NOMBRE: Ángel
APELLIDOS: Hurtado de Saracho Echevarría
LUGAR DE NACIMIENTO: Gijón, Asturias
FECHA DE NACIMIENTO: 1973
PROFESIÓN: Artista
A nuestro último fichado, Saracho, lo conocimos en el pasado verano de 2019 (solo hace año y medio y nos parece otra era) en la Galería Lucía Dueñas de Oviedo: presentó allí “Contrastes y confidencias de Mr. Talbot”, un ejercicio de diálogo entre el artista y la pintura a partir de manchas de color y brochazos vibrantes. Captaba, desde la vivacidad, la gracia y la luz de instantes cotidianos.
A aquella individual la precedieron otras, desde hace quince años, en la Fundación Alvargonzález, la Galería El Arte de lo Imposible y la Galería Viki Blanco de Gijón, la Sala Murillo ovetense, Matarraña, la Galería Ángel Cantero de León o la Galería Espiral de Noja y también ha participado Saracho en muestras colectivas en espacios como la Casa de Cultura de Galdácano o la de Las Arenas, el Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid, galerías gijonesas como la citada El Arte de lo Imposible, La Salita o Bea Villamarín; Cervantes 6 y nuevamente Murillo y Lucía Dueñas (Oviedo), Amaga (Avilés), Ángel Cantero y Espiral. Hace tres años se sumó, asimismo, a Sianoja, el veterano Simposio Internacional de Artistas de Noja, y también hemos podido encontrar su trabajo en ferias como Room Art Fair, la Feria de Arte de Oviedo, Cuarto Público, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Burdeos y Flecha Artea Bilbao.
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, ha obtenido una de las becas de Creación Artística de Paradores y en esta sección participa esta semana porque queremos saber más de su figuración subjetiva, reflejo de una cultivada atención a estampas sencillas de la vida desde una perspectiva fresca y llena de pulso.
Nos ha contado Saracho que su querencia por dibujar le llegó de niño y que un consejo de un profesor de Universidad sobre la importancia del tesón aplicado a los pinceles se ha convertido en algo parecido a un lema para él: Como de pequeño no paraba de dibujar, mis padres me apuntaron a la academia de pintura de Roberto Crespo Joglar, en la que estuve dibujando y pintando hasta que comencé mis estudios en la Facultad de Bellas Artes de Leioa, en la que me licencié con la especialidad de Pintura. Durante la carrera me quedó grabada una frase que nos dijo en segundo de carrera el profesor de pintura Julian Irujo: “La pintura es una carrera de fondo. Solo perderás en el momento que dejes de pintar”. Al finalizar la carrera, decidí que, pasase lo que pasase, nunca dejaría de pintar, así que en esas estoy.
Su trabajo, figurativo pero alejado del afán de reproducción, se basa en la observación detenida y en la atención al color: la investigación en la pintura como disciplina y como técnica es, junto a lo cotidiano, el eje de su producción. Paulatinamente, nos explica, el análisis de sus motivos se ha ido convertido en el estudio de ese estudio, alcanzando un nivel de síntesis que diluye sus fuentes de inspiración original: Mi obra se basa en el análisis. Siempre he sido muy observador, y mi obra es un ejercicio de síntesis y análisis de lo que mi mirada observa. Aun moviéndome siempre dentro de la figuración, en algunas piezas he llegado a una síntesis que podría decirse que se acerca a la abstracción. En el proceso analizo color a color lo que voy viendo, y a la vez realizo una síntesis, lo que me interesa es que en la obra quede reflejado ese análisis/síntesis. Cuando este análisis está muy presente, el resultado es menos figurativo y la pintura está más presente: es a este punto al que quiero llegar cada vez que comienzo un trabajo, de eso trata mi lucha y mi diálogo con la pintura.
Este análisis, según ha ido avanzando el tiempo, se ha ramificado en varias líneas. En un principio analizaba exclusivamente la realidad, pero posteriormente (con la obra de pequeño formato) empecé a realizar análisis del propio análisis, llegando a un nivel de síntesis que en algunos casos roza la abstracción, y en los que la pintura está mucho más presente.
