masdearte. Información de exposiciones, museos y artistas » Fuera De Menu http://masdearte.com masdearte es una revista online pionera en España. Desde el año 2000 ofrece información actualizada a diario sobre exposiciones, artistas, museos, agenda, convocatorias... Fri, 20 Oct 2017 21:11:21 +0000 es-ES hourly 1 Gaultier: lo que no se reinventa, muere http://masdearte.com/fuera-de-menu/gaultier-lo-que-se-reinventa-muere/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/gaultier-lo-que-se-reinventa-muere/#comments Fri, 20 Oct 2017 20:59:59 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=167435 ¿Vuestras abuelas decían que la moda es como un saco de patatas que, cuando se llena, se abre por el otro lado y vuelta a empezar? Gaultier les diría que sí y no: la materia … Leer más

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¿Vuestras abuelas decían que la moda es como un saco de patatas que, cuando se llena, se abre por el otro lado y vuelta a empezar? Gaultier les diría que sí y no: la materia prima permanece, pero nada obliga a cocinarla siempre igual.

Simplificando un poco, podríamos considerar hitos de su trabajo dos prendas históricas como el corsé o la falda, pero intervenidos: un corsé reinventado y la falda concebida para que la vistan hombres. A primera vista, sus mujeres encorsetadas parecen caminar en sentido contrario a la liberación estética femenina de los sesenta y los setenta, pero el diseñador, claro, no lo entendía así sino como otra liberación, postfeminista, en el campo del aspecto.

Frente a la delgadez y la imagen preadolescente que se imponían como cánones de belleza en esas décadas, Jean Paul propuso una redefinición de la feminidad inspirándose, como él mismo ha reconocido alguna vez (y por eso empezábamos como empezábamos) en el armario de su abuela materna, Marie. Allí desempolvó corsés de principios de siglo y otros de los cuarenta, con cintura de avispa, y los reelaboró para que pudieran conceder atributos femeninos a quien carecía de ellos.

Corsés de Jean Paul Gaultier en la muestra “Jean Paul Gaultier: Universo de la moda. De la calle a las estrellas”. Fundación MAPFRE, 2012

Corsés en la exposición “Jean Paul Gaultier: Universo de la moda. De la calle a las estrellas”. Fundación MAPFRE, 2012

Los encontramos desde sus inicios: en su primer desfile, correspondiente a la primavera-verano de 1977, presentó un corpiño negro con tachas, y en su célebre Le dadaisme, correspondiente a la primavera-verano de 1983, asoció esta prenda a los tótems primitivos africanos y a la fertilidad que simbolizaban. Llamó así la atención de la camaleona Cindy Sherman, que se fotografió con un mono-pantalón-corsé de Gaultier, y de muchas cantantes que llevaron su ropa interior sobre los escenarios: Madonna, pero también Catherine Ringer, Arielle Dombasle o Kylie Minogue.

Quizá el hecho de haberse criado en un entorno de mujeres fuertes le ayudó a reinterpretar desde la ironía los signos de reclusión del cuerpo de la mujer. Si los miriñaques lo aprisionaban en el s XIX, él, en 1989, diseño estrechísimos vestidos de satén que impedían a las modelos caminar con normalidad. Y su primer perfume, llamado Classique por sus ecos al pasado, tuvo forma, de nuevo, de corsé.

Pero hay más: dado que, también en el s XIX, esa prenda se utilizaba para disimular las primeras redondeces del embarazo, él lo empleó, en 2000, para subrayar la plenitud de las embarazadas modernas.

Los ambientes de las películas publicitarias que Jean-Baptiste Mondino creaba para sus perfumes, desarrollando conceptos que escogía el modisto, hacían hincapié en las oposiciones estilísticas entre hombre y mujer y proporcionaban una visión elocuente de cómo Gaultier entendía esa dualidad. En estos vídeos, hombres y mujeres por igual seducen o se dejan seducir y toman o abandonan, alternativamente, el poder. Desde esa perspectiva, el corsé, lejos de ser un instrumento de tortura que aprisiona la anatomía femenina, encarna el poderío contemporáneo de la mujer; el modisto lo entiende, además, como contrapunto de la chaqueta masculina, descendiente lejana, en su opinión, de la armadura medieval.

“Creador inconformista busca modelos atípicas; caras raras no abstenerse”

Respecto a la falda masculina, la primera que el francés diseñó estaba construida como un pantalón: con perneras amplias cubiertas por un faldón en la parte delantera. Se asemejaba a los mandiles que los camareros llevan en muchas brasseries de París.

En realidad, antes de Gaultier (y de Montesinos), y fuera de Escocia, algunos hombres han vestido faldas a lo largo de la historia, como los samurais. El modisto cree que no hay tejidos más apropiados para uno u otro sexo, como muchas prendas tampoco lo son. En sus desfiles es frecuente ver a hombres fornidos llevando faldas con calcetines y botas contundentes, muy lejos del travestismo.

Faldas masculinas en la exposición “Jean Paul Gaultier: Universo de la moda. De la calle a las estrellas”. Fundación MAPFRE, 2012.

Faldas masculinas en la exposición “Jean Paul Gaultier: Universo de la moda. De la calle a las estrellas”. Fundación MAPFRE, 2012.

Su mensaje era, en realidad, muy universal: invitaba a vestir con autenticidad, a atreverse a ser uno mismo al margen de etiquetas, incluidas las de género.

Por eso a la delgadez opuso sensualidad, frente a modelos diáfanas y parecidas entre ellas, opta por subrayar las diferencias y organiza castings abiertos que completan la selección de las agencias. En alguna ocasión, incluso, ha publicado anuncios por palabras como este de Libération: Creador inconformista busca modelos atípicas; caras raras no abstenerse.

Maneja Gaultier un enfoque iconoclasta de la moda, determinante en toda su actividad creadora. Para su primera colección, la del 77 de la que hemos hablado, hizo una recuperación kitsch de manteles individuales de punto de cruz o de rafia y los convirtió en chalecos, paliando con imaginación la falta de medios del principiante. Era la prueba de que, ya desde que empezaba, no quiso hacerse un hueco en la pirámide de los grandes modistos recurriendo ni a las convenciones ni al éxito seguro: apostó por subrayar su individualidad, la misma que busca en sus modelos, y por la irreverencia.

Le gusta lo extraño, la anticipación, la ciencia ficción, los cómics y los materiales experimentales. Y es hijo de la televisión.

 

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Billy Wilder, hombre orquesta http://masdearte.com/fuera-de-menu/billy-wilder-hombre-orquesta/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/billy-wilder-hombre-orquesta/#comments Fri, 13 Oct 2017 20:46:42 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=167154 Dicen que no encajo en este mundo. Francamente, considero esos comentarios un halago. ¿Quién diablos quiere encajar en estos tiempos? Pensad en una película menor de Billy Wilder, en alguna de sus obras que fuera … Leer más

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Billy Wilder junto a Gloria Swanson

Billy Wilder junto a Gloria Swanson

Dicen que no encajo en este mundo. Francamente, considero esos comentarios un halago. ¿Quién diablos quiere encajar en estos tiempos?

Pensad en una película menor de Billy Wilder, en alguna de sus obras que fuera un fracaso. Va a ser complicado que deis con alguna, y no porque el director trabajara en un único género hasta dominarlo: su virtuosismo en la comedia fue equiparable al que manejó en el suspense y el drama, de forma completamente fluida y natural.

Nacido en 1906 en Viena, en una familia judía que padeció la crueldad nazi (su madre fue asesinada en Auschwitz), se formó hasta los 19 años en un colegio para muchachos con problemas. Lo abandonó para trabajar como periodista, aún en Viena, y más tarde se marchó a Berlín, donde desarrolló diversos oficios pero destacó con reportajes periodísticos que le permitieron trabajar junto a Robert Siodmak como guionista.

Fue ayudante de dirección de Edgar G. Ulmer, ayudante de cámara de Zinnemann y escribió numerosos guiones, algunos como negro. El ascenso de Hitler le condujo primero a París y después a Estados Unidos, donde tuvo éxito como guionista en las comedias de Lubitsch, Howard Hawks y Leisen: podemos decir que él éxito de Wilder fue fruto del trabajo y la constancia, además de de su genio.

