La situación que la mujer ha vivido en el ámbito del arte a lo largo de los siglos ha evolucionado al ritmo de las transformaciones experimentadas por la sociedad en su conjunto, aunque desde los años 70 la presencia de mujeres en el área de las artes plásticas ha crecido de forma excepcional y se ha normalizado.

El MuVIM valenciano se suma a la conmemoración del Día Internacional de la Mujer abriendo sus puertas al trabajo de la mujer creadora contemporánea con la exposición “Universo poliédrico. Mujeres / Miradas / Propuestas”, que reúne obras de 22 artistas de generaciones, nacionalidades y sensibilidades creativas diferentes.

Configuran un repaso a través de los intereses, preocupaciones, anhelos y temores de la mujer actual, en el ámbito público y en el privado.

La Colección Santander está integrada por pinturas, dibujos, esculturas, tapices y obras de artes decorativas, así como de varios centenares de monedas españolas fechadas entre el siglo III a.C. y el siglo XX.

La mayor parte de estas piezas se exponen al público en la Sala de Arte Santander en la Ciudad Financiera de Boadilla del Monte y casi setenta se ellas podrán verse, desde el 13 de marzo, en el Museo Nacional de Wroclaw, incluyendo pinturas, algunos dibujos y dos piezas de Alberto Sánchez y Eduardo Chillida. Es la primera vez que estos trabajos viajan a otro país europeo y será bajo el comisariado de Cruz Valdovinos.

Las obras expuestas se extienden cronológicamente entre el segundo tercio del siglo XVI y 1973, y se ha procurado que estuvieran representados diversos géneros pictóricos: religioso, retrato, asuntos legendarios y mitológicos, paisaje, floreros y bodegones y obras de carácter informalista.

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La Galería Quadrado Azul presenta, en su sede de Oporto hasta el 20 de abril, el proyecto de Ana López-Quiroga “The Art of Travel”, inspirado en el libro homónimo del filósofo Alain de Botton, en el que la artista encontró paralelismos con su proceso de trabajo en relación con las fases de viaje, preparación, paisaje, vida, elección, arte y felicidad.

Entre los trabajos expuestos figuran All the journeys (2013), compuesto por dos mil perlas barrocas, mil hilos de seda, una cama de agua, luz y un ventilador y Plane-dreaming #1-12 (2012), formado por una docena de dibujos en tinta china sobre papel de arroz con forma de ventanas de avión.

A finales de la década de los setenta, cuando Chile se encontraba bajo dictadura militar, Lotty Rosenfeld desarrolló gran cantidad de material para intentar crear un arte que trascendiese los límites de la censura.

Buscó abordar la complejidad de la vida cotidiana de su país sin reproducirla y trasladar al público la oposición que ella sentía hacia las violaciones de derechos humanos.

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Tras dirigir entre 2003 y 2010 la Tate Modern de Londres, Vicente Todolí será director artístico hasta 2016 de Hangar Bicocca de Milán, uno de los centros de arte contemporáneo con más prestigio en Italia.

Todolí dará a conocer el próximo junio las líneas y los proyectos de su programación y en octubre inaugurará su primera muestra en el museo milanés, promovido por Pirelli y el gobierno regional de Lombardia.

Hangar Bicocca abrió sus puertas al público en 2004 y fue reestructurado el año pasado para acoger propuestas experimentales, de investigación, muestras vinculadas a las nuevas tecnologías, las artes escénicas, la arquitectura expandida y la creación emergente y proyectos site specific.

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El Centro Cultural Marcos Valcárcel de la Diputación de Ourense abre hoy la exposición “15 cuentos breves y extraordinarios. Arte Contemporáneo Fundación María José Jove”, muestra con la que la esta institución culmina su proyecto sobre arte contemporáneo y discapacidad.

Es una exhibición itinerante que ya pasó por La Coruña y Vigo y que, tras recalar en Ourense, donde permanecerá abierta hasta el 28 de abril, se expondrá en Santiago.

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La Fundación Hasselblad ha anunciado hoy que el fotógrafo catalán Joan Fontcuberta recibirá el Premio Internacional de Fotografía Fundación Hasselblad en su edición de 2013, galardón dotado con 1.000.000 millón de coronas suecas (110.000 euros, más o menos).

La ceremonia de entrega tendrá lugar en Barcelona el 7 de marzo y el 25 de octubre se inaugurará su exposición en el Hasselblad Center del Museo de Arte de Gotemburgo. La Fundación Hasselblad organizará además un simposio que contará con la presencia del ganador y presentará una monografía sobre la obra de Joan Fontcuberta, que será publicada por Mack.

