La Saatchi Gallery recaudó ayer más de 3 millones de libras (3,63 de euros) en una subasta lanzada sin precios orientativos ni mínimos garantizados. La pieza más cotizada fue To Meet My Past de Tracey Emin, adquirida por un coleccionista privado europeo por 568.000 euros, logrando así su record personal.

Rebecca Warren obtuvo otro con la venta de su serie de esculturas She por 454.000 euros, que fue adquirida por otro coleccionista europeo privado. A precios algo más asequibles se vendieron piezas de Martin Honert o Kader Attira.

Los cincuenta trabajos que salieron a la venta tuvieron comprador.

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La tercera edición del ciclo Entre mares trae desde hoy a la Fundación Laxeiro de Vigo la obra del artista gallego afincado en Valencia Juan Ortí.

Se muestra allí su proyecto “Trabajos verticales”, que supone la materialización de un trabajo de investigación que ha llevado a Ortí a una síntesis en la concepción formal de su escultura.

Compuesto por siete piezas de cerámica blanca realizadas con la técnica del modelado en torno, “Trabajos verticales” parte de las formas arquitectónicas industriales, como los silos de almacenamiento de cereal y harinas (de los que en Vigo tienen un magnífico ejemplo en el edificio de La panificadora) para realizar un proceso de eliminación de aquellos elementos superfluos, y descubrir la forma esencial de esas estructuras que, desde finales del siglo XIX, han sido un elemento identificativo del territorio en extensas zonas de la geografía española, símbolo de un modelo productivo y económico, a la vez que iconos conformadores del paisaje.

Partiendo de la arquitectura, Juan Ortí se ocupa de problemas inherentes a la problemática formal de la escultura y su relación volumétrica con el espacio: la convivencia de lo vertical/horizontal; interior/exterior; abierto/cerrado; o lo monocromo/policromo.

Jacques Audiard recibirá la Espiga de Honor de la Seminci de Valladolid el próximo 19 de octubre, día de la inauguración del festival de cine.

Audiard ya fue galardonado en la última edición de la Seminci con el Premio al Mejor Director por De óxido y hueso.

La filmografía de este cineasta ha logrado el reconocimiento de crítica y público desde su primera película, Regarde les hommes tomber (1994), protagonizada por Mathieu Kassovitz y Jean-Louis Trintignant, que consiguió el César a la Mejor Primera Película.

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El Centro de Arte Alcobendas expone, desde el 17 de octubre, un compendio de obras realizadas en los últimos cuatro años por Carlos Aires. En este período, el artista malagueño ha residido en España tras catorce años en el extranjero.

Podremos ver instalaciones, fotografías y esculturas, entre ellas la instalación de gran formato Mar Negro, realizada en Cádiz con restos de barcas y pateras abandonadas, formando un suelo que imita el parqué; Opening Night, compuesta por dos mil farolillos fabricados a partir de fotografías en blanco y negro, clasificadas como “catástrofes” en el archivo histórico de fotografía de ABC y otras piezas como Cataratas, De Natura Deorum y Réquiem.

Aires juega con la cotidianidad y ciertos tópicos ibéricos con los que construye su discurso, que gira en torno a la actualidad.

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Hasta el próximo 6 de enero, el Sigmund Freud Museum de Viena exhibe una serie de fotografías tomadas en el estudio del pintor británico por David Dawnson en las que podemos apreciar las técnicas de trabajo empleadas por el artista y también una visión intimista de su personalidad.

La muestra, organizada en colaboración con el Kunsthistorisches Museum de la capital austriaca, se completa con vídeos, documentos y objetos de Freud, algunos alusivos a su relación con su abuelo, el psicoanalista Sigmund Freud.

Dawnson, formado como pintor, trabajó como asistente del pintor y se convirtió en su íntimo amigo, una cercanía que a lo largo de quince años le permitió retratar su labor. Fue también el modelo de algunas de sus obras.

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El próximo sábado se inaugurará en Barcelona, en el número 31 de la calle Séneca, la PLOM Gallery, una galería de arte contemporáneo dirigida al público infantil. Ofrecerá obras originales y series limitadas de pintura e ilustración y su fin será defender el poder del arte como herramienta de formación y desarrollo humano en los niños.

Su primera exposición será “PLOM Gallery y los superpoderes del arte”, una colectiva que incluirá obras de Sergio Mora, BROSMIND, Miju Lee o Amaia Arrazola, entre otros.

El CAB burgalés presenta, hasta el 12 de enero, la exposición “El teatro del arte”, que reúne diecisiete obras pertenecientes a la Colección de Arte Contemporáneo Fundación la Caixa y representativas de las principales tendencias estéticas desde principios de los ochenta hasta la actualidad.

Entre ellas figuran instalaciones de Paul McCarthy, Juan Muñoz, Bruce Nauman o Allan McCollum; piezas de Muntadas, Esther Ferrer y Hans-Peter Feldmann, Carlos Pazos, Katharina Fritsch, Stefan Hablützel, Roni Horn, Jordi Colomer y Jessica Stockholder.

