Javier Rodríguez Lozano

NOMBRE: Javier

APELLIDOS: Rodríguez Lozano

LUGAR DE NACIMIENTO: Puebla de Almoradiel, Toledo

FECHA DE NACIMIENTO: 1992

PROFESIÓN: Artista

Javier Rodríguez Lozano es uno de nuestros fichados más jóvenes y 2017 está siendo seguramente el año de su gran salto: expuso en la Galería Bacelos con motivo de la última edición de Entreacto, lo hemos podido ver en “Futuro Presente”, muestra dedicada a jóvenes creadores en la Sala Amadís bajo el comisariado de Semíramis González; ha sido seleccionado en la convocatoria Panorama 2017 de la Galería Fran Reus y también en los XXVII Circuitos de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid, que en octubre se presentarán en Asturias. Además, a la vuelta del verano, también podremos ver su obra en la Galería Trama y la Sala Parés de Barcelona, porque ha sido uno de los ganadores de Art < 35 BS.

Los frutos recogidos este año se venían gestando el pasado: participó en JUSTMAD, expuso en A del Arte (Zaragoza), tras ser ganador del Premio de adquisición CALL_16, y recibió el Primer Premio ArteLateral_Complutense. En esta Universidad hace solo tres años que Javier finalizó su Grado en Bellas Artes, este 2017 termina su Máster de Investigación en Arte y Creación también allí y ha completado su formación con una beca de la Akademie der Bildenden Künste de Múnich, donde formó parte de la clase de Jean-Marc Bustamante, y con su asistencia a talleres impartidos por Juan Luis Moraza, Isidoro Valcárcel Medina, Los Torreznos, Patricia Esquivias y Ángela Cuadra.

Antes de entrar en materia, en la exploración de Javier de las relaciones entre lo que consideramos natural y artificial y de los actos habituales de cuyas repercusiones no somos muy conscientes, le preguntamos el cuándo y el porqué de su decisión de dedicarse a crear. Nos da dos versiones, pero de su respuesta nos gusta que admite las dudas en el camino y que estas no le han restado voluntad de realizar un trabajo sólido: Respondiendo de una manera rápida y ramplona sobre el porqué: porque he gastado ya tanto tiempo y dinero estudiando esto, que me tengo que dedicar a ello sí o sí, y porque tal y como están las cosas, puesto a ser un muerto de hambre sí o sí, mejor hacerlo bien.

Esto sería una versión corta y mala de ese porqué, aquí viene la buena y larga: Comencé estudiando el bachillerato tecnológico, para así no cerrarme puertas en el futuro. Me interesaban algunas carreras de esta rama, pero sobre todo arquitectura. También me interesaba Bellas Artes, pero ya sabes, el futuro. Durante ese tiempo iba a una academia por las tardes y ahí yo encontraba algo que pensé que si continuaba por el camino hacia la arquitectura no encontraría. Así que me cambié al bachillerato artístico para ir “más preparado” a Bellas Artes. Más bien fue una decisión para exigirme un no retorno; ya que hago algo, intentar hacerlo bien, con todas sus consecuencias. Recuerdo los primeros cursos del Grado en Bellas Artes como algo muy naif, unas ideas muy ingenuas bailaban dentro de mí.

Durante mi último año (2013-2014) tuve la oportunidad de estudiar en Múnich, en la Akademie der Bildenden Kunste, en la Klasse de Jean Marc Bustamante. Ahí entré en contacto con algo mucho más “real”, que lo que había conocido en el ambiente académico en Madrid. Ahí comencé a discernir lo que significaba ser artista, las cosas buenas y malas. También tuve la oportunidad de ver exposiciones increíbles durante ese tiempo, como el Atlas de Gerhard Richter, las que tenían lugar en la Haus der Kunst: “River of Fundament” de Matthew Barney, Lorna Simpson, Ellen Gallagher, Artschwager o Abraham Cruzvillegas. También pude ver en profundidad la obra de Cy Twombly en el Brandhorst. Al mismo tiempo, el ambiente de la Akademie era mucho más maduro, de repente me tuve que enfrentar al lienzo en blanco –no necesariamente de una manera literal-, buscar mis intereses e indagar en ellos, algo para lo que no había tenido tiempo ni espacio aquí, en Madrid. Creo que, echando la vista atrás, esos procesos han sido decisivos para que sea artista, si no me tendría que haber enfrentado a ellos más tarde, en un clima diferente y quizás a día de hoy aún no lo fuese.

