El Nasher Sculpture Center presenta, hasta el 19 de enero, una selección de cerámicas elaboradas por Fontana, Melotti, Miró, Noguchi y Picasso entre 1943 y 1963. La exhibición lleva por nombre “Return to earth” y es la primera en poner de relieve el uso de la cerámica en los artistas de vanguardia.

Las formas innovadoras y experimentales de trabajos como los expuestos cuestionaron los límites entre cerámica y escultura. Se trata de setenta piezas, a veces de escala íntima, otras monumentales, que en la mayoría de los casos han recibido escasa atención hasta la fecha.

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Klaus Biesenbach, director del MoMA PS1 y Conservador Jefe del MoMA, ha anunciado hoy el nombramiento de Peter Eeley como nuevo comisario asociado y Director de Exposiciones y Programas del primer centro, en el que ya ha trabajado los últimos tres años en estrecha colaboración con Biesenbach.

Eeley ya ha comisariado dieciséis exposiciones en el MoMA PS1 desde 2010, entre ellas las dedicadas a Ed Atkins, Matt Connors, Darren Bader, Esther Kläs y Metahaven.

El Museo ABC presenta, hasta el 10 de noviembre, la primera exposición de André Elbaz en España. Se centra en la parte más conceptual de su obra, en la destrucción de pinturas presentadas en urnas y en la reconstrucción que muestra en las laceraciones.

En 1986, cuando Elbaz llevaba más de treinta años pintando, dibujando, exponiendo y enseñando, su trabajo se vio modificado radicalmente con el hallazgo de la fibra vegetal —malas hierbas, lino, sisal, abacá, kozo—, que empezó a cocer, blanquear y teñir. Con estos nuevos materiales, abordó una serie de obras para conmemorar el segundo centenario de la Revolución francesa.

Solo se puede entender este último periodo en la producción de Elbaz si se conoce la toma de conciencia del artista a raíz de su primer encuentro con Los desastres de la guerra, de Goya.

En 1963 nació como entidad independiente el Departamento de Arte Islámico del Metropolitan Museum de Nueva York y desde entonces los fondos del centro en esta materia han ido creciendo a través de donaciones, legados y compras.

El centro muestra hasta el seis de enero esas incorporaciones agrupadas por las décadas en que pasaron a formar parte del museo con el fin de poner de relieve las tendencias más valoradas en cada momento. Encontraremos piezas de cerámica, vidrio y metal, alfombras y obras contemporáneas.

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El Museum Boijmans van Beuningen presenta, hasta el 19 de enero, la primera retrospectiva en medio siglo en Holanda de Oskar Kokoschka, llamado por Klimt el mayor talento de las nuevas generaciones (de la vanguardia de aquel momento).

En 1950, este centro fue el primer museo holandés en adquirir una pintura del artista, The Mandrill (1926), y ahora nos enseña 150 obras, entre pinturas y dibujos, de Kokoschka cedidas por centros como el MoMA o la Tate. La exhibición se articula en ocho secciones y se inicia con sus primeros retratos y su descubrimiento por Loos en 1908 y termina con su último autorretrato, Time, Gentlemen Please (1971-1972), que prefigura su propia muerte.

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La Agencia de la ONU para los Refugiados –ACNUR– y el Museo Nacional de Antropología de Madrid presentan, hasta el 19 de enero, la exposición fotográfica “Mujer, todos somos una”, que consta de 37 retratos con los que el reportero gráfico Francisco Magallón ha buscado poner rostro a la realidad de miles de mujeres en todo el mundo que diariamente se enfrentan a situaciones de discriminación, desigualdad, exclusión, violencia o persecución.

De los más de 45 millones de personas refugiadas y desplazadas en el mundo, el 80% son mujeres y niños y miles de ellas sufren a diario persecución por motivos de género.

ACNUR aboga por el reconocimiento como refugiadas de las mujeres y niñas que han sufrido por estos motivos y que necesitan protección internacional.

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Desde el 25 de septiembre (desde el 28 en el caso de Manuel Saiz) y hasta el 6 de enero, el Museo Reina Sofía nos presenta las tres exposiciones que integran su nueva edición del programa Fisuras.

Bajo el título de “Poética(s) de lo inacabado”, Alejandra Riera examinará experiencias cuya densidad supera al cine pero que son acompañadas por éste. Toma como uno de los puntos de partida para su estudio gestos de retirada y de indagación en el lugar de poder del artista solo/a y de su obra, un creador a menudo empujado a valerse como “poseedor, pionero” y cada vez menos poseído, apasionado, perdido entre las cosas y los otros con quienes establece diálogo.