Fue en los cuarenta cuando inició su etapa dorada como director-guionista, cultivando una filmografía coherente y variada a la vez que podemos estructurar en dos ciclos: dramas realistas de tintes negros que revisan, desde una perspectiva crítica, ciertos aspectos del espectáculo o el periodismo, o abordan el asunto del falso culpable; y las grandes comedias de humor cínico y ácido. En realidad, es complicado dividir sus filmes en estos grupos porque unos y otros tienen muchos puntos en común y una común ternura de fondo, también sabiduría y humor.

Podríamos situar en el primer grupo a Perdición, exquisito cine negro; Días sin huella, alegato contra el alcoholismo; El crepúsculo de los dioses, que no necesita presentación pero de ella ahora hablaremos; El gran carnaval, una crítica al periodismo sensacionalista, y a Testigo de cargo, un drama.

Lo más importante es tener un buen guion. Los cineastas no son alquimistas; no se puede convertir un excremento de gallina en chocolate

Y si estas son obras maestras, quién osaría considerar otra cosa a sus comedias: Berlín Occidente, Con faldas y a lo loco, El apartamento (esta a medio camino entre el drama y la comedia, abordando los deseos de ascenso social del americano medio), Uno dos, tres, sobre la complicada relación entre Berlín Este y Oeste y la incipiente americanización de Europa; la tierna visión de los humildes de Irma la dulce y En bandeja de plata, su particular reflexión sobre los deseos de enriquecimiento de una sociedad en la que la moral pasa a un segundo plano.

Dentro de este mismo ciclo, el de sus grandes comedias, manejó una gran variedad tanto en la temática como en su tratamiento: Sabrina es una comedia romántica, La vida privada de Sherlock Holmes, una parodia alocada; y Primera plana, una conjunción muy lograda de crítica social y humor negro.

Y, a pesar de esta sucesión de genialidades, o justo por ser capaz de ellas, Wilder era humilde y achacó el éxito de su cine a los guiones: Lo más importante es tener un buen guion. Los cineastas no son alquimistas; no se puede convertir un excremento de gallina en chocolate.

Para conocer bien a Billy hay que leer el libro de Cameron Crowe, bien fácil de encontrar, Conversaciones con Billy Wilder. No estaría nada mal que alguien filmara con él un documental similar a “Hitchcock Truffaut”, aunque a Wilder no le gustaría demasiado la comparación: lo admiraba pero tenía la sensación de que rodaba siempre la misma película.

Nos adentramos ahora en uno de sus dramas y una de sus comedias:

ERA UNA ESTRELLA. Y GRANDE. PERO EL CINE YA NO LO ES

En El crepúsculo de los dioses, un muerto (William Holden como el guionista fracasado Joe Gillis) cuenta su historia: conocer a una ex diva del cine (Gloria Swanson como Norma Desmond)  le ha costado la vida. La primera escena de la película seguramente es una de las más turbadoras de la historia del cine: él flota boca abajo en la piscina de la actriz despechada.

Wilder, en realidad, había pensado rodar una conversación entre muertos en una morgue, pero dicen que en los pases previos había más carcajadas que atención, así que cambió de idea, porque no pretendía recurrir al humor negro sino difuminar la frontera entre el mundo de los vivos y el de los muertos. Quizá, en parte, lo logró, porque algo tenía la mansión de la Desmond de casa de muertos vivientes.

Ella prepara al principio el entierro de un mono, probable anticipo del destino de Gillis. En su casoplón vetusto, idea un mundo imaginario junto a su fidelísimo mayordomo, un mundo en el que aún tiene el mundo a sus pies; y trabaja obsesivamente en un guion que la convertirá en Salomé.

Ese glamour marchito que a Gillis le da de comer le produce tanta fascinación como asco, y ni siquiera la relación que mantiene con una empleada de la Paramount le salva de esa decadencia intelectual y moral en la que, por interés, se mantiene. Cuando por fin decide escapar, la diva celosa lo asesina.

La casa de la actriz, que inspiró y maravilló a Lynch, simboliza el mundo en el que creemos vivir y en el que permanecemos prisioneros; esta película es un canto al poder destructivo del autoengaño. También recuerda, a modo de advertencia, el trato que Hollywood concede a sus ídolos caídos: no es casual que Erich von Stroheim y la Swanson se interpreten a sí mismos.

 

SIEMPRE ME TOCA LA PEOR PARTE

En el Chicago de 1929, Jerry y Joe (Lemmon y Curtis) son un par de músicos frustrados envueltos en peleas de gánsteres. Huyendo de sus perseguidores, suben a un tren rumbo a Florida disfrazados de miembros de una orquesta femenina y cada uno continúa la farsa de forma distinta.

Joe (ahora Josephine) se enamora de Sugar Kane (Marilyn Monroe), infeliz cantante de ukelele, y busca cómo deshacerse de su disfraz, pero Jerry (Daphne) está a gusto en su nuevo rol, porque encuentra a un admirador entregado y rico. Aunque también se enamora de Sugar.

Con faldas y a lo loco es mucho más que una comedia de travestidos: es un homenaje a los primeros años del cine, a las pelis de gánsteres, las comedias locas de los cuarenta y el slapstick de los Marx. El cóctel de referencias se llena de chispa y carcajada agridulce, porque Wilder está hablando de sexo.

Quien la ve en la infancia y la ve décadas después, no ve la misma película: los diálogos están cargados de alusiones más o menos obscenas al amor libre, la impotencia o la homosexualidad, incluso los aparentemente más cándidos. Nos encontramos también ante un continuo juego de opuestos: la vida y la muerte, el sexo y el dinero, la realidad y la apariencia, los hombres y las mujeres, los gánsteres y los músicos. En ellos se basa la comicidad.

Los disfraces de los protagonistas mueven a la risa, pero en el fondo, son herramientas de supervivencia, porque comparten hotel con los gánsteres que van tras ellos.

Sabemos que la búsqueda de la última línea del guion (Nadie es perfecto) fue tan intrincada como las pruebas de vestuario, y a Curtis y al director, el rodar con Marilyn les dio temas de conservación para varios años, porque ella o no se presentaba o necesitaba cuarenta tomas para preguntar dónde está el coñac. Entretanto, Curtis y Lemmon esperaban con los tacones puestos.

 

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Morir y respirar http://masdearte.com/fuera-de-menu/morir-fernando-franco/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/morir-fernando-franco/#comments Mon, 09 Oct 2017 21:45:17 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=166932 Solo ha dirigido hasta ahora dos películas, pero mucho nos sorprendería Fernando Franco si la tercera fuera una comedia pura o un filme que tocara temas sentimentales desde el enfoque de la dulzura. En Morir … Leer más

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Morir, Fernando FrancoSolo ha dirigido hasta ahora dos películas, pero mucho nos sorprendería Fernando Franco si la tercera fuera una comedia pura o un filme que tocara temas sentimentales desde el enfoque de la dulzura. En Morir repite actores respecto a La herida (Marián Álvarez y Andrés Gertrudix) y también clima emocional, porque ambas hablan de la enfermedad –mental en un caso y física en el otro– y del papel confuso, complicado y poco reconocido, en la intimidad y en lo público, de quienes acompañan a quienes la padecen. Lo hace con voluntad de realismo, pero no de drama.

Álvarez y Gertrudix dan vida a una pareja joven, bien avenida y aparentemente feliz, que se ve sacudida por la enfermedad terminal de él. Va a morir, ambos lo saben, y desde el momento del golpe que supone la noticia, su relación asentada se va resquebrajando, muy poco a poco, primero en forma de desavenencias dominables, de mentiras contadas para ganar momentos de soledad, y luego en forma de hostilidad y celos, naturales y antinaturales: porque no habrían llegado de no estar la muerte rondando y porque, seguramente, no hay muchos que mantienen el carácter templado, o simplemente la personalidad que solían mantener en vida, siendo conscientes de que están en tiempo de descuento. En el caso de Luis, el personaje interpretado por Gertrudix, el cambio lo hace posesivo, malhumorado, un vampiro emocional.