Javier ha hecho camino al andar, y su decisión fue haciéndose poco a poco más firme al regresar a España y a medida que seguía formándose: Aun así, al volver no lo tenía del todo claro, y por ello llevé a cabo varias prácticas, primero en una galería, y luego como asistente de Ángela de la Cruz en Londres. Lo primero me ayudó a ampliar mis miras y entender una parte importante en la vida de un artista: sus relaciones con las galerías. La segunda me ayudó por un lado a ver el funcionamiento de un estudio grande en una las ciudades claves. Mi estancia en Londres, aunque corta, también me ayudó a ver muchas cosas (Pierre Huyghe, Anselm Kiefer…).

Al volver lo tuve más claro, entre todas las opciones que me dejaba aquello a lo que había dedicado tiempo durante esos años, la de artista era la que mejor se adaptaba a mí. Lo que me atraía de pequeño de este mundo era, por un lado, la materialidad y fisicidad de las experiencias que engloba… y, por otro lado, lo idealizado y al mismo tiempo estúpido o extraño que puede resultar ser artista en España. Para mí a veces es una vía de escape. Ha pasado un tiempo de aquello y sigo confiando en esas dos cosas; en un mundo que cada vez va más rápido, en un flujo constante de imágenes e información, el olor a pintura y la experiencia física con las piezas y las personas que hay detrás de ellas es lo que más me satisface.

Dada su juventud, continúa indagando en los temas sobre los que más le interesa reflexionar. Hace un tiempo, la naturaleza y su distancia respecto a lo fabricado eran el eje de su obra; recientemente esos asuntos se han abierto, con fluidez y flexibilidad, hacia la observación de lo cotidiano y la reflexión sobre el rol del creador: Comencé trabajando en torno a lo “natural”, buscando las dicotomías que flotan dentro de ese concepto, sus relaciones con lo “humano” o “artificial”. Sin embargo ese interés fue mutando poco a poco en otra cosa. Fui atendiendo a los detalles de las cosas que suceden alrededor. Llevo poco recorrido, por lo que estos intereses no son todavía del todo estables, supongo.

En los principales proyectos que he llevado a cabo, creo que hay varios puntos en común. Atiendo a pequeñas historias que suceden en lo cotidiano y a las que no prestamos mucha atención, donde hay una fuerte presencia de lo material, lo gestual o lo espacial. Estos gestos que pasan al principio desapercibidos se van magnificando, o bien se diluyen en el ambiente. Los proyectos que voy desarrollando varían sus temas en función del contexto.

Por otro lado, me interesa mucho la figura del artista en sí, sus relaciones, su posicionamiento, aunque esto de momento es algo que me interesa más de una manera personal, más un “cómo” que un “qué”, por lo que no forma parte de mi obra de manera obvia. Uno de mis principales proyectos, Enlaces de escarabajo, tiende a ocupar un “espacio entre artistas” de manera física y simbólica, creando pequeñas conexiones en un contexto muy específico. Es algo que me encantó hacer, y me gustaría continuar esa línea en mi obra, pero entiendo que para poder hacer eso, tiene que haber una serie de ingredientes, un contexto muy marcado, difícil de conseguir.

Sus influencias son diversas y no solamente plásticas, pero nos habla Javier de la importancia de su contexto personal y artístico más cercano, también del generacional, en estos comienzos de su trayectoria. Al margen de sus referencias a nivel puramente creativo; se fija también en autores que profundizan y que mantienen la coherencia con los años, más allá de diferencias temáticas y formales. Nos lo explica: Por un lado el contexto que me es dado (de dónde vengo, mi familia, mi lugar de residencia), es una de las fuerzas que modelan mis intereses. Por otro lado, en cuanto a los artistas que me gustan o admiro, los barajo a veces en dos niveles: por un lado, artistas que son muy reconocidos, por los que, por su proyección y sus intereses, me es imposible no sentirme influido. Por otro lado, siento una gran influencia por artistas cercanos de mi contexto, gente de mi misma generación o una anterior. Gente cercana; aunque sus obras no tengan nada que ver con las mías, encuentro en su hacer similitudes. De algún modo ellos han pasado por donde yo he pasado, y es imposible no tributar a esos artistas. En la primera línea pienso en artistas como Pierre Huyghe, uno de mis favoritos si no el que más, Christopher Wool también me encanta y es una de las grandes influencias en mi último proyecto.

