“Prélude à un exil” es el título de la nueva muestra de la británica Louisa Holecz en la Galería La Casa Amarilla de Zaragoza y también el de la primera etapa de un proyecto que inició en 2019, fecha en que, con motivo de la exposición “Viaje al manicomio” en esa misma sala, pintó la obra Cloto, en la que aludía a la escultura de Camille Claudel y al jardín del manicomio de Montdevergues, donde esa autora francesa murió tras un largo encierro de tres décadas que padeció como un exilio.

Holecz está de acuerdo con Linda Nochlin en que el lenguaje del arte no es ni una historia lacrimógena ni un cuchicheo confidencial, por eso se sorprendió del escaso aprecio hacia la producción de Claudel entre sus contemporáneos y en buena parte de la literatura feminista, frente a la multiplicidad de enfoques, muchos literarios, sobre la influencia de Rodin en su trayectoria, tanto biográfica como artística. En la riqueza de la obra de la escultora profundiza esta artista a partir de pinturas y tejidos.

Hasta el 16 de abril.

La artista jerezana Cristina Mejías ha recibido el XVI Premio illySustainArt en ARCO 2023 por sus obras expuestas en las galerías Alarcón Criado y Rodríguez; su producción busca romper con las narrativas hegemónicas e introducir verdades subjetivas y quizá ocultas que cuestionen jerarquías, órdenes y poderes.

El jurado que la ha distinguido ha estado formado por Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, comisaria y fundadora de la Fundación Sandretto Re Rebaudengo; Tania Pardo, subdirectora del Centro de Arte Dos de Mayo; Ianko López, periodista especializado; y Carlo Bach, director Creativo de illycaffè. Han valorado en sus trabajos “la sensibilidad, la sensualidad y la poesía”.

Este galardón está dotado con 15.000 euros destinados a realizar una obra que se presentará en el lounge illy durante ARCOmadrid 2024.

Mejías, que actualmente reside y trabaja en Madrid, ya recibió el Premio Fundación ARCO 2022, el Premio Comunidad de Madrid ARCO 2022 y uno de los incluidos en Generación 2020. Han sido finalistas Sofía Salazar Rosales (Galería ChertLüdde), Dalia Gonçalves (Galería Rodríguez), Sahatsa Jauregi (ATM), Miguel Marina (The Goma), Austin Martin White (Captain Petzl), Blanca Bondi (Mor Charpentier), Eva Fábregas (Bombon) y Adelita Husni Bey (Laveronica Arte Contemporánea).

Con anterioridad, el Premio illySustainArt ha recaído en Matheus Rocha Pitta, Avinash Veeraraghavan, Camilo Ontiveros, André Komatsu, Voluspa Jarpa, Julia Rometti & Victor Costales, Diego Bruno, Sergio Zevallos, Felipe Cohen, Iván Argote, Marcelo Cidade, Sheroanawe Hakihiiwe, Hellen Ascoli, Daniela Ortiz y Ana Navas.

La galería HOA, radicada en São Paulo (Brasil), ha resultado ganadora del noveno Premio Opening by Allianz, que reconoce el mejor stand de esa sección de ARCOmadrid con la devolución del valor de su espacio en la Feria.

Un jurado formado por Ilga Minjon, Lluís Alexandre Casanovas y Marta Papini ha fallado este galardón, subrayando la originalidad del trabajo de los artistas presentados por esa sala: Laís Amaral y Ayrson Heráclito. Además, las galerías ZINA, de Cluj-Napoca (Rumanía) y THE LIMINAL (Valencia) han recibido una mención especial.

Este año, la sección Opening by Allianz ha sido comisariada por Julia Morandeira Arrizabalga y Yina Jiménez Suriel y nos ofrece diecisiete propuestas presentadas por galerías de Madrid, Barcelona, Valencia, Marsella, Múnich, Ámsterdam, Cluj-Napoca, Bogotá o Lima; en total, son 24 artistas los participantes en este apartado.

La feria ART MADRID celebrará su 18ª edición entre los días 22 y 26 de febrero, en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles. Participarán en la cita 36 galerías nacionales e internacionales que presentarán trabajos de casi dos centenares de artistas, buena parte de ellos inéditos.

En el año de su mayoría de edad, la muestra se ha propuesto convertir sus programas habituales en plataformas que den voz a la creación emergente, abran nuevos códigos para la recepción y el disfrute de las obras de arte y también propongan estrategias de comunicación más cercanas al público.