Muchos cuidadores de enfermos terminales podrán verse, por eso, reconocidos en el personaje de Marta, por su entrega altruista a cambio, no ya de agradecimiento, sino ni siquiera de respeto. Vivir esas circunstancias y comprender que el enfermo con quien tratas no es ya la persona con quien trataste, no del todo, es un proceso largo y triste al que pone cara Marián Álvarez, prácticamente durante toda la película y con la solidez que ya mostró en La herida. Ella vive un calvario paralelo al de él, y su infelicidad, sus esfuerzos por mantenerse entera ante los desprecios de Luis, forman parte de su acompañamiento, de su fidelidad.

No obstante, el eje de la película no es tanto la evolución triste de su relación de pareja como la reacción propia y de los seres queridos ante la muerte, un asunto un tanto dejado a un lado en el cine actual, y quizá aún más en el español.

La austeridad en Morir –título perfectamente elegido, dejando al margen criterios comerciales– está en los paisajes del norte y los cielos nublados y también en los diálogos justos, porque las muchas emociones de los protagonistas van, sobre todo, por dentro y se encuentran en constante evolución, compleja y desgarrada. Todo es sencillo por fuera y dificilísimo por dentro.

Morir, Fernando Franco

 

 

 

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Clarissa, así empieza lo malo http://masdearte.com/fuera-de-menu/clarissa-stefan-zweig/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/clarissa-stefan-zweig/#comments Tue, 03 Oct 2017 21:39:21 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=166715 Amo a la gente pequeña, a los no ambiciosos, a los que no hacen ruido, a los comedidos; son los justos y los fuertes sobre los cuales, según la Biblia, se erige el mundo. La … Leer más

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Stefan Zweig. ClarissaAmo a la gente pequeña, a los no ambiciosos, a los que no hacen ruido, a los comedidos; son los justos y los fuertes sobre los cuales, según la Biblia, se erige el mundo.

La última novela de Stefan Zweig en ser publicada en español por Acantilado, la editorial que aquí nos está ofreciendo la mayoría de sus novelas y ensayos, tiene nombre de mujer: Clarissa. Y si sois lectores habituales del austriaco y admiráis su capacidad de dar palabras escasas a la intimidad y a las emociones, no os vais a llevar con ella sorpresas y sí vais a encontrar algo parecido a un compendio de su legado, en cuanto a temas, manera de contar y visión de las personas, y de nuestra suerte: ni optimista ni escéptica, ni absurdamente feliz ni lacrimógenamente desgraciada. Más bien humanista, desapasionada y bien cargada de matices, porque si algo no maneja Zweig es el trazo grueso.

Clarissa es la protagonista única de la novela, por lo demás poblada de hombres con la excepción casi única de una peculiar compañera de internado cuya descripción psicológica es un filón. Hablamos (refiriéndonos a Clarissa) de la hija de un militar estricto, padre ausente, que es huérfana de madre y que hace frente, básicamente sola, a las vicisitudes que le va trayendo la vida. Su personalidad no es débil sino bien definida, ella es honesta, responsable y sosegada, pero ya antes de terminar la novela (breve, no llega a 200 páginas) manejamos la sensación inquietante y familiar, o inquietante por familiar, de que su vida, su paso de la infancia a la madurez, se va tejiendo a golpe de acontecimientos externos más que de decisiones propias, y no porque sea su deseo consciente que las olas le traigan y le lleven y no le obliguen el camino a elegir, sino porque ese es el juego inevitable de su vida.

La ausencia de su madre y la frialdad paterna marcan su carácter, tranquilo y sin concesiones a diversiones vacías. Cuando conoce algo parecido a la alegría durante su relación con un socialista francés, la ruptura entre dos Europas y la irrupción de la I Guerra Mundial –que Zweig narra muy bien, dejando claro que al principio las guerras nadie se las cree y todos piensan que no será para tanto– separan a los dos amantes, convirtiéndolos, ya no en novios separados, sino en enemigos a ojos del resto. Y para redondear el círculo, Clarissa descubre su embarazo, un niño en camino que en aquel contexto histórico y ético le supone un enorme dilema.

Ella trata de solventar la situación de la forma más honesta posible pensando en su padre y en el crío, porque, como veréis, piensa poco en ella, y ese tratar de actuar de la mejor manera, de la que no dañe a nadie, acaba involucrándola en situaciones verdaderamente comprometidas, y en una tragedia puede que mayor que las anteriores: la que no hace mucho ruido y no parece acabar nunca. O no termina, realmente, nunca; no lo sabemos pero lo intuimos. Es la tragedia de las vidas marcadas por una tristeza que ya no tiene remedio, porque se ha ido instalando durante demasiados años y contra el tiempo no se puede luchar. Por eso el desenlace breve y claro del libro: 1921-1930. Para Clarissa, fueron unos años muertos. Solo tenía al niño.

Su historia es la de quienes constantemente intentan hacer las cosas bien, y en ese afán terminan saliéndoles muchas cosas, o casi todas, mal; la de quienes por agradar a los demás cada día, van acabando consigo mismos paso a paso.

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Sugerencias de temporada: 10 propuestas para el mes de octubre http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-octubre/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-octubre/#comments Sun, 01 Oct 2017 20:48:36 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=166620   1. MADRID GRÁFICA 17 Bajo el lema La Ciudad Ligera, la primera edición de Madrid Gráfica (que nace con la idea de celebrarse cada año en otoño) aborda el tema de la movilidad. Pretende … Leer más

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1. MADRID GRÁFICA 17

Bajo el lema La Ciudad Ligera, la primera edición de Madrid Gráfica (que nace con la idea de celebrarse cada año en otoño) aborda el tema de la movilidad. Pretende ser un gran evento internacional de diseño gráfico, con 14 exposiciones simultáneas y gran presencia de carteles en la calle, organizado por Dimad y el Ayuntamiento de Madrid. En este enlace puedes consultar el plano de la ciudad con los centros que acogen las diferentes exposiciones y toda la información sobre el evento está disponible a través de su web:

www.madridgrafica.org

 

2. ALFOMBRAS ORIGINALES

La artista, antes deportista de élite, Gloria Estefanell está desarrollando un nuevo concepto de “alfombra”, que es en realidad una intervención directa sobre los suelos, generalmente de cemento o piedra. Para ello emplea pinturas de exterior de gran durabilidad con las que crea motivos que se repiten de forma sistemática y obsesivamente ordenada. Tras realizar los diseños en papel o a través de montajes fotográficos, la artista los traslada a la superficie del suelo, y ya está pensando en hacerlo también sobre otros materiales, tanto en paredes como en encimeras de piedra y sintéticas o paneles cerámicos, pero siempre en grandes formatos. El pasado mes de mayo pudimos ver en la Galería Materna y Herencia de Madrid su sugerente serie Snow, con el esquí como protagonista.

 

3. MORIR

Esta semana llega a los cines Morir, la última película de Fernando Franco (su segundo largo), en el que vuelve a contar con Marian Álvarez para el papel protagonista, acompañada por Andrés Gertrúdix. La historia, basada en la novela homónima de Arthur Schnitzler, cuenta la historia de una pareja, cuyo amor y vida en común debe hacer frente a una dura prueba. Algunos recordaréis a Fernando Franco por su primer film, La herida, con la que cosechó muy buenas críticas y algunos premios. Si os apetece asistir al estreno en Madrid de Morir, permaneced atentos a los perfiles de masdearte en Facebook y Twitter, que en breve os diremos cómo conseguir una entrada doble.

