Escándalos y corrupción han sacudido en los últimos años el teatro Bolshói de Moscú y hoy han terminado por acabar con el despido de su director, Anatoli Iksánov, tras trece años de controvertida gestión.

Será sustituido por Vladímir Urin, hasta ahora director del teatro Stanislavski y Nemeróvich-Dánchenko.

Iksánov será desde ahora asesor en el Ministerio de Cultura pese a que el Ministerio de Interior denunciaba hace semanas el desfalco de 90 millones de rublos (unos 2,1 millones de euros) en las obras iniciadas con Iksákov en la dirección del teatro.

En marzo, la Audiencia de Cuentas de Rusia abrió una investigación sobre los gastos del Bolshói durante el ejercicio 2012 y la disciplina financiera de la dirección del teatro.

El pasado enero sufrió una brutal agresión el director de la compañía de ballet, Serguéi Filin, que fue rociado con ácido en la cara presuntamente por encargo de uno de alguien cercano al ex director, el bailarín Pável Dmitrichenko, actualmente en prisión.

La joven de la perla de Vermeer y otras treinta y cuatro pinturas flamencas de maestros como Rembrandt, Hals o Jan Steen se muestran en el High Museum de Atlanta hasta el 29 de septiembre tras ser cedidas por el Mauritshuis de La Haya.

La exhibición hace hincapié en los descubrimientos técnicos que incidieron en la pintura de la época, como la invención del telescopio y el microscopio.

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Una silla inédita de costura tallada en pino y diseñada por Antonio Gaudí hacia 1907 para formar parte del mobiliario de la Casa Batlló de Barcelona será subastada la próxima semana en la casa Balclis por un precio de salida de 38.000 euros. Hasta ahora pertenecía a la colección privada de los bisnietos de José Batlló.

Las piezas de mobiliario creadas por Gaudí han alcanzado destacados precios en subastas: en mayo de 2011 se vendió en París un banco de dos plazas por 320.000 euros y en 2007 un biombo de la Casa Milà se vendió en Christie’s Nueva York por algo más de medio millón de euros.

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La obra de Luis Seoane se encuentra presente en las colecciones de numerosas instituciones culturales gallegas, como el Museo de Bellas Artes de La Coruña, la Real Academia Galega y la propia Fundación Luis Seoane, pero una parte importante de su trabajo pertenece a particulares, a colecciones privadas.

Su Fundación inaugura mañana “Luis Seoane nas coleccións privadas I”, muestra que inicia un proyecto de investigación y documentación de la obra de Seoane en manos de particulares y que comienza un ciclo de exposiciones a través del que se intentará poner de manifiesto la especial relación que une a creador y coleccionista y difundir un conjunto de piezas de gran valor a las que el espectador no suele tener acceso.

La selección realizada para esta exposición consta de más de cien obras cedidas para la ocasión por veintidós coleccionistas, e incluye una gran variedad de formatos entre óleos, libros, álbumes de grabados, acuarelas, carteles, discos e incluso alguna curiosidad como las siete xilografías que Seoane realizó en el año 69 para un almanaque del Centro Editor de América Latina, o un menú para una cena en homenaje al coleccionista argentino Simón Scheinberg, amigo de Luis Seoane.

La recién inaugurada Galería Out of Africa de Sitges presenta, hasta el 31 de julio, la muestra “De la basura a la belleza”, que pudo verse en la Fundación Setba de Barcelona hasta el 30 de junio y que cuenta con obra de cinco artistas africanos que centran su actividad en la recuperación de residuos para convertirlos en objetos estéticos.

Veremos muebles de diseño de Hamed Ouattara (Burkina Faso) y Bibi Seck (Senegal); esculturas de Sahab Koanda y Xavier Sayago (Burkina Faso) y pinturas de Sambo Boly (Burkina Faso).

Una novedad en esta segunda parte es la incorporación a la muestra de este último creador, que trabaja a partir de tejidos enredados y rasgados en los que introduce fragmentos de madera, puntas de lanza y recortes de fotografías.

El Retrato de Amèlia de Vilanova i Nadal, un óleo sobre tela elaborado en 1853 por Federico de Madrazo, se incorpora a los fondos del Museo Nacional de Arte de Cataluña. MNAC gracias auna donación de los hermanos Monche Maristany y de Wenceslao Vila Monche.

