La Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid ha anunciado que su muestra dedicada a Sybilla en la Sala de exposiciones Canal de Isabel II, titulada “El hilo invisible”, es ya la más vista en la historia de ese centro: casi 50.000 personas se acercaron a revisar la trayectoria de la diseñadora a partir de ochenta de sus conjuntos de indumentaria y de otros tantos documentos.

También la exposición de Amalia Avia “El Japón en los Ángeles” ha sido la más visitada de la Sala Alcalá 31 en una década: más de 51.000 personas se adentraron en la mayor monográfica dedicada a la artista en los últimos 25 años.

La producción de Antonio Fernández Alvira parte de dibujos que nunca traza con rapidez, sino borrando y recomenzando, sometiendo al papel a un proceso de construcción que tiene sus analogías en el de la consolidación de una personalidad artística; más adelante, hace saltar estos dibujos a las tres dimensiones, generando instalaciones que también son frutos de procedimientos lentos y que invitan a la reflexión sobre lo que era sólido, sobre la fragilidad de arquitecturas aparentemente estables y el engaño que puede subyacer tras lo que parece evidente.

Muchos de sus trabajos han tenido hasta ahora que ver, asimismo, con lo identitario: era el caso de los papeles bordados que conformaban Constructing my identity (2008-2009), de las acuarelas de la serie De valores y mentiras (2011), en relación con los clichés asociados a lo masculino, o de Soldiers (2013), un conjunto de gouaches y de composiciones en tinta sobre papel en las que presentaba soldados sin rostro pero cubiertos de insignias, en alusión a la relevancia que concedemos al poder y sus símbolos frente a la dada a nuestra personalidad. Después llegarían sus citadas instalaciones arquitectónicas y escultóricas, en las que explora la vulnerabilidad de lo que parece inexpugnable.

Desde el próximo 28 de enero, este artista oscense presentará en el Patio Sur del Centro Conde Duque de Madrid la instalación Memoria de forma, nacida de su voluntad por experimentar con las formas, con su acumulación y modelado, buscando mediante distintas acciones, y tensiones, dar lugar a nuevas obras, como recipientes derivados de un recipiente. Unidas a las estructuras arquitectónicas que las sostienen o albergan, entran en diálogo con el lugar donde se exhiben.

Las piezas que articulan este proyecto hacen referencia, además, a ausencias: las de elementos o fluidos que requieren de continentes físicos y que, cuando existen, se amoldan a la cavidad que los cobija, no dándose fuerzas de recuperación elástica como en el caso de los sólidos; lo líquido y lo blando continuamente se deforman ante cualquier presión, por suave que sea. En suma, ha querido plantear Fernández Alvira en Conde Duque un laboratorio dedicado al estudio de la noción de la ausencia de memoria de la forma y del fluir, analizando la relación entre el cuerpo-estructura-recipiente y el fluido-contenido.

Los elementos que integrarán este laboratorio remitirán a las tradicionales ánforas, vasijas, jarrones, jarras, vasos, cuencos… El autor ha estudiado sus formas y materiales a través de ejercicios de descomposición y fragmentación, trabajando con esos recipientes para su elaboración en fresco junto a un alfarero, el último de una extensa saga en un pequeño pueblo de Huesca, en la misma comarca de donde procede su familia. Apunta él mismo los paralelismos: He pretendido también trabajar con el entorno de donde provengo, y que a mí me ha ido construyendo y dado mi forma.

El poeta y artista sonoro Eduard Escoffet presenta, hasta el 11 de marzo, una doble muestra en Barcelona: se titula “Crecimiento y decrecimiento de Howard Roark” y puede visitarse en Chiquita Room (Villarroel, 25), a partir del 18 de enero, y en The Green Parrot (Vilamarí, 57), a partir del 21 de enero.

La exposición es fruto de dos años de investigación de este autor en torno a la arquitectura racionalista y el decrecimiento, y estará formada por cuatro instalaciones sonoras y una pieza gráfica, todas ellas compuestas a su vez por objetos cotidianos reformulados.

