La Colección Oliva Arauna se expone en Santillana del Mar
La Torre Don Borja de Santillana del Mar exhibe este verano trabajos de Alfredo Jaar, Helena Almeida, Miguel Rio Branco, Botto & Bruno, Rosa Brun, Nuno Nunes-Ferreira, Per Barclay, Susana Solano, Esther Gaton, Matthew Barney, Thomas Ruff y Maria Maria Acha Kutscher.
Pertenecen a la colección de la que fuera galerista Oliva Orauna y han sido seleccionados por aludir a la dicotomía entre cultura y capital, entendiendo que la primera no es solo un factor de desarrollo económico, sino sobre todo una necesidad básica y un elemento esencial para el progreso social.
Alfredo Jaar. Cultura = Capital, 2012
Naturaleza, tiempo y memoria en Ricardo Calero
Hasta el próximo 16 de octubre, el CDAN oscense presenta “natura_tiempo y memoria”, un proyecto desarrollado junto al Museo Lázaro Galdiano que consta de trabajos de Ricardo Calero datados desde 1989, junto a otros inéditos realizados ex profeso para esta muestra en la finca de Beulas y los jardines de espacio aragonés.
Estos últimos son intervenciones al aire libre en los que Calero ha empleado la tierra como su taller y ha recurrido también a la observación de la luz, el paso del tiempo y los fenómenos meteorológicos. Son muy frecuentes en su trayectoria las acciones en y sobre el territorio, en lugares específicamente escogidos.
Ricardo Calero. “natura_tiempo y memoria”. CDAN
Néstor Sanmiguel Diest, también en Artium Museoa
Tras la inauguración en el Palacio de Velázquez de El Retiro del primer capítulo de “La peripecia del autómata“, Néstor Sanmiguel Diest ya ha presentado en Artium Museoa, en Vitoria, el segundo episodio de esta muestra, que explora su producción desde los ochenta analizando sus modos de hacer y puede visitarse hasta el 1 de noviembre.
En sus inicios, su trayectoria estuvo vinculada a colectivos artísticos como A Ua Crag (1985-1996) y el Segundo partido de la montaña (1987-1988) y, más adelante, devino el zaragozano productor metódico y prolífico que ideó ininterrumpidamente sistemas, reglas y protocolos. En sus dibujos y pinturas se confunden las fronteras entre imagen y texto y abundan las referencias a la historia del arte, la literatura y la música, pero también a lo más cotidiano y ordinario, al incorporar documentos, facturas, fragmentos de textos, notas o páginas de prensa.
Sus procedimientos de trabajo funcionan por acumulación, y juegos de palabras y cadenas de aforismos dan título a sus propuestas.
Néstor Sanmiguel Diest. “La peripecia del aitómara”. Artium Museoa
Celeste Garduño y Santiago Ávila, ganadores del concurso impulsado por el Museo Universidad de Navarra para comisariar una muestra en Cuatrecasas
La propuesta expositiva “Función y ficción”, elaborada por Celeste Garduño Carbajal y Santiago Ávila Albuja, estudiantes del Máster en Estudios de Comisariado del Museo Universidad de Navarra, ha resultado ganadora en el concurso organizado por este centro en colaboración con la Colección Bergé y el despacho de abogados Cuatrecasas de Madrid.
Ha sido seleccionada entre las presentadas por los alumnos de la cuarta promoción del posgrado y podrá verse desde el 8 de septiembre en el hall de la sede de la propia firma de Cuatrecasas en Madrid. Un conjunto de nueve piezas de arte contemporáneo escogidas entre los fondos de la Colección Bergé podrán contemplarse, así, en un entorno intencionadamente aséptico y empresarial para invitarnos a reflexionar sobre la relación humana y funcional que mantenemos con los espacios y objetos de uso cotidiano, a los que estas piezas dotarán de significados diferentes. El propósito último de “Función y ficción” es cuestionar, justamente, los roles del espacio y nuestros instrumentos habituales desde una perspectiva íntima e incorporar la creatividad y el arte contemporáneo como elementos aptos para la reflexión en el ámbito laboral.
