Bajo el título de “Pajarazos”, término tomado de un poema de Olvido García Valdés, el artista barcelonés David Bestué presenta un proyecto específico en la Capilla y en la Sala 9 del Museo Patio Herreriano, paralelo a la celebración de la muestra que actualmente le dedica Fabra i Coats.

Plantea este autor un ejercicio formal que pivota en torno al paisaje castellano, la historia de la ciudad de Valladolid y la deriva de su patrimonio, en la senda de investigaciones en torno a los procedimientos de transformación de los material, y las narrativas que de ellos se desprenden, en las que lleva años inmerso. Los trabajos que ahora exhibe remiten, asimismo, a la poesía de García Valdés, quien residió en Valladolid en años vitales para su trayectoria.

El Museo Nacional de Arte de Timișoara, en Rumanía, ha anunciado la apertura, el 30 de septiembre, de la exposición “Brancuși: fuentes rumanas y perspectivas universales”, que profundizará en los inicios de un artista que logró generar formas puras, muy libres aunque no carentes de influencias (Rodin fue su maestro).

El escultor fue y continúa siendo un creador que trascendió fronteras geográficas, históricas y formales, más allá de corrientes artísticas definidas pese a sus vínculos con la vanguardia parisina de la primera mitad del siglo XX. Curiosamente, la última exhibición que se le brindó en su país se organizó hace más de cincuenta años, en 1970, por lo que esta próxima antología supondrá un simbólico regreso a casa.

Analizará su recorrido el bagaje con el que Brancusi llegó a París y la metamorfosis que, ya en Francia, le llevó a convertirse en el autor universal que todos apreciamos; será su comisaria Doina Lemny. Se reunirán, por primera vez en Rumanía, piezas emblemáticas de la etapa de madurez del artista, prestadas por centros como el Pompidou de París o las Tate de Londres, y también trabajos de su juventud procedentes de museos rumanos y colecciones privadas. Serán cerca de cien las obras estudiadas, junto a fotografías y fragmentos fílmicos, y colaborarán en la presentación la Fundación Art Encounters y el Instituto Francés.

Desde su herencia rumana y su interés por el primitivismo artístico, supo extraer Brancusi las esencias de los materiales que empleó, enriqueciendo después sus formas con las ideas de vanguardia. En Timișoara, capital europea de la cultura este año, podremos contemplar obras como El Beso, Mlle Pogany, Musa dormida, La columna sin fin y Pájaro en el espacio, así como trabajos estrechamente conectados con el arte y la literatura rumanos; hay que recordar que allí se formó y participó en sus primeros eventos artísticos.

Esta antología reivindicará a Brancusi como ejemplo perfecto de artista que parte de lo real, de las figuras y objetos, para a continuación tratar de captar sus esencias a través de un largo proceso de creación y reflexión, que ya no pertenece a ningún espacio geográfico dado, sino al mundo. En una de las notas que se conservaron en su taller, probablemente escrita en una edad avanzada, compartió su visión de una cosmogonía sin barreras en la que todos los elementos naturales, desde animales y plantas hasta los fenómenos geológicos, contribuirían a la armonía de la creación: Mi tierra natal, mi familia, es la tierra que gira, el soplo del viento, las nubes flotantes, el flujo del río.

El Museo Reina Sofía ha anunciado hoy que la artista Eva Lootz, nacida en Austria en 1940 y asentada en España desde su juventud, ha donado a su Fundación 36 obras, valoradas en más de medio millón de euros, que formarán parte de sus fondos; además, se ha comprometido a donar al Museo el legado del conjunto de su producción.

