice como sucesor de san Pedro y la misión de la Iglesia de predicar la palabra de Cristo. El artista llevaría a cabo una minuciosa labor de documentación e, incluso, ordenó la presencia permanente de un ayudante que le leía en alto los textos canónicos.

El resultado de ese trabajo fue un compendio de composiciones inéditas, de paisajes y arquitecturas trazadas según los principios renacentistas de la perspectiva y la geometría, y de figuras humanas a escala natural en las que se advierte un perfecto conocimiento de la anatomía, la escultura clásica y la expresión de estados de ánimo.

Hay que subrayar asimismo la maestría técnica con la que los tapiceros de Bruselas, en el taller de Pieter van Aelst, trasladaron los cartones de Rafael al juego de trama y urdimbre en hilos de oro, plata, seda y lana, entre los años 1516 y 1521. Pero Rafael murió repentinamente en abril de 1520 y solo llegó a ver expuestos, en la Capilla Sixtina, siete de los tapices.