No faltarán tampoco trabajos de creadores que empiezan a consolidarse como Sharon Lockhart, Daniel García Andújar, Robin Rhode e Ignacio Uriarte.

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El último premio Abe Bonnema reconoce la intervención en el Rijksmuseum de Ámsterdam del equipo de arquitectos Cruz y Ortiz por “la gran calidad arquitectónica de la obra” y por dar importancia a la “elección de los materiales”.

Esta intervención ha consistido en “una puesta al día” de este edificio decimonónico, al que se le ha dotado de los adelantos técnicos necesarios para un museo actual y de los espacios adicionales con los que el centro no contaba. Además se ha potenciado su iluminación natural.

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El fotógrafo mallorquín Toni Catany murió ayer en Barcelona a causa de un infarto. En 2001 había recibido el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura y el Premi Nacional d’Arts Plàstiques de la Generalitat catalana.

Nacido en Llucmajor en 1942, vivía en la Ciudad Condal, adonde llegó en 1960 para estudiar Química y convertirse en fotógrafo freelance. Desde 1967 trabajó para La Vanguardia y la revista de viajes Destino.

Ha expuesto su obra en Francia, Suiza, Reino Unido, Italia, Grecia, Países del Magreb, Australia, Estados Unidos y Japón.

Su interés por las técnicas del siglo XIX le hicieron comprar material fotográfico antiguo y experimentar con técnicas y motivos diversos, como desnudos, paisajes, retratos y bodegones.

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El primer Director de la Fundació Tàpies (entre 1990 y 2010) y Presidente de su Patronato entre 2008 y 2011, Miquel Tàpies, ha fallecido. Contribuyó a que la Fundació Antoni Tàpies fuera una realidad y se convirtiera en lugar de referencia respecto a la conservación, estudio y divulgación de la obra del artista Antoni Tàpies, así como en un centro de referencia internacional en el mundo de el arte contemporáneo.

A partir de finales de 2011, cuando dejó la Presidencia del Patronato, continuó intensamente vinculado a la Fundació como patrón y trabajó para articular nuevas formas de compromiso con su proyecto. Contribuyó en el sostenimiento económico de la misma y en la catalogación y preservación del archivo personal de Antoni Tàpies, trabajó en iniciativas vinculadas a los nuevos públicos de la Fundación y se comprometió en el plan de mecenazgo para garantizar la existencia y viabilidad futura de este centro.

El Museo del Prado presenta, desde el 15 de octubre, la muestra “Roma en el bolsillo”, que profundizará en el proceso de aprendizaje de varios jóvenes artistas españoles pensionados por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando entre 1758 y 1764 para perfeccionar su formación en la capital italiana.

A los seis cuadernos de dibujo conservados en el Prado, obras de José del Castillo y Maella y uno posterior de Goya, se unen en la muestra otros veintitrés procedentes de instituciones nacionales e internacionales y veintidós dibujos independientes.

Dado que el contenido fundamental de la exposición son cuadernos de dibujo que sólo pueden mostrarse abiertos por una sola página, la muestra ofrece la oportunidad de acceder a la visualización del contenido completo de los cuadernos pertenecientes a la colección del Prado a través de unas tabletas que estarán a disposición del visitante gracias al acuerdo de colaboración suscrito por la pinacoteca y Samsung por el que esta compañía tecnológica se incorpora al programa de miembros corporativos del Museo en la categoría de Protector con la calidad de “colaborador tecnológico”.

Tras su paso por el Centre Pompidou y el Vitra Design Museum, recala en el Irish Museum of Modern Art. IMMA de Dublín una retrospectiva dedicada a la diseñadora irlandesa Eileen Gray que muestra reunidos por primera vez sus muebles, fotografías, maquetas y documentos en un orden cronológico que comienza con sus inicios en el Art Decó y continúa con la fase de madurez de su carrera, que coincide con su introducción en el Movimiento Moderno.

Pese a no haber alcanzado aún el reconocimiento de la popularidad, se considera que, junto a Le Corbusier o Mies van der Rohe, Gray es una de las grandes figuras del diseño del pasado s XX y que, en un panorama artístico todavía ampliamente dominado por hombres, pudo desarrollar una producción sólida a base de un extraordinario tesón. Para muchos, Gray encarna un nuevo tipo de feminidad, y también el emblema de una diseñadora total que sigue inspirando a toda una generación de artistas en campos muy amplios, desde la fotografía a los textiles o la arquitectura.

A partir de sus propios fondos y de diversos préstamos, la Walker Art Gallery de Liverpool presenta, hasta el 16 de marzo de 2014, la muestra “David Hockney: Early Reflections”, exhibición que repasa los inicios de la carrera del artista y que incluye la célebre pieza Peter Getting out of Nick’s Pool, que obtuvo en 1967 el John Moores Painting Prize.

La muestra cuenta con cuarenta piezas fechadas entre los sesenta y 1978 y da cuenta de lo recurrente de sus obsesiones: las referencias a la homosexualidad, a las cualidades reflectantes del agua y su uso constante del retrato.