El jurado que ha fallado el concurso ha estado formado por Jorge Badía Carro, consejero delegado de Cuatrecasas; Alicia Alcocer Koplowitz, coleccionista; Ángel J. Gómez Montoro, presidente del Patronato del Museo Universidad de Navarra; Nieves Acedo del Barrio, directora del Máster de Estudios de Comisariado; Pedro Enciso Bergé, Vicepresidente de Bergé y cía y María Aguilera Aranaz, conservadora de la Colección Bergé. Han subrayado la calidad de las propuestas recibidas y han escogido la de Garduño y Ávila “por su claridad en la exposición de los conceptos, su agudeza en la comprensión para el público y el humor en la selección de las piezas adecuándose al proyecto”.
Jurado que ha seleccionado “Función y ficción”, propuesta de Celeste Garduño Garbajal y Santiago Ávila
Joanne Leonie Milne, noveno Premio Bienal de Pintura Torres García-Ciutat de Mataró
Hoy se han dado a conocer, en el Ateneu. Centre Cultural de la Fundació Iluro de Mataró, los ganadores de la novena convocatoria del Premio Bienal de Pintura Torres García-Ciutat de Mataró, convocado por la Associació Sant Lluc per l’Art de esa localidad barcelonesa. Han concurrido al certamen 335 trabajos; de los que cuarenta resultaron finalistas.
Su ganadora es la artista escocesa, residente en Lleida, Joanne Leonie Milne, por la obra Caminant en bucles laberíniques, un acrílico sobre tela y tabla, y también se ha galardonado a Gonzalo Elvira, por Los sueños de proyección; Alicia Marsans, por La conferencia de los pájaros; Eduard Resbier, por Atelier – Cendra 10; Luis A. Romero, por Temporalidad y Gonzalo Sicre, autor de ¿Quién quiere un rey?
En esta ocasión, el Jurado del Premio ha estado formado por Juan Manuel Bonet, Glòria Bosch, Emmanuel Guigon, Julio Vaquero, Eva Vázquez y Antoni Luis, y las piezas finalistas pueden verse en el Ateneu del 10 de junio al 28 de agosto de 2022.
Joanne Leonie Milne. Caminant en bucles laberíniques
Susan Meiselas y Jorge López, entre los premiados en PHotoESPAÑA 2022
PHotoESPAÑA 2022 ha anunciado sus premiados. La fotógrafa estadounidense Susan Meiselas ha obtenido el Premio PHotoESPAÑA; su obra forma parte de la exposición “Sculpting Reality”, un proyecto de Vicente Todolí y Sandra Guimarães, comisarios invitados del Festival, que puede visitarse en el Círculo de Bellas Artes y la Casa de América.
El Premio al Mejor Libro de Fotografía del Año ha sido para Shifters, de Marta Bogdańska, en la categoría internacional; Martín Chambí. Fotografía, en la categoría nacional y A mesma luta, de Rosa Jandira Gauditano, en la categoría autoeditado, mientras que RM ha sido reconocida como editorial destacada del año. Todos ellos, junto con los volúmenes finalistas de esta edición, pueden contemplarse en la exhibición “Los Mejores Libros de Fotografía del Año”, que podemos ver en PHotoESPAÑA Gallery hasta el 30 de agosto.
Por otro lado, la Galería Moisés Pérez Albéniz se ha llevado el Premio Festival Off por la muestra “DO NOT CROSS. Fotos inéditas 70’s – 80’s”; en ese mismo galardón han obtenido dos menciones honoríficas la Galería Freijo (con “Famosos y Anónimos. Retratos”) y la Galería Pokoespacio (por la colectiva “Espacios”, con trabajos de Diego Domínguez, Fede Serra, Luis Malibrán, Ignacio Pereira y Jesús Chamizo). Se ha querido destacar también el proyecto “Lugar, umbral”, de Lucia Gorostegui, en el Espacio Pavilion de Plantea Estudio.
Por su parte la propuesta “El Clot”, de Jorge López, se ha hecho con el Premio Descubrimientos PHotoESPAÑA 2022, que permitirá a ese artista contar con una exposición individual en PHE 2023, y el Premio de Honor PHotoESPAÑA 2022 recae póstumamente en Ouka Leele, en recuerdo a toda su trayectoria artística. Ayer su hija, María Rosenfeldt, recogió el galardón en un homenaje en el Museo Lázaro Galdiano.