 

 

4. INNOVACIÓN B&O PLAY

B&O PLAY lanza los primeros auriculares de la marca completamente inalámbricos: Beoplay E8. Diseñados por Jakob Wagner (1963), uno de los diseñadores más famosos de Escandinavia, se caracterizan por su sencillez y calidad y proporcionan una experiencia acústica en movimiento inigualable. Resistentes al polvo y a las salpicaduras, estos auriculares se cargan en su propia funda y además al tener todo controlado mediante la intuitiva interfaz táctil de los auriculares, no es necesario sacar el smartphone del bolsillo. El equilibrio perfecto entre tamaño, ergonomía y calidad del sonido.

www.beoplay.com

 

5. UTOPIAMARKETS

Dar visibilidad a jóvenes creadores del área de Barcelona era el objetivo de Montse Abbad, Quique Camín y Oscar Vallés cuando se plantearon la creación de UtopiaMarkets, un proyecto sin ánimo de lucro que comenzó centrado en la fotografía, pero al que ya han sumado poesía e ilustración. Precisamente, sobre esta última disciplina será el próximo que tenga lugar en su espacio del Poblenou, durante el fin de semana del 20, 21 y 22 de octubre, y contará con la participación de unos setenta ilustradores, que venderán su obra directamente al público. Entre ellos encontramos nombres como los de Miguel Gallardo, Clàudia Vives-Fierro, Javier Mariscal, Karin Du Croo, Meritxell Durán, Flavita Banana, Raquel Díaz Reguera, Laia Arqueros, Pablo Caracol, Arianne Faber, Celeste Ciafarone, Àfrica Fanlo, Dalmaus, Ilich Roimeser, Elsy Sánchez, Carmen Segovia, Luisa Vera, Pol Montserrat, Josep Gómez-Guixà, Laura Klamburg, Javirroyo o Jean Claude Bouthier.

www.utopiamarkets.com

 

6. FESTIVAL FLORA

FLORA Festival Internacional de las Flores celebrará su primera edición entre el 20 y el 29 de octubre de 2017 en Córdoba. Allí, ocho artistas florales de reconocido prestigio internacional transformarán ocho patios en fascinantes espacios ubicados en edificios representativos de Córdoba. Estas instalaciones florales efímeras serán valoradas por un jurado que entregará tres premios, dotados con 60 000, 40 000 y 20 000 euros respectivamente. Puedes consultar los nombres y trayectorias de los participantes y toda la programación del festival en su web:

festivalflora.com

 

7. ANA FRANK EN VIÑETAS

La Fundación Anne Frank ha decidido llevar el famoso y estremecedor diario a todo tipo de público y para ello lo ha convertido en novela gráfica, primero, de la que hará luego una versión para la gran pantalla. El encargo se lo han asignado al cineasta Ari Folman y al ilustrador David Polonsky, que ya trabajaron juntos en 2008 en el filme de animación documental Vals con Bashir (merecedor de un Globo de Oro y un premio César y nominado a los Óscar en ese mismo año). El cómic verá la luz este mes, publicado por Penguin Random House, y trata de aportar una nueva dimensión a los diarios personales escritos por Ana Frank durante los dos años en los que permaneció escondida de los nazis.

 

8. PLAYBACK. 30 AÑOS DE BRIAN WILSON

Brian Wilson, líder de The Beach Boys, sigue al pie de cañón aunque ahora haya decidido mirar para atrás y reunir en un nuevo álbum una antología de 18 temas que resumen, de alguna manera, más de 30 años de trayectoria musical. En el disco, que lleva por título Playback. Thy Brian Wilson Anthology, se incluye algún tema inédito, versiones en vivo y otras de estudio, acompañados de fotografías clásicas de su faceta en solitario.

www.brianwilson.com

 

9. DEL CIRCO AL CEMENTERIO

Hasta el 26 de noviembre se puede participar en las visitas performativas organizadas por German de la Riva e Itsaso Iribarren al Cementerio británico de Madrid. Allí están enterrados William Parish, director del Teatro Circo Price entre 1880 y 1916, y su esposa Matilde de Fassi, y ahora el Price –con motivo del centenario del fallecimiento de Parish–, nos propone esta experiencia escénica en un entorno de otra época, en un singular jardín, para conocer la vida de este empresario inglés afincado en España, su relación con el circo y con la ciudad de Madrid.

www.teatrocircoprice.es

 

10. FELLINI. SUEÑO Y DISEÑO

Desde el 10 de octubre, y hasta el mes de enero, el Círculo de Bellas Artes de Madrid dedica una nueva mirada a la figura del cineasta Federico Fellini (Rimini, 1920 – Roma, 1993) para la que es necesario sumergirse en sus sueños y en sus dibujos, tan presentes hasta el final en su trabajo. En esta muestra, de carácter documental, se mostrarán fotografías de rodaje, dibujos originales, proyecciones y material inédito en torno al guionista y director, todo a través de un hilo conductor atravesado por lo onírico, lo erótico y su obsesión por el dibujo.

www.circulobellasartes.com

 

 

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A war, guerras de lejos y de cerca http://masdearte.com/fuera-de-menu/war-guerras-de-lejos-y-de-cerca/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/war-guerras-de-lejos-y-de-cerca/#comments Fri, 29 Sep 2017 23:01:42 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=166612 Quizá por no ser un país demasiado proclive a las guerras, no son muy frecuentes los ejemplos de cine bélico danés, pero el año pasado fueron dos las películas con distintas contiendas de fondo que … Leer más

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A war. Tobias Lindholm Quizá por no ser un país demasiado proclive a las guerras, no son muy frecuentes los ejemplos de cine bélico danés, pero el año pasado fueron dos las películas con distintas contiendas de fondo que llegaron a los festivales de cine desde allí, las dos tendentes a mostrar la complejidad y los grises de sus protagonistas: Land of mine y A war. La segunda, dirigida por Tobias Lindholm y nominada a Mejor Película de Habla No Inglesa en la última edición de los Óscar, llegó la semana pasada a cines y seduce como solo lo hace el cine que nos coloca ante dilemas morales en los que no hay opción buena y ante héroes caídos intrínsecamente honestos y empáticos y enfrentados a contextos que ponen a prueba su virtud.

Rodada con un tono cercano al del documental y de constante mesura, A War propone una visión coral de la experiencia de la guerra. Se refiere a la de Afganistán, lo que nos acerca en el tiempo a la narración y sus actores, pero los debates morales y los problemas a los que se enfrentan sus personajes, en primera línea, en la retaguardia o esperando a su soldado en el hogar, son seguramente comunes a los de cualquier conflicto.

La originalidad de A War consiste en alternar el relato del comandante, formal y comprensivo, trasladado a Afganistán para, ante todo, garantizar la seguridad de los civiles; el de sus compañeros de rango inferior, jóvenes hasta entonces ajenos a la violencia y vencidos por la ansiedad y la visión de la sangre; y el de su familia (mujer y tres hijos pequeños) en Dinamarca, esperando llamadas que no siempre llegan y haciendo frente -ella, en soledad- al cuidado de unos niños no siempre fáciles cuya añoranza del padre se manifiesta, a veces, como hostilidad al mundo.

Pero el climax de la película llega cuando, en un incidente de guerra común, un enfrentamiento a un grupo de talibanes que acaba de asesinar a una familia, este comandante pide, en defensa de los suyos y cumpliendo el instinto primario de supervivencia, el ataque aéreo a una zona civil, ataque que causa once víctimas, niños incluidos. Esa decisión rápida, tomada desde el deseo de proteger a un soldado herido especialmente débil y desde la pulsión de no morir, le enfrenta a un juicio, en su país, en el que tiene que decidir entre decir la verdad e ir a la cárcel, separándose nuevamente de sus niños, estos sí vivos, o mentir afirmando que identificó al enemigo antes de ordenar el bombardeo, y salvarse y a la vez salvarlos. Libra entonces una nueva batalla consigo mismo, debiendo elegir entre sinceridad y conveniencia, y después otra más en un juicio en el que se ha de absolver o condenar ese impulso primario de sobrevivir y de salvar al compañero.

Pero, y aquí llega seguramente uno de los mayores aciertos de Lindholm, absuelto o culpable por la justicia, el comandante, que no es de los que tienden a la autocomplacencia por más que otros los salven, tendrá que emprender después del juicio el camino para absolverse o no a sí mismo: no podrá evitar acordarse de los pies de niños afganos sin vida al contemplar los de uno de sus hijos dormido y pensará en el escenario hostil que dejó atrás forzosamente cuando oiga una sirena. No sabemos si la absolución finalmente llega.

