Coincidiendo con su vigésimo aniversario, la Galería Ángeles Baños de Badajoz presenta, hasta el 23 de mayo, la muestra colectiva “Impluvium”, en la que participan los artistas portugueses Rita Sobral Campos, Ana Cardoso , Ramiro Guerreiro, Fernando José Pereira, Eduardo Peterson, Flávia Vieira y Sara Chang Yan.

Todos ellos abordan cómo la arquitectura clásica puede abrir nuevos caminos para reflexionar sobre el arte, la política y la crisis climática, siendo el eje de la exhibición la llamada Casa del Poeta Trágico de Pompeya. Sus ruinas se hallaron en noviembre de 1824 y supusieron un gran descubrimiento por su ornamentación pictórica, en muy buen estado de conservación. Esta casa disponía, además, en su atrio de un impluvium, que a modo de estanque de mármol, tenía función decorativa y utilitaria, como depósito de agua; la de la lluvia se conducía a través de una estrecha abertura en el techo, el compluvium.

La mayor parte de las piezas que forman parte de esta exhibición son inéditas.

Deep Song e Immediate Tragedy son coreografías que la bailarina Martha Graham creó como respuesta a las fotografías relativas a la Guerra Civil española, fijas pero dinámicas, y en cualquier caso terribles, que llegaban al público estadounidense en revistas y noticieros del 36 al 39. El título de la primera se inspiraba en el Poema del Cante Jondo (1931) de García Lorca y los movimientos de la danza trataban de reflejar el sufrimiento de la población; se trata de una obra breve, de en torno a cinco minutos, concebida en el mismo año en que Picasso pintó el Guernica.

Ambas piezas, danza y pintura, testimonian en cierto modo cómo la contienda —con su violencia y deshumanización— influyó en el arte moderno occidental, haciendo hincapié en el impacto del terror en el cuerpo de las mujeres. Aunque los dos trabajos aluden a un hecho histórico, con el tiempo han transcendido lo concreto para convertirse en símbolos del dolor universal.

Hasta el próximo 27 de mayo, el Centro Federico García Lorca de Granada presenta Ensayo para Deep Song de Lola Lasurt, una obra que consta de ocho tiras pictóricas, un plató y un banco. Ha tratado la artista de traducir la fisicidad del movimiento de la danza a la pintura como un acto performativo y, para ello, tuvo que bailar Deep Song antes de pintar.

Su proyecto, como tantos en su carrera, se basa a la vez en un evento y un hecho histórico (danza y guerra civil); a ambos los trae a nuestro momento presente mediante un reenactment que nos incita a repensar su sentido hoy.

Hasta el próximo 21 de mayo, CaixaForum Barcelona nos invita a contemplar en vivo la restauración del tapiz que Joan Miró creó para “la Caixa” en 1980, en colaboración con el creador textil Josep Royo; en él aparece la estrella que es emblema de esta institución.

El público podrá adentrarse así en la intervención en las fibras de esta obra, para entender cómo las condiciones ambientales les afectan y conocer la historia tras el logotipo: el horario será de 16:00 a 18:00 horas los lunes, miércoles y viernes y, los martes y jueves, de 16:00 a 17:00 horas. En ese tiempo, habrá un educador disponible para resolver nuestras dudas y atender comentarios; la asistencia es gratuita con inscripción previa.

Hay que recordar que, en los setenta, Miró y Royo trabajaron juntos en siete tapices monumentales, uno de ellos para ”la Caixa”. El fin del encargo era alumbrar una obra a partir de un elemento icónico que sirviera de imagen corporativa a esa entidad; el elegido fue una estrella de cinco puntas acompañada de otros dos astros que representan sus valores culturales y sociales, dinámicos y universales.

En noviembre de 1980, el tapiz pudo verse en la exposición “Joan Miró. Obra gráfica” del Centro Cultural de la Casa Macaya de Barcelona y, el 2 de junio de 1981, se mostró al público con motivo de la inauguración del Museu de la Ciència (en la actualidad CosmoCaixa). Hoy podemos volver a contemplarlo para descubrir, por primera vez, su revés en una exhibición que quiere reivindicar la técnica y el trabajo del equipo de colaboradores de La Farinera, formado sobre todo por mujeres.

Tras cinco años consolidándose en Córdoba y en otoño, FLORA, el Festival Internacional de las Flores, celebrará este año la primavera en Sevilla. El 27 de marzo, entre las 11:00 y las 14:00 horas, sumará sus propuestas a Calle Cultura 2022, una iniciativa del Ayuntamiento hispalense que se pondrá en marcha este fin de semana en el Paseo Colón y que constará de actividades artísticas que se desarrollarán en espacios públicos reservados normalmente al vehículo privado.

