NOMBRE: Gabriel
APELLIDOS: Coca
LUGAR DE NACIMIENTO: Pamplona
FECHA DE NACIMIENTO: 1989
PROFESIÓN: Artista
Estrenábamos el año 2018 cuando conocimos a nuestro fichado esta semana: Gabriel Coca presentaba entonces, en la Galería Lumbreras de Bilbao, la que era su primera exposición individual: se titulaba “Buen viaje” y constaba de una selección de sus pinturas, en las que este autor navarro había querido profundizar en las propiedades de su disciplina, en las posibilidades del tratamiento de la profundidad o de las relaciones entre lo dinámico y lo estático. En último término, explicaba plantear en aquellas obras reflexiones sobre las tensiones que podían generarse en el espacio y sobre nuestras opciones de hacer de este medio una vía para el conocimiento y el autoconocimiento.
Graduado en Arte y Diseño por la Escola Massana barcelonesa y Máster de pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco, Coca ha protagonizado desde entonces otras individuales en la Torre de Ariz de Basauri, la Universidad Pública de Navarra, SC Gallery y ANTI Liburudenda, de nuevo en Bilbao, y sus colectivas le han llevado a espacios como la Sala Araba de Vitoria, la Sala Parés y la Galería Trama de Barcelona, SC Gallery en Bilbao, el Centro Huarte o la Galería Altxerri de San Sebastián.
Seleccionado en la convocatoria ART<35 de la Fundación Banco Sabadell en 2017, el artista participó en 2019 en el programa Intervención Artística en Hospitales de Navarra, recibió en 2021 una de las Ayudas a las artes plásticas y visuales del Gobierno de esta comunidad y, este mismo año, una Beca de producción y residencia en la Fundación BilbaoArte, donde ha trabajado en torno a un archivo visual configurado a partir de carteles callejeros que le interesan por su estética y también por lo que en ellos falta, debido a las roturas y al tiempo.
Se suma Coca a nuestros Fichados porque queremos saber más de sus modos de concebir y abordar la pintura: según explica en su statement, como gesto, como deseo de hallazgo, de hacer visible lo que no existe; como lugar en el que algo se desvela.
Nos explica Gabriel que inició su trabajo hace aproximadamente seis años y que sus estudios incentivaron paulatinamente sus inquietudes artísticas: No sé muy bien por qué, ni tampoco si ha sido una decisión del todo consciente. Descubrí el mundo del arte en Barcelona, cuando estudié en la Escola Massana; todo aquello era nuevo para mí, sentí curiosidad por las ideas y los procesos artísticos. Empecé a ir a ver exposiciones habitualmente, aunque todavía no entendía muy bien qué era eso del arte y, todavía menos, lo que suponía ser artista.
Diría que empecé a trabajar de manera constante al terminar el máster en pintura de la UPV/EHU de Leioa en el 2017. Varios compañeros nos juntamos para compartir estudio y dedicarnos a pintar, ese momento fue el detonante. Al año siguiente realicé mi primera exposición individual, “Buen viaje”, en la Galería Juan Manuel Lumbreras de Bilbao; supongo que es a partir de ahí cuando comienza mi carrera.
Sus intereses fundamentales, lo avanzábamos, radican en la propia pintura como acto creativo que no se detiene y que tiene que ver con impulsos internos; reflexiona también en torno a los colores y sus vínculos entre sí y sobre la relación, en la que encuentra mucho de enigmático, entre las obras pictóricas como objeto y el espectador: Me interesa la pintura en cuanto acto de creación. Para mí, pintar es una manera de relacionarme conmigo mismo y con lo otro, una manera de ser, de sostenerme en el mundo. Mi trabajo comienza a partir de esa necesidad y surge del deseo. El deseo es algo inalcanzable, y eso es lo que me atrae de la creación artística, que es algo que no se agota, que no se termina. Así es como entiendo mi obra, cada cuadro es consecuencia del anterior y causa del siguiente, en los que la pintura aparece como signo, como marca. Es como si eso que aparece en la tela fuese el rastro visible de algo que ha pasado, una fuerza que se materializa a través del color y del trazo. El acto de pintar como gesto que detiene un movimiento interno, el impulso del deseo.