En mi obra está también patente el concepto de lo anónimo. Me interesa que lo representado se mantenga dentro de lo anónimo, tanto en los lugares como en las personas. No busco que el espectador reconozca el lugar o la persona representada, sino que simplemente le presento un análisis.
Si la pintura es su medio expresivo desde los comienzos, sus técnicas han evolucionado del óleo al acrílico por la ligereza y agilidad que el segundo posibilita. En cuanto a formatos, como ya habréis notado, predominan los cuadrados: Mi obra, desde hace once o doce años, es siempre de formato cuadrado. Al principio fue un camino elegido para eliminar variables dentro del análisis y así centrarme exclusivamente en la mancha y el color. Pero, una vez que comencé a pintar con este formato, no he podido dejarlo; el formato cuadrado se podría decir que es una constante en mi obra. Le da mucho equilibrio.
En cuanto a la técnica, hasta que empecé la carrera de Bellas Artes pintaba con óleo, pero durante la carrera descubrí el acrílico, que te permite trabajar con mucha más fluidez. Mi pintura se basa en ir yuxtaponiendo diferentes capas color, y en ese sentido el acrílico me ayuda a no tener que parar durante el proceso de realización.
Respecto al proceso, trabajo a partir de varias imágenes que amplío y con las que hago una composición de la que parto para comenzar a pintar. Una de las condiciones es que tengo que haber estado en el espacio que estoy representando, de hecho las imágenes las saco yo in situ, luego en el estudio es cuando hago la selección de ellas, para después ampliarlas y hacer la composición de la que partir. A lo largo de los años este proceso fue evolucionando, en algunos casos llegando a realizar , como decía, análisis del propio análisis, un proceso que a nivel pictórico me ayuda a entender y ahondar en mi propio proceso.
Sus referencias son diversas, pero cita a un investigador terco de paisajes y formas y a quien defendió la posibilidad de aunar figuración y abstracción cuando ambos caminos parecían irreconciliables. También a los expresionistas: La verdad es que mis influencias son muy variadas, aunque tengo que decir que Cézanne para mí es el maestro de los maestros; el análisis presente en sus obras me fascina, su dibujo, sus manchas y su forma de tratar el color son muy inspiradoras. Cada vez que tengo la oportunidad de ver obra suya en directo, puedo estar horas observándola. Otro artista que me ha influido mucho es Nicolas de Stäel: sus grandes manchas de color, el análisis y síntesis que hace en su obra, tanto en sus paisajes como en las figuras humanas, es impresionante.
Pero también me interesa la pintura expresionista, tanto la figurativa como la abstracta. En mi mente está presente la obra de De Kooning con sus manchas gestuales. o la gran Joan Mitchell, que es una de mis artistas favoritas.
A la hora de citar los principales proyectos que ha realizado hasta ahora, recuerda Saracho su beca de creación artística en Paradores: En mi último año de carrera, un jurado compuesto por varios profesores de pintura de la Facultad de Bellas Artes me seleccionó para disfrutar de una Beca de Paradores de Turismo (cada año cada Facultad seleccionaba a dos de sus alumnos para disfrutar de esta beca). Durante la beca estuve un mes viviendo y pintando en el Parador de Turismo de Sos del Rey Católico, en Zaragoza. Al finalizar la beca se hizo una exposición con las obras seleccionadas para formar parte de la Colección Pública Nacional de Paradores de turismo en el Palacio de Congresos de Madrid.
Su primera exposición como profesional, nos cuenta, la presentó en la Galería gijonesa El Arte de lo Imposible; se trató de “Azul Ámsterdam” y con ella comenzó a plantearse en profundidad los pormenores de sus procedimientos: Realizar la serie para esta exposición me ayudó a ser consciente de mi proceso pictórico. Hasta ese momento la intuición prevalecía sobre lo analítico, pero centrarme en esta serie me ayudó a entender el porqué de mi obra, y a partir de ahí el concepto de análisis empezó a tomar importancia a lo largo del proceso.