 

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Il divino Claudio. Lo que le debemos a Monteverdi http://masdearte.com/fuera-de-menu/il-divino-claudio-lo-que-le-debemos-monteverdi/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/il-divino-claudio-lo-que-le-debemos-monteverdi/#comments Tue, 26 Sep 2017 21:37:25 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=166414 Seguro que se os ocurren ejemplos en los que no sea el autor de una idea, sino la persona que la lleva a su máximo potencial conocido, quien se lleva el gato al agua de … Leer más

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Bernardo Strozzi. Monteverdi

Bernardo Strozzi. Monteverdi

Seguro que se os ocurren ejemplos en los que no sea el autor de una idea, sino la persona que la lleva a su máximo potencial conocido, quien se lleva el gato al agua de la gloria. Así ocurrió con la ópera y Monteverdi, al que consideramos su primer gran compositor, en lugar de a Peri o a Caccini.

Vivió entre 1567 y 1643 (celebramos 450 años de su nacimiento) y fue el compositor más imaginativo e innovador de su tiempo; a él le debemos piezas vocales y dramáticas, incluidas obras sacras y madrigales, en las que la música se adecúa con perfección al texto. Desarrolló una gran inventiva al crear técnicas expresivas y combinar estilos y géneros, también reproduciendo sentimientos y caracteres musicalmente.

Nacido en Cremona, se formó al calor de su catedral y pronto demostró ser un prodigio componiendo, tan pronto que a los dieciséis publicó dos volúmenes de música sacra, a los diecisiete una colección de canzonettas y, con apenas veinte, otra de madrigales.
En 1590, cuando ya era un consumado intérprete de viola, entró al servicio del entonces duque de Mantua, Vincenzo Gonzaga, que le contrató como maestro de música de la capilla ducal. Ese fue el lugar de su crecimiento artístico y personal: dos años después contrajo matrimonio con la cantante de la corte Claudia Cattaneo.

Sus cinco primeros madrigales, publicados entre 1587 y 1605, muestran, además de su dominio del género, su evolución desde el estilo tardorrenacentista de sus inicios a un nuevo lenguaje más expresivo, marcado por disonancias no preparadas, melodías declamadas y ornamentos que ahora se marcan en la partitura (antes se improvisaban).

Fueron los Gonzaga quienes le encargaron sus primeras óperas: Orfeo (1607) y L’Arianna (1608). De esta última solo se conserva un fragmento, el Lamento. Llevó a la ópera, en los dos casos, su experiencia como compositor de madrigales: los suyos eran célebres por la expresiva musicalización del texto. Utilizó además, en ellas, un grupo más amplio de instrumentos que los manejados hasta entonces: flautas, trompetas, trombones, cuerdas, arpa doble… incluso un realejo evocador del averno en Orfeo.

En esa ópera, el compositor siguió a Peri al utilizar distintas clases de monodia. Su prólogo es un aria estrófica con ritornello para la que escribió enteramente cada estrofa, modificando la melodía y duración de cada armonía para reflejar la acentuación y el significado del texto (según el procedimiento llamado variación estrófica). Ese mismo procedimiento lo utilizó en la pieza central, el aria de Orfeo del acto III, Possente spirto, donde incluyó en la partitura publicada una ornamentación florida en las cuatro primeras estrofas. Su recitativo se desplaza de lo narrativo a la plena cantabilidad.

Además de la monodia, Monteverdi incluyó numerosos dúos y danzas, también madrigales y ballettos: un abanico de estilos en contraste para reflejar los diversos estados de ánimo del drama. Los ritornelos y coros contribuyen a organizar las escenas en esquemas de una formalidad casi ceremoniosa.

Ya en Cremona demostró ser un prodigio componiendo: a los dieciséis publicó dos volúmenes de música sacra

Entre los estrenos de Orfeo y L´Arianna, su esposa falleció, quedando Monteverdi al cuidado de tres hijos pequeños. Sufrió una crisis nerviosa y posteriormente se quejaría al duque, con amargura, de haber sido maltratado. Se le compensó con un generoso aumento de sueldo y una pensión anual, en 1609. Le funcionó llorar, pero no le bastó con ese premio.

Es posible que sus Vísperas de la Virgen María y una misa de imitación sobre un motete de Gombert, publicadas juntas en 1610, se concibiesen como propaganda personal, dada su insatisfacción en Mantua y su búsqueda de nuevos trabajos. Manifestó en ellas su conocimiento de una extensa gama de estilos, desde el contrapunto severo a la exhibición vocal más moderna.

El sucesor de Vincenzo Gonzaga despidió a Monteverdi en 1612, y al año siguiente el músico ya trabajaba como maestro en la capilla de san Marcos veneciana, el puesto musical de mayor prestigio entonces en Italia. Allí permaneció hasta su muerte, y allí escribió un enorme volumen de música sacra, para la capilla y para las confraternidades de la ciudad. En 1632 tomó los votos sacerdotales.

En toda su carrera, mantuvo sin embargo Monteverdi una gran fascinación por el madrigal: publicó unos 250, en nueve libros y durante más de cincuenta años. De hecho, contribuyó a transformar el género desde las ingeniosas canciones polifónicas a cappella del Renacimiento tardío hasta las exploraciones vehementes del recurso del concertato. Puso al día su lenguaje con disonancias no preparadas y de potente emocionalidad y con melodías declamadas.

Sus óperas El regreso de Ulises (1640) y La coronación de Popea (1643), que escribió con más de setenta años, mezclan estilos para retratar a los personajes y sus emociones.

Cuando murió, a los setenta y seis, fue alabado por su poesía y su música y la difusión de su obra fue grande a través de las partituras publicadas y de los músicos más jóvenes sobre quienes ejerció influencia.

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Bibliotecas digitales: maneras de acercarse al infinito http://masdearte.com/fuera-de-menu/bibliotecas-digitales-maneras-de-acercarse-al-infinito/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/bibliotecas-digitales-maneras-de-acercarse-al-infinito/#comments Thu, 21 Sep 2017 15:46:23 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=166204 Ya sabéis que cada vez son más las bibliotecas que digitalizan sus recursos haciendo uso de tecnologías multimedia y guiándonos, emulando incluso el ambiente de una biblioteca tradicional, a la hora de encontrar los documentos … Leer más

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Bibliotecas digitales: maneras de acercarse al infinito

Ya sabéis que cada vez son más las bibliotecas que digitalizan sus recursos haciendo uso de tecnologías multimedia y guiándonos, emulando incluso el ambiente de una biblioteca tradicional, a la hora de encontrar los documentos que buscamos. La Comisión Europea recomendó en 2006 favorecer la accesibilidad en línea al material cultural y desde hace aproximadamente una década aumentan las iniciativas para acercar a los internautas el patrimonio bibliográfico. Repasamos algunas españolas:

BIBLIOTECA DIGITAL HISPÁNICA

Es uno de los proyectos de digitalización en los que más ha trabajado nuestra Biblioteca Nacional, una de las instituciones españolas que más está apostando por la puesta en marcha de colecciones electrónicas.

Ofrece acceso gratuito a las principales obras de la BNE y proporciona consulta, lectura y descarga de miles de obras, entre las que podemos destacar manuscritos, libros impresos entre los siglos XV y XIX, dibujos, grabados, carteles, mapas y fotografías, registros sonoros o prensa y revistas. Sus temáticas son variadas: de la historia a la filosofía, pasando por la religión, la medicina, el deporte o las Bellas Artes.

Además de difundir y salvaguardar este patrimonio y fomentar la investigación sobre él, la Biblioteca Digital Hispánica busca facilitar la consulta a estudiosos e hispanistas internacionales y ofrecer un canal de cooperación a otras bibliotecas españolas e hispanoamericanas. Cada poco tiempo suma nuevas incorporaciones.

COLECCIÓN DIGITAL COMPLUTENSE

La componen más de 200.000 documentos en acceso abierto, entre artículos científicos, libros y grabados antiguos y materiales docentes y tesis leídas en la Universidad Complutense de Madrid, entre otros.