Figura fundamental de las corrientes experimentales de la creación en nuestro país desde los sesenta, ha trabajado Lootz en disciplinas diversas en torno a conceptos humanos fundamentales como la memoria, el tiempo o el silencio, y las piezas que ahora dona a este espacio madrileño, dirigido por Manuel Segade, se fechan entre las últimas décadas del siglo XX y primeros de los 2000. Hasta ahora disponía el Reina Sofía de nueve de sus propuestas (dibujos, esculturas e instalaciones); por tanto, este enriquecimiento de sus colecciones de Lootz permitirá al centro estudiar y catalogar mejor su trabajo, difundirlo y, en un futuro, digitalizarlo.

Once de los proyectos donados corresponden a los setenta y principios de los ochenta y se nutren de la influencia de Joseph Beuys, Mario Merz o Eva Hesse. En esa etapa, la de su obra temprana, las superficies de pared parecen cuadros sin serlo, empleó materiales inusuales en objetos híbridos y apeló a lo comestible, lo corporal y manipulable, sexual o atrayente, en las propias palabras de Lootz. Progresivamente fue incorporando otras materias alusivas a la percepción y al cuerpo y, si en sus inicios rechazaba cualquier voluntad narrativa, terminó por hacer del lenguaje un elemento relevante de sus procesos, fijándose en lo que se revela y oculta, lo que se nombra y lo que no. Política, naturaleza y feminismo son también inquietudes fundamentales de la austriaca.

Ya en los noventa incorporó a buena parte de sus trabajos pies, zapatos, suelas o guantes como metáfora de la presencia humana, a veces en un sentido alegórico y otras formal. De esa fase se suman al Reina Sofía diecisiete piezas, entre ellas la decena de fotografías que integran la serie Pequeño teatro de derivas (1994), compuesta por miniescenas de personajes solos, dúos o tríos, y carácter escenográfico.

Las obras más recientes de Lootz donadas a la Fundación Museo Reina Sofía son dos instalaciones en las que la autora dialoga con el espacio (Tú y yo II y Niña de postguerra, de 2002 y 2005) y seis audiovisuales datados entre 2002 y 2011; este tipo de piezas de la artista carecían de representación en el Museo. Hace dos décadas, en 2002, el Reina Sofía presentó en el Palacio de Cristal su instalación La lengua de los pájaros, en la que se aprovechó el parecido del espacio con una gran pajarera para generar un ambiente comunicativo basado en la forma de expresión de los pájaros: el sonido, el canto.

Hasta el 27 de agosto, Miguel Ángel Tornero presenta un proyecto específico en el Museo de Altamira. Indaga en él en la idea de esta cueva como un icono vivo y orgánico, un espacio vinculado a la tierra y su intimidad; también en lo que significa Altamira por sí misma: el punto de partida, el origen donde encontrarse con las primeras formas de arte.

El título del proyecto, “Rockstar”, procede de esa consideración del lugar como un icono tatuado y universal. Valiéndose del flash y del collage fotográfico desde un punto de vista técnico y conceptual (Tornero ha fotografiado y sintetizado fragmentos de la neocueva y la cueva de las estalactitas), nos muestra otro tipo de belleza más cercana al concepto de lo sublime.

Hasta el próximo 15 de octubre, el Palau Martorell de Barcelona acoge una exposición dedicada al artista checo Alphonse Mucha, figura clave del art nouveau. Recoge investigaciones recientes en torno a su idea de belleza y consta de ochenta piezas, entre ellas sus célebres carteles dedicados a “La Divina” Sarah Bernhardt, objetos comerciales que contaron con sus diseños, fotografías y dibujos preparatorios.

También hace hincapié la exhibición en cómo el artista expresó el nacionalismo checo del que participó en su producción, tras regresar a su tierra natal en 1910: se proyectan a gran escala imágenes digitales de la veintena de lienzos que componen La epopeya eslava, ejecutados entre 1912 y 1926 y dedicados a la historia de ese pueblo. Su estilo, muy característico, estuvo marcado por las composiciones armoniosas, las formas sinuosas, las líneas orgánicas y una paleta cromática apagada.

Comisaría la muestra Tomoko Sato, y se ha organizado en colaboración con la Fundación Mucha.