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El MoMA PS1 presenta, hasta el 2 de febrero de 2014, la primera retropectiva completa de Mike Kelley desde 1993, una muestra que examina, a través de dos centenares de trabajos, la presencia en su producción de la cultura popular americana y la contra-cultura. Las obras se fechan entre 1970 y 2012 y ocupan todas las salas de este centro, que nunca había albergado una exposición de esta envergadura.

Nacido en Detroit, Kelley vivió y trabajó en Los Ángeles desde mediados de los setenta hasta su muerte el año pasado, etapa en la que ha llevado a cabo dibujos sobre papel, esculturas, performances, música, vídeo, fotografía y pinturas que exploran temas como las relaciones de clase, la sexualidad, la memoria reprimida, la religión, la trascendencia o el post-punk.

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La colección de dibujos venecianos de la Morgan Library es una de las mejores del mundo y cuenta con tres centenares de trabajos de Gianbatista Tiépolo y su hijo Domenico. Parte de ellos, junto con obras de Guardi, Canaletto o Piranesi se exponen en este centro hasta el 5 de enero para dar cuenta de la vitalidad de ese medio en aquel contexto: el del resurgimiento de Venecia como meca del mecenazgo artístico internacional.

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El primer biógrafo de John Singer Sargent dijo que vivir rodeado de sus acuarelas era como haber capturado el sol. Más de noventa de estos trabajos se exhiben desde el pasado día 13 en el Museum of Fine Arts Boston, procedentes tanto de los fondos de este centro como de la colección del Brooklyn Museum.

Las obras expuestas se fechan entre 1902 y 1911 y por su enfoque audaz y experimental alcanzaron gran éxito en Estados Unidos e Inglaterra. Fueron elaboradas en España y Portugal, Grecia, Suiza y los Alpes, zonas de Italia, Siria y Palestina.

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El Centro Cultural Lope de Vega de Puente de Vallecas muestra, del 17 de octubre al 24 de noviembre, 108 pinturas, esculturas y dibujos de los principales protagonistas de la Escuela de Vallecas, además de materiales arqueológicos, fotografías, postales, documentos y una amplia selección de textos editados tanto de los artistas que protagonizaron aquel momento creativo como de historiadores actuales que han valorado la importancia de esa aventura artística.

Todo el material procede del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Biblioteca Nacional, el Centro de Arte Dos de Mayo, el Museo de San Isidro, el Museo de Historia y varias colecciones particulares.

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El Museo Cerralbo de Madrid abrirá el 15 de octubre la muestra “Toilette. La higiene a fines del s XIX”, que rastreará el mundo del aseo personal y la cosmética fin de siècle, un momento histórico en el que la imagen personal comienza a adquirir un protagonismo ineludible.

Toilette significa en español, ya desde el siglo XIX, aseo personal, belleza y discreción o arreglo en el aspecto físico, sustituyendo a los tradicionales términos de aderezo o compostura.

El término toilette también designa, paralelamente a su progresiva aparición en los espacios domésticos, nuevas estancias como la sala de baño o el área de retrete.

El Musée Jacquemart-André de París presenta, hasta el 20 de enero, la muestra “Désirs & volupté à l’époque victorienne”, que nos invita a descubrir el lado más sensual y la celebración del culto a la belleza en la obra de Lawrence Alma-Tadema, Sir Frederic Leighton, Edward Burne-Jones o Albert Moore.

Sus trabajos pusieron el contrapunto a una etapa histórica caracterizada en lo social por su rigor moral y su puritanismo. Abundan en la exposición desnudos femeninos, representaciones del deseo y del placer, visiones de la mujer como heroína antigua o medieval o de sueños poblados de símbolos.

Las obras expuestas pertenecen a la colección privada Pérez Simón y podrán verse en la primera mitad de 2014 en el Chiostro del Bramante de Roma, y en la segunda en el Museo Thyssen-Bornemisza.

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Carme Solé fue galardonada el pasado 11 de octubre con el Premio Nacional de Ilustración correspondiente a 2013 por “ser una artista “faro” en el mundo de la ilustración del libro infantil y otros géneros”. Es la segunda vez que Solé ha sido distinguida con el Premio Nacional de Ilustración, tras haberlo recibido en 1979.

El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte concede este galardón con el fin de reconocer y distinguir el conjunto de la labor realizada por un ilustrador español en el ámbito del libro y de las letras españolas. La dotación económica de este premio es de 20.000 euros.

Carme Solé (Barcelona, 1944) estudió pintura en la Escola d’Arts i Oficis Massana, de Barcelona. Ilustró su primer libro en 1968 y, desde entonces, ha ilustrado más de 700 títulos entre álbumes y libros de texto.

En la década de los 80 comenzó a trabajar con diversas editoriales extranjeras, publicando en varios países: Reino Unido, Francia, Italia, Alemania, Estados Unidos, Canadá, Noruega, Holanda, Dinamarca, Brasil, Taiwán, Japón, etc. También ha realizado series de dibujos animados, como Víctor & María, para la compañía inglesa King Rollo Films.

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