Esta colección se subdivide en la Biblioteca Digital Dioscórides, formada por casi 3000 libros del fondo bibliográfico histórico, muy valiosos en el estudio de ciencias y humanidades, y 70.000 grabados digitalizados del fondo antiguo complutense; el Archivo Institucional E-Prints Complutense, que gestiona la documentación digital creada por sus docentes e investigadores; el Portal de Revistas Científicas Complutenses, la Colección de dibujos antiguos de la Biblioteca de la Facultad de Bellas Artes y el Archivo Rubén Darío. Este último agrupa los documentos entregados al Ministerio de Educación por su pareja Francisca Sánchez, en 1956. Se depositaron en la Facultad de Filología y se han digitalizado más de 2.000.

BIBLIOTECA VIRTUAL MIGUEL DE CERVANTES

Surgió a iniciativa de la Universidad de Alicante y el Grupo Santander, aunque en ella también participan otras instituciones. Su objetivo era poner a disposición de los usuarios unas 30.000 obras del patrimonio bibliográfico español y latinoamericano, y para ello ha establecido convenios con universidades de dentro y fuera de nuestro país y con bibliotecas nacionales hispanas.

Cuenta con portales temáticos agrupados en géneros (General, Poesía, Narrativa, Teatro, Cine, Didáctica), portales institucionales y bibliotecas de autores clásicos y contemporáneos.

También incluye una Biblioteca de Historia, otra de Signos, una Hemeroteca, una Fonoteca, una Videoteca con vídeos de producción propia o una Biblioteca de Tesis Doctorales.

Cervantes Virtual es un espacio de referencia para la cultura en nuestro idioma, un proyecto universal y abierto que presta un estupendo servicio a estudiantes, profesores, investigadores y lectores. En 2013 compartió con la Biblioteca Nacional francesa el Premio Stanford para la Innovación en Bibliotecas de Investigación.

BIBLIOTECA VIRTUAL GALEGA
Depende de la Universidad coruñesa y surgió para difundir la literatura gallega, facilitar la comunicación entre público y escritores, y convertirse en portal clave para la lengua y la cultura gallegas. Daos el placer de releer Follas novas.

BIBLIOTECA VIRTUAL JOAN LLUÍS VIVES
Esta biblioteca es fruto de un convenio entre la Fundación Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes y la red de Universidades del Institut Joan Lluís Vives, y ha digitalizado obras representativas de la cultura catalana, valenciana y balear. Su portal homenajea a la figura de Vives.

BIBLIOTECA NAVARRA DIGITAL
Difunde el patrimonio bibliográfico navarro: integra obras literarias y científicas relevantes, contenido histórico y de derecho foral. Posee también una colección de impresos y manuscritos institucionales muy interesante, formada por cuadernos de leyes y agravios, recopilaciones forales, textos de cronistas oficiales…Las búsquedas se pueden hacer en castellano, euskera e inglés y, encontrada la obra, es posible navegar por el libro a través de muchas funcionalidades y guardar el documento en formato PDF.

BIBLIOTECA VIRTUAL DEL PATRIMONIO BIBLIOGRÁFICO
Es un proyecto cooperativo del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y las autonomías y su fin es la difusión, mediante facsímiles digitales, de colecciones de manuscritos y libros impresos antiguos, también materiales cartográficos, fotografías, partituras…

Nos permite consultar sin restricciones fondos que son en su mayoría públicos, pero que, por sus características, se conservan en depósitos especiales y son difícilmente accesibles.

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Detroit 1967-2017 http://masdearte.com/fuera-de-menu/detroit-1967-2017-kathryn-bigelow/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/detroit-1967-2017-kathryn-bigelow/#comments Tue, 19 Sep 2017 20:07:11 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=166089 En el verano de 1967, mientras en San Francisco fumaban y hacían como que se amaban, en Detroit, en la otra punta de Estados Unidos, se desataba la violencia y el caos a cuenta del … Leer más

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Detroit, Kathryn BigelowEn el verano de 1967, mientras en San Francisco fumaban y hacían como que se amaban, en Detroit, en la otra punta de Estados Unidos, se desataba la violencia y el caos a cuenta del hostigamiento policial hacia la población negra. Una redada en un bar nocturno clandestino que acabó con decenas de detenidos fue la llama que desató, más que un conflicto urbano, una guerra; guerra que, como todas, venía gestándose con los años al calor de la discriminación y que llevó consigo la anulación transitoria de la compasión, la justicia y la vergüenza.

En su línea de dedicar sus películas a los episodios más traumáticos de la historia reciente de Estados Unidos y a lo complicado de domesticar la violencia una vez que esta ya campa por sus respetos, Kathryn Bigelow se ha fijado ahora en los disturbios de Detroit – hoy la sombra de lo que fue – con cierto sentido didáctico, recurriendo a actores no demasiado conocidos (solo nos suenan las caras de John Boyega como el digno Dismukes y Will Poulter como el indigno Krauss) y tomando la parte por el todo: el horror vivido en un motel de las afueras, el Algiers, como representativo de la debacle general de unos días de julio en la capital de Michigan.

El resultado es sobrecogedor y la tensión crece con los minutos: desde las detenciones iniciales en el local clandestino, que aún no anticipan la escalada de abusos que llegará después, hasta que el motel donde negros y blancas se divierten queda convertido en una casa del terror donde cunde el miedo a morir y a ver morir al resto, a ser el siguiente pero también a ser el último. El episodio, reconstruido conforme a su posible desarrollo real según el juicio posterior y los testimonios recogidos, es, como tantos en medio del caos, un desatino de principio a fin con causas ridículas y consecuencias largas y trágicas.

Policía y ejército persiguen a los francotiradores negros apostados en ventanas y tejados, una pistola de juguete les confunde y los clientes del hotel son asesinados o torturados en el proceso de intentar encontrar en el edificio armas y culpables que no existen. El desaguisado acaba con tres muertos, nervios desgarrados y sus culpables absueltos básicamente por blancos (aunque apartados de su oficio).

Es interesante, por su proyección hacia el pasado y hacia el presente, el retrato que Bigelow realiza del policía que instiga el juego sangriento: un personaje lleno de complejos y de odios, manipulador, que mueve los hilos del comportamiento de sus compañeros menos sádicos y traza el futuro de los inocentes dispuestos cara a la pared; también, desde luego, el frenético ritmo de la película, basada en una sucesión rápida de planos o panorámicas breves y de travellings que no nos dejan desviar la atención, escaleras arriba, escaleras abajo, siempre a una puerta de la desgracia.

No sabemos, salvo en el caso de la pareja de cantantes de The Dramatics, demasiados datos sobre las víctimas de esta brutalidad ajena a cualquier razón: la directora prefiere definirlos a través de sus reacciones a los golpes, la sangre y las amenazas en el cogote; los conocemos, más o menos, por el procedimiento en que Goya nos enseña a los muertos de mayo de 1808 ante los fusiles, por las expresiones que les planta en la cara el saber de su muerte próxima. Aunque aquí, como decíamos, los asesinos no tengan un único rostro ni sean una máquina de matar, sino seres vulnerables y faltos de experiencia con un arma a mano, mano larga en un contexto convulso y racista.

En uno de los momentos álgidos de represión del inocente, una chica blanca a la que se le recrimina relacionarse con negros reivindica esa libertad porque “estamos en 1967”. Han pasado cincuenta años y Detroit es, de principio a fin, una reivindicación de la actualidad del debate; el recuerdo, por la vía cinematográfica, de que la discriminación, en lo micro y en lo macro, no ha acabado. Vibrante y oportuna.