La artista portuguesa Paula Rego, residente en Reino Unido desde hace décadas, ha fallecido esta mañana en Londres a los 87 años. En sus siete décadas de trayectoria, buscó reinventar la manera de representar a las mujeres en la pintura figurativa y explorar formas nuevas y diferentes de narrar con sus imágenes, que tienen raíces en su experiencia personal y también en sucesos y movimientos sociales.
Nacida en Lisboa en 1935, bajo la dictadura de Salazar, sus padres decidieron que fuera educada en una escuela de señoritas en Kent para que recibiera una formación liberal. Más adelante estudiaría pintura en la Slade School of Fine Art de Londres (1952–1956), donde tuvo entre sus condiscípulos a Victor Willing, que sería su esposo y con quien se estableció en Londres en 1972. Representó a Portugal e Inglaterra en la Bienal de São Paulo, en 1969 y 1985 respectivamente, y en 1988 protagonizó relevantes exposiciones en la Fundación Calouste Gulbenkian de Lisboa, el Museo Serralves de Oporto y la Serpentine Gallery de Londres. Dos años después, sería designada primera Artista Asociada a la National Gallery.
Le han dedicado retrospectivas desde entonces la Tate Liverpool (1997), el Museo Reina Sofia (2007), el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y la Pinacoteca do Estado de São Paulo (2010–2011) o el Musée de l’Orangerie de París (2018). En 2009 se inauguró un museo dedicado a sus obras, la Casa das Histórias Paula Rego en Cascais (Portugal), y en 2017 se estrenó el documental Paula Rego, Secrets and Stories, dirigido por su hijo Nick Willing.
Actualmente su trabajo forma parte de la 59ª Bienal de Venecia, en su exposición “The Milk of Dreams”, y hasta finales de agosto le dedica otra antología el Museo Picasso de Málaga. La autora no pudo acudir a su inauguración debido a su estado de salud.
Los Premios Richard H. Driehaus de las Artes de la Construcción tienen ganadores
Los Premios Richard Driehaus de las Artes de la Construcción han cumplido cinco ediciones apoyando, con una dotación total de 66.000 euros, trabajos de la construcción tradicional; estos galardones son convocados anualmente por el Ministerio de Transportes, Movilidad y Agenda Urbana e INTBAU, con la colaboración de la Fundación Ekaba, el Ministerio de Cultura y Deporte y el Consejo Superior de Colegios de Arquitectos de España.
Los proyectos se han agrupado en cuatro categorías; en cada una se concede un galardón anual de 10.000 euros y una placa conmemorativa. Optaron al certamen 45 candidaturas y el jurado que seleccionó las ganadoras estuvo formado por Elena Agromayor Navarrete, Álvaro Fernández-Villaverde y de Silva, María Ángeles Fernández Hernando, Leopoldo Gil Cornet, Rafael Manzano Martos, José María Pérez González (Peridis), Luis Prieto Prieto, María Pía Timon Tiemblo y Harriet Wennberg. Fue su presidente Alejandro García Hermida.
En la modalidad de trabajos de albañilería y cantería, se ha premiado al maestro de obra Jesús Adeva, quien pertenece, junto a su hermano Javier, a la tercera generación de una familia de maestros albañiles de Toledo. Entre sus labores se encuentran armaduras de cubierta, alfarjes y entramados de madera; todo tipo de revocos, yeserías y enlucidos; muros de tapia, adobe, ladrillo y mampostería; las cubiertas tradicionales con teja curva y barro, los pavimentos empedrados, las alfombras cerámicas de inspiración mudéjar o los solados de baldosas hidráulicas o cerámicas.
Agustín Castellanos y Ricardo Cambas son los elegidos en la categoría de artes de la madera. Maestros carpinteros especializados en la carpintería de armar o de lo blanco y en la carpintería de lazo, han ejercido también la docencia desde los ochenta. En el apartado de acabados y otros trabajos de la construcción tradicional, el galardón ha recaído en Fernando Malo, maestro ceramista desde hace más de cuarenta años, la mitad de ellos en en San Mateo de Gállego. Ha intervenido en la restauración y la recuperación de los elementos cerámicos de monumentos aragoneses como la Parroquieta de La Seo, el Palacio de la Aljafería, la Torre de Utebo, la Catedral de Tarazona o la Catedral de Huesca; también en la Alhambra de Granada.