Por tercera ocasión, acogerá ART MADRID un Programa Comisariado que tendrá al frente a Natalia Alonso Arduengo; propondrá un recorrido por obras vinculadas al concepto de identidad en el sujeto contemporáneo y participarán en él cuatro jóvenes artistas que han ligado su carrera al empleo de la tecnología, las reivindicaciones de género, la alienación y la incertidumbre como parte de nuestra cotidianidad. Sus protagonistas serán autoras nacidas a fines de los ochenta y en los noventa: la barcelonesa Agnés Essonti, la ovetense Dela Delos, la madrileña Alexia Sayago y la cubana Lorena Gutiérrez. Essonti, por cierto, realizará la performance La Cordobayangue el miércoles 22 de febrero, a las 19:00 horas, y el viernes 24, a las 18:00 horas y Sayago presentará otra, Desde donde escribo, el jueves 23 de febrero, a las 19:00 horas, y el viernes 24 a las 19:30 horas. Delos ha optado por exhibir una instalación y Gutiérrez, por una pintura instalativa.

Asimismo, Alonso Arduengo realizará, como en la pasada edición, un recorrido comisariado bajo el título Otherness, articulado en torno a una selección de diez obras ligadas a discursos identitarios. Serán piezas de Raquel Algaba (Galería Arancha Osoro), Roger Sanguino (DDR Art Gallery), Federico Granell (Galería Metro), Jorge Hernández (Galería Aurora Vigil-Escalera), Carsten Brauer (Galería Uxval Gochez), Chamo San (N2 Galería), Costa Gorel (Dr.Robot Gallery), Oliver Okolo (OOA Gallery), Jordi Díaz Alamá (Inéditat Galería) y Xurxo Gómez-Chao (Moret Art). El título de este proyecto, por cierto, procede de un poema de Benedetti: Siempre me aconsejaron que fuera otro/ y hasta me sugirieron que tenía/ notorias cualidades para serlo/ por eso mi futuro estaba en la otredad. El único problema ha sido siempre/ mi tozudez congénita/ neciamente no quería ser otro/ por lo tanto continué siendo el mismo.

También regresa a la Feria, por segunda vez, su Programa de Entrevistas, ahora estructurado como una sección diseñada por el comisario y crítico Alfonso de la Torre. Las charlas se articulan en torno a un tema común centrado en la figura del artista y sus prácticas en el mercado y, desde el pasado enero, venimos disfrutando de dos entregas semanales en una web creada en exclusiva para esta propuesta. Sus protagonistas son ocho autores que veremos en Cibeles: Perceval Graells (Galería Alba Cabrera), Juanjo Martínez Cánovas (Inéditad), Cristina Gamón (Shiras Galería), Nicolás Lisardo (Galería Manuel Ojeda), Isabela Puga (Galería BAT Alberto Cornejo), Francisco Mayor Maestre (Galería Aurora Vigil-Escalera), Pedro Peña Gil (Galería Metro) y Mario Soria (Galería N2).

Asimismo, el Programa One Shot collectors volverá a ART MADRID con el objetivo de seguir estrechando lazos entre el público y la creación contemporánea y buscando fomentar el coleccionismo a nivel nacional e internacional. Esta iniciativa está dirigida tanto a profesionales del sector como a amantes del arte actual que deseen iniciarse en el coleccionismo: de la mano de Ana Suárez Gisbert, asesora y perito tasador, podrán disfrutar de un servicio gratuito de asesoramiento en la adquisición de obras. Los interesados pueden apuntarse en el correo vip@art-madrid.com.

Sabemos también que las galerías nacionales que se sumarán a la Feria en 2023 serán BAT Alberto Cornejo (Madrid), Flecha (Madrid), Arma Gallery (Madrid), DDR (Madrid), Marita Segovia (Madrid), Galería Hispánica (Madrid/CDMX), 3 Punts (Barcelona), Inéditad (Barcelona), N2 Galería (Barcelona), Out of Africa Gallery (Sitges/Londres),  Uxval Gochez (Barcelona), Aurora Vigil-Escalera (Gijón), Arancha Osoro (Oviedo), Bea Villamarín (Gijón), Alba Cabrera (Valencia), Shiras Galería (Valencia), Dr. Robot (Valencia), Luisa Pita (Santiago de Compostela), Galería Metro (Santiago de Compostela), MoretArt (A Coruña), Rodrigo Juarranz (Aranda del Duero, Burgos), Espiral (Noja, Cantabria), Kur Art Gallery (San Sebastián, País Vasco), La Aurora (Murcia), MA Arte Contemporáneo (Mallorca) y Manuel Ojeda (Canarias). En cuanto a salas internacionales, participarán Galerie LJ (París), Galleria Stefano Forni (Bolonia), Michael Schmalfuss (Berlín), Yiri Arts (Taiwán), Sâo Mamede (Lisboa), Trema arte contemporânea (Lisboa), ArtLounge (Lisboa), Nuno Sacramento (Ílhavo, Portugal) y Collage Habana (La Habana).

