NOMBRE: Irene
APELLIDOS: Infantes
LUGAR DE NACIMIENTO: Sevilla
FECHA DE NACIMIENTO: 1989
PROFESIÓN: Artista
Irene Infantes se suma a nuestros Fichados solo un par de meses después de que la Feria ESTAMPA y la Comunidad de Madrid la premiaran con uno de sus galardones en esta cita, por una pieza textil que podíamos ver en el stand de la Galería Alarcón Criado y que fue reconocida por la exploración en ella de la plasticidad de los materiales, las texturas y las superficies con el fin de inquietar al espectador y atraerlo a partir de la materialidad de la obra, su color y la claridad compositiva. Su propuesta era un gran jeroglífico que remitía a los textiles andaluces y a la cosmología de los nasa, un pueblo indígena de la zona andina de Colombia que entiende el tejer como una parte fundamental del crecimiento y del desarrollo del pensamiento en la mujer. Contaba con unas pequeñas bolsitas que recuerdan a las jigras, las herramientas que las mujeres indígenas ofrecen a sus hijos y esposos como símbolo del tejido de la vida; así se refería Infantes a que todo tiene un inicio, una historia y una proyección.
Pero a esta artista sevillana la habíamos conocido unos años antes, en 2019, cuando en la entonces abierta García Galería de Madrid, y bajo el comisariado de Pepe Cobo, presentó su proyecto “Trashumancia”, compuesto por alfombras elaboradas con lana española en las que buscaba reflexionar sobre el empleo y trasiegos de esta materia prima, cuyo uso ha decaído mucho: tras la esquila, suele ser enviada a países donde trabajarla resulta más barato, para después ser de nuevo importada. Ese proceso, por el tiempo y distancias que implica, genera, como recordaba Irene, una pérdida del control del tratamiento de esta fibra natural y también una disminución de su calidad; subrayaba, igualmente, que en todo caso este material no pierde nunca su función: pasa de dar calor a su animal a dárselo a las personas o las viviendas, pero en sus sucesivas adaptaciones mantiene siempre su rol ligado al abrigo y la protección.
Formada en Diseño de Superficie por el London College of Communication de la University of the Arts de Londres y en Diseño Textil en la Central Saint Martins, Infantes ha protagonizado otras muestras individuales en Alarcón Criado (2021 y 2023) y en los ONE Shot Hotels de Madrid (2019) y su participación en colectivas le ha llevado a espacios como MKG, Museum of Arts and Design (Hamburgo), el London Design Festival, el Danish Design Museum, el Design Business Centre de la capital británica, el Salone del Mobile milanés, el Ruthin Craft Center de esa localidad galesa, Matadero Madrid, el CAAC y Berlín Espacio de Arte (Sevilla), el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el C3A cordobés, Cerquone Gallery (Madrid) y el Espacio 23 de Miami. Hemos podido encontrar su trabajo, asimismo, en ferias como ARCOMadrid, ARTBO Bogotá, Untitled Miami, M Art Fair Marbella o Affordable Art Fair Hamburg.
Infantes se suma a nuestros Fichados porque queremos saber más del origen de su atención al arte textil y de su utilización de estas técnicas para hablarnos, como hemos visto, de la intrahistoria de los materiales y de su empleo hoy, pero también de las tradiciones de culturas aún profundamente ligadas al manejo, tanto cotidiano como simbólico, de los tejidos.
Le preguntamos por sus inicios; nos explica Irene que ella orientó su trayectoria, en un primer momento, del todo al diseño, pero el modo en que eran recibidas sus piezas, a veces por nombres bien cualificados, le llevó a ampliar sus intereses a las artes plásticas: En realidad yo nunca quise ser artista, estudié Diseño de Superficie en el London College of Communication y, mas tarde, la carrera de Diseño Textil en Central Saint Martins (Universidad de Artes de Londres). Empecé a trabajar como artista al ver que mis bocetos y pruebas textiles en las ferias textiles de Europa no se vendían para ponerse en producción, ya que eran complejos, sino para ser enmarcados.
Christopher Farr fue el primero que vio mis piezas y me dijo que eran obras de arte. Él me dio la oportunidad de diseñar alfombras como había hecho antes con nombres como Anni Albers en los ochenta o Louise Bourgeois en los noventa. Para él, era la primera vez que colaboraba con alguien tan joven y sin nombre; era arriesgado y solo me ofreció diseñar una, le entregué diez bocetos e hicimos cuatro finalmente. A partir de ahí, los coleccionistas empezaron a interesarse aún más por esas pruebas preliminares y las visitas a mi estudio comenzaron.
Christopher Farr fundó en 1988 la empresa de su mismo nombre, especializada en la fabricación de alfombras ligadas a artistas contemporáneos: ha colaborado con Kate Blee, Andrée Putman, Gary Hume o Sarah Morris, y revivido proyectos de creadores pasados como Gunta Stölzl, de la Bauhaus.