Por último, en la categoría de trabajos del metal y del vidrio el premiado ha sido el maestro herrero Ramón Recuero, quien tiene su taller en Las Vegas de San Antonio, un pequeño conjunto de casas de la provincia de Toledo. Trabaja recuperando técnicas tradicionales y difunde su labor en YouTube. Además, con el fin de contribuir a que no se pierda su oficio, el jurado ha seleccionado al propio Recuero para la Beca Donald Gray de las Artes de la Construcción, dotada con 14.000 euros adicionales para la formación de un aprendiz en su propio taller durante un período de un año. Recibirá igualmente una ayuda económica de 12.000 euros durante esa etapa de formación.
Tras la entrega de premios, una representación de los proyectos escogidos podrá verse en CentroCentro, del 10 de junio al 7 de agosto, en la muestra “Arquitectura Atemporal 2022”.
Piezas cerámicas esmaltadas en el taller del artesano Fernando Malo
El Patronato del MNAC barcelonés acuerda iniciar su ampliación
El Patronato del Museo Nacional de Arte de Cataluña, formado por la Generalitat, el Ministerio de Cultura y Deporte, el Ayuntamiento de Barcelona y varias personalidades en representación de la sociedad civil, ha acordado unánimemente iniciar la tramitación del concurso del proyecto de ampliación y de los servicios de redacción de los proyectos básico y ejecutivo del centro, así como dotar al MNAC de los mecanismos necesarios para posibilitar la actuación, en los aspectos técnicos y conceptuales.
El calendario sobre el que se está trabajando prevé desarrollar los planes de viabilidad y museografía, así como los proyectos arquitectónicos, durante este año y 2023, de cara a afrontar el concurso público del proyecto definitivo a finales de 2023 o principios de 2024. En todo caso, el Plan Estratégico del Museo marca como horizonte para la finalización de las obras el año 2029, coincidiendo con el centenario de la Exposición Internacional, la urbanización de Montjuïc y la construcción del Palau Nacional.
Se espera que la ampliación al Pabellón Victoria Eugenia suponga una importante transformación y permita un replanteamiento global del Museo, sus espacios y su alcance.
El Patronato ha decidido, asimismo, la renovación de su director, Pepe Serra, por un periodo de cinco años, valorando muy positivamente su labor hasta ahora: se alcanzaron los 900.000 visitantes en 2019, frente a los 400.000 de 2012, al inicio de su mandato, y en estos años el MNAC ha organizado más de setenta proyectos expositivos, renovado la presentación de sus colecciones de arte moderno y del Renacimiento y el Barroco, avanzado en la formación de una colección de posguerra y segundas vanguardias y en un centenar de proyectos en colaboración con otros museos y entidades de carácter artístico, educativo, científico o social. Otro punto relevante es el crecimiento de sus fondos.
El Patronato también ha subrayado la creación de la Xarxa de Museus d’Art, que ha pasado de contar con tres únicas sedes en Cataluña a estar integrada por 22 museos.
La Quinta del Sordo según Philippe Parreno
La próxima vez que visitéis la sala 64-65 del edificio Villanueva del Museo del Prado la encontraréis convertida en un espacio íntimo en el que se proyecta la obra de Philippe Parreno La Quinta del Sordo, un proyecto que nos invita a viajar al pasado y a experimentar cómo podrían verse las pinturas negras en el entorno en el que fueron originalmente pintadas.
La pieza recrea ese espacio perdido, La Quinta del Sordo, donde Goya vivió antes de exiliarse a Burdeos. Entre 1819 y 1824 llevó a cabo allí un conjunto de catorce pinturas en las paredes de los dos pisos de la residencia, que sería demolida en 1909. Pueden verse ahora esas piezas en la sala 67 de la pinacoteca y, para disponer la propuesta del autor francés, El dos de mayo de 1808 en Madrid (1814) y El tres de mayo de 1808 en Madrid (1814) se han trasladado temporalmente a la sala 75, donde dialogarán con Las lanzas de Velázquez.
El trabajo de Parreno nos lleva a una Quinta deshabitada y en silencio, quizá en la década de 1820. Las pinturas negras se nos muestran como fruto de una cosmogonía, un proceso de creación de universos en el que se ha tratado de poner orden en el caos; se trata de un filme de ciencia ficción en el que la casa deviene espacio-ser, un hogar antropomorfo.