El Consejo de Ministros ha anunciado la aprobación, a propuesta del ministro de Cultura y Deporte, del Real Decreto por el que se crea el Centro Nacional de Fotografía en Soria. Esta nueva institución cultural, de titularidad estatal, tendrá su sede en el antiguo Banco de España de la ciudad e implicará una inversión de casi 8,5 millones de euros, cantidad a la que se añade una subvención nominativa de 100.000 euros al Ayuntamiento soriano para el desarrollo de su programación de actividades culturales.

Las obras para adecuar el inmueble a sus futuros usos museísticos comenzarán a principios de 2024 y finalizarán en 2025, estando prevista la apertura de puertas para 2026. Tendrá este espacio una superficie total de 3.573 metros cuadrados distribuidos en cuatro plantas y, además de constituirse en lugar de referencia nacional e internacional de esta disciplina y atender a las demandas de sus asociaciones nacionales, pretende llevar propuestas culturales relevantes a un entorno que sufre una creciente despoblación.

El Real Decreto, que consta de 11 artículos, atribuye al nuevo centro la función de garantizar la correcta conservación de los testimonios materiales representativos de la foto en España, así como el desarrollo de exposiciones temporales. También contempla la creación de un portal virtual con programación propia, la puesta a disposición de los fondos a ciudadanos e investigadores y la misión de crear y coordinar una red permanente de centros y museos de fotografía.

El Ayuntamiento de Soria, por su parte, ha comprado el edificio anejo al Banco de España, el Palacio de Alcántara, para usos culturales asociados al Centro Nacional.

La Plataforma Centro de Fotografía e Imagen ha celebrado la aprobación del Real Decreto y ha anunciado que trabajará para que se cumplan los plazos de su desarrollo.

DKV ha seleccionado a Cristina Núñez y su proyecto fotográfico Únicas como ganadores de la tercera edición del Premio f/DKV a la fotografía con causa. Recibirá esta autora una dotación económica de 5.000 euros en concepto de honorarios y se le dedicará una exposición que se presentará en enero de 2024 en el Centro f/DKV de fotografía con causa de la Torre DKV, en Zaragoza.

Únicas se vale de la fotografía para hacer una revisión social de una comunidad emocional de mujeres que se reúnen en torno al rugby y sigue durante tres años a las protagonistas, de diferentes orígenes sociodemográficos e ideológicos.

Más de 10.200 visitantes disfrutaron del programa El Prado de noche, puesto en marcha por la pinacoteca junto a Samsung y Radio 3. La jornada del 8 de julio fue la de mayor afluencia, con 2.537 espectadores que, para celebrar la buena acogida de la iniciativa, fueron obsequiados con una publicación.

El Prado de noche comenzó el 4 de marzo, con apertura en horario de 20:30 a 23:30 horas, y ha consistido en la apertura secuenciada de diferentes espacios expositivos del centro los primeros sábados de mes.

Por su parte, la gran exposición dedicada a Guido Reni, que se clausuró el 9 de julio, ha recibido 164.019 visitantes, convirtiéndose en la de mayor afluencia tras la celebración del Bicentenario.

La exposición que la Comunidad de Madrid ha brindado a Juan Muñoz ha sido la más visitada en el terreno de las artes plásticas entre las programadas en la Sala Alcalá 31, con cerca de 80.000 espectadores. La muestra “Todo lo que veo me sobrevivirá“, que ha homenajeado al escultor en el 70º aniversario de su nacimiento, ha reunido algunas de sus piezas emblemáticas de la década de los noventa.

