NOMBRE: Julián
APELLIDOS: Cruz
LUGAR DE NACIMIENTO: Valladolid
FECHA DE NACIMIENTO: 1989
PROFESIÓN: Artista y editor
Nuestra sección Fichados se ha poblado de pintura en estos primeros compases de 2021 y, de momento, va a seguir siendo así. Se suma a nuestro archivo Julián Cruz, a quien conocimos en 2015, cuando fue uno de los seleccionados en los Circuitos de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid, y desde hace algo más de un mes presenta en la Galería Javier Silva de Valladolid “Cepillar a contrapelo”, una muestra en la que, partiendo de los métodos de análisis de Walter Benjamin en torno a la obra de Klee Angelus Novus, plantea que, en tiempos de producción constante de imágenes, es posible trabajar recuperando fragmentos de otros, desechados, fundiendo las referencias a las etapas históricas y estéticas a las que nos retrotraen e invitándonos a reflexionar sobre qué tienen que decir sobre nuestro tiempo.
Cruz también formó parte, hace unos meses, del proyecto #Unmetroymedio del Centro de Arte Dos de Mayo y hemos podido ver su obra además en la Galería Rafael Ortiz sevillana, el propio CA2M, This Is Jackalope, la Galería Fran Reus mallorquina, 6+1, Nogueras Blanchard, la extinta Slowtrack y Herrero de Tejada (Madrid), LABoral, la Sala Borrón de Oviedo, la Sala Amadís del INJUVE, la Sala de Arte Joven de la Avenida de América, Matadero Madrid, el MUSAC leonés, la Fundación Focus-Abengoa de Sevilla, Jacob van Leeuwen (Rotterdam), la Sala Las Francesas de Valladolid o Maumau (Estambul). Además fue, junto a Carlos Fernández Pello, editor de la plataforma de pensamiento NUDO.
Licenciado en Bellas Artes por la Complutense, Cruz se suma esta semana a nuestros Fichados porque queremos saber más de la presencia en su obra de asuntos mundanos susceptibles de traernos placer cotidiano, como la literatura, la música o los hallazgos en mercados ambulantes; él, de hecho, trabaja con un nutrido banco de imágenes, como decíamos, que nos recuerdan que la pintura constantemente se ha ido alimentando de lo ya dado. También de su concepción de los propósitos del arte, de los que hablaba en el cuestionario ya clásico del Archivo de Creadores; en sus palabras: Mientras que la filosofía consiste en arrojar luz allí donde hay demasiada oscuridad, el artista debe desplegar sombras y tinieblas allí donde haya luz excesiva; pues, no nos olvidemos, lo que nos deja cegatos es el exceso de brillo.
Conforme al esquema que conocéis, le hemos preguntado por sus comienzos: Empecé de forma profesional -y, por profesional, me refiero a trabajar dentro del ámbito institucional del arte, en salas o galerías- en el año 2014, aunque esto no significa que crea que el “arte” sólo es posible en este terreno. Antes de acabar la carrera, que no es desdeñable en absoluto, organicé varias charlas y cursos sobre filosofía del arte y, desde que soy pequeño, por influencia directa de mi padre, que es pintor, conozco el sector, lo cual me ha ayudado a ser más precavido, a espantarme menos, por lo general, con las condiciones existentes y, sobre todo, a desmitificar la labor del artista.
Como queda patente en su última muestra en Javier Silva, el artista se sumerge en el pasado y vigencia de las imágenes; nos cuenta que sus proyectos no pueden vertebrarse estrictamente en torno a temas: Fundamentales son la propia historia de la imagen, las determinaciones históricas que han modelado nuestra visión de ellas, la propia historia de la pintura, que me fascina; pero, por lo general, no trabajo con “temas”. Considero que es la forma la que determina el contenido y que, por tanto, no hay unos temas mejores que otros, sino solo formas mejores o peores de abordarlos.
Es habitual que los trabajos de Cruz nos lleven a reflexionar sobre cómo ciertos modos de emplear imágenes concretas conllevan transformaciones de sus significados habituales. Suele trabajar con algunas tomadas de publicaciones sobre arte, del cine, la televisión o Internet, para generar a partir de ellas nuevos sentidos, a veces collages fotográficos mediante. Su medio fundamental de trabajo, como adelantábamos, es el pictórico: Suelo trabajar en lienzo, tanto con telas imprimadas como sin imprimar, al igual que con algodones crudos de distinta densidad. De vez en cuando, si es porque la serie lo requiere, uso papeles de alto gramaje para pintar, ya que te permite un tipo de acabados distintos que la tela, menos opacos, digamos. Los elijo, principalmente, por la relación formal entre la imagen y su soporte. Por ejemplo: dado que la tela sin imprimar no permite aplicar bien pintura aguada, me exige pintar de manera densa, como si se tratara de una impresión. Los algodones, aún si comparten esta cualidad, resisten mucho mejor las tintas que la pintura acrílica.
Aparte, en algunas series he incluido fotografías. Las hago con el móvil y luego voy corrigiendo el balance de luz y el color.