Inspirándose en el personaje ficticio de Howard Roark, protagonista de la película The Fountainhead de King Vidor (1949), un ambicioso arquitecto ambicioso que deseaba dejar huella pese a no contar con el visto bueno de su entorno, plantea Escoffet una reflexión artística y poética sobre las construcciones y sus relaciones con la vida humana y el lenguaje.

El barcelonés, que suele mezclar diferentes disciplinas con la poesía y la palabra, aborda en su producción asuntos como el cuerpo y el deseo, el texto como arquitectura, el feudalismo digital y las derivas del medio urbano. Comisarían esta exhibición Rosa Lleó, fundadora de The Green Parrot, y Laura González, fundadora de Chiquita Room.

José Lerma es un artista multimedia puertorriqueño que viene trabajando fundamentalmente en el género del retrato. Siendo sensible a las condiciones materiales y sociales de las ciudades donde ha residido, y a su contexto cultural, trata de registrar en sus obras detalles reveladores sobre su entorno.

Sus últimas pinturas, acrílicas, se caracterizan por sus particulares empastes y por su absoluto rechazo a la captación psicológica de los modelos, sin dejar de atender al pasado del retrato y a sus derivaciones históricas y políticas. Almine Rech presenta en Londres, hasta el 18 de febrero de 2023, una selección de ellas: la copiosa cantidad de pigmento cargada en cada uno de sus lienzos contrasta con el escaso número de sus pinceladas; esos empastes tan característicos transmiten dinamismo y espontaneidad y ofrecen cabezas estáticas frontal o lateralmente.

Austeros y solemnes, los rostros de perfil evocan el clasicista retrato doble del duque y la duquesa de Urbino de Piero della Francesca, pero en lugar de los diáfanos esmaltes al óleo del maestro del primer Renacimiento contemplamos aquí losas coaguladas de acrílico. Con pocos trazos y una pintura de secado rápido espesada con geles y otros materiales, las imágenes de Lerma son fruto de una cuidadosa planificación, de un proceso metódico que neutraliza la bravura de la improvisación asociada con la pincelada gestual y que explica la quietud que sugieren las piezas.

La sala parisina Priska Pasquer inicia el año haciendo dialogar la obra de Jane Benson y Genaro Strobel; la autora británica viene desarrollando instalaciones y reensemblajes con objetos encontrados, mientras el alemán elabora lecturas personales de lo real en grabados en madera que integran asimismo el uso de fotografías, pinturas y collages. Pese a las muchas lecturas posibles de estas propuestas, podemos concordar en que sus piezas desprenden el compromiso crítico de este creador con el espíritu de nuestra época.

De Strobel muestra esta galería obras monumentales y ricas en detalles que ofrecen diversas capas narrativas y que destacan por lo complejo de sus texturas. Las vetas de la madera definen sus formas, se integran en las composiciones como gesto pictórico y conviven con la tecnología láser; Benson se ha servido de ella para articular una técnica propia de creación de imágenes que aúna formas naturales y otras artificialmente concebidas. Inicia su trabajo fotografiando, registrando su entorno con la cámara; procesa esas imágenes y a continuación quema los resultados con láser, píxel a píxel, sobre paneles de madera chapada, utilizando igualmente brocha y rodillo.

La precisión de la foto es contrarrestada mediante trazos gestuales o campos de color, generando una niebla particular sobre las instantáneas. Por último, la pintura aplicada a los bloques de madera se replica, ejerciendo presión, sobre papel, generando una imagen especular.

El trabajo multidisciplinar de Benson abarca, por su parte, la escultura, el sonido, los medios digitales y los grabados. En París podemos ver piezas de su serie Everyday to Come, para las que fracturó plantas y libros falsos con el fin de volver a ensamblarlos, o del conjunto Faux Faux, donde investiga la moda de las plantas artificiales y la imitación de la naturaleza. La exhibición puede visitarse hasta el 28 de febrero.

La sala neoyorquina signs and symbols acoge su segunda individual del artista belga Benoît Platéus: “Other Percolators”. A este autor, nacido en Lieja en 1972, le interesan tanto los objetos encontrados como la transmutación de las imágenes (no solo digital), y los motivos que aparecen en sus últimas pinturas son tan diversos como los que ha encontrado en fotografías que ha tomado en la calle o encontrado en Internet: herramientas y juguetes abandonados, una porción de pizza caída al suelo, paisajes naturales.