ART MADRID ha superado, en sus últimas cinco ediciones, los 20.000 visitantes.

Un jurado compuesto por Pedro Martínez Sierra, Silvia Lindler García, Juan Manuel Bonet y Rosa Castellot ha seleccionado a los ganadores de la 13ª edición del Certamen Nacional de Pintura del Parlamento de La Rioja, cuyo fallo hemos conocido hoy. El premio principal de este concurso está dotado con 12.000 euros y se conceden, asimismo, tres Medallas de Honor entre las obras seleccionadas y un galardón a un joven artista riojano, dotado con 2.500 euros. El Parlamento adquiere, además, las obras escogidas para las Medallas de Honor, para lo que dispone de un fondo de 21.000 euros.

El ganador del premio de 12.000 euros ha sido el artista, nacido en esa región, Julio Sarramián, de trayectoria ya consolidada, por su obra Glitchland 26, mientras el el premio Joven Artista riojano ha recaído en la logroñesa Sofia Moreno Domínguez, por El tercer paisaje. Han obtenido Medallas de Honor Mónica Dixon, por Not dark yet; Jesús Rivero López, por Desde el paso blanco; y José Valladares Moreno, por Tardes de radio. Todas esas piezas formarán parte del fondo artístico del Parlamento, donde se exhibirán de forma permanente.

Antes, integrarán una exposición temporal que podrá visitarse del 10 de marzo al 15 de abril y en la que habrá visitas guiadas: impartidas por Francisco Javier Garrido Romanos, y para grupos de hasta 20 personas.

El Instituto Valenciano de Arte Moderno ha abierto hoy al público la muestra “La creación abierta y sus enemigos: Asger Jorn en situación”, que repasa la carrera de este artista danés, miembro fundador de Cobra y la Internacional Situacionista, haciendo hincapié en el carácter experimental de sus procesos.

Consideraba Jorn que producir, recopilar y reelaborar imágenes eran caminos para transformar el mundo. La exhibición parte de un proyecto de 1946 por el que llevó a cabo un dibujo automático durante una estancia en la localidad sueca de Saxnäs y la tierra del pueblo indígena Sámi. Más adelante, con lápiz y papel transparente, elaboró una serie de dibujos a partir del original e invitó a amigos artistas a hacer lo mismo, de modo que fueran muchas las interpretaciones, algunas notables pinturas y elaboraciones teóricas. Para Jorn, esa experiencia demostró el valor de los experimentos artísticos y el hecho de que una imagen está abierta a multitud de lecturas en función de la “actividad del espectador, que de este modo deja de ser un espectador real”.

Partiendo de ese experimento, esta exposición incluye obras encargadas por la artista danesa Anna Sofie Mathiasen, así como por el Instituto Escandinavo de Vandalismo Comparativo (SICV), que han sido invitados a participar en el legado de Jorn desde una perspectiva contemporánea para esta propuesta. Desarrollada junto al Museo Jorn de Silkeborg y comisariada Ellef Prestsæter, la exposición se completa con un libro que ofrece traducciones de textos canónicos e inéditos del autor y nuevos enfoques sobre su práctica.

Paloma de la Cruz y Eladio Aguilera han resultado ganadores en la segunda edición de Vasos Comunicantes, una beca de comisariado y producción dotada con 10.000 euros y convocada por la Agencia Pública para la gestión de la Casa Natal de Pablo Ruiz Picasso y otros equipamientos museísticos y culturales, en colaboración con DKV Seguros.

Se ha premiado su proyecto Los frutos de las manos, que se vale de la comunicación física existente entre el Museo Casa Natal Pablo Ruiz Picasso y el Centre Pompidou Málaga entendiéndola como una analogía entre el nacimiento o inicio del recorrido y el descanso o final del paseo y como una metáfora del desarrollo de la carrera de un artista.