Detroit, Kathryn Bigelow

 

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La generación perdida: Faulkner y Dos Passos para después de una guerra http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-generacion-perdida-faulkner-y-dos-passos-para-despues-de-una-guerra/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-generacion-perdida-faulkner-y-dos-passos-para-despues-de-una-guerra/#comments Tue, 12 Sep 2017 19:50:24 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=165786 Los retrató Hemingway en París era una fiesta: tras la I Guerra Mundial, un grupo de escritores estadounidenses produjo una serie de novelas fundamentales inspiradas en el ambiente postbélico; obras que, cuando entraron en contacto … Leer más

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William Faulkner y John Dos Passos

William Faulkner (derecha) y John Dos Passos (izquierda), dos escritores complejos rodeados de admiradores

Los retrató Hemingway en París era una fiesta: tras la I Guerra Mundial, un grupo de escritores estadounidenses produjo una serie de novelas fundamentales inspiradas en el ambiente postbélico; obras que, cuando entraron en contacto con el ambiente europeo, les sirvieron para contrastar sus inquietudes literarias y humanas con las de los autores de este lado del océano.

No hubo que esperar mucho, hasta los años veinte, para que esa generación ejerciera una influencia clara en la novela europea (estancia en Francia mediante de algunos de sus protagonistas). Son más, pero entre los autores clave del momento podemos mencionar a Faulkner, Steinbeck, Dos Passos, el propio Hemingway, Upton Sinclair o Caldwell, y entre sus principales aportaciones se encuentra su vitalismo, opuesto hasta cierto punto a la actitud de los intelectuales europeos. Amorós se refiere a ese vitalismo como natural y espontáneo, sin las complejidades un poco morbosas del intelectual europeo que se avergüenza de serlo. Juzgad si se mantienen los esquemas.

Con frecuencia, además, los héroes de sus novelas son personajes abandonados, grupos poco desarrollados de las zonas más deprimidas de su país, Italia, España o Hispanoamérica. Basta recordar los míseros campesinos de La ruta del tabaco de Caldwell, los alcoholizados personajes de Faulkner o la miseria una y otra vez descrita por Steinbeck.

Poco a poco, alejándose del realismo del s. XIX, abordaron el fin de la guerra y la crisis de los treinta conquistando cotas de un realismo crítico que luego adoptarían novelistas europeos, sobre todo españoles e italianos. Faulkner (La paga de los soldados), Dos Passos (Tres soldados), Hemingway (Adiós a las armas) y Upton Sinclair (100 por 100) hablaron de las consecuencias desastrosas de las guerras; Steinbeck noveló en Las uvas de la ira la Gran Depresión; Faulkner, el racismo en Intruso en el polvo y Dos Passos intentó crear una novela total en la que cupiera toda la historia americana en la trilogía USA.

La técnica del behaviorismo u objetivismo fue la más utilizada por todos ellos: no nos cuentan explícitamente los sentimientos de sus personajes, sino que describen objetivamente sus actos y la escenografía de sus discursos; es decir, su yo ante sus circunstancias. También son frecuentes los monólogos interiores.

Por sus innovaciones y su influencia, vamos a profundizar esta vez más en Faulkner y Dos Passos.

William Faulkner

William Faulkner solía fumar en pipa, vestir de militar y fingir cojera

FAULKNER Y EL SUR HERMÉTICO

Este autor aunó su experiencia personal de una vida agitada, sus observaciones de las tierras del Sur de Estados Unidos y un talento expresivo sugerente e imaginativo. Mezcló imagen y visión, fantasía y realidad, y su obra resulta a veces críptica y difícil.

En El ruido y la furia, Santuario y Mientras agonizo, relata a través de varias generaciones la historia de una familia del Sur, el sur nostálgico de la Guerra de Secesión, poblado entonces por gentes y costumbres conflictivas. Quiebra el tiempo en recuperaciones intermitentes de lo pasado y lo presente y revive la historia anterior desde la actual. Si la novela tradicional narra el pasado desde el principio, linealmente, Faulkner lo convierte en presente mediante el monólogo interior, recurso que campea libremente por sus textos.

También es frecuente en ellos un perspectivismo pluridimensional, que en el caso de El ruido y la furia (1929) hace que la fábula se articule en cuatro núcleos narrativos en contrapunto cronológico.

Otras veces predomina el objetivismo, como en Santuario (1931), y el perspectivismo y la ruptura temporal aparecen en la muy ambigua historia familiar de Absalom, Absalom! (1936). A veces tales técnicas se intercalan con la denuncia social, localizada en Yoknapatawha County, precursora de Macondo y otras ciudades inventadas.

Como decíamos al principio, leer a Faulkner es muy enriquecedor pero no es tarea para blandos. Ya lo avisaba Claude-Edminde Magny: Frecuentemente el lector se siente inclinado a pedir gracia o, por lo menos, a protestar por el esfuerzo que se exige de él y acusar al autor de arbitrariedad y hasta de perversidad.

JOHN DOS PASSOS, SINFONÍA DE UNA CIUDAD

John Dos Passos comenzó a escribir en la veintena narraciones sobre la I Guerra Mundial (Tres soldados, 1921). Sabía del conflicto porque él participó, como voluntario además, pero su primer gran éxito le llegó con la monumental Manhattan Transfer (1925), la considerada por muchos novela de la ciudad de Nueva York.

En ella encontramos ya las características dominantes de la producción del escritor: trata los problemas sociales y políticos de una urbe como la americana con una técnica multidimensional, bajo la influencia del cine. El tiempo sufre, como en Faulkner, quiebros múltiples, y a ello contribuye el uso del contrapunto, ensayado en la superposición de distintos núcleos narrativos.

El río de personajes que aparecen en Manhattan Transfer convierte además a esta novela en una pieza típica de héroe colectivo.

Más tarde, en la trilogía USA (1930-1936), Dos Passos consiguió unir las preocupaciones sociopolíticas propias y del momento con una estructura atrevida. Abarcó desde comienzos del siglo XX hasta la presidencia de Roosevelt y conjugó cuatro elementos: la acción novelesca, los new reels o noticieros periodísticos, las semblanzas biográficas y los enfoques (el ojo cinematográfico).

Componen la trilogía El paralelo 42, 1919 y El gran dinero, y a través de ella asistimos a las grandes conmociones de la guerra, la crisis económica y social, con ciertas cercanías al marxismo. Mezcla el personaje individual con el colectivo, el monólogo interior con la lucidez de la conciencia, la linealidad y el contrapunto… y, sobre todo, transmite la impresión de contarnos vidas colectivas a través de la fragmentación de los puntos de vista.

Por estas obras y por algunas otras en las que mantuvo esos procedimientos (Un lugar en la tierra, Mediados de siglo), es fácil acordarse de Dos Passos leyendo a autores actuales -algunos de novelas ahora en listas de éxitos-.

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Casa Lupe: no es ciencia, es magia http://masdearte.com/fuera-de-menu/casa-lupe-es-ciencia-es-magia/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/casa-lupe-es-ciencia-es-magia/#comments Thu, 07 Sep 2017 12:55:36 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=165636 No todas las tiendas familiares son tiendas al uso. Casa Lupe echó a andar a finales del s. XVIII, pero no vende víveres ni utensilios del hogar, sino artefactos que prometen remediar males de amores: … Leer más

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Casa Lupe, Inés de MiguelNo todas las tiendas familiares son tiendas al uso. Casa Lupe echó a andar a finales del s. XVIII, pero no vende víveres ni utensilios del hogar, sino artefactos que prometen remediar males de amores: botas para ir con pies de plomo, globos que avisan cuando te hinchas de excesiva ilusión, vendas para ver solo lo conveniente….

La enigmática Lupe mima cada uno de los aparatos y el grado de satisfacción es tal que los cambios y devoluciones ni existen ni se contemplan: ha ocurrido así decenios y decenios hasta que… llega el día en que la felicidad amorosa no parece poder comprarse en la tienda y un cliente quiere devolver lo adquirido.

El pasado 2 de septiembre se estrenó en la sala Nuev9 Norte de Madrid –donde puede disfrutarse hasta el 28 de octubre, cuando comenzará una gira por varias ciudades– la primera obra teatral de la joven dramaturga Inés de Miguel, autora antes del libro de microcuentos Mira el cielo, no el reloj.

El estreno de Casa Lupe fue ya peculiar, porque, además de en sala, pudo seguirse en streaming a través de Facebook Live y los espectadores, tanto en el teatro como en la red, pudieron formular después sus preguntas a los protagonistas en un coloquio abierto. El propósito de Inés era extender así la magia del directo.