Se siente atraído Platéus por los momentos y circunstancias inesperados que parecen ser accidentes o rarezas y por las opciones de las disciplinas artísticas para representarlos, en forma de composiciones extrañas que planteen al espectador dudas sobre su significado. Siempre trabaja con la sorpresa y la incertidumbre, buscando que no podamos definir qué motivos aparecen exactamente en una composición, a veces trastocando sus puntos de vista. Investigador de la naturaleza fluida de cualquier trabajo visual, nos demuestra que una pegatina en el escaparate de cristal de una tienda de delicatessen puede parecernos diferente según lo observemos desde el interior del establecimiento o desde fuera del cristal.

Explica el artista que, cuando pinta, intenta incorporar diferentes tipos de imágenes y puntos de vista en la forma en que desarrollo una imagen, siempre hay tres o cuatro presentes en una pintura. Me gusta que los lienzos sean “abiertos” y no se refieran a una imagen específica, sino a muchas. Pienso en una pintura como un conector, como una asociación libre. En la obra Máquina de jeroglíficos, que puede verse en signs and symbols, partió por ejemplo de la foto de una máquina de coser, pero sumó a su tela un circuito impreso y también trazos que podrían recordar a los antiguos jeroglíficos egipcios.

Todas sus pinturas, elaboradas a partir de capas, están abiertas a la interpretación libre; el espectador verá en ellas lo que quiera ver, y sus títulos humorísticos pueden funcionar como pistas en el proceso de decodificación: Geometría italiana, Palo galáctico, Flores eléctricas. A Platéus le gusta “lo que se filtra, un líquido que pasa lentamente a través de diferentes capas, la pintura como percolador, que no es el resultado de un proceso sino el proceso en sí”. Percolar es gotear a través de algo poroso, filtrarse, expandirse; sus trabajos tamizan las formas y colores de los objetos en que se basan y solo una contemplación detenida y activa revelará la imagen final.

El Observatorio de Museos de España (OME), una iniciativa del Ministerio de Cultura y Deporte destinada a contribuir a la cohesión de estos centros, acaba de renovar su página web para transmitir su actividad de manera más visual y efectiva.

Este Observatorio recopila y produce estudios e informes con los que se pretende profundizar en el conocimiento de los museos y facilitar el desarrollo de su actividad, y los desarrollan representantes técnicos de este área en las Comunidades autónomas y los Ministerios con museos adscritos, que integran un Consejo asesor del que participa la Subdirección General de Museos Estatales del Ministerio de Cultura y Deporte.

Entre los informes más recientes emitidos por el Observatorio se encuentra Los museos españoles ante la pandemia del COVID-19, elaborado a partir de respuestas aportadas por 255 instituciones, en el que se pone de manifiesto el impacto de la pandemia en el sector. Según los datos recabados, el 96% de los museos ha podido volver a abrir tras el cierre de 2020, un 66% con restricciones y, en el periodo de confinamiento, un 66% de ellos reforzó su actividad digital para mantener sus vínculos con el público. También se impulsaron las tareas de mantenimiento o mejoras en los edificios (50%), la catalogación (31%), la conservación y restauración (28 %) y la digitalización de colecciones (14%).

Con el objetivo de incentivar el regreso del público tras la reapertura, el 27% de los centros participantes optó por la entrada gratuita durante un período de tiempo, otro 6% ha dado acceso gratuito a colectivos que antes no disfrutaban de él y un 7% ha reducido el precio de la entrada. Desde que se inició el periodo de pandemia, han decaído especialmente las visitas de centros escolares (81%) y grupos turísticos (72%).

En el marco de esta iniciativa, los museos trabajan en áreas comunes, adaptándose a las particularidades de cada institución, en lo relativo a las áreas de aplicación, legislación y formación.

Mañana, 13 de enero, finaliza el plazo de inscripción al 13º Certamen Nacional de Pintura del Parlamento de La Rioja; sus bases y el formulario de registro están disponibles aquí: https://certamenpintura.parlamento-larioja.org/inscripcion.php.