La investigación del color es algo fundamental, saber cómo funcionan los colores, cómo cambian y se comunican puestos en relación unos con otros. Convertirlos en tonos, hacer que adquieran sustancia a través de la densidad de la pintura y que aparezcan como cuerpos, que se presenten como cosa. Me gusta la idea del cuadro como cosa, como objeto que ocupa un lugar en el espacio.
Pienso en hacer cuadros como piedras, no quiero decir que se parezcan en su forma, aunque a veces lo hagan, sino que se presenten a la manera de una piedra. Algo sólido a lo que no se puede entrar, se puede mirar, pero no se termina de ver completamente porque la mirada no se fija sino que deambula, se pierde. Me interesa lo que ocurre en esa relación entre sujeto y objeto, esa experiencia misteriosa.
Pienso en hacer cuadros como piedras, no quiero decir que se parezcan en su forma, aunque a veces lo hagan, sino que se presenten a la manera de una piedra. Algo sólido a lo que no se puede entrar, se puede mirar, pero no se termina de ver completamente.
Como podíamos esperar, técnicas y materiales desempeñan roles importantes en su producción; encuentra en ellos diferentes posibilidades de expresión. Y también investiga formatos: La técnica con la que trabajo es óleo sobre tela. Me interesan las propiedades de estos materiales; las de la tela por ser una superficie blanda y flexible, en la que la brocha se hunde más o menos dependiendo de la presión, pudiendo deslizarla de diferentes maneras. Me gusta la sensación del contacto entre la mano y la tela a través del pincel. Disfruto mucho pintando con óleo por su plasticidad, la fluidez y la consistencia que tiene, lo que me permite hacer masas orgánicas de color más o menos densas en las que la textura dada por el trazo adquiere una presencia que me sirve para crear la imagen pictórica.
En cuanto a los formatos, los utilizo de manera variable según las necesidades. Lo que me interesa del formato grande es que se establece una relación muy potente con el cuerpo, además de que el acto de pintar es muy físico; en el acto de ver, la superficie pictórica casi se presenta como espacio, como si el cuadro fuese un lugar al que se pudiera entrar. Hace poco, empecé a trabajar en telas muy pequeñas porque tenía muchos trozos sobrantes y quería hacer algo con ellos. Me dí cuenta de que podía hacer el formato estándar más pequeño, 22 cm x 16 cm, pintar en este tamaño me da mucho placer. Suelo utilizar los colores que me sobran de la paleta: en principio son como ensayos, espacios para sacar tonos, probar diferentes maneras de poner y de mover la pintura, y aunque los movimientos sean muy limitados, son bastante fluidos. Esto me sirve para ejercitar la mirada y asimilar soluciones formales y de composición. Ha sido un buen descubrimiento porque noto que en estos cuadros estoy avanzando en mi trabajo. Ahora el reto es trasladar todo eso que he encontrado al formato medio.
Respecto a sus fuentes de influencia, menciona todo lo que en la experiencia diaria le atrae o le empapa, otras artes incluidas: Creo que me influye todo lo que veo, todo lo visible que se presenta ante mi mirada; aunque también lo que no puedo ver, esas cosas que pasan, que me atraviesan, que entran en mi cuerpo como sensaciones. Esa experiencia estética me aporta algo con lo que trabajar, la del contacto con cualquier cosa de la vida cotidiana y la del contacto con el objeto artístico. Aprendo de la literatura, el cine o la música, porque que me afectan, me ayudan a ver y sentir el mundo de otra manera. También es verdad que puedo pintar porque he mirado la pintura de otros.
Y entre sus proyectos fundamentales hasta la fecha, cita Coca dos: el que pudo desarrollar en el Centro Huarte, que elaboró de forma bastante orgánica, y el que el año pasado, más o menos por estas fechas, pudo presentar en Bilbao, centrado en grises y texturas y vinculado al espacio de la Galería SC. Profundiza en ellos: En 2021 fui seleccionado en el Programa de ayudas a las artes plásticas y visuales del Gobierno de Navarra y el Centro Huarte, el proyecto se tituló Devenir quietud. En ese momento trabajaba mucho sobre papel, era un espacio en el que investigaba las posibilidades y propiedades de la pintura. Pintaba varias piezas simultáneamente, con la atención expandida, mirando a la vez a lo que pasaba fuera de eso que estaba haciendo, como si fuera el mismo cuadro en diferentes fragmentos.
