Cristina Garrido

NOMBRE: Cristina

APELLIDOS: Garrido

LUGAR DE NACIMIENTO: Madrid

FECHA DE NACIMIENTO: 1986

PROFESIÓN: Artista

2015 fue un año intenso para Cristina Garrido, y es posible que muchos de vosotros conocieseis su obra el año pasado: además de presentar muestras individuales en Lisboa, Bogotá, Mallorca y Marsella, participó en ARCOmadrid de la mano de la galería L21, fue una de las seleccionadas para Generación 2015, formando parte de la colectiva de la convocatoria en La Casa Encendida, y también formó parte de “A Room With a View”, exposición que se enmarcaba en el premiado proyecto The Apartment, en la citada galería L21 en Palma.

Licenciada en Bellas Artes en la Complutense y formada también en el Camberwell College of Art y el Wimbledon College of Art, Cristina, que actualmente se encuentra inmersa en una residencia en la Casa Maauad de Ciudad de México, indaga en las transformaciones de la valoración dada en los países occidentales, tanto en su sentido utilitario como en el comercial, a ciertos objetos o espacios, muchos de carácter artístico, prestando atención a los factores que provocan esos cambios perceptivos graduales dentro y fuera de la esfera del arte. Esos factores suelen tener mucho que ver con la globalización, la generalización de las tecnologías digitales o la galopante evolución de las industrias vinculadas a la información.

Su proceso creativo comienza con el análisis de objetos que la artista encuentra, compra o pide prestados y continúa con la búsqueda de mecanismos para poner de relieve, y también para subvertir, los cambios de status a los que los hemos sometido. Se vale para ello de la recogida de documentos pertinentes y de sus propias intervenciones y reinterpretaciones.

Garrido busca, recolecta, archiva…en soportes tanto virtuales como físicos; y las imágenes intervenidas y los objetos modificados son el resultado físico de sus investigaciones sobre las múltiples paradojas que rodean el valor comercial dado a espacios y piezas, el funcionamiento del mercado del arte y, en general, de la economía capitalista; y sobre las vías (una de ellas, la invisibilidad) para poner en cuestión o poner patas arriba ese valor cambiante concedido a las obras que elige. Sus planteamientos no están exentos de humor en muchas ocasiones.

Si lo pensamos bien, su labor tiene muchos puntos en común con la del crítico de arte; ella nos lo explica: En los últimos años, mi investigación artística se ha centrado en el valor que culturalmente se le asigna a los objetos en el mundo occidental; en gran medida a los objetos calificados como arte. En este sentido mi producción, a través de gestos concretos, repetitivos y metarreferenciales, se ha centrado en la circulación de estos objetos, el estudio de la exposición así como de la práctica curatorial. A través de estos gestos, que toman formas diversas (instalaciones, publicaciones, objetos intervenidos, etcétera), busco exponer los mecanismos de potenciación y valoración del objeto artístico, proponiendo una reflexión crítica sobre los espacios de exposición del arte –físicos y digitales- y abriendo muchas de mis obras a la participación de terceros y al trabajo en red.

Considero que mi rol como artista se está acercando, cada vez más, a la figura del crítico de arte, una figura muy denostada en el sistema del arte actual, debido a que su papel es el de problematizar y, por ende, ralentizar un mundo donde todo ha de circular cada vez más rápido y con los mínimos obstáculos. Opino que es importante ofrecer una mirada crítica desde el arte hacia ciertos fenómenos que, debido a la velocidad generalizada en nuestro sector, se aceptan sin ser cuestionados, influyendo directamente en nuestra forma de acercarnos al arte, y en la producción del arte mismo.

Si en uno de sus primeros proyectos, Veil of invisibility (iniciado en 2011), la artista intervenía, pintura mediante, postales de reproducción seriada para hacer de ellas piezas únicas, en el proyecto posterior For immediate release (2013-2014) replicó, manual y pictóricamente, comunicados de prensa de distintas exposiciones londinenses, y en Every artwork starts with a purchase (2014) reprodujo numerosas bolsas de mano que recogió en diversas instituciones artísticas. En todos estos casos, ella transforma, en definitiva, el valor de mercado, y también artístico, de cada uno de estos objetos.

Otros ejemplos significativos de este tipo de propuestas los encontramos en To whom it may concern, la transcripción pictórica de una carta de recomendación que le ofreció uno de sus empleadores en Londres (cuya compañía, por cierto, se dedicaba a los productos de lujo); Paintings for the wallets (2012-2017), proyecto formado por piezas pictóricas que viajarán por los monederos y bolsillos de 75 personas de todo el mundo en ese periodo de cinco años o It Don´t Mean a Thing (If It Ain´t Got That Swing) (desde 2014): dibujos de anuncios de exposiciones en publicaciones artísticas que llaman nuestra atención sobre cómo esa publicidad incide en nuestra valoración de esas muestras y de la producción de esos artistas.

En una de sus obras más conocidas, THIS IS ART NOW VOL.1, reinterpretó objetos que creaban y compartían usuarios de Google SketchUp como obras de arte contemporáneo, utilizando escenarios también hallados en SketchUp como espacios expositivos e invitando a Alfredo Aracil, Alexis Callado Estefanía, Paloma Checa Gismero, Francesco Giaveri, Martí Manen, Tiago de Abreu Pinto y Bernardo Sopelana a escribir textos sobre ellas.

El año pasado, para la pieza #JWIITMTESDSA? (Just what is it that makes today’s exhibitions so different, so appealing?), aludió al consumismo moderno presente en la obra de Richard Hamilton Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? a través de un collage tridimensional, una instalación compuesta por objetos cotidianos que nos plantea una reflexión, en términos tanto perceptivos como especulativos, sobre la organización de las exposiciones actuales de arte contemporáneo. Agrupaba objetos y tendencias en 21 conceptos predominantes en las muestras que quieren ser diferentes y atractivas, poniendo de manifiesto su escasa originalidad, su continuo regreso a “lo que ya ha funcionado”, sean materiales, temas, colores o los mismos planteamientos. Precisamente este fue el proyecto seleccionado en Generación 2015 que pudimos ver el año pasado en La Casa Encendida madrileña y se completaba con un software que nos permitía escuchar opiniones grabadas de distintos agentes artísticos; entre ellas esta: “El 90% del trabajo del artista contemporáneo es una cuestión de display”. Las relaciones estrechas entre el mercado del arte y el financiero quedaban aquí evidenciadas.

Trabajos de Cristina Garrido forman parte de colecciones como las de la Fundación Montemadrid, EXPLUM, la Fundación María José Jove, OTR o la belga Collection Veys-Verhaevert. Podéis saber más de ella en www.cristina-garrido.com