El artista se valió de cámaras ultrarrápidas (500.000 fotogramas por segundo) para grabar las pinturas, escaneando el espacio en busca de signos. Reconstruyó la casa y el jardín en tres dimensiones para encontrar la acústica original del lugar, atisbando sonidos en lugar de relieves. Los reflejos de las luces en las pinturas, por su parte, aparecen como faros en la pantalla, iluminando intermitentemente lo que lleva mucho tiempo apagado.
Parreno guía al visitante durante la proyección y la película se proyectará varias veces al día, con una programación precisa (de lunes a sábado, a las 10:00, 12:30, 14:15, 16:45 y 18:30 horas, y los domingos y festivos, a las 10:30, 12:30, 14:30 y 17:00 horas). Un músico presenta cada sesión.
American Friends of the Prado Museum dona al Museo una tabla gótica de Lluís Borrassà
La asociación American Friends of the Prado Museum, en colaboración con la Fundación Amigos del Museo del Prado, ha adquirido recientemente para la pinacoteca una tabla gótica de Lluís Borrassà que viene a enriquecer sus fondos de pintura de aquel periodo.
Se trata de una pieza de 200 x 126 cm que corresponde a la calle central del retablo de Santa Marta, Santo Domingo y San Pedro Mártir, llevado a cabo entre 1421 y 1425 y procedente de la capilla de Santa Marta de la Catedral de Barcelona, una de las últimas obras realizadas por ese artista catalán. A finales del siglo XVIII, este conjunto pictórico fue desmembrado y sus tablas pasaron a formar parte de varios fondos privados.
Por la relevancia de su autor, sus dimensiones y la documentación conservada, se trata de una obra de importancia histórico-artística y su incorporación a las colecciones del Prado, como decimos, supondrá una relevante aportación a la representación en ellas de la pintura gótica catalana, una de las escuelas más activas e innovadoras de la Península Ibérica en la etapa medieval.
De Borrassà, que pudo vivir entre 1380 y 1422, conservaba el Prado ya dos tablas; una de ellas procedente de la donación Várez-Fisa. Fue uno de los mejores y más prolíficos pintores del gótico internacional y, dado su éxito, logró encabezar un destacado taller en Barcelona que produjo obras, sobre todo grandes retablos, para todo tipo de clientela.
En esta tabla, de hecho, tendrían una intervención relevante miembros de ese amplio taller. Se realizaría a instancias del farmacéutico Guillem Despujol, perfil inhabitual, por su profesión, entre los promotores de aquel momento.
Lluís Borrassà. Tabla principal del retablo de Santa Marta, Santo Domingo y San Pedro Mártir, 1421-1425. Adquirida por American Friends of the Prado Museum, en colaboración con la Fundación Amigos del Museo del Prado
Synnøve Anker Aurdal, oda al textil noruego
El Astrup Fearnley Museet de Oslo dedica su muestra veraniega a Synnøve Anker Aurdal, uno de los más significativos artistas textiles noruegos. Se repasa su producción entre los cuarenta y los noventa a partir de piezas de los propios fondos del autor y de otras colecciones de ese país, algunas inéditas para el público hasta ahora.
Profundamente conocedor tanto de técnicas artesanales tradicionales en el ámbito nórdico como del discurso contemporáneo, se adentró en el campo de las Bellas Artes, donde encontró un amplio reconocimiento y contribuyó significativamente a la comprensión de los textiles como medio artístico. Evolucionó paulatinamente hacia una menor figuración y se situó a la vanguardia de la abstracción en Noruega en los cincuenta, conjugando aquel legado pasado con los lenguajes del arte moderno para descubrir nuevas formas de reflexionar sobre el mundo.
En sus palabras, la tradición no es solo algo antiguo, sino también algo nuevo que se crea constantemente. Una tradición tiene que romperse para renovarse al ritmo del pulso, las posibilidades y las ideas de una época. El hilo de colores se convirtió en una herramienta natural para expresar sus ideas, similar al pincel de un pintor, y no vio ninguna razón por la que el tejido debiera ser un medio de expresión menos adecuado que la pintura. Gracias a su insistencia en las posibilidades del arte textil, radical en ese momento, logró en buena medida el respeto por esa disciplina en Noruega.