Presentará FLORA una gran instalación por la que también se podrá caminar: Ultraefímera, que evocará los tradicionales laberintos de los jardines europeos y que estará formada por 20.000 rosas amarillas, naranjas, rosas y crema.

Es un diseño de dos colectivos: los daneses TABLEAU y los españoles Flor Motion, ganadores de FLORA en 2021 y 2019, respectivamente, y su fin es proponer modos alternativos de transitar por la ciudad y plantear nuevas formas de convivencia con el mobiliario urbano, dado que su soporte serán las vallas peatonales que sirven de cerramiento en algunas calles. Al finalizar la acción, se invitará al público a llevarse a casa todas las flores, porque se pretende que en esta acción nada sobre, todo se reutilice y pueda ser compartido con los ciudadanos.

Ultraefímera contará, además, con ambientación sonora y musical: correrá a cargo de Fernando Vacas, que creará una sesión ex profeso para esta acción, interactuando con los colectivos florales; también se sumarán otras propuestas creativas y musicales de distintas disciplinas, como las de la Orquesta de Capitanía y los artistas del Paseo del Arte, tradicionalmente instalados en el Paseo de la O.

TABLEAU es un estudio multidisciplinar radicado en Copenhague que despliega su actividad como galería de arte, estudio de diseño y concept store. Fundado por Julius Værnes Iversen, su propósito es deconstruir las convenciones del diseño floral clásico para elevarlo a la categoría de arte; como artistas consideran a diseñadores florales o floristas.

Todas sus instalaciones cuentan una historia; se caracterizan por su minimalismo, su limpieza de líneas, la búsqueda de contrastes y, habitualmente, por su monocromatismo.

Flor Motion, por su parte, es un colectivo compuesto por algunos de los mejores floristas de Madrid y Barcelona, unidos para promocionar y divulgar la cultura de la flor y humanizar con ellas las ciudades. Periódicamente, sus miembros abandonan sus empleos habituales y se reúnen para hacer guerrillas florales: instalaciones improvisadas y anónimas en la calle destinadas a sorprender y llenar las ciudades de color, a la vez que invitan a los paseantes a llevarse, como decíamos, esas flores y compartirlas con otros. Defienden y reivindican la belleza de lo campestre e intentan que sus intervenciones tengan el menor impacto en el medioambiente, usando elementos orgánicos en la medida de lo posible o reutilizando materiales.

El jurado de la beca de producción LABjoven-Experimenta 2022 ha seleccionado como proyecto ganador de la misma Vacacional, del artista pontevedrés Olmo Cuña, entre las 17 propuestas recibidas en esta convocatoria.

Se trata de un ensayo de videoinstalación que estudia los lazos entre la Ciudad Sindical Vacacional de Perlora, el concepto de “nostalgia reflexiva” y las características propias de la imagen digital. Según Cuña, este trabajo busca generar asociaciones entre la arquitectura del lugar, vinculada al ocio y al descanso, y la noción de nostalgia reflexiva planteada por Svetlana Boym, un tipo de nostalgia que emplea la distancia crítica para reflexionar sobre la historia, reconsiderar el paso del tiempo y recuperar los vínculos entre utopía y memoria.

El autor ha tomado como eje de su propuesta la investigación de esa ciudad residencial, levantada en 1954 para servir de lugar de descanso a los empleados de las empresas públicas de toda España; hoy sus instalaciones se encuentran muy deterioradas.

Gracias a la beca realizará una residencia de ocho semanas de duración en LABoral para producir este proyecto, que estará formado por una serie de películas basadas en acciones registradas en Perlora; en gestos, espontáneos y lúdicos, que sean el resultado de una reflexión que busca alterar nuestros modos de percibir ese lugar. Su trabajo se moverá entre procesos de producción manuales y digitales, como vía para relacionar el pasado y el futuro y los resultados de la residencia se mostrarán en una exposición en LABoral desde el 23 de junio de 2022.

Los proyectos de Cuña suelen basarse en experiencias cotidianas en distintos lugares de su entorno; le interesa observar y cuestionar cómo funcionan las formas más generalizadas y consumistas de acercamiento al territorio a través de la imagen. Sus procesos, relacionados con la pintura y el paso del tiempo, suelen incorporar activaciones o relatos con los que sugerir otras condiciones de percepción respecto a escenarios culturales, paisajísticos o urbanos concretos.

José Manuel Pérez Tornero, presidente de RTVE y José Andrés Torres Mora, presidente de Acción Cultural Española (AC/E) han firmado un convenio marco de colaboración entre ambas instituciones para impulsar proyectos conjuntos.