Los artistas pueden presentar una única obra, original e inédita, que no haya sido premiada en ningún otro concurso; su tema y técnica serán de libre elección y las medidas estarán comprendidas entre los 100 y los 180 centímetros en todos sus lados.

La Cámara riojana destinará a los premios y la adquisición de obras escogidas hasta 35.000 euros, icifra que en esta edición ha aumentado en 5.500. 12.000 euros es el importe económico con el que está dotado el premio al ganador y se conceden 2.500 euros a un joven artista riojano; además, se ha creado un fondo de 21.000 euros para la adquisición de hasta tres obras galardonadas con la medalla de honor. También se entregarán como premios unos trofeos realizados por alumnos de tercer curso de la ESDIR.

El jurado estará formado por el pintor Antonio López García; Pedro Martínez Sierra, Catedrático de Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y Premio Rafael de Penagos de Dibujo; Silvia Lindler García, directora del Museo Würth La Rioja; Juan Manuel Bonet Planes, crítico de arte y escritor y Rosa Castellot López, galardón de las Bellas Artes y la Cultura de La Rioja 2023. Realizarán hasta el 25 de enero una selección previa de 40 obras en base a la documentación presentada por los pintores, más dos obras de reserva.

Su fallo se conocerá el fin de semana del 17 y el 18 de febrero y la entrega de premios e inauguración de la exposición temporal, con las obras seleccionadas y ganadoras, tendrá lugar el 10 de marzo. Esa muestra se podrá visitar hasta el 15 de abril.

Tras su paso por Madrid, la Fundación Juan March presenta en su sede en Palma de Mallorca la primera retrospectiva dedicada en España al artista multifacético Bruno Munari, figura muy relevante en los ámbitos del diseño y de la comunicación visual del siglo pasado.

La que es su muestra más completa hasta la fecha fuera de Italia consta de pinturas, dibujos, esculturas, proyecciones, juegos de luz, piezas de diseño gráfico e industrial, ejercicios tipográficos y escritos y libros infantiles, entre otros trabajos; en ellos buscaba el milanés la esencia del arte en el equilibrio entre el rigor y la levedad, partiendo siempre del humor.

La selección de piezas abarca desde sus primeros proyectos de diseño gráfico, asociados al futurismo, hasta sus últimas experimentaciones de los noventa.

Hasta el próximo 19 de febrero, el Museo Francisco Sobrino de Guadalajara dedica a Guillermo Lledó la muestra “Más belleza”. Inició su trayectoria en la pintura figurativa y el realismo, a fines de los sesenta, para avanzar en la senda de una escultura minimalista vinculada al arte conceptual, sin plantear una ruptura entre ambos ámbitos: le interesan sobre todo los límites de la representación.

Formado en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde fue discípulo de Antonio López, se adentró pronto en los desafíos técnicos que ofrecía la captación de lo real y se aproximó al hiperrealismo desde temáticas urbanas. La mímesis de objetos usados o industriales le llevaría a emplear esos mismos utensilios, ligeramente modificados, como autorrepresentación de sí mismos, en forma de esculturas que, sobre la pared, tenían la apariencia de pinturas, o a construirlos ex profeso imitando una realidad externa.

Paulatinamente, la atención a las cualidades lumínicas de las superficies industriales le condujo a incorporar a su imaginario mamparas, marquesinas y claraboyas que, depositadas sobre el suelo, podían evocar las piezas de Carl Andre, seriales y repetitivas.

La exhibición “Más belleza” cuenta con cuadros monocromáticos realizados con esmalte sintético sobre planchas de madera que ha pegado o atornillado sobre soportes en disposiciones regulares y ortogonales. Por su disposición sobre la pared y su formato rectangular, podemos considerarlos como tales cuadros, pero el hecho de que no estén enmarcados, sus tres dimensiones y su rotundidad los aproximan a la escultura.

Hasta el próximo 9 de abril, el Museo Patio Herreriano de Valladolid acoge la muestra “Un origen. La forja de una colección”, que analiza el contexto en el que se creó la Asociación Colección Arte Contemporáneo en 1987. Fue una época efervescente en la renovación de las prácticas artísticas en España, se desarrolló una pintura pujante que conectaba con postulados internacionales y una escultura muy rica vinculada tanto a posiciones individuales como a estrategias colectivas procedentes de áreas geográficas concretas.