Además de tapices en formatos rectangulares, alumbró Aurdal obras escultóricas espaciales valiéndose de materiales como hilos de cobre, poliéster, fibra de vidrio, nylon y cadenas metálicas, generadores de texturas y superficies sorprendentes. Podemos considerar la propia materialidad de sus piezas como un tema por derecho propio en su trabajo: empujó los límites de lo que un tapiz podía ser y, aunque hizo énfasis en lo formal, también abordó problemas sociales; incluso introdujo burlas políticas y humor satírico.
Otra de sus fuentes de inspiración fue la poesía. Cuando no eran los versos los que desencadenaban procesos creativos, trataba de convertir en poemas sus propios hilos y colores. Por eso se ha invitado a ocho poetas noruegos contemporáneos a escribir textos para una antología que se publicará coincidiendo con esta muestra.
Puede visitarse hasta el 4 de septiembre.
Synnøve Anker Aurdal en el Astrup Fearnley Museet
Exposición de arte naif europeo 2022
La Exposición de arte naif europeo regresa a la Galería Eboli. Bajo el título “Alegría cromática para estos tiempos”, en alusión a los duros momentos atravesados como consecuencia de la pandemia, la muestra reúne a medio centenar de artistas, con sus respectivos cuadros, que con sus temas amables y su alegre colorido quieren brindar al espectador un poco de esperanza.
El arte naif abarca todos los ámbitos temáticos, desde el doméstico y cotidiano, al paisaje urbano o campestre, pasando también por el retrato, como podemos ver en las obras seleccionadas para esta ocasión. Entre los artistas presentes figuran destacados representantes del género, como Tito Lucaveche, Gracia Risueño, Cristina de Jos’h, Jean Delêtre o Elisabeth Davy Bouttier, por citar algunos. Junto a los artistas europeos, hay que señalar la presencia de Brasil como país invitado.
La Galería Eboli, dirigida por Amalia Fernández de Córdoba, también pintora naif, se ubica en el singular espacio que ocuparon en su día las nobles caballerizas del Palacio de la Cruzada, en la madrileña plaza de Ramales. Allí permanecerá abierta hasta el próximo 10 de junio esta nueva muestra del también llamado arte ingenuo, visión paradisíaca o arte feliz.
Open House Sevilla se celebrará del 21 al 23 de octubre
El festival internacional de arquitectura Open House llegará, el próximo otoño, por primera vez a Sevilla. Será durante el fin de semana del 21 al 23 de octubre y abrirán sus puertas al público gratuitamente más de cuarenta edificios históricos y contemporáneos de la capital andaluza.
Se trata de la primera edición de este proyecto en Sevilla, pero Open House es un festival ya consolidado en más de cincuenta países, y en ciudades como Nueva York, Buenos Aires, Atenas, Milán o Madrid. Su programa de actividades podrá consultarse próximamente en el portal www.openhousesevilla.org.
Seminario Diocesano y Centro de Estudios Teológicos, Sevilla
Sergio Prego y la arquitectura cambiante del Museo de Bellas Artes de Bilbao
El Museo de Bellas Artes de Bilbao acoge, hasta noviembre de 2024, la instalación Trece a Centauro de Sergio Prego, concebida específicamente para este centro y para que su presentación coincida con el desarrollo de sus obras de ampliación.
Se han comenzado a trasladar los fondos del espacio dirigido por Miguel Zugaza a las 22 salas que van a permanecer abiertas durante la ejecución de esos trabajos y, bajo el lema A(r)teak zabalduz, el Museo reabrirá el 20 de junio por la fachada del edificio antiguo y mostrará rotativamente la obra de un centenar de artistas de su colección, componiendo series sucesivas de pequeñas exposiciones en un programa desarrollado junto a BBK.
Trece a Centauro puede verse ya en las estancias recién reformadas que quedarán más afectadas por las intervenciones que se desarrollan en la vertical exterior, y ha pretendido Prego que experimentemos lo escultórico en interrelación única con la arquitectura interior. Compuesta por una cadena de módulos neumáticos que ocupa masivamente el espacio, su propuesta funcionará como un diafragma que se abre o cierra según las necesidades relativas al proceso de transformación del Museo.