Empecé a trabajar como artista al ver que mis bocetos y pruebas textiles en las ferias de Europa no se vendían para ponerse en producción, ya que eran complejos, sino para ser enmarcados.
Los puntos de partida de sus piezas son diversos; atiende tanto a lo arcaico como a lo más cercano y puede encontrar inspiración en lo inesperado: Ábacos y esquemas tienen para mí unas posibilidades pictóricas muy atrayentes, desde unas instrucciones de montaje a tests de psicotecnia. Son narrativas visuales que intento descifrar casi siempre sin éxito, por eso me interesan. También las historias y tradiciones ancestrales me llaman mucho la atención; a veces de un simple dato que me parece curioso o divertido puede salir una exposición completa.
Ante sus obras también atenderemos a los colores y su simbología, trazos y geometrías; y encontraremos en ellas materiales dispares entre los que, en ocasiones, se establecerán nexos de nuevo inesperados: Trabajo principalmente con la lana en sus diversos tipos, pero no siempre; también he usado cerámica, organzas o goma espuma para algunas obras. Experimento con los materiales intentando ponerlos a conversar. Los elijo por su versatilidad y porque me gustan, sin más. Y entre sus referentes cita a artistas y diseñadores que, como ella, han experimentado llevando sus creaciones a muy distintos soportes, abriéndose a la abstracción y a lo popular (y uniendo vida y arte): Sophie Taeuber-Arp, Carla Accardi, Sonia Delaunay, Gaetano Pesce, Bruno Munari… Decía Sonia Delaunay que cuando el arte está dentro de ti, puede estar en todas partes.
Cita Infantes aquella mencionada colaboración con Farr como su primer gran proyecto, aunque este año, nos explica, le ha traído muchos: Entre mis principales trabajos se encuentra la colaboración con Christopher Farr como pistoletazo de salida, mi participación en la exposición colectiva “Entre las formas que van hacia la sierpe y las formas que buscan el cristal” en el CAAC o la residencia en el C3A de Córdoba donde empecé una investigación sobre un turbante de la época califal del que salieron dos exposiciones: “Ocho montañas como paraíso” y “Me lo dijo Hisham”, siendo esta última mi primera individual en la Galería Alarcón Criado (Sevilla).
Hasta hace poco expuse mi segunda individual en la galería, “Diez uñas traigo en forma de cuna”. Me acaban de conceder el Premio Comunidad de Madrid ESTAMPA 2023 y estoy participando en ARTBo (Bogotá), “To Weave the Sky” (Miami), “Dones per l’art” (Valencia) y “Modern Mayflower celebration” (Miami).
Nos detendremos un poco más en sus estudios de aquel turbante de la etapa califal: datado a principios del siglo X, pertenecía a Hisham II y era una pieza suntuaria representativa de la calidad de los paños en ese momento histórico y ese escenario. Se conserva en la Real Academia de Historia de Madrid después de que se descubriera en los años noventa en Soria y contiene un repertorio ornamental complejo, con imágenes animales y antropomórficas e inscripciones cúficas con textos del Corán y alabanzas al califa.
Más allá de su valor ornamental, a la artista le interesó ahondar en la relación que su propietario mantendría con el turbante, que podría vincularse con un almaizar, una suerte de tocado cuyos extremos descendían por delante de los hombros del gobernante, el único que podía usarlo. Era, además, incómodo por su peso; en todo caso, un atributo simbólico de poder y riqueza. En las piezas que ideó esta autora a partir de él nos ofrecía interpretaciones más suaves de la prenda, en relación con la edad de Hisham II, que inició su califato en la infancia. Se trataba de obras escultóricas ejecutadas a base de textiles y cerámica polímera policromada y de propuestas bidimensionales elaboradas a partir de algodón, lana o plástico.
En cuanto a “Diez uñas traigo en forma de cuna”, se nutría esta exhibición de sabiduría popular, de los textiles andaluces a los ritos del mencionado pueblo nasa y su sentido de la colectividad; decía Bea Espejo sobre este proyecto que Irene echa mano del textil para redescubrir la historia con minúsculas. Esa que se cuela entre los agujeros de las narraciones con mayúsculas. Una vez la conoce la lleva a su terreno para trazar una especie de ajuar desde el que hablar de memoria y biografía. En el centro, la jigra, una pequeña bolsa de carácter sagrado que las mujeres tejen en fique a sus hijos o esposos; ellos les ofrecen a cambio un sombrero y los dos objetos simbolizan el transcurrir de la vida.
El año que estamos a punto de comenzar también nos traerá noticias suyas: El próximo junio y julio formaré parte de una residencia por invitación del Museo PAMM en Miami (Florida) y me encuentro preparando obras para el próximo ARCO.
Conoced mejor a Irene, aquí: www.ireneinfantes.es.