De la Cruz, comisariada por Eladio Aguilera, trabajará en estos dos centros y también en espacios concretos del trayecto que los separa. En una primera etapa, las instalaciones e intervenciones de la artista se infiltrarán y camuflarán en el Museo Casa Natal de forma discreta; en la segunda, actuará en el crecimiento de la obra, extendiendo la intervención en puntos del camino que une los dos centros. Por último, en la tercera, fruto de las anteriores, desarrollará una pieza que quedará, según ha explicado, “definitivamente presente”.

En paralelo al proyecto, tendrán lugar encuentros y activaciones con profesionales del arte contemporáneo, que serán acompañantes y asesores de esta propuesta y ayudantes en su materialización.

El jurado de la beca ha estado compuesto esta vez por Juan Francisco Rueda, crítico de arte y profesor de la Universidad de Málaga; Alicia Ventura e Iñaki Martínez Antelo, en representación de DKV; y José María Luna, director de la Agencia Pública para la gestión de la Casa Natal.

La Fundación Contemporánea, ligada a La Fábrica, ha presentado su Observatorio de la Cultura correspondiente a 2022, basado esta vez en las opiniones de 405 miembros de un panel de profesionales del sector.

Según sus valoraciones, Madrid, Cataluña, País Vasco, Comunidad Valenciana y Andalucía son, por este orden, las cinco regiones más destacadas por su oferta cultural, seguidas de Galicia y Navarra, Cantabria y Castilla y León. Extremadura asciende cinco puestos en la tabla y, en cuanto a ciudades, Madrid, Barcelona y Valencia repiten en los tres primeros lugares, precediendo a Bilbao, Málaga, Sevilla, San Sebastián, Santander, Zaragoza, Valladolid y La Coruña.

En cuanto a los centros y proyectos más significativos, quedan en cabeza el Museo del Prado, el Museo Reina Sofía y el Thyssen‐Bornemisza, y tras ellos el Festival de San Sebastián, el Museo Guggenheim Bilbao, el Teatro Real, CaixaForum, Matadero Madrid, el Festival de Málaga y el IVAM. Por primera vez en este ranking han entrado los Encuentros de Pamplona 72‐22 (en el puesto 37) y regresan el Primavera Sound (40), Es Baluard (46) y el C3A cordobés (48).

En lo relativo a las insignias culturales de las comunidades autónomas, han experimentado cambios respecto al pasado año en once comunidades, subrayándose la labor del Festival de Málaga en Andalucía, Periferias y el Festival Asalto en Aragón, el Festival de Cine de Gijón en Asturias, Es Baluard en Baleares, el Festival de Almagro en Castilla‐La Mancha, Temporada Alta en Cataluña, el Museo Helga de Alvear en Extremadura, el FIOT de Carballo en Galicia, el Festival Actual y la Sala Amós Salvador en La Rioja, el Festival de Molina del Segura en Murcia y el de Cine de San Sebastián en el País Vasco. Siguen en cabeza en sus respectivas comunidades, asimismo, el PHE Festival en Canarias, el Centro Botín en Cantabria, la Seminci en Castilla y León, el IVAM en la Comunidad Valenciana, el mencionado Museo del Prado en Madrid y Baluarte en Navarra.

Los panelistas consultados han señalado, asimismo, las propuestas digitales que les parecieron más relevantes en 2022. Filmin lidera la lista, seguido de las visitas virtuales y redes sociales del Museo del Prado, Fundación Telefónica con Cultura en Digital, Fundación “la Caixa” con CaixaForum+ y Symphony, el Teatro Real con My Opera Player, Sónar 22, el Canal March de la Fundación Juan March, los podcasts como formato destacado, Matadero Madrid (El Jardín de las Delicias, Klimt, Tutankamon) y las iniciativas virtuales del Museo Reina Sofía.

Por su compromiso con la sostenibilidad, se subrayan las actividades de la Fundación “la Caixa”, la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, la Red Española para el Desarrollo Sostenible, La Casa Encendida y la Fundación Daniel y Nina Carasso, además de las propuestas del Centre del Carme, el Museo Thyssen, TBA21, y Todolí Citrus Fundació.

El Observatorio de la Cultura ha querido también identificar los mejores nuevos proyectos del año: se han valorado algunos de carácter conmemorativo (los citados Encuentros de Pamplona 72‐22, València Capital Mundial del Diseño, Año Picasso, Año Berlanga o Luz de Música en Cantabria); nuevos espacios culturales (CaixaForum València, Hospital Centro Vivo en Badajoz, Nave Sotoliva en Santander) e incipientes festivales, caso de ABANEA en Gondomar, Doña Festival en la Almunia de Doña Godina o Rock Imperium en Cartagena.