En un nivel intermedio encontraría a artistas como Juan Luis Moraza, Lara Almarcegui o Ángela de la Cruz, gente que siento cercana a pesar de la distancia profesional que existe. Y en un nivel más cercano, a esa gente que ha abierto camino y que sigo de cerca, como Cristina Garrido, Carlos Fernández-Pello, Julián Cruz, José Díaz, Irene Grau, Elena Alonso, entre muchos otros… Muchas veces no es tanto por las obras que hacen en sí, sino por su compromiso a lo largo del tiempo con lo que hacen; es lo que me gusta de estos artistas.

Actualmente también me interesa mucho el trabajo de Fernando Sánchez Castillo, Iván Argote o Patricia Esquivias, por poner ejemplos.

Hay otras influencias fuera de lo artístico: en Enlaces de escarabajo, hay dos textos que forman parte de la instalación, de Italo Calvino y de Douglas Adams.

Como habréis comprobado, la evolución de la producción de Javier hasta ahora ha seguido caminos intuitivos, naturales y no forzados; sus referencias nunca son literales. También en el uso de unos y otros materiales y técnicas hace caso a las necesidades de cada pieza; atienden a los intereses sobre los que en cada momento trabaja. Es más, favorece el diálogo entre tema y material, y estos los emplea con una delicadeza que ya es su sello propio para favorecer esa comunicación: Los formatos se adaptan a las ideas con las que trabajo, responden a ellas pero también las condicionan y ensucian con connotaciones secundarias. Por ejemplo, el uso de mármol como soporte para pinturas, en vez de lienzo o una superficie de cemento, es un gesto brutal, de mucho peso.

De los proyectos que ha realizado hasta ahora, Javier destaca dos: uno bastante reciente y otro en el que aún se encuentra inmerso.
El primero, Enlaces de escarabajo, que ya os suena familiar, lo llevó a cabo específicamente para los XXVII Circuitos de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid. La exposición de las obras de los seleccionados (Javier entre ellos) se presentó a principios de año en la Sala de Arte Joven y en octubre lo hará en Asturias: en LABoral y en la Sala Borrón ovetense.

El proyecto de Javier, como recordaréis quienes visitasteis Circuitos, se exhibía intercalado entre las propuestas del resto de artistas seleccionados, y esa era su gran riqueza: la trabajada conexión, eludiendo lo fácil, con el resto de las obras expuestas y también con el lugar de exhibición dado. Así volverá a ser en Gijón y Oviedo, con algunas modificaciones por el cambio de espacios: Mi proyecto consistía en una serie de piezas (21 en total), con aspecto rocoso, de colores pastel –una suerte de meteoritos-, que iban surgiendo a lo largo de todo el espacio expositivo. Aparecían entre los huecos que iban surgiendo entre artistas: en una esquina, en un rodapié, incrustadas en un hueco superior en una pared, en el alféizar cercano a la escalera, otra en un pilar…

En ellas iban incrustados diferentes objetos que referenciaban el resto de proyectos. Así, por ejemplo, en el caso de Federico Miró, que tenía unas pinturas que indagaban la relación entre el tapiz, lo artesanal y motivos vegetales en clave natural-artificial, las piezas que referenciaban ese proyecto tenían una tela con una planta bordada, y una planta artificial. En el caso de Julia Llerena, mis piezas tenían objetos recogidos en mi deambular urbano, en un acto similar a los objetos que ella usa para su obra. Algunas de las piezas se mostraban de una manera obvia, a la altura de los ojos, en el suelo… con un color y forma llamativos, fáciles de identificar. Otras surgían del techo y eran más difíciles de localizar, ahí radicaba gran parte de la instalación site-specific: re-experimentar el espacio de la Sala de Arte Joven a través de estas piezas y sus relaciones con los otros proyectos. 

Por otra parte, la fase previa a la instalación, la de búsqueda de los objetos, entablar las conexiones, formalización de las piezas, decidir dónde y cómo iban a ir colocadas.. fue muy interesante, pues evidentemente tuve que hacerlo una vez los proyectos fueron escogidos, siendo mis piezas las últimas en realizarse. Este tipo de proyectos me gustaría hacerlos más en el futuro, trabajar de manera estrecha con un contexto que me es impuesto: una serie de artistas, de piezas, un espacio, una convocatoria con un peso histórico…

Las piezas están realizadas en cemento impermeabilizado y pintado, con diferentes objetos incrustados.