El peruano Gabriel Acevedo Velarde articula su propuesta en dos de los espacios expositivos más característicos del MNCARS: Espacio Uno y la Sala de Protocolo.

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La historiadora del Arte Barbara Novak planteó en 1980 la influencia del paisaje holandés del Siglo de Oro sobre la pintura norteamericana del siglo XIX: ambas escuelas, con distintos estilos y lenguajes artísticos, eligieron el paisaje como género pictórico fundamental de sus obras, convirtiéndolo en un tema independiente en el primer caso y en un medio de expresión de profundos sentimientos los segundos.

La nueva instalación de la serie “miradas cruzadas” del Museo Thyssen-Bornemisza presentará, hasta el 6 de enero, una selección de diez obras de las colecciones del centro que permitirá comparar distintas interpretaciones del paisaje de artistas holandeses como Philips Koninck, Jan Josephsz. van Goyen y Jan Jansz. van der Heyden, y americanos como William Louis Sonntag, George Henry Durrie y Albert Bierstadt, entre otros.

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La Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid ofrece desde mañana una exposición colectiva en la que participan una selección de alumnos del último curso de la Facultad de Artes y Comunicación de la Universidad Europea de Madrid.

La muestra se enmarca en la colaboración que se desarrolla desde 2004 entre la Comunidad de Madrid y esta universidad y es el fruto de una experiencia metodológica planteada por los profesores Daniel Villegas y Alberto Chinchón que se presentó en las X Jornadas Internacionales de Innovación Universitaria bajo el título “Metodología de aprendizaje autónomo” mediante la autoorganización de la exposición “Blog 13”.

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Más de mil músicos de quince ciudades de nuestro país han participado hoy en un concierto simultáneo en defensa de la continuidad de las orquestas sinfónicas españolas a propuesta de la Asociación de Músicos Profesionales de Orquestas Sinfónicas (Ampos) y la sociedad de Artistas, Intérpretes y Ejecutantes (AIE) ante “la crítica situación”, en sus palabras, de estas orquestas.

Las ciudades que se han sumado al concierto, a las siete de la tarde, son Granada, Bilbao, San Sebastián, Palma de Mallorca, Valencia, Barcelona, Pamplona, Málaga, Las Palmas de Gran Canaria, Oviedo, Madrid, Murcia, Tenerife, Badajoz y Valladolid. Se han interpretado partituras de Rossini, Mozart, Jerónimo Giménez y Luis Cobos.

El Museo Guggenheim Bilbao ha puesto en marcha una visita especialmente diseñada para que las personas con discapacidad visual puedan apreciar las obras más importantes de la colección permanente de este centro en un nuevo recorrido que completa las visitas táctiles y adaptadas a personas con este tipo de discapacidad que quieran visitar en grupo el Museo, ya existentes.

La nueva iniciativa busca ser un servicio que permita la visita individual o acompañada sin necesidad de ser concertada previamente a las personas con discapacidad visual.

La visita consiste en una audiguía, realizada en colaboración con la ONCE, que ofrece una explicación detallada del edificio y alrededores del museo y cuenta con planos en relieve de la fachada del mismo y maquetas a pequeña escala de las esculturas más conocidas.

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A diferencia de lo ocurrido con el desnudo femenino, ninguna exposición se había enfocado hasta la fecha en la puesta en perspectiva de la representación del hombre desnudo, salvo la que el Leopold Museum de Viena presentó durante el otoño del 2012, pese a que la desnudez masculina formó parte de las bases de la formación académica del siglo XVII al XIX.

Apoyándose en la riqueza de sus propios fondos y en las colecciones públicas francesas, el Musée d´ Orsay presenta desde mañana una muestra que profundiza, desde una lógica a la vez interpretativa, lúdica, sociológica y filosófica, en todas las dimensiones de la desnudez masculina en el arte de los ultimos dos siglos y en todas las técnicas: pintura, escultura, artes gráficas y fotografía, que tendrán un lugar equivalente en el recorrido.

Philip-Lorca diCorcia ha sido galardonado con la tercera edición del premio internacional de fotografía de Alcobendas por su innovación, creatividad y “especial forma de mirar” y por crear atmósferas comunes en grandes ciudades de todo el planeta.

El fotógrafo, elegido por unanimidad, sucede a Alex Webb y Cristina García Rodero, ganadores de las anteriores ediciones de este premio.

