NOMBRE: Juanli
APELLIDOS: Carrión
LUGAR DE NACIMIENTO: Yecla, Murcia
FECHA DE NACIMIENTO: 1982
PROFESIÓN: Artista
Juanli Carrión, nuestro último fichado, no es un conocido reciente: hace ya más de una década, en 2011, os hablamos de su muestra en Artium Museoa “Construyendo la interminable ruina del mundo”, en la que presentaba un proyecto basado en las imágenes que Google nos devolvía al buscar los términos ruina, ruin y hondamen. No solo materializaba así una de las posibles ruinas del mundo, sino que también estudiaba la influencia del gigante multinacional y de sus servicios virtuales en nuestro imaginario colectivo, haciendo hincapié en lo que muchos han podido ya comprobar: los criterios de jerarquización de información no obedecen tanto a criterios prácticos como a intereses comerciales.
Licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Granada y Máster en Artes Visuales en la Politécnica de Valencia, en cuyo Departamento de Escultura también ha cursado estudios de doctorado, Carrión ha presentado igualmente su trabajo en espacios como el Art Institute of Chicago, Art in General, Abrons Arts Center, BRIC, Y Gallery o BAM en Estados Unidos; La Casa Encendida, el Centro de Arte La Panera, el MUSAC o CentroCentro en España; el Museo Ex-Teresa y MUPO en México; el Museo de Arte Contemporáneo de Perú, la Galería Nacional de Arte Moderno de Nueva Delhi o el MOCAB serbio, entre otros.
Además, ha desarrollado residencias en la Universidad de Nagoya (Japón), el Graphic Art Institute de Oaxaca, Kuona Trust Artist Studio (Nairobi, Kenia), la Jentel Foundation (Wyoming, Estados Unidos), la Fundación Inspirarte valenciana, el ISCP de Nueva York, Catwalk y LMCC Workspace (Nueva York), el ADM Center mexicano, el Vermont Studio Center (Vermont, Estados Unidos), Espaco Fonte (Recife, Brasil), el Addaya Contemporary Art Center mallorquín y Future Utopia Community Key (Udebbo, Suecia). Asimismo, ha recibido becas del programa Iniciarte, el Gobierno de Murcia, el Consulado de España en Nueva York, Hangar, Acción Cultural Española, la Foundation for Contemporary Arts, el Brooklyn Arts Council o Bon Secour (Nueva York) y también premios de la Fundación José García Jiménez (2011), la Fundación Montemadrid (fue uno de los ganadores de Generaciones 2012), la Colección DKV (en 2015, en Abierto Valencia) o el City Council of New York (2018).
Finalizaremos presentaciones señalando que es profesor en The New School, donde enseña Diseño y Desarrollo Social Sostenible, y que su labor educativa y de investigación se ha presentado públicamente en forma de conferencias, paneles y talleres en la Universidad de Columbia, Open Engagement en Carnegie Mellon University, SVA, Pratt Institute, SUNY, NYU, AIA New York, el Fordham Graduate School for Social Service, la National Academy of Science, Wavehill, Apexart o el Getty Institute.
Se suma Carrión a esta sección porque queremos saber más del peso de la historia social, política y cultural en sus trabajos: los conflictos asociados a ella suelen estar presentes en su obra como material y en los propios procesos creativos, pues le interesa contribuir a reconstruir paisajes, y comunidades, poniendo en cuestión las estrategias de poder aplicadas sobre ellos. De hecho, en 2017 fundó OSS Project Inc., una organización sin ánimo de lucro destinada a conectar colectivos ciudadanos con artistas para la creación de jardines como plataformas en las que celebrar y reclamar la identidad y el conocimiento; también a abordar problemas sistémicos y estructurales ligados a la injusticia social.