Tomando como base el experimentalismo de los movimientos de la arquitectura radical de los sesenta y setenta y sus estructuras neumáticas generadoras de formas habitacionales, Prego relativiza aquí la masa material como elemento esencial de la experiencia espacial.
La pieza toma su nombre del relato de ciencia ficción de J. G. Ballard en el que se entrelazan imágenes del futuro utópicas y distópicas para poner en cuestión el concepto de progreso de la modernidad.
David Bestué y la escultura que aflora
Hasta el próximo octubre, el Museo Oteiza acoge el proyecto Aflorar, realizado específicamente por David Bestué para este centro navarro. Se trata de una intervención escultórica compuesta por obras en las que la tensión entre forma y materia queda mediatizada por los procesos de transformación de los materiales utilizados.
Las obras de este autor parten de elementos orgánicos y perecederos, como sal, flores, laurel, arena, azúcar o humo, que sitúan la escultura a medio camino entre lo fijado por la forma y el volumen y lo que escapa, por su propia esencia vital, a cualquier contención, en contraste con la solidez de los trabajos de Oteiza y de la mayoría de los escultores del siglo XX. En su caso, además, componentes como el laurel o la rosa aparecen asociados a la representación de lo efímero y fugaz.
En sus procesos creativos, Bestué filtra y tritura algunos ingredientes hasta dar lugar a una materia líquida que formaliza mediante moldes, captando e inmovilizando lo vertido en su interior. Sus piezas toman, por tanto, apariencias básicas, como las de lingotes, esferas, pilares o ladrillos, pero guardan la memoria de la organicidad y el registro vital de los materiales, que rebasan su forma preestablecida. Se encuentran, así, sus piezas últimas libres de la condición de permanencia y plenas de una temporalidad determinada por las condiciones perecederas de sus mismos soportes.
Aflorar se sitúa en una posición crítica ante la escultura de la modernidad y cercana a los contextos marcados por lo cíclico y vital.
David Bestué. “Aflorar”. Museo Oteiza
Jordi Teixidor y José María Yturralde, invitados en ESTAMPA 2022
La Feria Internacional de Arte Contemporáneo ESTAMPA celebrará sus tres décadas de andadura del 13 al 16 de octubre en IFEMA y conocemos ya sus artistas invitados, que esta vez serán dos pintores abstractos: Jordi Teixidor y José María Yturralde. Ambos presentarán obras específicamente realizadas para la muestra y centradas en la relación de las artes plásticas con la música y el sonido, dado que el compositor y musicólogo Miguel Álvarez Fernández llevará a cabo un estudio de las referencias, intereses, e influencias acústicas, científicas y musicales de los dos y volcará sus frutos en un álbum conmemorativo que recogerá toda la documentación surgida del análisis y, también, una edición de estos sonidos en un disco de vinilo de tirada limitada.
Sabemos, asimismo, que en ESTAMPA 2022 la participación de galerías y editores se estructurará en el habitual Programa General y en los proyectos comisariados por invitación Solo Project y Duo Project.
Se reforzará el programa de coleccionistas internacionales y se está terminando de diseñar otro especial para interesados en adquirir arte, con la colaboración del Ministerio de Cultura y Deporte. Incluirá la celebración de un extraordinario COLECCIONA en ESTAMPA y de visitas, encuentros, compras, premios y foros de debate con la participación de coleccionistas privados españoles.
Eduard Vicente será el próximo gerente del MACBA
El gerente, desde 2015, del Distrito de Horta-Guinardó de Barcelona, Eduard Vicente, será desde principios de junio quien ocupe ese mismo cargo en el MACBA. Su función será dirigir la administración del Consorcio del Museo de Arte Contemporáneo con el fin de ejecutar los acuerdos del Consejo General y de la Comisión Delegada en el marco de las líneas estratégicas del centro, y en consonancia con las líneas discursivas y de investigación presentadas desde la Dirección.
Se trata de la primera incorporación al equipo de este espacio desde la llegada de Dyangani Ose a su dirección.
Vicente ha impulsado el proyecto Districte Literari, el desarrollo de equipamientos ligados al arte urbano y los nuevos espacios de coworking artístico y cultural. Además, durante la pandemia, ha sido el responsable municipal de la implantación del pabellón sanitario del Hospital Vall d’Hebron en una instalación deportiva del mencionado barrio de Horta-Guinardó, y el coordinador del proyecto Alimenta, un nuevo modelo de alimentación social en Barcelona.