Federico de Madrazo es una de las principales figuras de la pintura romántica española y esta pintura responde perfectamente a las características de los retratos realizados por el artista en la década de 1850, en los que muestra su virtuosismo en la representación de los rasgos del personaje mediante un sólido dibujo y deja patente la influencia de Ingres en la plasmación detallada de todos los elementos ornamentales.

La retratada, miembro de una familia de la alta sociedad barcelonesa, se casó con Ignasi Girona i Agrafel (1824-1889), uno de los ocho hijos de Ignasi Girona Targa, patriarca de una de las sagas de industriales, empresarios y banqueros de la Cataluña del siglo XIX y principios del XX.

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Más de 180 obras de los artistas australianos más significativos de los años veinte y treinta del siglo pasado se muestran en la Art Gallery of New South Wales hasta el 7 de octubre en una muestra que a su vez documenta la consolidación de esa ciudad como una urbe moderna. A medida que Sidney cambiaba y su población crecía hasta el millón y medio de habitantes, artistas que residían en la ciudad exploraban nuevos modos de utilizar el cromatismo y la luz en el que ha sido uno de los periodos más creativos del arte australiano.

Entre los representados figuran Margaret Preston, Roy de Maistre, Grace Cossington Smith, Ralph Balson y Harold Cazneaux.

La Galería berlinesa Capitain Petzel acoge, hasta el 31 de agosto, su segunda muestra individual de John Stezaker, “Crossing Over”, que comprende cuarenta nuevos collages y tres films: Horse (2012), Crowd (2013) y Cathedral (2013). Sus trabajos cuestionan los efectos que las imágenes reproducidas en masa producen en la memoria y el imaginario colectivo y proponen nuevas perspectivas en torno a la colisión entre imágenes inconexas.

Stezaker formó parte en la década de los setenta de la primera oleada de artistas conceptuales británicos que reaccionaron contra el Pop art predominante. Ha sido aclamado por algunos críticos como una influencia decisiva en el movimiento de los Young British Artists.

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El Musée National Fernand Léger de Biot presenta hasta octubre una muestra que pretende entablar diálogos entre las 29 planchas que componen el álbum litográfico de Léger La Ville, que forma parte de los fondos de este centro y se editó en 1959, y fotografías de paisajes urbanos procedentes de la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine de París y el Centre national d’art contemporain Villa Arson de Niza. Estas imágenes son obra de André Kertész, François Kollar, Roger Parry, Marcel Bovis, Noël Le Boyer, Robert Doisneau y William Klein.

La exhibición examinará, a partir de tres secciones, la relevancia de la capital francesa como lugar de circulación de ideas innovadoras en el ámbito artístico entre 1920 y 1950.

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El Centro Andaluz de la Fotografía presenta hasta el 15 de septiembre la exposición “Chernobyl+25”, del fotoperiodista andaluz Antonio Benítez. Se compone de 35 imágenes a color que muestran la ciudad ucraniana de Prypiat, afectada por el accidente que sufrió un reactor nuclear y a la que de momento sólo acceden investigadores, científicos y militares.

El joven algecireño, que se inició en la fotografía social cuando tenía 15 años, consiguió 25 años después de la catástrofe los permisos, un conductor y un traductor que le acompañaron por el mar de nieve de Prypiat para llevar a cabo sus instantáneas.

Las fotografías del artista cubano Tomás Sánchez se exponen por primera vez en Madrid, en el Centro Cultural Casa de Vacas, hasta el próximo 30 de julio. Se trata de vividas imágenes de las costas de su país y de Costa Rica.

Sánchez se formó en la Academia de San Alejandro y la Escuela Nacional de Arte (ENA) de La Habana y fue profesor de esta última institución hasta 1976.

Medio centenar de galerías de 15 países divididas en tres secciones (Programa General, UP y Madrid Foto) participarán en la primera edición de SUMMA Art Fair tras ser seleccionadas por un comité formado por las galerías Baudoin Lebon (París); Espacio Mínimo (Madrid); Filomena Soares (Lisboa); Mor Charpentier (París) y Oliva Arauna (Madrid).

