La fotógrafa brasileña Flavia Junqueira, cuyo trabajo se inspira en la infancia y su imaginario, presenta en la sala Reiners Contemporary Art de Marbella la muestra “The Absurd and the Grace”.
Desde la profusión cromática, hace referencia al peso de las manifestaciones tradicionales de la historia (a través de museos, monumentos y viejos teatros), pero aligera su gravedad a través de sus ineludibles globos. Podemos asimilarlos a artistas que suben al escenario o quizá al público, como si nos devolvieran nuestra imagen. Como toda vida evanescente, pronto cubrirán el suelo y perderán su brillo.
Flavia Junqueira. “The Absurd and the Grace”. Reiners Contemporary Art
Brancusi fotográfico, en Zúrich
La Galerie Gmurzynska exhibe en Zúrich un luminoso conjunto de fotografías originales de Brancusi: 18 impresiones antiguas en gelatina de plata que captan algunas de sus esculturas más icónicas, bodegones y un retrato. Constituyen una selección esencial de sus menos de 200 imágenes en colecciones privadas.
Se trata de la primera exposición de la fotografía de Brancusi en una galería de la Suiza de habla alemana, casi cuarenta años después de la histórica muestra individual que acogió Kunsthaus Zürich en 1977 y la de Fotostiftung Schweiz en 1987. La muestra coincide además, fortuitamente, con la apertura de una sala dedicada a esa vertiente de la producción del rumano en Kunsthaus Zürich el pasado noviembre, en la que su obra dialoga con la de Man Ray.
Brancusi utilizó la fotografía a lo largo de su trayectoria como una herramienta para catalogar, vender, crear y refinar sus esculturas y, lo que es más importante, también concibiendo las suyas como obras de arte independientes. Estas imágenes nos enseñar a mirar sus esculturas (o a saber cómo le gustaría que fueran percibidas en cuanto a encuadre e iluminación).
Coincidiendo con el bicentenario del nacimiento de Rosa Bonheur en Burdeos, el Museo de Bellas Artes de su ciudad natal y el de Orsay de París presentan una gran retrospectiva de su obra, en colaboración con el Castillo Rosa Bonheur de Thomery (Seine-et-Marne), donde la artista vivió durante casi medio siglo, y el Museo Departamental de Pintores de Barbizon.
La naturaleza fue el centro de su obra y de su vida: promovió el reconocimiento de la singularidad de los animales y buscó, a través de su pintura, expresar su vitalidad. Desde un elevado dominio técnico, supo representar su la anatomía y también su psicología.
Esta exposición quiere permitir al público descubrir la fuerza y la riqueza de su producción a través de doscientas obras (pinturas, artes gráficas, esculturas y fotografías) procedentes de las colecciones públicas y privadas de Europa y Estados Unidos. Puede visitarse hasta el 15 de enero de 2023.
Luna Bengoechea lleva al CAAM sus reflexiones sobre la industria de la alimentación
El CAAM de Las Palmas presenta, hasta el 26 de febrero, la muestra “Holy Sugar” de Luna Bengoechea. Comisariada por Adonay Bermúdez, alberga media docena de piezas que reflexionan sobre la especulación en la industria alimentaria, los nuevos modelos de producción, las estrategias de marketing y su capacidad de influir en el consumo, asuntos que vienen marcando la trayectoria de esta autora canaria.
Interesada por la relación entre el ser humano y la naturaleza, Bengoechea cuestiona en su obra “la sumisión y dependencia de la sociedad contemporánea hacia ciertos alimentos de producción industrial, pobres en nutrientes, de consumo rápido”. Ha investigado especialmente la fabricación y el consumo del azúcar.
El Museo de Bellas Artes de Sevilla revisa el Renacimiento en la ciudad
El Museo de Bellas Artes de Sevilla acoge, hasta el 12 de marzo de 2023, la muestra “Arte del Renacimiento en Sevilla”, que analiza la actividad artística en ese periodo en la ciudad a través de pinturas, esculturas, platería, cerámica y miniaturas.