RTVE difundirá las actividades de AC/E que cuenten con especial relevancia e interés, estudiará la emisión de programas realizados desde algunos de los proyectos que Acción Cultural desarrolla y cederá material del Fondo Documental de RTVE con fines institucionales o divulgativos. AC/E, por su parte, colaborará con RTVE proporcionando información para su labor divulgativa y otorgará preferencia a esta corporación en sus actos públicos.

El convenio tendrá una vigencia inicial de dos años.

La Fundación Hyatt concedió ayer el Premio Pritzker correspondiente a 2022 al arquitecto burkinés Francis Kéré, que se convierte así en el primer africano en obtener este reconocimiento. El galardón, que viene otorgándose anualmente desde 1979, está dotado con 100.000 dólares (91.000 euros) y su 44ª ceremonia tendrá lugar en el Marshall Building londinense, en una fecha por concretar.

Nacido en Gando en 1965, Kéré emigró a Alemania, donde se formó en arquitectura para convertirse después en uno de los grandes impulsores de la construcción social y sostenible. Oriundo, por tanto, de uno de los países más pobres del mundo, obtuvo una beca para estudiar en Berlín y allí abriría, con el tiempo, su propio estudio.

La producción de Kéré está estrechamente ligada a su país natal, aunque se sirve de elementos y principios universales que permiten insertarla también en contextos diferentes, como el de su ciudad de adopción. Por su empleo de recursos limitados y técnicas sostenibles, se ha convertido en el líder de una nueva generación de arquitectos volcados en trabajar para los menos favorecidos.

Hace cuatro años, en 2018, el Museo ICO de Madrid le dedicó la exposición “Elementos primarios“, comisariada por Luis Fernández-Galiano. Relacionaba la obra de Kéré con los elementos básicos de la arquitectura ideados por Gottfried Semper en el siglo XIX: el suelo estereotómico, el techo tectónico y el muro textil.

El ovetense Manuel Calvo desarrolló su producción bajo la influencia de las vanguardias y también de su momento histórico: siempre tendió a la experimentación y el inconformismo. A finales de los cincuenta se acercó al arte geométrico y también a los postulados del colectivo Equipo 57 para emprender, a continuación, caminos más personales.

Viajó a París, donde lo representó la sala Denise René y su mirada continuó abriéndose hacia la modernidad europea; más tarde, expuso en Madrid junto a Franz Weissmann y Adolfo Estrada y también se implicó en el antifranquismo. Conjugó su pintura geométrica con xilograbados de expresionismo realista que pueden relacionarse con los que entonces llevaba a cabo Estampa Popular y que realizaba mediante métodos de producción casera, con recursos sencillos.

Hasta el próximo 19 de marzo, la Galería José de la Mano de Madrid nos muestra algunos de sus trabajos en papel del año 1963, piezas en las que confluyen geometrías en blanco y negro, sus personales círculos y la reflexión material sobre los procesos de estampado. A veces se componen a partir de sucesiones de franjas estrechas y monocromáticas o bicromáticas, con diferentes orientaciones atendiendo a indicaciones manuscritas por el artista en el reverso; esas franjas, a su vez, derivan de motivos repetidos con variaciones sutiles. Sería posible imaginar que continúan más allá de su soporte, quizá porque se han elaborado mediante la presión de un rodillo.

Siempre buscó Calvo no repetirse, por más que llevara a cabo múltiples variaciones a partir de un único tema, e incluso filmando (su cortometraje El 17 de Elvira fue montado en bucle y concebido para no terminar nunca).

Otras indagaciones plásticas las llevó al terreno de los frottages: desplegó elegantes texturas grises en grafito sobre papel rugoso; remiten a las primeras vanguardias, en cuanto al automatismo del trazo y el azar controlado.

Una vez remodelado y culminado su proceso de ampliación de dos años de duración, el Museo de Arte Moderno de Céret ha vuelto a abrir sus puertas con la muestra “Cada rostro es un lugar”, dedicada a Jaume Plensa. De ella forman parte una docena de esculturas y veinte dibujos originales de gran formato, todos ellos realizados por el catalán entre 2019 y 2021 y centrados en un único asunto: el rostro humano. Se han creado específicamente para este espacio y pueden contemplarse hasta el 6 de junio.

En cuanto a los fondos permanentes del Museo, se ha diseñado para ellos un nuevo montaje. Forman parte de su colección obras de Picasso, Braque, Juan Gris, Max Jacob, Brune, Soutine, André Masson, Chagall, Miró, Tàpies o Barceló.

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta, hasta el 22 de mayo, la muestra “Plotting Upon the Passage of Time” del neoyorquino Phil Frost. Consta de puertas de madera y pinturas producidas con técnicas diversas, llevadas a cabo desde 1997 hasta la actualidad.