Encontraremos que al aislar de su contexto y fragmentar esos retazos visuales del pasado, al solaparlos a otros confiriéndolos un mismo tratamiento, Cruz los iguala entre sí hasta que sus lecturas originales se difuminan. En el fondo, podemos considerar la suya una labor contra el olvido, una llamada de atención sobre esas estampas que hoy componen una lava visual incesante y que, en la mayoría de los casos, caerán en la nada. En la tarea suele recurrir al humor.
El eclecticismo habitual en sus trabajos se da también en sus influencias; las cita artísticas, literarias, fílmicas o musicales: Como también escribo -y a veces escribo más que pinto-, la escritura me influye mucho a la hora de pintar, y viceversa: de la escritura tomo las estructuras, el planificar el cuadro, el seleccionar con cuidado los significados de unas imágenes que, al mezclarse con otras, van a producir unos significados nuevos o, también, los va a disolver y destruir. Y, cuando escribo, tengo muy presente la capacidad de generar imágenes ambiguas y propiciar atmósferas sugestivas. Pero, en fin, si tuviese que mencionar a unos pocos, diría que me han influido mucho Sigmar Polke, Martin Kippenberger, Gutiérrez Solana, Luis Cruz Hernández o Peter Doig, pero también Dino Buzzati, John Berger, Henri Michaux, Felisberto Hernández o Antonio Tabucchi, así como dibujantes de cómics y animadores como Hergé, Crumb, Miguel Ángel Martín o Nick Park, o películas como After Hours, Chinatown, El cochecito, Idi i Smotri, Close-Up, Seconds o Shoah y, por supuesto, la música de Kate Bush, CAN, Alice Coltrane, This Heat, King Crimson, Frank Zappa, Aphex Twin, Burial y Talk Talk.
Vincula sus principales proyectos hasta ahora a sus exposiciones: Estoy especialmente contento de haber hecho “Hhippehrtelhia”, una exposición junto a Nora Barón en la Sala de la Avenida de América, comisariada por Carlos Fernández-Pello, así como las exposiciones “Réplica”, “Sombra de ojos” -junto a Esther Gatón-, “Martillo y láudano” y “Some vanilla bullshit latte cappa thing”, comisariada por Cristina Anglada y Gema Melgar. Las he elegido porque son las exposiciones que más he disfrutado hacer, así como la última que he presentado en la Galería Javier Silva, titulada “Cepillar a contrapelo”. De todas ellas he sacado buenas amistades y diversión.
Por otro lado, no puedo pasar por alto el haber publicado “La risa flotante”, un libro que surgió de las Ayudas INJUVE, así como “La academia de Marte”, que hice junto a Luis Cruz Hernández hace dos años. Y, por resumir, uno de los textos sobre arte de los que estoy más satisfecho es “Un esbozo sobre la economía, el arte y el valor”, publicado en Campo de Relámpagos.
Nos detendremos en “Sombra de ojos”: suponía una reflexión dual sobre la belleza y sobre el origen de esta: sobre si radica en el interior (en su connotación más pura, filosófica) o el exterior, en la superficie o el artificio. De “Martillo y láudano” fue el artista comisario en Javier Silva, hace dos años, y contaba con trabajos de Elena Blasco, Alfredo Rodríguez, Lisa Dalfino y Sacha Kanah, Andrea Zucchini, José Díaz y Carlos Fernández-Pello; ponía de relieve el nexo en común de todos ellos: su conexión con la metodología teórica del materialismo y su inclinación por la literatura fantástica, la magia en el arte o la vigencia del surrealismo.
Sobre “Cepillar a contrapelo”, aún en Valladolid, Julián explica: Desde hace un tiempo ya no pinto solo cuadros que, para entendernos, surgen de mis esbozos o invenciones a partir de referencias ajenas. Ahora también reciclo las imágenes de otros, pero no con el fin de apropiarme de ellas, no porque crea que el autor es un ente caduco o impersonal, sino con la intención de recuperar los desechos y traer al presente fragmentos olvidados, silenciosos, que se han visto consumidos por el ritmo de una época que siempre espera novedades.
En este sentido, parte del método de análisis de Benjamin es el de confrontar varios momentos históricos (y estéticos, en este caso) en uno solo, fundirlos, solaparlos. Frente a la suposición de que incluso la historia del arte se forma por etapas lineales, hoy pintar o fotografiar una escena de hace siglos o décadas, por ejemplo, significa todo lo contrario a la nostalgia o al interés meramente formal de una escuela. Sirve, en todo caso, para plantear qué es lo que las imágenes de entonces tienen que decir acerca de nuestro presente y, sobre todo, de qué nos pueden advertir.
Le hemos preguntado, también, qué será lo próximo: Ahora mismo se puede visitar la exposición “Cepillar a contrapelo”, y también he hecho con las chicas de la empresa textil Pyrates una colaboración. En breve se publicará un texto mío para A*Desk y otro más denso y coñazo para una revista de investigación. De lo que realmente tengo ganas es de mandar a imprenta el nuevo libro que he hecho junto a Luis Cruz Hernández, titulado “Sobre una tarima negra”, y que esperamos poder presentar, a pesar de la situación, en primavera. Exposiciones como tal solo tengo previstas dos colectivas que, al igual que el resto de proyectos, se verán sujetas a la realidad exasperante de la pandemia.
Conoced mejor a Julián, aquí: www.juliancruz.net