El descubrimiento de América, el conocimiento del mundo derivado de la circunnavegación, el crecimiento poblacional de la ciudad y su creciente riqueza fueron factores que influyeron decididamente en ese panorama artístico; además, el establecimiento allí del Puerto y Aduana con las Indias atrajo hacia Sevilla los intereses comerciales de las grandes fortunas europeas e impulsó el tráfico de obras de arte y el traslado de artistas para satisfacer los encargos que eran demandados por instituciones y particulares. El mayor núcleo de actividad fue la Catedral, culminada a lo largo del siglo XVI.
Esa demanda en ascenso de artistas tuvo lugar en una urbe que hasta poco antes había albergado fundamentalmente templos mudéjares, de líneas sencillas y poco ornamentados. La confluencia de corrientes, procedentes de culturas y lugares tan diversos como Italia, Portugal, Países Bajos e incluso Francia, junto a la tradición islámica local, incidió en las características de la escuela artística sevillana del Renacimiento, una de las más pujantes de nuestro país en los siglos XVI y XVII.
Bernardino Luini. La Virgen con el Niño, san Roque y san Sebastián
Lucio Fontana, otras dimensiones en Málaga
Hasta el próximo 23 de abril de 2023, el Centro Pompidou de Málaga dedica a Lucio Fontana la muestra “Recto-verso”. Se centra en sus proyectos con perforaciones y cortes, que permitían dar a su producción dimensiones espaciales inesperadas, y en los diálogos que mantuvo con otros artistas italianos y sudamericanos durante sus años de formación.
Cuenta la exposición con varios de sus Concetto spaziale, dibujos, incluido un autorretrato de 1940, preámbulos a intervenciones arquitectónicas y ambientes inmersivos, creados a partir de 1948; dialogan estos trabajos con algunos de Giacomo Balla, Yves Klein y Manzoni.
La Fundación Masaveu Peterson mostrará en el Museo de Bellas Artes de Valencia su colección de Sorolla
El año que viene se conmemorará el primer centenario de la muerte de Joaquín Sorolla y conocemos ya datos de una de las principales exhibiciones que recordará la fecha. La Fundación María Cristina Masaveu Peterson y el Museo de Bellas Artes de Valencia presentarán, en este último centro, “Colección Masaveu. Sorolla”, un conjunto de medio centenar de obras que podrán verse del 29 de junio al 1 de octubre.
Las obras del pintor pertenecientes a estos fondos privados fueron adquiridas por el ya fallecido Pedro Masaveu Peterson: se trata de la colección particular más rica en trabajos del valenciano y la tercera más relevante, en número de piezas, a nivel internacional, tras las de su Museo madrileño y la Hispanic Society de Nueva York. La mayoría están dedicadas al mar o a escenas de baño.
El Ministerio de Cultura compra para el Museo Sorolla tres lienzos del valenciano
El Museo Sorolla, de titularidad estatal y dependiente del Ministerio de Cultura y Deporte, incorporará a sus fondos tres obras inéditas de la época temprana de Joaquín Sorolla, del que en 2023 se conmemorará el primer centenario de su muerte.
Conservadas en perfecto estado, las pinturas son En la posada, La esclava y la paloma. Desnudo y El oferente y se fechan, todas ellas, en 1883, cuando el artista solo tenía veinte años. El periodo de formación del valenciano resulta bastante desconocido para el gran público, dado que la mayoría de sus trabajos de entonces se encuentran en colecciones privadas.
Estas adquisiciones, por un valor total de 357.000 euros, se han realizado a través de la Dirección General de Patrimonio Cultural y Bellas Artes, previa propuesta favorable de la Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Histórico Español. Compradas para las colecciones públicas estatales a través de la modalidad de oferta de venta directa, han sido depositadas y asignadas a la colección estable del Museo Sorolla en los últimos meses, junto a otras obras datadas igualmente en la primera etapa de Sorolla, como Niña cantora (1883) o la acuarela Tocando la guitarra (1887).
Ese año de 1883 fue especialmente significativo para el pintor, que comenzó a lograr sus primeros éxitos tras participar en la Exposición Regional de Valencia: justamente dos de las obras adquiridas, que forman pareja, La esclava y la paloma. Desnudo y El oferente, formaron parte de aquella exhibición bajo el título de Dos estudios de desnudo.
La primera ha sido adquirida por 160.000 euros mediante oferta de venta directa en colección particular; la segunda se ha comprado por 142.000 euros mediante la misma vía. Con firma y rúbrica, las dos composiciones corresponden a ejercicios académicos de formación. Con temática de inspiración pompeyana, demuestran el dominio de los conocimientos clásicos de Sorolla, a la vez que anticipan su posterior manejo virtuoso del blanco.