La producción de este autor tiene que ver con sensaciones y con reflexiones sobre la percepción, el medio ambiente, la memoria o la imaginación y conjuga influencias del arte tribal con procesos de trabajo meticulosos. Incluye el artista en sus piezas objetos pegados como coches de juguete, piedras pequeñas, botellas con botones o latas, que se presentan sobre lienzos o madera.

El Ministerio de Cultura y Deporte ha firmado, el pasado 3 de marzo, un protocolo de colaboración con la Fundación Eduardo Chillida y Pilar Belzunce, documento rubricado por el ministro Miquel Iceta y el presidente de la Fundación, Luis Chillida, que será el punto de partida para desarrollar la colaboración entre ambas instituciones de cara al centenario del nacimiento del artista, que se celebrará en 2024.

La colaboración se desarrollará en ámbitos como la elaboración y el desarrollo de programas didácticos sobre las colecciones del Chillida Leku y de los museos estatales y la puesta en marcha de actividades culturales que ayuden a la reflexión conjunta sobre el arte y la cultura contemporánea y sobre la función de las instituciones museísticas. También se pretende impulsar las colecciones del Leku y de los museos estatales y la realización de actividades culturales en torno a las mismas.

Otro de los objetivos del protocolo es contribuir a la conservación de los bienes culturales del centro vasco mediante los estudios, tratamientos e intervenciones necesarios, con la posible involucración del Instituto del Patrimonio Cultural de España.

Su vigencia será de cuatro años renovables y recoge también la creación de una Comisión de Seguimiento.

El Premio ARCO Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas, creado en 2004 para reconocer la mejor obra de artes plásticas en esa Feria, ha recaído este año en Cristina Mejías, Sol Calero y Edison Peñafiel.

Mejías ha sigo galardonada por Knot the Tongue, Grasp a Stream II (2021), que podía verse en el stand de Rodríguez Gallery. El trabajo de esta artista gaditana gira en torno al tiempo, la narración y el lenguaje concebidos como conjunto de símbolos y signos que conforman un sistema. Sus últimos trabajos son videoinstalaciones que ocupan y transforman espacios; se vale del vídeo para generar narraciones que implican ritmos y cambios.

De la venezolana Sol Calero se han premiado las piezas Mesa servida (2022) y Silla Isadora (2019), en el espacio de Galería ChertLüdde. Realiza Calero instalaciones inmersivas a gran escala y de colores brillantes dedicadas a asuntos como la representación, la identidad, el desplazamiento y la marginación, siempre desde la perspectiva de los migrantes y en relación con la imagen popular de América Latina.

Por último, Peñafiel ha sido galardonado por Mare Magnvm- Navis I (2022), en el stand de Sabrina Amrani. Ecuatoriano emigrado a Estados Unidos, este autor lleva a cabo vídeos e instalaciones multimedia para generar visiones surrealistas de nuestro mundo, concediendo igualmente protagonismo a los migrantes. Mediante proyecciones en loop, trata de imitar los procesos que conforman nuestra historia y nuestro presente.

La Asociación Española de Críticos de Arte, sección de la Asociación Internacional de Críticos de Arte, ha fallado la última edición de los premios que concede anualmente, desde 1995, con motivo de la Feria ARCO.

Como Mejor galería ha sido galardonada Max Estrella, sala madrileña que abrió sus puertas un año antes de que se concedieran los primeros premios AICA Spain/ AECA en ARCO, hace 27 años. Desde entonces se ha consolidado como una de las más importantes de España y este premio quiere reconocer su apuesta por artistas jóvenes de calidad.

En la categoría de Mejor obra o conjunto realizado por un artista internacional vivo, la ganadora ha sido Diana Fonseca. Graduada en el Instituto Superior de Arte, es una de las autoras cubanas más relevantes en la actualidad y ha expuesto en París, Nueva York, Londres, Los Ángeles o La Habana. Se dio a conocer en la feria madrileña hace unos años, con sus cuadros realizados con fragmentos de fachadas de la Habana, en su tiempo señoriales y hoy abandonados.

Por último, en la modalidad de Mejor obra o conjunto realizado por un artista nacional vivo, este galardón ha recaído en la gallega Pamen Pereira. Ha trabajado en dibujos, pinturas, esculturas, instalaciones, fotografías y vídeos y sus procesos de creación, fundidos con experiencias vitales, están asociados a la naturaleza, de donde extrae la mayoría de sus imágenes. En los últimos años ha desarrollado, sobre todo, instalaciones e intervenciones artísticas site specific, para espacios públicos y privados, que profundizan en el carácter social del arte, el rol público del artista y el de la imagen poética.