De ↷ , ↶ , ↺ (hacer, deshacer, repetir), el actual proyecto en el que está sumido Javier, pudimos disfrutar en mayo de un anticipo en Entreacto, en la Galería Bacelos. Remite a esos gestos cotidianos de los que hablábamos al principio, en cuyas huellas, diversas e inesperadas, no solemos reparar, y también incorpora reflexiones sobre el valor dado a la pervivencia de nuestros gestos: El proyecto se basa en dos acciones repetidas muchas veces: pintar y borrar. Las piezas consisten en graffitis, tags, pintados y borrados sobre losas de mármol. El proceso de estas piezas surge de algo que sucede a nuestro alrededor de manera cotidiana y a lo que no prestamos mucha atención, una suerte de lucha inútil: estas pintadas son hechas en la calle para o bien ser borradas (y ser pintadas de nuevo, y borradas, y pintadas y…), o bien  caer en el olvido y desmejorarse con el paso del tiempo o el clima, invitando así a pintar algo encima de nuevo. Este proceso es del todo imperfecto, y muchas veces quedan fantasmas de ambas acciones, la pintada se queda grabada en el cemento, la piedra o el material que sea, o la pintura diluida por el disolvente se queda mal esparcida en un intento de haberla borrado.

De ese modo, lo que hago en este proyecto es recopilar una serie de tags en mi día a día, firmas con seudónimos, ilegales, que a priori carecen de valor simbólico, pero que al mismo tiempo responden a algo muy básico del ser humano, el querer dejar su impronta por donde pasa. Además los gestos caligráficos entroncan directamente con la historia de la pintura. Es ahí donde el título del proyecto opera con un doble sentido: por un lado las flechitas del título son las gestualidades dentro del pintar y el borrar, por otro lado, esas mismas flechas simbolizan las acciones llevadas a cabo (rehacer, deshacer, repetir última acción), en programas como Photoshop o Word; encapsulan de una manera simple, todo ese proceso. Esta pintura tan gestual la noto muy ligada a Christopher Wool, Cy Twombly o Günther Förg.

En función del mármol usado (Markina, Rosa Portugués…), van quedando una serie de palimpsestos, de fantasmas, pues al ser un material poroso, la pintada no se puede quitar del todo. Lo que voy haciendo al crear estas piezas es ir pintando tags o fragmentos de otras pintadas mayores, ir borrando y escogiendo trazos, residuos que van quedando, de esa manera voy componiendo.

De momento las piezas solo las he trabajado sobre unas medidas particulares y mármol. Esto responde a dos motivos. El primero es que es en las paradas del metro de Madrid donde me fijo en esa lucha inútil de la que hablaba antes, en unas paradas forradas con mármol. Este material posee unas connotaciones totalmente opuestas a las del graffiti: es noble, pesado, elegante, perdurable… el graffiti es rápido, fugaz, sucio… Curiosamente, al ponerlo junto, ambas cosas discurren en una misma dirección.

El otro motivo es que trabajando con un mismo formato, repitiendo el tamaño, y mostrando eso en el display de las piezas, estas entroncan con una estética que pertenece por completo al minimal art. Por otro lado, las piezas de mármol, de dos centímetros de grosor, ya funcionan como pinturas en sí mismas: por el lado se puede apreciar perfectamente los cambios que se van produciendo en las vetas del material, siendo la última capa la única que realmente puedo escoger.

Ahora me dispongo a extender este proyecto en diferentes direcciones. Por un lado me gustaría probar con otras superficies, gestos y procesos de borrado. Por otro lado, algo que ya estoy comenzado a hacer es llevar este proceso de borrado al contexto al que el proyecto pertenece: la calle.

También estoy haciendo una serie de piezas nuevas trabajando con mármol Travertino, famoso por sus oquedades. En ella, en un laborioso proceso, voy rellenando sus orificios con pintura acrílica, encontrando, esta vez de manera literal, otro intersticio a ocupar.

Ya sabéis: los intersticios que ocupa Javier nos esperan a la vuelta del verano en Barcelona, Gijón y Oviedo. Y siempre en su página web: www.javierrodriguezlozano.com

Madrid, julio de 2017

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