Por su parte, En la posada es un óleo sobre tabla que se ha adquirido por 50.000 euros. Firmado y dedicado, constituye uno de los pocos casos de escenas inspiradas en la pintura de casacón de Mariano Fortuny y del maestro de Sorolla, Francisco Domingo Marqués. Se ambienta en un interior barroco y llama nuestra atención por su técnica precisa y colorista y por su captación de la luz, clave en la trayectoria de este autor en adelante.
Las tres obras serán expuestas, por primera vez, en la muestra temporal que iniciará el centenario, “Sorolla. Orígenes”, que se inaugurará el 19 de diciembre en su Museo madrileño.
Joaquín Sorolla. El oferente, 1883
Jonathan P. Binstock, nuevo director de la Phillips Collection
Jonathan P. Binstock sucederá a Dorothy Kosinski como director de la Phillips Collection de Washington a partir del 1 de marzo de 2023 y después de quince años de mandato de su antecesora.
Cuenta con una experiencia de ocho años al frente de la Memorial Art Gallery (MAG) de la Universidad de Rochester, en Nueva York, y con anterioridad fue vicepresidente senior de arte moderno y contemporáneo de Citi Private Bank y comisario para la Corcoran Gallery y la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. En la Memorial Art Gallery, logró la expansión y diversificación de la colección permanente del centro (con adquisiciones de Nam June Paik, Sondra Perry, Bill Viola, Nick Cave, Sol Lewitt o Kara Walker) y un aumento significativo en su presupuesto anual.
Licenciado en Historia del Arte y Psicología en la Universidad de Saint Louis (Washington) y doctorado en la de Michigan, el próximo director de la Phillips es también autor del ensayo Alma Thomas: Arte apolítico en un mundo político.
El museo estadounidense del que ahora se hará cargo acaba de celebrar su centenario y sus fondos cuentan con cerca de 6.000 piezas, con un número creciente de ellas dedicadas al arte contemporáneo, la fotografía, las mujeres y los artistas de color. Desde el 1 de enero, Kosinski será su directora emérita.
Jonathan P. Binstock, nuevo director de la Phillips Collection
Las galerías Tate británicas han concedido el Premio Turner 2022 a Veronica Ryan, según se anunció el 7 de diciembre en una ceremonia en St George’s Hall, en Liverpool, que fue transmitida en directo por la BBC.
El objetivo de este galardón es promover el debate público sobre los nuevos rumbos del arte británico contemporáneo; su ganador recibe 25.000 libras y 10.000 recaen en cada uno de los finalistas.
El jurado valoró en los nominados (Heather Phillipson, Ingrid Pollard, la propia Veronica Ryan y Sin Wai Kin) sus sólidas y múltiples vías para ofrecer a los espectadores experiencias sensoriales y su voluntad de empujar los límites de la exploración material al desentrañar las complejidades del cuerpo, la naturaleza y la identidad. El premio ha sido para Ryan “por el modo personal y poético en que extiende el lenguaje de la escultura”: su producción reciente conjuga objetos encontrados y generalmente olvidados con materiales elaborados y profundiza en asuntos interconectados, como las migraciones y desplazamientos, la curación y la pérdida. También se ha recalcado su uso del espacio, el color y las escalas, tanto en propuestas de interior como en espacios públicos.
Compusieron dicho jurado este año Irene Aristizábal, Head of Curatorial and Public Practice de BALTIC; Christine Eyene, profesora de Arte Contemporáneo en la Universidad John Moores de Liverpool; Robert Leckie, director de Spike Island y Anthony Spira, director de la Galería MK. Lo presidieron conjuntamente Alex Farquharson, director de la Tate Britain y Helen Legg, directora de Tate Liverpool.
Trabajos de los cuatro autores escogidos pueden verse en Tate Liverpool hasta el 19 de marzo de 2023: se conmemoran los 15 años transcurridos desde que el premio se celebró por primera vez en esa ciudad, entonces Capital Europea de la Cultura.
