Irene González

NOMBRE: Irene

APELLIDOS: González

LUGAR DE NACIMIENTO: Málaga

FECHA DE NACIMIENTO: 1988

PROFESIÓN: Artista

Nuestros fieles seguramente la conozcáis ya, porque fue una de nuestras ocho razones para acercarnos a la última edición de la Feria MARTE, en Castellón, y a los asiduos a la Galería Silvestre, con un elenco de artistas representados verdaderamente envidiable, tampoco os habrán pasado desapercibidos los dibujos de Irene González Navarro, una joven artista malagueña que trabaja siempre en blanco y negro dejándose influir por el encanto de las fotografías antiguas (también por las propias recientes) pero extrayendo igualmente de ellas todo su potencial inquietante.

Licenciada en Bellas Artes y Máster en Dibujo por la Universidad de Granada, Irene presentó sus primeras individuales en las Galerías Benot (Cádiz), Punto Rojo (Granada) y Silvestre (Tarragona) hace tres años, y este pasado 2016 repitió en la última sala para mostrarnos el sugerente proyecto “Espacios afectivos, zonas de ruina”. También ha participado desde 2006 en un buen número de colectivas (en Moscú, Granada, Bolonia, Linares y Madrid) y en las ferias Facba, Fotojaén, IKAS, Art Jaen, Please, ART, Art Marbella y la citada MARTE.

Nacen de la observación lenta de las imágenes fotográficas que les sirven de base, pero los dibujos de González Navarro son, sobre todo, fruto de un proceso de imaginación o recuerdo de circunstancias: de la extrañeza que rodeaba momentos, de los rasgos de rostros poco definidos… Precisamente, una de las fuentes de su trabajo son las fisonomías decimonónicas desarrolladas, entre otros, por Duchenne de Boulogne, pero también los dibujos de Seurat, pues en Irene también encontramos rostros inexpresivos a los que, paradójicamente, su propia neutralidad hace sugerentes: evocan ausencias y pérdidas, una melancolía que se ha detenido en el tiempo y que se sugiere solo muy veladamente, sin hacerse evidente (como casi todo lo importante).  Sus negros nos invitan a pensar en esas zonas ocultas pobladas por fantasmas.

Siguiendo el rito de esta sección, hemos preguntado a la artista cómo fueron sus comienzos. Habla de pasión y también de ser consciente de los riesgos: Siempre me gustó mucho dibujar, pero la decisión de tomarlo en serio y buscar una formación artística fue entre los 14 y 15 años. Dibujaba en todo momento. La pasión tan grande que sentía en esa época y lo liberador que resultaba expresarse a través del dibujo me daban una seguridad enorme para pensar que era sin duda lo que quería hacer. En mi familia el arte es muy apreciado, mi padre es compositor así que sabe lo que es dedicarse en serio a una actividad creativa, el esfuerzo que requiere y los altibajos que se sufren, con lo cual nadie lo tomó como una idea descabellada. La posibilidad siempre había estado latente.

Como ya os avanzábamos, la pérdida, la evocación velada de lo ausente, constituye el nexo común de sus dibujos: Las constantes en mi obra son la melancolía, el individuo y cierta forma de memoria o recuperación de lo perdido. Para hablar de ello, hago uso de innumerables “citas”, como yo las llamo, que no son otra cosa que imágenes de referencia de muy distintas fuentes (fotografías que he hecho yo, fotografías antiguas, familiares, encontradas…) de las que tomo alguna parte, por mínima que sea, que voy ensamblando con otras para terminar con un collage fotográfico que me servirá de punto de partida para empezar a dibujar. Un compendio de citas para hablar de mí misma a través de lo ajeno.