En las cuatro salas de la segunda planta del centro se han reunido trabajos de una treintena de artistas cuyas propuestas, contempladas desde el hoy, resultan emblemáticas de un momento clave para comprender el arte inmediatamente posterior a la dictadura.

La exhibición forma parte de las conmemoraciones por el vigésimo aniversario de la creación del Patio Herreriano, que en 2002 abrió sus puertas al público, precisamente, con una amplia exposición de los fondos de la Colección Arte Contemporáneo.

El Museu Nacional d´Art de Catalunya ha sumado a sus colecciones cuatro fragmentos escultóricos llegados del monasterio de Sant Pere de Rodes, en el Alto Ampurdán, atribuidos al Maestro de Cabestany y su taller.

Los ha adquirido el Departamento de Cultura del MNAC por 250.000 euros en las galerías Artur Ramon Art, Palau Antiguitats y Clavell & Morgades Antiguitats y han sido examinados varias veces por los técnicos especialistas del Museu. Solo una de las piezas había sido expuesta y publicada antes; las otras tres son casi inéditas, y todas están trabajadas en mármol blanco e integraban figuras humanas y escenas historiadas datadas entre 1160 y 1163. Se trata de una cabeza, de una segunda cabeza con parte de un hombro derecho, un fragmento de la parte inferior de una figura perteneciente a una escena sobre la curación de una mujer en el Nuevo Testamento y un pequeño fragmento de indumentaria.

Estas imágenes habrían formado parte de los ciclos bíblicos que ornamentaban la portada de la Iglesia de Sant Pere de Rodes, levantada en el segundo tercio del siglo XII y destruida en el primer tercio del XIX. Ha sido atribuida unánimemente al Maestro de Cabestany, escultor anónimo equiparable por la relevancia de su obra, según los expertos, al Maestro de San Clemente de Tahull en el ámbito de la pintura; los cuatro relieves reflejan claramente la calidad técnica y la fuerza escultórica de este autor y ofrecen un ejemplo elocuente del alcance monumental de la portada citada y de su temática historiada.

El estudio de estas obras ha dado pie a nuevas investigaciones sobre el Maestro de Cabestany y sobre este templo, que serán publicadas en un libro (El Maestro de Cabestany. Chispas de mármol, 2023); albergará este volumen una nueva reconstrucción hipotética de la portada destruida y nuevas interpretaciones sobre la función y el contexto de la misma.

Hay que subrayar que el ingreso de estos fragmentos en el MNAC contribuirá a llenar el vacío existente aún en sus fondos en torno a la escultura del Maestro de Cabestany, que fue activo en Cataluña, Navarra, Rosellón, Occitania y Toscana.

EL EXPOLIO DE LA PORTADA DE SANT PERE
En el siglo XII, bajo el patrocinio de los vizcondes de Peralada, se esculpió la portalada de Sant Pere de Rodes, desaparecida por expolio. Los únicos restos que se conservan en su emplazamiento original se hallan en las dos bandas inferiores de la puerta principal: hablamos de dos fragmentos de mármol, esculpidos con motivos vegetales, animales fantásticos y cabezas humanas; el resto de la portada se dispersó y muchos de sus elementos quedaron en manos de coleccionistas.

Sin embargo, la localización de algunos fragmentos conservados o conocidos a través de fotografías ha permitido analizarla y proponer distintas reconstrucciones: las piezas muestran que se trabajó con relieves de distintos tamaños, sobre piedra y sobre mármoles romanos reutilizados. Se caracterizaba el conjunto por una abundante figuración, que representaba pasajes evangélicos con los rasgos característicos del trabajo del Maestro de Cabestany, como el uso de la técnica del taladro y de modelos romanos en la composición, que aprendería a partir de la observación de sarcófagos paleocristianos.

Esta adquisición, por cierto, llega para el MNAC casi en el año en que se celebra el milenario de la consagración de la iglesia del monasterio de Sant Pere de Rodes: tuvo lugar en octubre de 1022.