NOMBRE: Elena
APELLIDOS: Rocabert
LUGAR DE NACIMIENTO: Madrid
PROFESIÓN: Artista, arquitecta y docente
Conocimos a Elena Rocabert hace ahora dos años, cuando en 2024 se hizo con la primera edición del premio AD Creators by ME by Meliá, destinado a reconocer a jóvenes autores en el campo del diseño y dar un impulso a sus carreras. Logró el galardón por su pieza Transient Terrain, fruto de la fundición y el enfriamiento de aluminio que había obtenido en chatarrerías.
Reciclando cincuenta kilos de ese material, ideó una topografía, un paisaje extraterrestre, a un tiempo atrayente e inquietante: como lava que fluye y se congela y que creaba un terreno de apariencia fluida y, a la vez, permanente. La elección de ese elemento, aquí reciclado, remite a nuestros modos de consumo; y sus formas, a tierras marcadas por los excesos humanos, pero no carentes de espacios de albergue y refugio.
Rocabert es licenciada en Arquitectura por la Universidad Politécnica de Madrid (ETSAM) y la Universidad Técnica de Berlín (TU Berlín). De 2021 a 2024, formó parte del equipo de comisarios de Medialab en Matadero Madrid, y también de los laboratorios de investigación artística LAB#01 Sentient Media, LAB#02 The Metabolic Sublime y LAB#03 Synthetic Minds, investigando entonces asuntos ligados a la inteligencia artificial, las transformaciones en el medio urbano y las ecologías sintéticas desde el arte contemporáneo. En 2024, colaboró igualmente con TBA21–Thyssen-Bornemisza Art Contemporary y el Museo de Altamira en un proyecto de análisis de las temporalidades no humanas y los paisajes culturales.
Actualmente da clases en el Máster en Diseño Textil y Nuevos Materiales del IED Madrid, y ha llevado a cabo residencias artísticas en Never At Home (Funkhaus, Viena), GlogauAIR (Berlín), Pluto (Valencia) y Organismo (TBA21, Madrid). Su obra se ha mostrado en centros como Funkhaus Viena, los Teatros del Canal, el Festival de Diseño de Madrid, la Bienal de Mayrit, la Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid, el citado GlogauAIR Berlín o Casabanchel; también en la Semana de la Moda de Madrid.
Elena se suma a esta sección porque queremos conocer mejor los puntos de convergencia en su obra entre el arte y la arquitectura; el modo en que, en sus intervenciones espaciales o su producción escultórica, explora las tensiones y lazos entre el acto de la creación y la destrucción.
Las inclinaciones creativas de Rocabert, nos explica, no son recientes, pero sí su dedicación profesional a las artes: No fue algo que surgiera de un día para otro. Desde siempre he tenido interés por el arte y por los procesos creativos en general. Me atraía especialmente la posibilidad de materializar ideas, dar forma a conceptos abstractos y trabajar con las manos como una manera de pensar a través de la materia.
Sin embargo, no fue hasta hace relativamente poco cuando decidí asumir esta inclinación como una profesión.
Su punto de arranque suele tener que ver con los entornos donde trabaja, con tendencias de fabricación y consumo y con los lazos que mantenemos (y hemos dejado de mantener) con la naturaleza: Mi obra está profundamente influenciada por el contexto en el que trabajo. La arquitectura, la historia de los lugares y los vestigios materiales que los habitan suelen ser puntos de partida fundamentales en mis proyectos. Esto hace que cada proceso incorpore un grado de incertidumbre y de factores imprevistos que no puedo controlar de antemano, algo que considero esencial y estimulante para seguir creando.
De manera transversal, mi práctica tiene un carácter socio-ecológico y especulativo, con un interés constante por la obsolescencia tecnológica, los procesos industriales y la forma en que estas infraestructuras dejan huella en el territorio y en nuestra relación con el entorno.
En él, justamente, encuentra sus referentes: En un escenario en el que estamos constantemente expuestos a una sobrecarga de información e imágenes, me resulta difícil señalar influencias concretas. De alguna manera, esa saturación forma parte de lo que influye en mi trabajo: lo contemporáneo, lo que está ocurriendo ahora y las problemáticas actuales.
Más que referentes cerrados, me interesan esos contextos, los conflictos del presente y las tensiones propias de nuestro tiempo, que terminan filtrándose de forma natural en mi práctica artística.
La arquitectura, la historia de los lugares y los vestigios materiales que los habitan suelen ser puntos de partida fundamentales en mis proyectos.