Se refiere también a otra primera vez; sus trabajos en formato pequeño se estrenaron en “Buscando lugares encontrando caminos”, en la Sala Murillo. Con ellos logró también su propósito de que el público dejara a un lado los motivos para prestar atención a las esencias de las imágenes: He seleccionado esta exposición porque fue en la primera en la que expuse obra de formato pequeño, cuyo proceso era un análisis de la propia obra expuesta. Fue muy curioso porque, hasta esta exposición, una de mis frustraciones era que la gente al ver mis obras se centraba más en lo representado (el lugar, ciudad..) que en la propia pintura.
Durante la realización de esta serie, me surgió la idea de hacer un análisis del propio análisis, es decir, seleccionar una pequeña parte de una de las obras y hacer una análisis/síntesis de esa parte en un lienzo de pequeño formato. El resultado fue muy curioso, ya que en la inauguración de la exposición, después de la explicación de lo que eran las piezas de pequeño formato, la gente empezó a buscar cada una de las piezas pequeñas en las obras grandes, y esto hizo que la gente empezase a fijarse más en la propia pintura. Fue inesperado a la par que satisfactorio el resultado, ya que sin quererlo conseguí algo que llevaba años buscando.
De su residencia en Sianoja recuerda el valor de las inquietudes compartidas: Esta beca residencial fue una gran experiencia. Compartí residencia y vivencias con varios artistas internacionales en un palacete de Noja, Cantabria, durante doce increíbles días. Días en los que compartimos taller y grandes conversaciones. Fue muy interesante conocer cada uno de los procesos de mis compañeros, y a la vez mostrar mi propio proceso. Una experiencia enriquecedora e inolvidable, y en la que sus organizadores Ana y Manolo nos trataron genial. Al finalizar el Simposio, con las obras realizadas durante la convivencia, se realizaron varias exposiciones en varias instituciones públicas y privadas de Cantabria.
En “El Azul gana”, en la sala leonesa Ángel Cantero, continuó ahondando en los modos de exhibir sus análisis pictóricos para alcanzar una adecuada percepción por el público: He seleccionado esta exposición porque, aparte de jugar de nuevo con las pequeñas obras que son un análisis de las obras de mayor formato, en el caso de esta muestra cada uno de los pequeños análisis se veía al lado de la obra analizada, de una manera mucho más directa que en las anteriores muestras.
Se refiere Saracho, por último, a su participación el año pasado en Flecha Artea Bilbao (El hecho de exponer en espacios ajenos al circuito artístico siempre es enriquecedor. Este es uno de los principales planteamientos de esta feria, en la que el arte invade espacios públicos. Participar en FLECHA Bilbao fue una gran experiencia, y me ayudó a ver el proceso expositivo desde un punto de vista diferente) y a la exhibición de la que comenzábamos hablando, en Lucía Dueñas: He seleccionado esta exposición porque fue la primera en la que presenté un mismo análisis en diferentes formatos, incluso la repetición de un mismo análisis con el mismo formato. Durante la realización de la serie para esta ocasión me dejé llevar por el propio análisis, en el sentido de que, si al finalizar una obra, mi cerebro me pedía volver a hacerla, lo repetía. El hecho de realizar varias veces el mismo análisis enriqueció y me ayudó a entender mejor mi propio proceso.
El título de esta exposición, “Contrastes y confidencias de Mr. Talbot”, hace referencia al diálogo que mantengo con la pintura durante el proceso de realización de las obras. Al final, en la muestra, lo que hago es presentar al espectador ese diálogo íntimo que mantengo en mi taller con la pintura, diálogo en el que, como dice el título, a veces surgen contrastes y confidencias. Por supuesto Mr. Talbot soy yo, es un álter ego que surgió en un viaje a Dublín, a partir de una broma con unos muy buenos amigos.
En la misma sala lo encontraremos próximamente de nuevo: Actualmente estoy pintando en el taller, preparando obra y una exposición individual en la Galería Lucía Dueñas.
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