En sus trabajos, Lorca-diCorcia se sirve de la fotografía como medio ficticio capaz de crear, a partir de composiciones sencillas, realidades complejas. Sus escenarios públicos muestran siempre una aparente cotidianidad y una teatralidad que conforman ya su sello.

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Las ventas de la semana de subastas de arte asiático en Sotheby´s Nueva York finalizaron ayer y se han saldado con una recaudación de algo más de 75 millones de dólares, más del doble de lo estimado (entre 30 y 40 millones). El precio más alto lo alcanzó The Gong Fu Tie Calligraphy de Su Shi, vendida por más de ocho millones de dólares.

Las obras de Raymond Pettibon entremezclan alta y baja cultura y referencias a la literatura, el deporte, el sexo o la religión tomando como punto de partida la cultura punk-rock del sur de California en los setenta y los ochenta y la estética de portadas de discos, cómics o fanzines. En David Zwirner, el artista presenta, hasta el 26 de octubre, dibujos y collages nuevos de composiciones sorprendentes que se acompañan de textos de Proust, Faulkner, Henry James o la Biblia y que retratan, de forma fragmentada, aspectos de la sociedad estadounidense.

Desde que la producción de Pettibon comenzó a difundirse en la escena artística internacional en la década de los ochenta, sus obras se han expuesto en numerosas ocasiones tanto en Estados Unidos como a nivel internacional. En 2002 participó en la undécima edición de la Documenta de Kassel, y en 2007 en la Bienal de Venecia.

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La sala Moeller Fine Art de Berlín presenta su segunda muestra individual dedicada a Mark Tobey, una retrospectiva que estudia su producción entre 1945 y 1974 a través de 25 pinturas, acuarelas, dibujos y grabados.

Nacido en Wisconsin en 1890, Tobey se formó en la escuela del Art Institute of Chicago y en la Seattle’s Free and Creative Art School y a partir de los cuarenta inició una estrecha amistad con Lyonel Feininger. El alemán coleccionó varias obras del americano, que también podrán verse en esta exposición. En los sesenta, Tobey participó en exposiciones en el Louvre y el MoMA y también en Documenta y en la Bienal de Venecia. Desde 1960 hasta su muerte en 1976 residió en Basilea.

Desde muy joven, Tobey se sintió atraído por los pintores abstractos y su afán por la experimentación le llevó a adoptar la técnica de la caligrafía oriental para crear cuadros donde la profundidad se consigue mediante la superposición de finas líneas blancas sobre oscuros fondos. Esta forma de expresión fue llamada por él mismo escritura blanca.

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Doce dibujos recientes y realizados específicamente por Richard Serra para exponerse hasta el 12 de enero en la Courtauld Gallery de Nueva York se muestran en la sala neoyorquina desde hoy.

Se trata de trabajos muy expresivos y de apariencia inacabada.

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Tras su paso por el Palacio de Cristal de la mano del Museo Reina Sofía, Mitsuo Miura presenta en la Galería Maior de Palma de Mallorca el proyecto “Memorias imaginadas”, un conjunto de recuerdos sobre las diferentes etapas de sus experiencias de la vida cotidiana, de lo relacionado con sus trabajos y de lo que esto ha significado a lo largo de su carrera.

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“Escultura Pública” es el título del proyecto que Abigail Lazkoz presenta con motivo de su segunda exposición individual en la galería Espacio Marzana de Bilbao hasta el 8 de noviembre.

En esta muestra, Lazkoz reflexiona sobre la interacción de tres elementos recurrentes en su producción: el ser humano, la naturaleza y el artefacto. En la instalación concebida para el Espacio Marzana, la artista nos invita a pasear por un peculiar parque de esculturas en un recorrido que, en lo que respecta al tratamiento de los conceptos de monumento, memoria, ruina, contingencia y eternidad, completa cuestiones abordadas por primera vez en la instalación 130.000 años de Ultimas Tendencias que formó parte de la exposición “Chacun A Son Gout” celebrada en 2007 en el Guggenheim Bilbao.

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La Tate Modern se ha consolidado en la temporada 2012-2013 como el museo de arte moderno y contemporáneo más visitado del mundo con 5,5 millones de visitantes. Parte de la “culpa” la ha tenido su exposición de Damien Hirst, que atrajo 463.000 visitantes.

Las Tate en su conjunto recibieron en el último ejercicio 7,74 millones de visitantes y 13,6 millones de personas visitaron además su página web.

El Grupo Tate adquirió en el curso 2012-13 más de quinientas nuevas obras para su colección, con un valor de 23 millones de libras (27,4 millones de euros).