La luz del nácar: el Museo de América bucea en los enconchados
El Museo de América acoge, hasta mayo de 2023, la muestra “La luz del nácar. Reflejos de Oriente en México”, en la que profundiza en el intercambio cultural entre Europa, América y Asia; en la visión y construcción del pasado mexicano y en las creaciones de los talleres novohispanos.
Consta de tres colecciones de enconchados que se reúnen por primera vez: seis tablas del Museo de América, veinticuatro tablas de la Colección Real y los fondos de los Duques de Moctezuma. Todos estos conjuntos dan fe del gusto por lo asiático en el arte novohispano y la metrópoli europea a consecuencia del intercambio mercantil que conectaba Asia con Europa a través de Nueva España, en la que era la ruta comercial más importante de su tiempo.
En ese contexto, los artistas novohispanos aprendieron técnicas asiáticas, dando lugar a biombos, enconchados y maqués que viajaron a los salones y cortes europeas, con materiales como porcelanas, lacas y la concha de nácar. Las piezas que forman parte de la exposición se fechan a fines del siglo XVII y narran cronológicamente episodios de la conquista de México -Tenochtitlan por los ejércitos de Hernán Cortés.
“La luz del nácar. Reflejos de Oriente en México”. Museo de América
Lo nunca visto de William Eggleston
David Zwirner presenta en Nueva York “The Outlands”, una selección de fotografías de William Eggleston que, en su mayoría, nunca se habían mostrado al público. Se trata de la quinta individual del artista en esta sala y coincide con la publicación de “William Eggleston: The Outlands, Selected Works”, una publicación dedicada a esa serie.
Las imágenes que componen este conjunto se tomaron entre 1970 y 1973 y se centran en los efectos lentos e incesantes del paso del tiempo y de las inclemencias naturales sobre automóviles, edificios, vallas publicitarias o carteles electorales.
Precede este proyecto a una gran monográfica de Eggleston que, en 2023, viajará a C/O Berlín y a los espacios de la Fundación MAPFRE en Madrid y Barcelona.
“William Eggleston: The Outlands”. David Zwirner Nueva York
Lina Ghotmeh, en el próximo Pabellón de la Serpentine
La Serpentine Gallery de Londres ha anunciado que la arquitecta Lina Ghotmeh, de origen libanés y residente en París, será la encargada de diseñar su vigésimo segundo Pabellón, que podrá verse en junio de 2023.
Este proyecto se inició en 2000 con Zaha Hadid y, desde entonces, se ha consolidado como una plataforma pública y artística participativa, abierta a la experimentación de arquitectos y diseñadores. Las propuestas de Ghotmeh hacen dialogar la arquitectura con el arte y el diseño y prestan atención a la ubicación, la tipología de los lugares donde se asientan, los materiales disponibles o los hábitos de sus usuarios.
Lina Ghotmeh. Diseño para el Pabellón de la Serpentine 2023. Fotografía: Lina Ghotmeh — Architecture. Cortesía Serpentine Gallery
Álvaro Negro se estrena en la Galería Vilaseco
“Traza” es el nombre de la primera muestra individual de Álvaro Negro en la Galería Vilaseco de A Coruña, que puede visitarse hasta el 27 de enero de 2023. Consta de once pinturas inéditas realizadas por el artista en su estudio de Agolada (Pontevedra), en la estela de su reciente serie en la Real Academia de España en Roma: se trata de piezas abstractas, evocadoras de la tradición italiana y española en su paleta y sus texturas.
Suponen también, estos proyectos, un cierto regreso a sus comienzos, a trabajos en los que solo utilizaba grafito y veladura o en los que colaboró con Lucio Muñoz; en esta misma muestra apreciaremos, igualmente, homenajes al mismo pintor en el uso de relieves y empastes. Algunas obras reunidas incorporan marcos antiguos: los viene empleando Negro para lograr una mayor interacción de lo clásico y lo contemporáneo.
Álvaro Negro. “Traza”. Galería Vilaseco
Bocetos de Rubens procedentes de Bayona, invitados en el Museo de Bellas Artes de Bilbao
El programa La Obra Invitada del Museo de Bellas Artes de Bilbao nos presenta, hasta el 22 de enero de 2023, un conjunto de bocetos preparatorios de Rubens concebidos para el traslado a lienzo del ciclo decorativo de la Torre de la Parada, junto a otro boceto de mayor tamaño ideado para la confección de uno de los veinte tapices destinados al Monasterio de las Descalzas Reales de Madrid. Proceden del Museo Bonnat-Helleu de Bayona y se exponen junto a tres grabados de reproducción del belga Paulus Pontius, que ha prestado una colección particular.