Serán 11 x 7 (Buenos Aires); Addaya (Palma de Mallorca); Adhoc (Vigo) AFA (Santiago de Chile), Àngels Barcelona (Barcelona), Anita Beckers (Frankfurt), Aural (Alicante), Avant-Garde (Nanjing), Baudoin Lebon (Paris), Black Square gallery (Miami), Carlos Carvalho (Lisboa), Casa sin Fin (Madrid), Cecilia Brunson (London), Cis Art Lodgers (Barcelona), DocumentArt (Buenos Aires), Enrique Guerrero (Mexico DF), Espacio Mínimo (Madrid), Espacio Valverde (Madrid), Espai 2 NOU 2 (Barcelona), Espai Tactel (Valencia), Esther Donatz Gallery (Munich), Faría+Fábregas Galería (Caracas), Fernando Pradilla (Madrid), Filomena Soares (Lisboa), Finale Art File (Filipinas), Freijo Fine Arts (Madrid), Fúcares (Madrid), Galerie Alberta Pane (Paris), Galerie Wolkonsky (Munich), Graça Brandao (Lisboa), Guillermina Caicoya (Oviedo), Henrique Faria (Nueva York), Ivan Gallery (Bucarest), Javier Silva (Valladolid), Kir Royal (Valencia), Kubikgallery (Lisboa), Laura Marsiaj (Rio de Janeiro), Max Estrella (Madrid), Modulo (Lisboa), Mor Charpentier (Paris), My name`s Lolita (Madrid), Odalys (Madrid), Oliva Arauna (Madrid), Parking Gallery (Alicante), Patricia Conde (Mexico DF), Paula Alonso (Madrid), Punto (Valencia), Rafael Ortiz (Sevilla), T20 (Murcia), Twin gallery (Madrid), Willem Kerseboom (Amsterdam) y Xin Shi Art Center (Suzhou).

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El escritor barcelonés Eduardo Mendoza se alzó el pasado viernes con el Premio Nacional de Cultura 2013 que concede la Generalitat catalana. Lo han precedido Joan Perucho, Josep Palau i Fabre, Pere Gimferrer, Miquel Martí i Pol, Quim Monzó, Carme Riera, Baltasar Porcel, Màrius Sampere o Emili Teixidor.

El Consell Nacional de la Cultura i les Arts (CONCA) resaltó que las novelas de Mendoza crean una conexión biográfica y estética entre el autor y su ciudad de origen y que han ampliado los márgenes de la narrativa actual con ironía y sentido de la parodia.

Además de Mendoza, la Generalitat premia este año a Hermann Bonnín por su trayectoria innovadora en el mundo del teatro catalán desde el Institut del Teatre y del Centre Dramàtic de la Generalitat (1982-1988) y el pianista de jazz, profesor y concertista Agustí Fernández.

El resto de los galardonados son la oceanógrafa y microbióloga Josefina Castellví, el Centre de Lectura de Reus, Josep Maixenchs, Imma Monsó, Elsa Peretti, Josep Ramoneda y Francesc Torres Monsó.

El PLATEAU, el Samsung Museum of Art de Seúl, presenta hasta diciembre “Takashi in Superflat Wonderland”, una muestra que repasa la presencia de la cultura visual japonesa tradicional y contemporánea en la producción de Murakami, examinando el contexto social e histórico de sus trabajos.

Nacido en Tokio en 1962, Takashi Murakami es uno de los artistas más influyentes procedentes de Japón en las últimas décadas. Doctorado por la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio en 1983 y con formación en nihonga (un estilo pictórico centrado en las técnicas y temas tradicionales japoneses), Murakami surge de la generación Neo-pop japonesa tras el pinchazo de la burbuja económica en aquel país a finales de los años ochenta. Pese a incorporar en su obra elementos de la cultura popular contemporánea de su país en forma de anime (animación) y de manga (cómic), ha continuado bebiendo de las fuentes tradicionales japonesas, desde la iconografía budista o los rollos de pinturas del siglo XII hasta la pintura zen y las técnicas de composición de la pintura excéntrica del período Edo del siglo XVIII; esta última se caracteriza por el uso de imágenes fantásticas y poco convencionales, y por el empleo de una línea expresionista, y suponía un rechazo al realismo y el tradicionalismo de la época.

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El Musée du Louvre ha diseñado nuevos dispositivos multimedia, lúdicos e interactivos, para acercar a sus visitantes obras de su colección de arte español, haciendo hincapié en piezas de Zurbarán, Murillo y Goya. Se ofrece información sobre estas pinturas que el público no puede extraer sólo de su contemplación: claves de interpretación desde un enfoque intuitivo y educativo.