Con anterioridad, fue gerente de Servicios Generales y Coordinación Territorial (2007-2011) y también ejerció de gerente del Distrito de Horta-Guinardó en una primera etapa (2001-2007). Asimismo, estuvo al frente de la gestión presupuestaria y financiera de la Fundació Futur (2011-2015).
David Reed, perder y encontrar
Cuando camina por Manhattan, David Reed se fija especialmente en los paseantes y los vehículos cuando doblan esquinas y desaparecen; ese instante suspendido entre la presencia y la evaporación, explica, guarda cierta relación con su pintura, cuyo proceso define como perder y encontrar, intuición e instinto.
Nada más llegar a Nueva York en 1966, procedente del sur de California, se encontró con el escepticismo de la crítica y de sus profesores de la New York Studio School ante la vigencia de la disciplina, pero también con su devoción por la gestualidad. El panorama lo llevó a trabajar, en los setenta, en lienzos abstractos de altura no menor en los que predominaban los trazos rojos o negros realizados de izquierda a derecha, de arriba a abajo y, a veces, en diagonal.
A partir de la ejecución de esas imágenes basadas en pinceladas, centró su atención en los procedimientos de la escultura minimalista y posminimalista, alejándose de la pintura y concediendo valor a esta únicamente como testimonio de su tiempo; también hizo uso de las técnicas sugestivas del cine y el vídeo.
Pero los lienzos no lo han abandonado. Hasta el próximo 21 de mayo, Gagosian presenta en su sede en Basilea una muestra que reúne varios de ellos y que enlaza con el espíritu de las que Reed ofreció en 2017 y 2020 en sus espacios neoyorquinos: emplea nuevos materiales, el estarcido y el raspado y ha hecho suyas plantillas cortadas con láser producidas digitalmente; en algunas piezas, una pincelada estarcida puede compararse directamente con la marca pintada a mano en la que se basa. Entiende el artista que replicar una marca pictórica es imposible, pero que fallar abre nuevas posibilidades.
Su vibrante paleta también es novedosa, pero conserva los fuertes contrastes cromáticos de imágenes anteriores y, ocasionalmente, el color surge del gesto: el negro aplicado sobre el amarillo, por ejemplo, da como resultado un sorprendente tono de verde. Le interesa la capacidad de esos gestos para generar algo inesperado, no los aborda como fines en sí mismos.
Aún en otros trabajos, se desvía del formato esbelto y vertical que le permitía mover sus obras sin ayuda durante el confinamiento en favor de una mayor amplitud. Formas superpuestas o que generan intersecciones remiten a rollos de película y están marcadas por gestos estarcidos; de nuevo, lo que al principio sugiere una adición espontánea a menudo resulta haber sido cuidadosamente producido y localizado para suscitar una determinada tensión. Así activa Reed las superficies de las piezas, construyéndolas y esculpiéndolas para subrayar la separación fundamental de cada elemento mientras los dispone en diálogo entre sí. Al yuxtaponer lo opaco y lo translúcido, lo improvisado y lo planificado, evoca la coexistencia de diferentes metodologías, narrativas y cronologías.
David Reed. “Losing and Finding”. Gagosian Basel
Elizabeth Peyton, últimas emociones
Dice Elizabeth Peyton que, para ella, el retrato es un vehículo para ver todo el universo porque, a través de un rostro, puede acercarse a todo lo que existe.
Una individual suya se presenta por primera vez en Francia en una década; la acoge la sede de Thaddaeus Ropac en el barrio parisino del Marais y consta de nuevas pinturas al óleo, sobre lino y tabla, y de obras en papel. Como el conjunto de su producción, capturan las emociones y la vulnerabilidad de sus modelos; interesa especialmente a la artista cómo estas se reflejan en sus rostros y pueden alcanzar valor universal.
Trabaja a partir de la vida, las fotografías, el vídeo y la memoria y las piezas que forman parte de esta exhibición, titulada “transformer”, las llevó a cabo en Nueva York. Puede visitarse hasta el 18 de junio.
El gerente, desde 2015, del Distrito de Horta-Guinardó de Barcelona, Eduard Vicente, será desde principios de junio quien ocupe ese mismo cargo en el 