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La Fundación Arte y Mecenazgo, impulsada por la Caixa, ha presentado en CaixaForum Madrid las conclusiones de su análisis del informe El Mercado del Arte en España 2012, llevado a cabo por un grupo de expertos, aprovechando la ocasión para dar a conocer su Borrador de Proyecto de Ley de Medidas de Fomento, Impulso y Desarrollo del Arte y el Mecenazgo en España.

En esta presentación participaron Leopoldo Rodés, presidente de la Fundación Arte y Mecenazgo; Francisco Calvo Serraller, catedrático de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid y moderador de la mesa redonda de análisis del informe; Eva Lasunción, abogada especialista en regulación y tributación del arte; Juan Várez, coleccionista y consejero delegado de Christie’s; Mercedes Basso, directora general de la Fundación Arte y Mecenazgo y Elisa Durán, directora general adjunta de la Fundación “la Caixa”.

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Las Waddington Galleries de Londres muestran, desde mañana y hasta el 6 de abril, el medio centenar de obras del artista escocés Craigie Aitchison que ha coleccionado Sheelagh Cluney desde 1970, cuarenta años en los que se convirtió en amiga íntima del creador fallecido en 2009. Se trata de Crucifixiones, bodegones y retratos que Cluney adquirió en el estudio del artista o en galerías, o que el propio Aitchison le regaló.

La pintura de Aitchison se concentra en los bordes de sus telas en un proceso similar al que llevaría a cabo Milton Avery en Estados Unidos tras la II Guerra Mundial.

El MoMA reevalua la carrera de Bill Brandt, figura fundamental de la fotografía modernista, con una muestra abierta hasta el 12 de agosto que incluye algunas de sus vistas londinenses de los años treinta. Formado en el estudio parisino de Man Ray, sus exploraciones de la sociedad, el paisaje y la literatura británicas de comienzos del siglo pasado son indispensables para comprender la historia de la fotografía.

No faltarán sus icónicas imágenes de Londres durante la Segunda Guerra Mundial, de sus apagones y sus refugios, y los sensuales desnudos que llevó a cabo en su periodo más fértil, entre 1945 y 1961.

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Los libros de artista de Ed Ruscha, junto a obras de un centenar de artistas relacionadas, se exhiben hasta el 27 de abril en la Gagosian Gallery de Nueva York. Los libros proceden de colecciones privadas y se muestran de modo que el público pueda interactuar con ellos y navegar por sus páginas.

Ruscha los elaboró inspirándose en los volúmenes sin pretensiones que encontraba en los mercadillos europeos, influencia que queda patente en Twentysix Gasoline Stations, uno de sus libros más conocidos, en el que también se deja influir por las series televisivas y en Las uvas de la ira de John Steinbeck.

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Siete pinturas monumentales que Al Held llevó a cabo entre 1961 y 1967 se exhiben hasta el 20 de abril en la galería Cheim & Read de Nueva York. En estas piezas el artista neoyorquino se aleja de los principios del expresionismo abstracto y anticipa sus trabajos posteriores en blanco y negro, ligados al minimalismo y con un cuidado ilusionismo en el espacio pictórico.

En última instancia, estas obras de Held cuestionan la naturaleza del espacio, la forma y la percepción.

Victor Alba, Luis Bezeta, Alfonso Borragán, Cristina del Campo, Antonio Díaz Grande, Álvaro González, Raúl Hevia, Javier Lamela, Gorka Mohamed, Cuca Nelles, Gloria Pereda y Álvaro Trugeda son los doce artistas cántabros que, hasta el 30 de marzo, exponen en el Instituto Cervantes de Nueva York con motivo de la muestra “Meaning making”.

Si entendemos el arte contemporáneo como una forma de exploración de la complejidad del mundo, un modo de aprehenderlo y ccomo una cartografía de nuevos imaginarios, conciencias y cosmovisiones.

Tienen en común sus referencias a la historia del arte y su uso de documentos relacionados con su experiencia vital y de relecturas y ensamblajes de imágenes de variadas procedencias.

Tras casi un año en labores de restauración financiadas por el Bank of America Merrill Lynch, El Paraíso (1558) de Tintoretto puede volver a verse en el hall del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid reparado del deterioro y la suciedad que el tiempo e intervenciones anteriores sobre la pintura le habían causado.