Diversas pantallas en las salas de arte de nuestro país en el centro parisino nos ofrecen una visión del arte español entre el s XVII y la actualidad a través de un extenso panel cronológico y pantallas táctiles que permiten el intercambio de datos.

Hasta el próximo 20 de octubre, el Cantor Arts Center de la Universidad de Stanford nos ofrece una nada habitual oportunidad de contemplar tres álbumes de litografías que Odilon Redon llevó a cabo en 1874 para ilustrar Las tentaciones de San Antonio de Gustave Flaubert. Los álbumes incluyen 42 composiciones oscuras y evocadoras que prueban el interés del artista por materias como la literatura, la ciencia, la filosofía, el misticismo y el inconsciente y sugieren múltiples interpretaciones en torno a la obra del literato francés.

Los álbumes proceden del Detroit Institute of Arts, de la colección Cantor y de los fondos de Kirk Edward Long.

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La Galerie Daniel Templon, que este año celebra el 47º aniversario de su sala en París, ha anunciado la apertura, en otoño de este año, de una nueva sede de 220 metros cuadrados en la rue Veydt de Bruselas.

Allí expondrán fundamentalmente artistas ya representados por esta galería en la capital francesa, y la primera en mostrar su obra en Daniel Templon Bruselas será la joven artista japonesa residente en Berlín Chiharu Shiota. Le seguirá el veterano escultor Anthony Caro.

Daniel Templon es una de las galerías galas más reputadas internacionalmente y cuenta con cerca de cuatrocientas exposiciones en su haber. Entre sus representados figuran los artistas franceses Arman, Daniel Buren, Christian Boltanski, César, Raymond Hains y Claude Viallat; estrellas de la escena del arte norteamericano como Jean-Michel Basquiat, Eric Fischl, Dan Flavin, Keith Haring, Donald Judd, Ellsworth Kelly, Willem de Kooning, Joseph Kosuth, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Julian Schnabel, Richard Serra, Frank Stella y Andy Warhol; artistas británicos como Jake y Dinos Chapman; Georg Baselitz y Jörg Immendorff, de Alemania; los fotógrafos Helmut Newton, Robert Mapplethorpe y Gregory Crewdson y también Jim Dine, Jan Fabre, Gérard Garouste, Julião Sarmento, Joel Shapiro y Tunga, Philippe Cognée, Ivan Navarro, Jonathan Meese y Kehinde Wiley. La galería también se ha abierto en los últimos años al mundo del arte asiático, y representa a creadores chinos e indios como Yue Minjun, Mao Yan y El An y Atul Dodiya, Jitish Kallat y Sudarshan Shetty.

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El Israel Museum de Jerusalén muestra desde hoy pinturas fauvistas y expresionistas de una de las colecciones internacionales más destacadas en arte moderno: la Merzbacher. Podrán verse hasta noviembre 42 obras de Georges Braque, André Derain, Alexej Jawlensky, Wassily Kandinsky, Henri Matisse o Maurice Vlaminck, todas conectadas por su uso vibrante del color, sus enérgicas pinceladas y su expresividad emocional.

Trabajos de la colección Merzbacher ya se habían expuesto con anterioridad en este centro, en 1998.

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La Staatsgalerie de Stuttgart muestra hasta el 6 de octubre sesenta obras de Munch que nos ofrecen un acercamiento a la diversidad temática (el miedo, el amor, los celos o la desesperación) y formal característica de la producción del artista noruego y la estrecha relación entre su vida y su obra.

La muestra incorpora cartas recientemente descubiertas que prueban que el artista visitó el museo de Stuttgart en 1923 y que mantuvo su relación con el director del centro, Otto Fischer, después de aquel año.

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El próximo 18 de julio, la Fondazione Ratti de Como abrirá al público “The Meaning of Things”, muestra dedicada a Matt Mullican que incluirá un conjunto de cuatro banderas que el artista llevó a cabo para una exposición en Le Magasin de Grenoble, en 1990, y que sólo ha exhibido en una ocasión más debido a su gigantesco tamaño: catorce metros de altura y siete de anchura.

Podrán verse en la nave central del templo que sirve de sede a la Fundación y contienen figuras humanas representadas en estilos que van desde el realismo figurativo más minucioso hasta la abstracción. Se dividen en cinco áreas en función de sus tonos: verde, para elementos físicos; azul, para la vida real; amarillo, para el arte; negro, para la lengua y rojo, para la comprensión subjetiva, y nos recuerdan en ocasiones a logotipos comerciales.

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