Comisariado por Manuel Segade, ahora director del Reina Sofía, el recorrido estaba concebido como un establecimiento de instalaciones y ha destacado por contar con proyectos como Plaza, obra procedente del Kunstsammlung K21 Dusseldorf que no se había visto en España desde que, justamente, el MNCARS le dedicara una exposición en el Palacio de Velázquez en 1996. Compuesta por 27 figuras humanas de rasgos orientales en actitud hilarante, a ella se han sumado en Alcalá 31 otros trabajos como Dos centinelas sobre el suelo óptico (1990), cuyo parqué perspectivo recibía a los espectadores en la entrada de la exposición, o Barco con motor III (1990), en el que Muñoz reflexionó sobre la fatalidad del destino.

Esta exhibición tiene ahora continuidad en la que el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles dedica también a Juan Muñoz y a su producción durante los ochenta, abierta hasta el 7 de enero. Bajo el título de “En la hora violeta”, recupera muchas de sus primeras obras, que anticipan posteriores reflexiones conceptuales y exigencias técnicas. Su primera exposición individual se celebró en la galería Fernando Vijande de Madrid en 1984, una propuesta que se reconstruye parcialmente también en el atrio del CA2M.

Hasta el 28 de julio, Carlos Amorales presenta “Words of Mouth and Hands”, su primera exposición individual en la sede en Nueva York de kurimanzutto. Se trata de una videoinstalación que consta de un conjunto de partituras originales y obras sobre papel que toman como punto de partida el mito de la creación imaginado por el artista: una serpiente gestaría el inframundo excavando en la tierra con su voz. Las obras de la muestra, según su planteamiento, seguirían la transformación de la palabra escrita en música coral y la posterior traducción de la música en símbolos gráficos.

Inicia el recorrido una videoinstalación de seis canales que evoca la noción de lo sublime a través de cánticos; se trata de un retrato del músico, compositor e intérprete Sarmen Almond interpretando dos poemas. Como contrapunto, el percusionista Diego Espinosa ejecuta una serie de ritmos de pista de baile con las manos y el cuerpo. En otro vídeo, se exhiben las manos del artista hojeando un cuaderno en el que desarrolló un peculiar sistema de signos y símbolos para la dirección coral; los dibujos de este cuaderno se los inspiró a Amorales ver a una directora de coro gesticular con las manos, los brazos y el cuerpo; imaginó estos movimientos como dibujos en el aire.

Voces, sonidos, trazos, gestos, palmas, signos y símbolos chocan como los elementos fragmentados que componen la serie de dibujos Motion Clapping, en la que el autor utiliza el contorno de sus manos para trazar el movimiento de la música. Las composiciones de percusión de voz y cuerpo, encargadas por Amorales para sus videos, se correlacionan directamente con esta serie. Un segundo conjunto de piezas sobre papel que representan una sucesión de perfiles supinos sugieren tanto un paisaje como un pentagrama, y una instalación de gran formato de pancartas de papel, Silent Choir, ofrece, por último, una secuencia de perfiles pintados con aerosol que sugiere la presencia de un coro masivo en la galería.

Felice Limosani exhibe, hasta el 12 de noviembre de 2023 en los espacios de Officina Profumo-Farmaceutica en Santa Maria Novella, Florencia, el proyecto de arte inmersivo Blooming in Paradise, a medio camino entre lo visual, lo olfativo y lo auditivo. Se trata de una instalación concebida como entorno paradisiaco en constante florecimiento, con una sugerente banda sonora y una fragancia suspendida.

Limosani trabaja habitualmente en proyectos que aúnan humanidades y arte digital poniendo énfasis en las posibilidades perceptivas del público.

La fotógrafa Greta Alfaro explora en su trabajo asuntos relacionados con la identidad, la justicia social y la relación entre los seres humanos y la naturaleza, proponiendo al espectador reflexionar sobre su ubicación en el mundo y cómo puede contribuir a un futuro más sostenible.

En el marco de PHotoESPAÑA y hasta el 3 de septiembre de 2023, presenta en la Torre DKV de Zaragoza “Presentimiento”, un proyecto que atiende a las huellas en espacios cotidianos, reales o sobrenaturales, de la catástrofe ecológica.