Acercar el conocimiento y la experiencia del arte minimalista a un público amplio es el propósito de la muestra “Minimal Art. Bodies in space”, que hasta el próximo 24 de abril puede visitarse en el Bucerius Kunst Forum de Hamburgo y que cuenta con trabajos tanto de las figuras americanas más relevantes del movimiento como de autores alemanes.
Recuerda la exposición las transformaciones que esta corriente trajo en los sesenta en cuanto a la concepción de la relación de la obra de arte con el espacio presupuesta hasta ese momento por la escultura de la vanguardia clásica: los minimalistas llevaron a las salas objetos que, o bien estaban realizados para zonas determinadas (esquinas, paredes) o bien para intervenir en la percepción del lugar en que se inscribían, y que podían determinar, además de la experiencia visual del espacio, su habitabilidad. Así, a veces el enclave expositivo llamaba la atención sobre sí mismo, por su extrema “neutralidad” (como la galería cubo que duplica los ortoedros minimalistas) o por el contraste que establece con las obras; en otras ocasiones, deviene fondo evidente y buscado de las piezas o entra a formar parte de las mismas y es traído a la conciencia perceptiva por ellas. Si todo trabajo artístico modifica, en mayor o menor grado, la percepción del espacio circundante, los minimalistas lo hacen intencionadamente como parte de su contenido.
En línea con esos fines, este proyecto del Bucerius busca explorar las variaciones individuales en la forma en que los espectadores perciben los objetos en el museo, entendiendo que estas obras pueden ser experimentadas y comprendidas por todo público, también sin conocimientos previos. El recorrido lo componen diecisiete piezas icónicas de Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, Sol LeWitt, Robert Morris, Imi Knoebel, Charlotte Posenenske, Gerold Miller, Frank Gerritz y Jeppe Hein y cada una de ellas dispone de un área suficiente a su alrededor para desplegar sus efectos. Proceden de colecciones alemanas públicas y privadas.
Nacido como reacción al expresionismo abstracto americano, el minimalismo albergaba en su raíz la rebelión contra cualquier forma de subjetividad, simbolismo o ilusionismo en el arte: sus artífices se valieron de un lenguaje formal reducido, de materiales novedosos fabricados industrialmente y una estética alejada de evocaciones naturales y la mayoría de ellos se iniciaron en la creación como pintores para, paulatinamente, expandir gradualmente sus prácticas hacia la tridimensionalidad, atendiendo a volúmenes, superficies, colores, formas y a esos vínculos de sus piezas con el público y con su entorno inmediato. Carentes de referencias externas, sus propuestas podían ser aprehendidas en su totalidad por cualquiera.
Comienza el recorrido con 45 Degree Swipe (1969), de Carl Andre, que consta de siete placas de acero dispuestas en el suelo formando un rectángulo alargado. Frente a una obra de arte a nuestros pies, no colgada en una pared o subida a un pedestal, los visitantes no asiduos a los museos centrados en lo contemporáneo pueden experimentar dudas sobre dónde pisar: tendrán que interactuar directamente con la pieza, eligiendo si caminar en paralelo o adentrarse en ella. El título de estas placas, por cierto, indica cómo deben situarse: en la esquina de una sala, generando segmentos de 45 grados entre sí mismas y las paredes.
La elección, individual, del modo de acercarnos físicamente a las obras será una constante: en Untitled (to Barnett Newman) four, de Dan Flavin, la luz de colores emitida por cuatro tubos fluorescentes transforma nuestra percepción del espacio y de nuestro propio cuerpo, porque esa iluminación se dirige hacia la pared pero también puede recaer en los visitantes según se acercan al objeto fluorescente.
Puede contemplarse, además, la célebre Untitled (Stacks) de Donald Judd (1991), que también atraerá a los amantes de los efectos lumínicos y los reflejos generados por el plexiglás. Diez cajas voladizas idénticas con laterales de acero inoxidable y partes superiores e inferiores de plexiglás ámbar están dispuestas una sobre otra, lo que permite que los paneles se reflejen entre sí mientras los espacios intermedios quedan sumergidos en un resplandor naranja. El espacio abierto de la sala parece fusionarse con esos elementos individuales, en cohesionada unidad. El minimalismo se despidió del ilusionismo, pero sí buscó, recordamos, la reordenación de espacios.
La pieza que cierra la muestra es la más reciente: Changing Neon Sculpture (2006), del artista danés Jeppe Hein. Parece remitir en su forma al Cube-Cube de Sol LeWitt, también expuesto en la exposición, mientras el uso de tubos fluorescentes recuerda a Flavin; sin embargo, a diferencia de los de esos autores, este proyecto transforma su apariencia segundo a segundo, a medida que los tubos de neón se iluminan generando diferentes constelaciones. Tan pronto como un espectador se acerca, sin embargo, su presentación se congela, convirtiendo al visitante en un sujeto activo: la exposición termina, así, como empezó, con una experiencia no estática, en la que la obra de arte es el centro de una experiencia, en el fondo, subjetiva.
“Minimal Art. Bodies in Space”
Alter Wall 12
Hamburgo
Del 12 de febrero al 24 de abril de 2022