Lo externo y lo personal se conjugan en este proceso de trabajo, que la mantiene con los ojos bien abiertos: Este proceso creativo me sitúa en un estado de constante y casi obsesiva búsqueda que llevo a cabo prácticamente en todo momento de mi día a día para recopilar multitud de fragmentos de imágenes que me acerquen a la que buscaba en los primeros bocetos. Para mí, trabajar supone un gran ejercicio introspectivo de búsqueda personal. Pero sin embargo el autorretrato “directo” está completamente fuera de mi interés. Sí hay a veces una presencia de cosas o personas de mi entorno pero nunca mía. Por tanto, en esa búsqueda de referencias me alejo de lo personal para encontrarme con lo ajeno, con el otro, y es interesante lograr finalmente una especie de híbrido, tal vez a medio camino entre mí misma y cualquiera que vea la obra, pero que mantiene sutilmente un ancla con lo absolutamente personal.

Si los observáis uno a uno, veréis que es complicado encontrar en los dibujos de Irene detalles anecdóticos. Su buena técnica se hace patente en lo esencial: un manejo de luces, sombras y volúmenes cuidado y puesto al servicio de la transmisión de nostalgia o la sugerencia de un misterio en forma de suceso por acaecer. Nos lo explica: Busco una pintura sin adornos, casi con escasez de contenidos, para crear un ambiente denso con mínimos. Prescindo de todo lo que creo innecesario para evitar lo decorativo o puramente estético. Los fondos muchas veces son planos, no aportan información extra sobre el contexto de la escena o están reducidos a una mínima expresión geométrica, casi abstracta. La idea de vacío va tomando cada vez más importancia. Sólo en un espacio vacío hay movimiento, es el requisito previo para cualquier acción o desarrollo posibles. Momentos prolongados, sin narración, arrancados de su temporalidad, eternizados, pero con la inminente posibilidad de que algo pueda tener lugar allí. Ritmos extraños de luz en el vacío del espacio, fragmentos geométricos de arquitecturas, negros en los que no es posible penetrar más y que otorgan a la imagen una extraña indefinición y solemnidad.

Lo mismo sucede con las figuras que habitan esos espacios no identificados. A medida que voy desarrollando esta temática, se va incrementando mi necesidad de llevarlas a alguna frontera donde poder desplegarse en su carácter fantasmagórico, en su alternancia entre presencia y ausencia.

Hasta la fecha ha trabajado en series, pero dada su coherencia, no nos cuenta entender su obra como un todo: Hasta ahora he trabajado en series pero es un concepto del que tal vez me voy alejando porque no termina de encajar con lo que hago, ya que lo veo más como una línea continua que como un círculo cerrado. Aun así, me sigue gustando la idea de crear variaciones sobre un mismo tema para poder acceder, en su conjunto, a un concepto o una sensación más compleja.

Algunas de sus influencias ya las hemos citado, pero como supondréis hay más y tienen que ver con lo fílmico y lo literario. No nos cuesta imaginar alguno de los dibujos de Irene en la portada de alguna novela que rastree pasados vitales. Menciona como sus principales referencias los dibujos de Seurat, la fotografía antigua, el cine clásico; Vermeer, Hammershoi, Hopper, De Chirico, Balthus, Vija Celmins; la novela (últimamente han sido “Melancolía”, de Marek Bienczyk, “Sobre la belleza”, de François Cheng, “El elogio de la sombra”, de Junichiro Tanizaki) y la poesía (Clara Janés, Vladimir Holan, Olga Orozco, Rilke, Valerio Magrelli).

El dibujo, como habréis comprobado, es su medio fundamental de trabajo, aunque no ha sido siempre el único. Y nos da poderosas razones para esa elección: A lo largo de mis años de formación trabajé diversas técnicas: fotografía analógica, pintura y grabado fueron muy importantes. Pero siempre he tenido una mayor atracción por el dibujo. Es el medio en el que me siento más cómoda. Me atrae la poca preparación previa que requiere, lo inmediato que es ponerte a dibujar algo (a pesar de que luego, en mi caso, cada dibujo me lleva bastante tiempo), la fragilidad del papel y su textura. Me gusta trabajar con la máxima simplicidad de medios, creo que potencia la creatividad.

¿Queréis saber dónde encontrar a Irene en adelante? En febrero participará en la feria Drawing Room y en marzo presentará una individual en la Galería Silvestre, esta vez en su sede madrileña. Y para conocerla mejor, siempre podéis pasar por su perfil en Cargocollective.com

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