Por sus evidentes vínculos con el espacio, se desenvuelve Elena en aquellas disciplinas que permiten las tres dimensiones, acercando la arquitectura en la que se formó al terreno del espectador: Trabajo principalmente con la instalación y la escultura. Mi formación en arquitectura hace que este enfoque sea especialmente intuitivo para mí, ya que pienso el trabajo desde el volumen, el espacio y su relación con la luz y la composición.
Entiendo estos formatos como una forma de hacer arquitectura a otra escala: una escala más cercana y manejable, que me permite implicarme directamente en los procesos materiales y trabajar con las manos.
Tres son los proyectos que Elena elige seleccionar entre los más representativos de su trayectoria, empezando por Águila de Hierro: Durante una estancia en la residencia Pluto, investigué el contexto histórico, arquitectónico y territorial del espacio, situado en la Huerta Sur de Valencia, donde el agua y la luz solar forman parte esencial del paisaje. La escasez de luz natural en el edificio, que sólo entra a través de pequeños orificios y grietas diseñados originalmente para usos agrícolas, se convirtió en un elemento central.
A partir de una aproximación experimental, establecí un diálogo con la luz, el tiempo, las estaciones y el sol, concibiendo el interior como una “caja de luz”. El proceso culminó en una instalación de geometrías de hierro que actúan como embudos de luz, alterando su recorrido y cuestionando su función orientadora. Con esta intervención, la obra propone transformar y desafiar la presencia del sol en el espacio.
Contiene esta propuesta, de 2025, referencias claras al simbolismo de la luz en el arte: como origen de la vida, en dualidad con la sombra, en conexión con el cielo y como guía.
Del año pasado también data Frequency Debris: Es una exposición e instalación escultórica desarrollada durante la residencia internacional Never At Home, en mayo y junio de 2025. El proyecto toma como punto de partida las antenas de radio, entendidas como dispositivos que median entre ondas invisibles y señales eléctricas y como infraestructuras clave en la circulación y el control de la información.
La intervención se sitúa en el FUNKHAUS de Viena, el centro de radiodifusión más antiguo de Austria, un edificio marcado por una historia de tensiones geopolíticas, vigilancia y control mediático. A través de la reutilización de antenas de radio de segunda mano encontradas en la ciudad, transformé estos objetos funcionales en elementos escultóricos que oscilan entre la utilidad, la ornamentación y una resonancia distópica.
La instalación visualiza la arqueología mediática del FUNKHAUS y reflexiona sobre los procesos materiales de transmisión del sonido y la información. Al trabajar con infraestructuras obsoletas o en desuso, Frequency Debris invita a pensar en las tecnologías de comunicación, sus restos físicos y las narrativas que emergen cuando lo intangible se convierte en materia.
Hablamos, por último, de Floating River, un ejercicio, en parte poético, de visibilización de las cañerías: Es una instalación creada en colaboración con FONDO, en el contexto de la Bienal Mayrit, un evento internacional de diseño, arquitectura y arte contemporáneo que se celebra cada dos años en Madrid. Concebida para un evento gastronómico organizado por ese estudio FONDO, la obra responde al eje temático de esta edición: el agua, un elemento central de la Bienal desde sus inicios.
La propuesta surge de una reflexión sobre la manera en que la arquitectura tiende a ocultar los sistemas que sostienen el agua —como las tuberías y las redes hidráulicas—, generando una desconexión entre las personas y los recursos que consumen.
Floating River invierte esta lógica al hacer visibles esos sistemas invisibles. La instalación adopta la forma de un circuito cerrado de agua que fluye por gravedad a través de canaletas metálicas suspendidas mediante cables de acero desde una estructura central elevada. El agua recorre el espacio hasta llegar a un depósito, desde donde es bombeada de nuevo al inicio, creando un flujo continuo.
La instalación funciona como un organismo vivo: el agua fluye, asciende, cae, salpica y se desborda, generando una experiencia sensorial que invita a reconectar, de forma física y simbólica, con este recurso vital a través de una intervención arquitectónica.
Sus próximos pasos, bastante definidos, llevarán a Elena Rocabert a Barcelona, Viena o Madrid: En los próximos meses tengo varios proyectos en marcha. En febrero inauguraré una exposición en la galería Beta Contemporary, en Barcelona, donde presentaré el proceso de una residencia artística realizada con ellos en diciembre, junto con algunas obras nuevas.
En abril participaré en una exposición colectiva en el marco de la Klima Biennale de Viena, comisariada por Carmen Lael Hines y Lisa Jäger en la galería WAF. Ese mismo mes comenzaré una residencia artística en Matadero Madrid, donde desarrollaré el proyecto Frequency Debris adaptado al contexto español.
Podemos conocerla mejor aquí: www.elenarocabert.com