Como es sabido, durante la última etapa de su carrera Rubens recibió de Felipe IV el encargo de realizar unos 115 lienzos de grandes dimensiones para decorar el pabellón de caza del monarca a las afueras de Madrid; él era uno de los pocos artistas del momento capaces de llevar a cabo un ciclo pictórico tan ambicioso y terminarlo en el plazo de unos dos años. Para ello decidió contar con la colaboración de otros pintores flamencos en su taller de Amberes, pero antes de trasladar al lienzo cada una de las composiciones plasmó sus ideas en bocetos a escala reducida ejecutados al óleo sobre tabla; estos sí, solo suyos. La mayoría de los asuntos representados son mitológicos y se inspiran en las Metamorfosis de Ovidio.
De los siete bocetos que se exponen ahora en Bilbao, seis se encontraban en manos del duque del Infantado a mediados del siglo XVIII. Procedentes de esa colección, fueron adquiridos por el oficial y explorador bayonés Victor-Bernard Derrécagaix a su paso por España y su viuda, en 1921, formalizó su legado al Musée Bonnat-Helleu, añadiéndose como decíamos otro boceto de Rubens para uno de los tapices de las Descalzas Reales, que Derrécagaix también había adquirido en nuestro país.
Corresponden a Apolo y Dafne, Cupido y Psique, Escila y Glauco, Hércules descubriendo la púrpura, Pan y Siringa, Selene (o Diana) y Endimión y a la serie de la Eucaristía.
Rubens. Boceto de Apolo y Dafne para la Torre de la Parada. Musée Bonnat-Helleu, Bayona
FERIARTE 2022 superó los 17.000 visitantes y las 2.000 piezas vendidas
FERIARTE 2022, la mayor feria dedicada a las antigüedades en España, cerró las puertas de su 45ª edición el 20 de noviembre con un balance positivo, según sus organizadores. 17.294 visitantes asistieron a la cita en IFEMA y se registró la venta de 2.004 piezas, unas cifras ligeramente superiores a las de las convocatorias anteriores a la pandemia. Fueron 62 los anticuarios y galeristas participantes en la muestra, procedentes de España, Italia y Portugal.
Los responsables de Loval Antigüedades han subrayado la presencia de público joven, desde Fabbri Arte afirman haber alcanzado “importantes ventas” y Jordi Pascual, Joyas Antiguas Sardinero y Arte Deco Gallery han valorado positivamente sus nuevos compradores; como Roger Viñuela, en su caso muchos de origen latinoamericano.
Pudieron contemplarse, en esta última edición de FERIARTE, pinturas de Antonio López, Joaquín Sorolla o Miquel Barceló, una cabeza femenina de momia egipcia del Imperio Nuevo, zapatillas papales del siglo XVIII, cómodas de la época de Luis XV o un par de armaduras de guerreros samuráis, también dieciochescas, entre muebles, objetos de decoración, joyas y arte de un amplísimo rango temporal. Con el fin de fomentar la asistencia y las ventas, se celebró una jornada de puertas abiertas y regresó el espacio #YouArt, que albergó piezas valoradas entre 90 y 5.000 euros. Asimismo, tuvo lugar un programa de actividades sobre el mercado del arte y el coleccionismo impartido por profesionales en la materia.
Vista de FERIARTE 2021
Francisco Escalera González, ganador del XXV Certamen Nacional de Pintura Ciudad de Antequera
El artista Francisco Escalera González ha resultado ganador en la 25ª edición del Certamen Nacional de Pintura Ciudad de Antequera por su obra Desde el puente de los hocinos, mientras que José Luis Mancilla Angulo ha obtenido el segundo premio por su lienzo La sombrilla roja y Julio Sánchez del Olmo, con Antequera, se ha llevado el premio especial Temática Antequera. Además, por primera vez se ha concedido al autor ganador del Certamen el Premio Especial Antonio Carmona González.
La Comunidad de Propietarios del Polígono Industrial de Antequera, referente en su sector desde hace tres décadas, ha vuelto a contar en esta cita con el apoyo y la colaboración de la Fundación Unicaja, Unicaja Banco y el Ayuntamiento de Antequera.