Se ha preguntado, igualmente, a los panelistas por la variación prevista en los presupuestos de su organización o actividad profesional para 2023 respecto al año pasado. Los datos señalan, en ese sentido, una recuperación moderada, con un crecimiento medio previsto del 3,1% frente al 5% de 2022. La previsión es algo mejor para los panelistas del sector privado (3,4%) que para los del sector público y los profesionales independientes (3%).

Y dado que este será año electoral, se ha sondeado a los participantes sobre las carencias de su ciudad en materia cultural. Los panelistas han aportado 1281 sugerencias referidas a setenta localidades, siendo las más mencionadas un mayor número de infraestructuras y espacios para la cultura, y mejor equipados; una mayor y mejor oferta de actividades culturales; mejores políticas culturales públicas; más presupuestos para la cultura; más coordinación y colaboración entre organizaciones; el trabajo por el derecho a la cultura y el desarrollo de públicos; mayor y mejor comunicación y difusión; una mayor profesionalización de la gestión; más iniciativa privada en cultura y la descentralización de la misma.

Hasta el próximo 25 de febrero, la sede de Gagosian en Beverly Hills acoge la exposición “Thinking the Unthinkable”, un compendio de pinturas recientes de Jim Shaw; se trata de su primera exposición con esta firma, que lo representa desde 2021.

En estas composiciones recrea Shaw asuntos mitológicos vinculándolos a episodios políticos o al ocio popular, ámbitos aparentemente dispares que chocan aquí en una mezcla onírica. Los personajes que pueblan estas imágenes simbolizan lo que Catherine Taft, escribiendo para Gagosian Quarterly en 2022, describió como “un limbo estadounidense, aguas turbulentas en las que el artista se adentra más y más”. El título de este proyecto, que sugiere tanto un contexto psicodélico como la imposibilidad de examinar nuestra propia conciencia, está tomado de un libro de Herman Kahn, de 1962, sobre la guerra nuclear: Thinking About the Unthinkable.

La galería londinense Sprovieri presenta, hasta el 24 de marzo, “ROMA 60”, exhibición que recuerda la década en que la capital italiana era un crisol de ideas y corrientes artísticas: partiendo de la experiencia informalista, confluyeron allí autores minimalistas, pop y povera.

Reúne esta muestra esculturas de Ettore Colla realizadas con objetos encontrados en los suburbios romanos, a los que concedía una nueva poética; piezas de Alberto Burri basadas en la costura y la quema, obras de la serie monocromática Schermi de Fabio Mauri, trabajos de Franco Angeli y Mario Schifano que apelan a los nuevos símbolos de la naciente sociedad multicultural, las experimentaciones espaciales y lumínicas de Francesco Lo Savio, las soluciones espacio-geométricas de Giuseppe Uncini y composiciones sobre papel del conjunto Alfabeti, de Jannis Kounellis.

En su sesión plenaria del pasado lunes 23 de enero, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando eligió a dos nuevas académicas para cubrir medallas vacantes en las secciones de Nuevas Artes de la Imagen y de Pintura. Se trata de la arquitecta y diseñadora Patricia Urquiola, que ha sido propuesta como académica numeraria recibiendo la medalla que había correspondido a Alberto Corazón, por Estrella de Diego, Alfredo Pérez de Armiñán y Luis Fernández-Galiano; y de la artista plástica Rosa Brun, que ha resultado elegida como académica de número para ocupar la medalla de Carmen Laffón, a propuesta de Simón Marchán, Blanca Muñoz y Jordi Teixidor.

Urquiola es una de nuestras diseñadoras con mayor proyección internacional. Comenzó sus estudios de arquitectura en la Universidad Politécnica de Madrid y los continuó en Milán, y se ha interesado por la conjunción de la lógica de la fabricación y el espíritu de la artesanía con la innovación formal y la sensualidad de la materia y el color. Fueron sus mentores Achille Castiglioni y Vico Magistretti y abrió en 2001 su propio estudio en Milán. En las últimas dos décadas, ha diseñado objetos y muebles para las destacadas empresas del sector, ha proyectado edificios para hoteles y uso residencial, e instalaciones de arte y diseño de interiores, a medio camino entre la imaginación y el rigor. Actualmente es directora creativa de Cassina y miembro del Comitato Scientifico de la Triennale y del Advisory Board del Politécnico de Milán.