Han participado en la restauración, llevada a cabo en parte a la vista del público, Obaldo Senado, Susana Pérez y Alejandra Martos, entre otros, sirviéndose de macrofotografías, radiografías, reflectografías infrarrojas y análisis químicos.

Según Sedano, la restauración “ha permitido conocer más a fondo la obra y al artista, atendiendo a los aspectos más humanos de quien la pintó. En ella se puede apreciar los momentos en los que vacila, que borra…” y ahondar en sus metódicos procesos de trabajo sobre grandes escenarios. En cuanto a las figuras, primero las pintaba desnudas y luego las vestía.

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Nacido en Londres en 1962 y emigrado a Nigeria en su infancia, Yinka Shonibare ha centrado su producción en la exploración de los estereotipos generados en torno a las razas y las clases sociales y de las nociones de multiculturalismo, identidad y autenticidad.

El Yorkshire Sculpture Park británico presenta, hasta el 1 de septiembre, “Fabric-ation”, un repaso a sus obras de la última década, centrándose en sus proyectos para espacios públicos.

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El Pinchuk Art Centre de Kiev continúa con las presentaciones de su colección en muestras temporales y, hasta el 21 de abril, acoge “Collection Platform 4: Emotion and Technology”, exposición que incluye trabajos de diecisiete artistas ucranianos e internacionales y que se centra en el estudio del impacto de la tecnología sobre nuestros sentimientos y emociones.

Los representados son Sergiy Bratkov, Ilya Chichkan, Gregory Crewdson, Olafur Eliasson, Andreas Gursky, Damien Hirst, Carsten Höller, Martin Kobe, Jeff Koons, Oleg Kulik, Julie Mehretu, Richard Prince, Marc Quinn, Thomas Ruff, Jürgen Teller, Xavier Veilhan y Carsten Nicolai.

La exhibición incluye muchas obras inéditas en Ucrania.

El MACBA barcelonés abre el 8 de marzo la exposición “Escrito en el viento”, que analiza en detalle las obras sobre papel de Lawrence Weiner (Nueva York, 1942) y que presentará por primera vez sus dibujos, ofreciendo una perspectiva íntima de los intereses y obsesiones del artista.

Destacará la obra Some Objects of Desire (2004), que ocupa la pared central del atrio del MACBA desde 2009 y que muestra la concepción del arte de Weiner como “realidad empírica basada en las relaciones entre los seres humanos y los objetos, y de los objetos en relación con los seres humanos”, pero también viñetas gráficas, cuadernos de notas y otros materiales y sus obras más formales sobre papel.

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La madrileña Galería Liebre presenta hasta el próximo día 9 de marzo una colaboración entre las artistas Estefanía Martín y Sandra Paula Fernández, dentro del Festival Miradas de Mujeres. Sus proyectos muestran personajes femeninos contrapuestos en obras con mucha carga crítica y social.

Las mujeres de la joven bilbaína Estefanía Martín se inspiran en las vírgenes juradas de los Balcanes que, renunciando a las relaciones sexuales y el matrimonio, toman el papel de hombre en la familia, mientras en la propuesta de Sandra Paula Fernández (Oviedo 1972) se atribuyen nuevos atributos al personaje de Blancanieves, a la que convierte en un icono femenino destructivo y agresivo.

La Conselleria de Cultura de la Generalitat catalana ha incoado un expediente de declaración de bien cultural de interés nacional a favor de la obra de Mariano Fortuny Plaza de toros en Sevilla, actualmente propiedad de un coleccionista privado.

Según la Consellería, es una de las obras de Fortuny en las que más se aprecia su aproximación al impresionismo francés, entonces incipiente.

Hoy se ha inaugurado la ampliación del Museo de Cerámica de Talavera de la Reina en el colindante edificio del Liceo, donde podremos ver un importante conjunto de azulejería de esta localidad.

La historia de este Museo se inició hace medio siglo, en 1963, cuando el Estado adquirió a la familia de ceramistas Ruiz de Luna la colección que había reunido Juan Ruiz de Luna.

Durante mucho tiempo, las piezas que conforman la colección permanente de este centro estatal se ubicaron en el antiguo museo privado de los Ruiz de Luna, en la plaza del Pan, y, después, en el edificio del Banco de España, hasta que el 14 de febrero de 1996 el Museo de Cerámica Ruiz de Luna reabrió como tal al público en el rehabilitado convento de los agustinos.