Las obras preseleccionadas serán exhibidas temporalmente en una exposición colectiva hasta el próximo 8 de enero de 2023, en la Pinacoteca Andaluza Ciudad de Antequera, y también serán incluidas en el catálogo digital que se publicará en la web del certamen: http://www.pintca.com/
Asimismo, se ha llevado a cabo la entrega de premios del II Certamen Escolar de Pintura Ciudad de Antequera, en el que han participado 600 alumnos de 13 centros educativos de Antequera y sus anejos, en cuatro categorías: de 9 a 10 años, de 11 a 12 años, de 13 a 14 años y de 15 a 17 años, con dos premios en cada categoría. Los trabajos serán expuestos, en este caso, en el patio de columnas del Edificio San Juan de Dios y en el patio de columnas de la Biblioteca San Zoilo, sede de la Pinacoteca Andaluza Ciudad de Antequera, entre los días 3 de diciembre y 8 de enero de 2022.
Con motivo de la celebración del 25º aniversario del Certamen, se ha inaugurado igualmente una muestra con las 25 obras ganadoras de los Certámenes de Pintura Ciudad de Antequera. Podrá verse en el Centro Fundación Unicaja de Antequera, desde el 5 de diciembre hasta el 27 de enero del año que viene.
Francisco Escalera González. Desde el puente de los hocinosJosé Luis Mancilla Angulo. La sombrilla roja
El Reina Sofía presenta la restauración de Sylvie, de Öyvind Fahlström
Tras varios años de trabajo en colaboración con la Fundación MAPFRE, el Museo Reina Sofía ha presentado hoy los frutos de la restauración de Sylvie, una obra fundamental de Öyvind Fahlström, considerado precursor del pop art europeo. Las labores han sido especialmente complejas, dado que componen la pieza dos planchas de madera y metal forradas con papel y tela, pintadas con témpera y vinilo y completadas con elementos imantados, varios de ellos previamente desaparecidos.
Fahlström, cuya producción es tan rica en lo formal como en lo conceptual y contiene además reflexiones políticas y morales, es un creador difícilmente etiquetable: desarrolló un particular método conceptual para que tanto el artista como el espectador tomasen parte en una operación de construcción y deconstrucción de las imágenes e ideó en esa senda pinturas variables como esta, con elementos independientes imantados para poder ser manipulados por el público, dando lugar a distintas composiciones.
A Sylvie le faltaban nueve piezas que han sido nuevamente elaboradas por el departamento de Restauración del MNCARS; la información sobre ellas era poco precisa, pero la ayuda de la Öyvind Fahlström Foundation y de su directora, Sharon Avery-Fahlström, que también es viuda del artista y fue su ayudante en los últimos años, ha permitido afrontar ese reto técnico. Fue Avery-Fahlström, de hecho, quien halló una diapositiva en color desde la que trabajar; a partir de ella se digitalizaron imágenes para poder ampliar a tamaño real los elementos a reproducir.
Una de las nueve ausencias era la de la figura de Sylvie que titula este trabajo y que era un dibujo de la cantante Sylvie Vartan. Para elaborar su rostro, que en la diapositiva no se apreciaba del todo bien, se ha empleado además la portada de un single de la época.
También se había perdido una tira de cuentas que salía de la boca de otro personaje y no se conocía inicialmente su color, al disponerse solo de una de una foto en blanco y negro de una exposición. Avery-Fahlström contaba con muestras de los tonos que se utilizaban, así que se copió el azul de estas y luego se colocó en la cabeza. También se localizaron enganches similares a los utilizados por el artista y se perfilaron todos los trazos necesarios.
Ha facilitado, asimismo, la restauración la información aportada por una obra compuesta por una decena de fotocopias de los dos paneles, en las que las piezas móviles se disponen en el lado derecho (posteriormente el artista dibujó a lápiz, témpera y tinta simulando las diez distribuciones sugeridas por él).
Otras piezas del mismo autor en el Reina Sofía son Marcha de Mao-Hope (1966), Curva de la vida n.º I, Ian Fleming (1967) o Me siento como si hubiera inventado la guerra (1976), entre otras.