Por su parte, Rosa Brun (Madrid, 1955), catedrática de Pintura en la Universidad de Granada, viene desarrollando una obra ligada al minimalismo abstracto de los noventa y los campos de color de Josef Albers, Ad Reinhardt o Barnett Newman.

En sus composiciones el color y los materiales son fundamentales: trabaja con extensas superficies monocromas que se relacionan con el espacio circundante, generando entornos envolventes que interpelan al espectador. Interesada por la interrelación entre la pintura y la escultura, exhibe muchas de sus creaciones sobre el suelo o apoyadas en la pared, a veces formando estratos y yuxtaposiciones. El examen de su producción puede remitir a un punto de partida puro, abstracto y de mínimos elementales, que tiende a la simpleza conceptual y favorece la experimentación sensorial a partir de colores, volúmenes y texturas.

La Fundación ARCO ha anunciado hoy los ganadores de sus Premios A al Coleccionismo correspondientes a 2023: han sido para Juan Vergez y Patricia Pearson de Vergez (en la categoría de Colección Privada Latinoamericana); Collegium: Lorena Pérez-Jacome y Javier Lumbreras (en la modalidad de Difusión e Investigación del Arte Contemporáneo desde el Coleccionismo) y Alejandro Lázaro y Alejandra González (como Colección Joven Privada Nacional).

Estos galardones, que cumplen 27 ediciones, reconocen el valor artístico de los fondos de coleccionistas e instituciones, así como su labor en el apoyo a la difusión del arte actual. Serán entregados el 23 de febrero en Matadero Madrid, antes de la celebración de la tradicional cena de la Fundación, celebrada con la colaboración de Cartier y destinada a recaudar fondos para la adquisición de obras en ARCOmadrid 2023 para su colección, que alberga el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles.

Patricia y Juan Vergez son coleccionistas desde hace 35 años, cuando en su boda decidieron poner su lista de regalos en una galería de arte. Su vivienda la diseñaron a semejanza de un cubo blanco y han atesorado piezas, en un principio de arte argentino y después latinoamericano e internacional, centrándose en los años posteriores a la caída del Muro de Berlín. Cuando necesitaron un mayor espacio para guardar esas obras crearon Espacio Tacuarí: un centro situado en un edificio de 1920 del barrio histórico de San Telmo, en Buenos Aires, remodelado con ese fin. Su objetivo es enriquecer el crecimiento cultural en Argentina.

Javier Lumbreras y Lorena Pérez-Jácome, por su parte, han dado forma juntos a la Colección Adrastus, formada por cerca de un millar de obras de 150 artistas procedentes de 40 países, sobre todo del siglo XXI. Desde hace varios años trabajan en el desarrollo de Collegium, un museo de arte contemporáneo que albergará el antiguo colegio jesuita de Arévalo, Ávila, y que será sede de sus piezas.

La mayoría de ellas se relacionan con la experimentación, cierta radicalidad política y la posibilidad de generar y producir comentarios críticos: se trata de piezas destacadas de los órdenes simbólicos y los espacios gramaticales y discursivos propios del arte contemporáneo.

Por último, la colección Lázaro se inició en 2013, tras el nacimiento de la primera hija de Alejandro Lázaro y Alejandra González, desde el deseo de regalarle una obra de arte en su mayoría de edad y de esta manera involucrar a las nuevas generaciones de la familia en la compra de estos trabajos.

Hoy cuenta con cerca de 200 obras y, si inicialmente se centró en la pintura centro europea (Günther Förg, André Butzer), después se enriqueció abriéndose a la escultura, el videoarte y las instalaciones; lo político y la belleza. Prestan actualmente los Lázaro González especial atención a los artistas de su generación.

Hasta el próximo 4 de febrero, Hauser & Wirth St. Moritz acoge la muestra “Inside and Out” de Isa Genzken, que reúne esculturas de hormigón que se asemejan a maquetas arquitectónicas, y que prueban la belleza áspera y cruda del material, y obras murales; subraya la exhibición el interés de esta artista conceptual por la arquitectura modernista, especialmente por sus características estructurales y su relevancia social.

Los trabajos reunidos hacen referencia a la relación entre la escultura y el espacio y a las conexiones entre interiores y exteriores, desde una estética que, como es habitual en Genzken, bebe del minimalismo, la cultura punk y el ensamblaje.

Ambroise Vollard, el marchante omnipresente a la hora de hablar del surgimiento de las vanguardias, abordó a Maurice Denis deseoso de publicar un álbum de grabados suyo. Corrían los últimos compases del siglo XIX y el artista, que aceptó, decidió tomar como fuente de inspiración notas privadas que escribió en su diario en 1891, cuando comenzaba a cortejar a su futura esposa, Marthe Meunier; había titulado esos textos Amours de Marthe.