Conforme al esquema que conocéis, le hemos preguntado por sus inicios creativos. Nos explica que, si bien en sus comienzos sí desarrolló una producción enteramente artística, en los últimos años viene abriendo nuevos caminos sociales a sus proyectos: Creo que, como toda persona con inquietudes creativas, es inevitable la necesidad de crear y comunicar ideas, de resolver problemas y de utilizar la estética para ello. No sabría decir desde cuándo he sentido esa necesidad, pero sí sé que siempre ha estado presente de una forma u otra.
La pregunta en sí presenta otras complejidades, ya que en los últimos años me he cuestionado qué significa trabajar como artista y si mi práctica se identifica con ello. Creo que durante la primera década de mi carrera, en 2005-2015, sí podría identificarme como tal, participando de los canales establecidos de producción y distribución del mundo del arte, produciendo objetos consumibles, exhibiéndolos y vendiéndolos. Sin embargo, desde el 2014 comencé a realizar otro tipo de práctica más centrada en la aplicación de procesos creativos para el desarrollo social y la sostenibilidad, motivado por mi propia experiencia personal y como estrategia para darle sentido a la realidad.
Algunos de sus intereses los hemos anticipado y se encuentran en sintonía con su triple labor como artista, investigador y activista; sus inquietudes pasan por articular propuestas abiertas a la participación y que propicien mejoras en cuanto a desarrollo y justicia social y también ambiental: Actualmente estoy expandiendo mi práctica más allá del ámbito del arte a trabajos que se convierten en procesos legislativos, organizaciones sin animo de lucro, asociaciones, grupos u otras estructuras sociales o políticas sostenibles con el objetivo de traducir sus resultados en estrategias artísticas, pedagógicas y sociales.
Por esa razón, sus grandes referentes en los últimos años no son tanto otros creadores como las propios colectivos, y personas, con quienes colabora, y las vivencias creativas que alcanza con ellos: Mi experiencia personal, al igual que la de las comunidades con las que interactúo, el contexto cultural, identitario y el día a día son mis mayores influencias.
Actualmente estoy expandiendo mi práctica más allá del ámbito del arte, a trabajos que se convierten en procesos legislativos, organizaciones sin ánimo de lucro, asociaciones, grupos u otras estructuras sociales o políticas sostenibles.
A la hora de referirse a sus principales proyectos, en los que resulta muy complicado por todas estas razones hablar de técnicas dominantes, comienza hablándonos del conjunto de intervenciones grupales Outer Seed Shadow (OSS), en comunión con la botánica: Es una serie de intervenciones comunitarias participativas de arte público, en las que se materializa la unión entre flora e interacción humana, utilizando diferentes especies de plantas como representantes de grupos sociales o individuos. OSS es una investigación que puede realizarse a diferentes niveles geográficos, como puede ser municipio, ciudad, distrito, barrio o edificio.
El componente principal de las intervenciones es un jardín creado a partir de una serie de entrevistas grabadas en vídeo, en las cuales una serie de individuos seleccionados en función de un tema o conflicto específico identifican plantas para luego ser colocadas en el jardín, de acuerdo a las ubicaciones físicas, políticas o emocionales en la vida real de los entrevistados dentro de su comunidad.
Durante varios meses la instalación funciona como un jardín comunitario, alrededor del cual se organizan talleres semanales realizados en colaboración con otros grupos o instituciones locales. Estos talleres se utilizan como herramienta para dar mantenimiento al jardín y así asegurar que todas las plantas sobreviven mientras se analizan las diferentes interacciones de las mismas, que nos hablan del conflicto propuesto por el jardín. El resultado de OSS es una discusión, generada tanto por los entrevistados como por los visitantes, acerca de las interacciones de la comunidad local y la política de las cuestiones que se abordan en cada jardín específico.
Esta propuesta también dio fruto, algunos lo habréis adivinado, en la organización sin ánimo de lucro OSS Project Inc que Carrión fundó hace un lustro; nos explica que en la actualidad trabaja con diferentes comunidades de NYCHA (New York Housing Authority) en Nueva York, donde cuenta con cuatro jardines permanentes. Podemos seguir sus rumbos aquí: https://outerseedshadow.org.