Öyvind Fahlström. Sylvie, 1965. Museo Reina Sofía
El Premio Mario Merz 2022 recae en Yto Barrada
El Premio Mario Merz, que se concede cada dos años, ha recaído esta vez en su categoría artística en la autora franco-marroquí Yto Barrada, que ha sido seleccionada entre una lista de nominados de la que formaban parte Paolo Cirio, Christina Forrer, Anne Hardy, He Xiangyu y Koo Jeong A.
El jurado del galardón, que cumple cuatro ediciones, lo formaban Manuel Borja-Villel, director Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; Caroline Bourgeois, comisaria de la Pinault Collection; Massimiliano Gioni, director artístico del New Museum de Nueva York y de la Fondazione Trussardi de Milán y Beatrice Merz, presidenta de la Merz Foundation.
Barrada, artista conceptual que explora los recientes fenómenos culturales, ha vinculado su trabajo a las prácticas de archivo y presta atención a los relatos históricos subalternos, los mitos familiares y las formas de resistencia ante la dominación. Su producción abarca el cine, la fotografía, la escultura, la pintura, el grabado y las publicaciones y es fundadora de la Cinémathèque de Tanger, espacio emblemático en la ciudad marroquí.
Mercurio y Argos, de Velázquez, recupera su formato original de la mano de un nuevo marco
Mercurio y Argos es una de las últimas obras pintadas por Velázquez y decoró el Salón de los Espejos del Alcázar de Madrid, la principal estancia protocolaria y representativa de este espacio. Perteneciente a las colecciones del Museo del Prado, su sentido compositivo original ha sido ahora recuperado gracias a un nuevo marco que logra ocultar los añadidos efectuados en la tela tras su realización y mejora la visualización de su escena.
En el siglo XVIII, a esta imagen se le sumó una banda de unos 25 centímetros que recorre todo su extremo superior, y otra más estrecha, de unos 10, se dispuso en el inferior. La misma operación se llevó a cabo en otras obras destinadas a decorar el Alcázar cuando se encontraba recién construido, con la finalidad de adecuar sus dimensiones al lugar; en el caso concreto de Mercurio y Argos, la adición alteró la lectura formal de la composición, cuyos personajes parecían invadir el primer plano, llegando Argos a proyectarse hacia el espacio del espectador, ya que su rodilla rebasaba el entorno ilusorio generado por el lienzo.
El objetivo del nuevo marco con el que se ha dotado a este trabajo, con el apoyo de American Friends of the Prado Museum y American Express, ha sido recuperar el formato original de la pintura sin intervenir en ella. Con ese fin se han estudiado distintos modelos de época para, por último, encargar una reproducción según marco español de finales del siglo XVI y mediados del XVII, tomando como punto de partida uno perteneciente al mismo Prado, en concreto el de El caballero de la mano en el pecho de El Greco. La moldura austera se corresponde en época y estilo con el lienzo, al tiempo que oculta en su interior estos añadidos. Se trata de una obra del artesano José Manuel García.
Esta aproximación de Mercurio y Argos a su estado original se inscribe en el programa Enmarcando el Prado, que se inició en 2019 y que ya ha implicado la incorporación de otros nuevos a Las hilanderas, también de Velázquez; Hipomenes y Atalanta, de Guido Reni y las tablas de Sopetrán.
Hay que recordar que la pinacoteca madrileña cuenta con una colección de marcos extensa y diversa, en técnicas y en estilos artísticos, con piezas fechadas desde el siglo XIII al XX. Siendo objetos con valor artístico por sí mismos, siempre se relacionan con la obra que cobijan: la protegen y sustentan, le aportan color y luz y conceden información sobre la representación.
Durante mucho tiempo fueron olvidados, pero el Prado lleva años trabajando en su revalorización y, en el camino, en la mejora en la visión de las obras que guardan. Se han estudiado a través del fotografiado, la medición y el siglado, su registro y documentación, la creación de una base de datos completa con la catalogación de cada uno, su restauración (de ser necesaria) y la documentación de ese proceso.
![Lucio Fontana, Concetto spaziale [Concepto espacial] (50 B 1), 1950 © Lucio Fontana a través de SIAE 2022 © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacqueline Hyde/Dist. RMN-GP](http://masdearte.com/media/breves_fontana_pompidoumalaga.jpg)