Eran como ejercicios para soltar la mano, sin pensar en que el resultado final debía ser una obra terminada. El formato papel se me quedó pequeño, el cuerpo me pedía más espacio por el que moverse y sentí la necesidad de trasladar los hallazgos a gran formato; aquí surge el proyecto, de la necesidad de movimiento, de expansión y también de la necesidad de concretar, de darle cuerpo a lo no terminado. El cambio a una tela de mayor tamaño me permitió pintar con más soltura y realizar otro tipo de gestos a los que me había acostumbrado. En estos cuadros trabajé sobre todo con el trazo para construir la imagen pictórica. El resultado fueron grandes superficies de color que para mí eran como un presente hecho material, un devenir capturado en la tela.
En noviembre de 2022 en Bilbao, realicé una exposición en SC Gallery titulada “Petricor”. Conté con poco tiempo para prepararla y, debido a eso, tuve que pensar el título a la vez que trabajaba en los cuadros. La producción de las piezas estuvo condicionada desde el principio debido a esa circunstancia, además de tener en cuenta las características del espacio de la galería. Pensé que la exposición debía funcionar como una obra en sí, más que como una presentación de cuadros por separado. Que los cuadros en su conjunto conformasen una sola pieza, como creando una atmósfera. Algo que tienen en común, y los define, es la textura y el color. Por un lado, el color surgía del cuidado en la búsqueda de los tonos. Quería investigar el gris, ese que sale de la mezcla de los colores complementarios. A pesar de la insistencia en el tono poco saturado y en sus variaciones mínimas, el resultado fue una especie de color iridiscente. Me recordaba al cielo nublado iluminado por el sol, al efecto del reflejo de la luz a través de la lluvia. Por otro lado, la textura se formaba a base de varias capas de óleo con bastante densidad, resaltando así la materialidad de la pintura.
Algo parecido a cómo la tierra se conforma a base de sedimentos. Pensé en el dualismo tierra y cielo, me acordé de unas palabras de Cézanne sobre empezar a dibujar la estructura de la tela, como si fuera una base geológica de la que sale el color. Petricor es el nombre del olor que se produce al caer la lluvia en el suelo seco. El olor como indicio de algo que ha sucedido, algo que está y que no podemos ver. La lluvia como eso que ha ocurrido y que sigue ocurriendo de otro modo. Creo que en estos cuadros sucede algo similar, la pintura está como indicio del acto de creación.
Me acordé de unas palabras de Cézanne sobre empezar a dibujar la estructura de la tela, como si fuera una base geológica de la que sale el color (…). Creo que en estos cuadros sucede algo similar, la pintura está como indicio del acto de creación.
Próximamente tendremos ocasión de conocer más de su obra en Bilbao: Este año he recibido la beca de producción con cesión de estudio de la Fundación BilbaoArte. En la fase actual de mi trabajo siento la necesidad de encontrar nuevas soluciones pictóricas a través de la forma. Para ello, estoy desarrollando un método de trabajo, en paralelo a la pintura, basado en la experimentación con otros materiales y maneras de hacer, incluyendo el dibujo, la manipulación de imágenes de archivo, el recorte de papeles y el collage. No se trata tanto de probar recursos y buscar unos resultados concretos, sino de cambiar de posición para tratar de hacer aparecer algo que todavía no puedo ver. La idea es sumergirme en un proceso de deriva para generar estructuras que pueda trasladar a la tela y componer la imagen pictórica.
La primera semana de julio de 2024 se celebrarán las Jornadas de Puertas Abiertas de los estudios de Bilbaoarte, donde se podrá ver el trabajo realizado.
Conoced más de su producción, aquí: www.gabrielcoca.com