En el encargo, fue más allá de la elaboración de simples ilustraciones y buscó interpretar la maravilla y la emoción de los primeros días del amor en litografía: su prometida es el tema central del conjunto; la representó en escenas privadas y familiares, en ocasiones alegóricas, bajo la influencia estética de sus pinturas de principios de la década de 1890. Con carácter previo llevó a cabo numerosos dibujos preparatorios, en su mayoría pasteles de colores pálidos, como los grabados.

Amours de Marthe supone la síntesis y el resultado de la investigación plástica que Denis había iniciado en la Académie Julian. Con esta serie pondría fin a su período nabi y centran esas obras la exposición que ahora le dedica el Museo de Orsay, que culmina con dos retratos de Marthe, pintados en 1891, uno al óleo y el otro al pastel. Puede visitarse hasta el 14 de mayo.

La Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid ha anunciado que su muestra dedicada a Sybilla en la Sala de exposiciones Canal de Isabel II, titulada “El hilo invisible”, es ya la más vista en la historia de ese centro: casi 50.000 personas se acercaron a revisar la trayectoria de la diseñadora a partir de ochenta de sus conjuntos de indumentaria y de otros tantos documentos.

También la exposición de Amalia Avia “El Japón en los Ángeles” ha sido la más visitada de la Sala Alcalá 31 en una década: más de 51.000 personas se adentraron en la mayor monográfica dedicada a la artista en los últimos 25 años.

La producción de Antonio Fernández Alvira parte de dibujos que nunca traza con rapidez, sino borrando y recomenzando, sometiendo al papel a un proceso de construcción que tiene sus analogías en el de la consolidación de una personalidad artística; más adelante, hace saltar estos dibujos a las tres dimensiones, generando instalaciones que también son frutos de procedimientos lentos y que invitan a la reflexión sobre lo que era sólido, sobre la fragilidad de arquitecturas aparentemente estables y el engaño que puede subyacer tras lo que parece evidente.

Muchos de sus trabajos han tenido hasta ahora que ver, asimismo, con lo identitario: era el caso de los papeles bordados que conformaban Constructing my identity (2008-2009), de las acuarelas de la serie De valores y mentiras (2011), en relación con los clichés asociados a lo masculino, o de Soldiers (2013), un conjunto de gouaches y de composiciones en tinta sobre papel en las que presentaba soldados sin rostro pero cubiertos de insignias, en alusión a la relevancia que concedemos al poder y sus símbolos frente a la dada a nuestra personalidad. Después llegarían sus citadas instalaciones arquitectónicas y escultóricas, en las que explora la vulnerabilidad de lo que parece inexpugnable.

Desde el próximo 28 de enero, este artista oscense presentará en el Patio Sur del Centro Conde Duque de Madrid la instalación Memoria de forma, nacida de su voluntad por experimentar con las formas, con su acumulación y modelado, buscando mediante distintas acciones, y tensiones, dar lugar a nuevas obras, como recipientes derivados de un recipiente. Unidas a las estructuras arquitectónicas que las sostienen o albergan, entran en diálogo con el lugar donde se exhiben.

Las piezas que articulan este proyecto hacen referencia, además, a ausencias: las de elementos o fluidos que requieren de continentes físicos y que, cuando existen, se amoldan a la cavidad que los cobija, no dándose fuerzas de recuperación elástica como en el caso de los sólidos; lo líquido y lo blando continuamente se deforman ante cualquier presión, por suave que sea. En suma, ha querido plantear Fernández Alvira en Conde Duque un laboratorio dedicado al estudio de la noción de la ausencia de memoria de la forma y del fluir, analizando la relación entre el cuerpo-estructura-recipiente y el fluido-contenido.

Los elementos que integrarán este laboratorio remitirán a las tradicionales ánforas, vasijas, jarrones, jarras, vasos, cuencos… El autor ha estudiado sus formas y materiales a través de ejercicios de descomposición y fragmentación, trabajando con esos recipientes para su elaboración en fresco junto a un alfarero, el último de una extensa saga en un pequeño pueblo de Huesca, en la misma comarca de donde procede su familia. Apunta él mismo los paralelismos: He pretendido también trabajar con el entorno de donde provengo, y que a mí me ha ido construyendo y dado mi forma.