Ph Series se centra en el desafío de la sostenibilidad y en la concienciación del efecto de nuestros sistemas de producción sobre el medio ambiente, en concreto sobre las aguas de los ríos. Nuevamente formaban parte de la iniciativa talleres abiertos a la participación, que ha llevado a cabo tanto en Estados Unidos como en Costa Rica: La seríe Ph utiliza un proceso tradicional de teñido para revelar el daño drástico que los sistemas modernos de producción insostenibles han causado en nuestros ríos y ecosistemas a través de proyectos multidisciplinarios que combinan acción ciudadana, educación e instalaciones interactivas.
A través de talleres prácticos, los participantes de cada una de sus ediciones utilizan tintes textiles de origen alimentario para visualizar la contaminación del agua en los ríos de sus comunidades. Para ello, se emplean vegetales cultivados localmente como col lombarda, frijoles negros o rubia cordifolia a la hora de crear tintes sensibles al pH: como los colorantes de estos alimentos varían en color dependiendo de la acidez del agua con la que se tiñen o enjuagan, los textiles resultantes revelan los diferentes niveles de contaminación en una gran variedad de colores.
Con los textiles finales se realizan instalaciones interactivas que visualizan la contaminación de los ríos y estas instalaciones también se utilizan como herramientas educativas para las comunidades colindantes a los ríos representados.
El último trabajo al que Juanli se refiere se aproxima más a lo escultórico, aunque su título derive de los virtuales memes. Y requiere la participación en muy diversas vías, desde la aportación de objetos que incorporan recuerdos a la disposición de instalaciones. Memelismos pudo verse en CentroCentro, en el Palacio de Cibeles: Utiliza escultura y formalismo para abordar la memoria popular y el consumismo, en un intento de coleccionar memorias imbuidas en objetos. Apropiándose irónicamente del neologismo “Meme” acuñado por Richard Dawkins, el proyecto explora la mercantilización de la cultura y su transferencia a través de memes, creando un archivo de memoria codificado cromáticamente para profundizar en las consecuencias de la memoria visual sobre la identidad cultural.
Memelismos consiste en una serie de ejercicios de abstracción que intervienen objetos de segunda mano, objetos usados, quizás olvidados pero que mantienen algún significado personal. Trabajando específicamente con las comunidades de los lugares donde cada edición tiene lugar, se identifica una idea o tema, algo que la comunidad quiere hacer visible, un conflicto que abordar, un problema que resolver o algo para celebrar. A través de una serie de convocatorias públicas, se donan objetos, solicitando a los donantes que cuenten la memoria vinculada al objeto en el momento de donación, grabándolo con audio. Luego, para deshacer la conexión de estas piezas con su memoria, son envueltas con plástico retractilable industrial y resina, transformándolas en esculturas abstractas, con colores asignados de acuerdo con un código cromomemético.
Una vez que los objetos se transforman, los participantes y miembros de la comunidad son invitados al espacio expositivo para la instalación de las esculturas, creando versiones de meta-memoria formalista, preservando, pero también ofuscando formas individuales, a modo de instalaciones.
Este proceso de decisión y consenso entre los participantes para dar sentido a la ecuación entre memoria, forma y color se concibe como un taller en el que los participantes tratan de operar en función de sus propios recuerdos personales, generando diálogos sobre el tema abordado y la formalidad de las esculturas y el espacio. Los talleres son documentados con vídeo y audio.
El proyecto se concibe como una forma de generación de historia, como un memorial, pero con pleno entendimiento de que la memoria es maleable, flexible y sujeta a individuos, comunidades, momentos y contextos; cuestionando tanto los procesos de generación de memoria como de abstracción en sí, utilizando la memoria popular como herramienta arqueológica.
Os invitamos a seguir los pasos de Juanli y a profundizar en otras de sus series, ligadas al lenguaje o la interpretación de la historia, aquí: http://www.juanlicarrion.com/