El poeta y artista sonoro Eduard Escoffet presenta, hasta el 11 de marzo, una doble muestra en Barcelona: se titula “Crecimiento y decrecimiento de Howard Roark” y puede visitarse en Chiquita Room (Villarroel, 25), a partir del 18 de enero, y en The Green Parrot (Vilamarí, 57), a partir del 21 de enero.

La exposición es fruto de dos años de investigación de este autor en torno a la arquitectura racionalista y el decrecimiento, y estará formada por cuatro instalaciones sonoras y una pieza gráfica, todas ellas compuestas a su vez por objetos cotidianos reformulados.

Inspirándose en el personaje ficticio de Howard Roark, protagonista de la película The Fountainhead de King Vidor (1949), un ambicioso arquitecto ambicioso que deseaba dejar huella pese a no contar con el visto bueno de su entorno, plantea Escoffet una reflexión artística y poética sobre las construcciones y sus relaciones con la vida humana y el lenguaje.

El barcelonés, que suele mezclar diferentes disciplinas con la poesía y la palabra, aborda en su producción asuntos como el cuerpo y el deseo, el texto como arquitectura, el feudalismo digital y las derivas del medio urbano. Comisarían esta exhibición Rosa Lleó, fundadora de The Green Parrot, y Laura González, fundadora de Chiquita Room.

José Lerma es un artista multimedia puertorriqueño que viene trabajando fundamentalmente en el género del retrato. Siendo sensible a las condiciones materiales y sociales de las ciudades donde ha residido, y a su contexto cultural, trata de registrar en sus obras detalles reveladores sobre su entorno.

Sus últimas pinturas, acrílicas, se caracterizan por sus particulares empastes y por su absoluto rechazo a la captación psicológica de los modelos, sin dejar de atender al pasado del retrato y a sus derivaciones históricas y políticas. Almine Rech presenta en Londres, hasta el 18 de febrero de 2023, una selección de ellas: la copiosa cantidad de pigmento cargada en cada uno de sus lienzos contrasta con el escaso número de sus pinceladas; esos empastes tan característicos transmiten dinamismo y espontaneidad y ofrecen cabezas estáticas frontal o lateralmente.

Austeros y solemnes, los rostros de perfil evocan el clasicista retrato doble del duque y la duquesa de Urbino de Piero della Francesca, pero en lugar de los diáfanos esmaltes al óleo del maestro del primer Renacimiento contemplamos aquí losas coaguladas de acrílico. Con pocos trazos y una pintura de secado rápido espesada con geles y otros materiales, las imágenes de Lerma son fruto de una cuidadosa planificación, de un proceso metódico que neutraliza la bravura de la improvisación asociada con la pincelada gestual y que explica la quietud que sugieren las piezas.

La sala parisina Priska Pasquer inicia el año haciendo dialogar la obra de Jane Benson y Genaro Strobel; la autora británica viene desarrollando instalaciones y reensemblajes con objetos encontrados, mientras el alemán elabora lecturas personales de lo real en grabados en madera que integran asimismo el uso de fotografías, pinturas y collages. Pese a las muchas lecturas posibles de estas propuestas, podemos concordar en que sus piezas desprenden el compromiso crítico de este creador con el espíritu de nuestra época.

De Strobel muestra esta galería obras monumentales y ricas en detalles que ofrecen diversas capas narrativas y que destacan por lo complejo de sus texturas. Las vetas de la madera definen sus formas, se integran en las composiciones como gesto pictórico y conviven con la tecnología láser; Benson se ha servido de ella para articular una técnica propia de creación de imágenes que aúna formas naturales y otras artificialmente concebidas. Inicia su trabajo fotografiando, registrando su entorno con la cámara; procesa esas imágenes y a continuación quema los resultados con láser, píxel a píxel, sobre paneles de madera chapada, utilizando igualmente brocha y rodillo.

La precisión de la foto es contrarrestada mediante trazos gestuales o campos de color, generando una niebla particular sobre las instantáneas. Por último, la pintura aplicada a los bloques de madera se replica, ejerciendo presión, sobre papel, generando una imagen especular.

El trabajo multidisciplinar de Benson abarca, por su parte, la escultura, el sonido, los medios digitales y los grabados. En París podemos ver piezas de su serie Everyday to Come, para las que fracturó plantas y libros falsos con el fin de volver a ensamblarlos, o del conjunto Faux Faux, donde investiga la moda de las plantas artificiales y la imitación de la naturaleza. La exhibición puede visitarse hasta el 28 de febrero.