Dirige la pieza David Couso, que formó parte de la producción inicial de FILMADRID y ha dirigido varios cortos y maquetas publicitarias pero, con Casa Lupe, da el salto a la escena. En paralelo, prepara su primer largometraje. Y sus actores protagonistas son Imán Velasco y la televisiva Viki Velilla.

Casa Lupe se programa en la sala Nuev9 Norte de Madrid los sábados a las 20:00 horas.

Casa Lupe, Inés de Miguel

 

 

 

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Sieranevada, crispación en el recibidor http://masdearte.com/fuera-de-menu/sieranevada-crispacion-en-el-recibidor/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sieranevada-crispacion-en-el-recibidor/#comments Tue, 05 Sep 2017 20:55:37 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=165538 En Agosto, de John Wells, el suicidio de un padre al que la vida se le estaba haciendo larga desencadenaba una tormenta familiar a muchas bandas que sacaba a la luz secretos y miserias del … Leer más

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Cristi Puiu. SieranevadaEn Agosto, de John Wells, el suicidio de un padre al que la vida se le estaba haciendo larga desencadenaba una tormenta familiar a muchas bandas que sacaba a la luz secretos y miserias del pasado y del presente; la más compleja Sieranevada, de Cristi Puiu (director de La muerte del señor Lazarescu), tiene mucho que ver con ella en su punto de partida y su temática, pero va más allá, porque, además de algunos conflictos de la familia del desaparecido, pone de relieve los propios de cada personaje, consigo mismo y con sus parejas: neuras, rebeldías e infidelidades con las que este cineasta rumano logra componer un fresco de frustraciones de vocación universal en el abigarrado descansillo de la casa de los padres.

Precisamente la densidad de objetos en un piso pequeño sin ningún espacio vacío acompaña el despliegue de manías, tristezas y odios labrados durante años que anteceden una comida que tarda en comenzar casi las tres horas que dura la película. Puiu utiliza como excusa la tardanza del sacerdote para justificar ese retraso y se sirve de él para poner sobre la mesa lo esquivos que son la cordura y el sentido común, la necesidad de la distancia -aquí, dificilísima- para entender las disputas, la imposibilidad del entendimiento y hasta qué punto el calor familiar puede convertirse en pura asfixia.

La vivacidad y superposición de los diálogos, la yuxtaposición de discusiones, se ha labrado con tal mimo que no queda más remedio que admirar sinceramente al guionista –el propio Puiu, quién si no podía pulir una obra tan personal–, pero porque su trabajo es difícil de percibir: no es fácil pensar que, tras esa maraña de emociones sin cese, de discusiones políticas, religiosas y de pareja aparentemente espontáneas, pueda existir memorización.

No hay silencios porque no hay paz, y, aunque podamos tener la tentación de pensar que el metraje es excesivo, finalmente se hace evidente que los efectos buscados por Puiu se logran por acumulación: de palabras, de objetos, de personajes, de minutos, de frentes abiertos. No hay sitio, pero todo cabe. Cualquier vida es confusión y conflicto, todo grupo humano es ruido y quizá la única actitud posible para no perder el oremus sea la mantenida por el personaje del gran Mimi Branescu: la conciencia de la situación y la sonrisa (resignada).

Cristi Puiu. Sieranevada

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Sugerencias de temporada: 10 propuestas para el mes de septiembre http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-septiembre/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-septiembre/#comments Fri, 01 Sep 2017 07:30:09 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=165374   1. BAND OF HORSES EN BARCELONA El 8 de septiembre, en la Sala Apolo de Barcelona, la banda de Seattle ofrecerá un concierto dentro de su tour europeo, que también tendrá una parada en … Leer más

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estrenos y novedades septiembre 2017

 

1. BAND OF HORSES EN BARCELONA

El 8 de septiembre, en la Sala Apolo de Barcelona, la banda de Seattle ofrecerá un concierto dentro de su tour europeo, que también tendrá una parada en Madrid, el día 9. Aunque continúan con la gira de su cuarto disco, Why are you ok, seguro que el grupo deleitará a sus seguidores con canciones de otros álbumes y no faltarán algunos de los geniales temas incluidos en su Infinite Arms.

www.bandofhorses.com

 

2. EN BLANCO, FLORES DIFERENTES

No es la primera vez que en nuestras sugerencias mensuales os hablamos de una floristería y seguramente no será la última porque es un tipo de negocio que nos encanta y que, por suerte, está proliferando en nuestras ciudades. En esta ocasión os invitamos a conocer En Blanco, en la que todo cuenta en positivo, desde la rehabilitación del local, a la selección de flores y plantas, algunas de ellas poco comunes, o los jarrones y macetas, que también tienen su protagonismo.

 

3. 4 3 2 1. PAUL AUSTER

Seix Barral ha sacado a la venta esta misma semana 4 3 2 1, la última novela de Paul Auster, que algunos críticos han alabado ya como su trabajo más redondo. En ella, Auster nos hace pensar sobre el azar y las consecuencias de nuestras decisiones y cómo el actuar de una manera u otra en un determinado momento de nuestra existencia puede comportar diferentes retos ante la vida, si no directamente diferentes vidas.

www.planetadelibros.com

 

4. EL SIGLO DE ORO VUELVE A MADRID

Hasta el 24 de septiembre, todos los días de la semana, de 11 a 24 horas, el Corral Cervantes nos traslada hasta el Siglo de Oro a través de montajes teatrales de textos clásicos, textos contemporáneos inspirados en la época, conciertos de música barroca, improvisaciones sobre textos, talleres y otras actividades culturales que se centrarán en esa época. Junto a las casetas de los libreros de la Cuestra de Moyano encontramos un corral de comedias como los del siglo XVII, con capacidad para 250 espectadores, donde disfrutar de números espectáculos como Mujeres y criados, Los espejos de Don Quijote, El Teatro del Arpa… Se puede consultar toda la programación en su web:

corralcervantes.com

 

5. APERITIVOS THYSSEN

El arte de las vanguardias artísticas y el jazz inspiran a jóvenes solistas y bandas como The Limboos, RRUCCULLA y Picadillo (ya pudimos escuchar a Elena Setién, Forastero, Juno & Darrell), que hasta el próximo 23 de septiembre continúan con sus sesiones musicales concebidas a partir de obras de Picasso, Pollock, Klee, Rothko, Kandinsky y Kupka. Los aperitivos tienen lugar en Las terrazas del Thyssen, los sábados a partir de las 12:30 horas, y la entrada es libre hasta completar aforo. Además, los asistentes pueden experimentar con la instalación sonora Congo Squares, creada por el artista Massimiliano Casu y basada también en el jazz.

www.museothyssen.org

 

6. LA REINA VICTORIA Y ABDUL

En un par de días, el 3 de septiembre, Stephen Frears recibirá el el premio “Jaeger-LeCoultre Glory to the Filmmaker” de la 74 edición de la Mostra de Cine de Venecia y a continuación presentará su último film, Victoria & Abdul, basado en la novela homónima de Shrabani Basu, que cuenta la relación que la reina Victoria labró con su secretario, el hindú Abdul Karim, y cómo la particular amistad que se establece entre ellos influye en el sentir de la reina y le lleva a cuestionarse su propia posición. Frears, autor de títulos como Las amistades peligrosas, Mi hermosa lavandería, Alta fidelidad, o más recientemente Florence, vuelve a dirigir a Judi Dench en el papel de la reina Victoria (la actriz ya interpretó a la soberana en Su majestad Mrs. Brown). La cinta llegará a nuestros cines el próximo día 22.

 

 

7. VOLATA, CICLISMO CON ARTE

No hay que ser un entendido en ciclismo para ver el buen trabajo que hay detrás de esta publicación especializada, que sigue la estela de la británica “Rouleur”; pero si además eres aficionado a las dos ruedas disfrutarás el doble con los reportajes que cada número de “VOLATA” ofrece a sus suscriptores. En sus páginas, en las que no se habla de temas de actualidad, se redescubre a leyendas y se profundiza en la tradición y evolución de este deporte desde un punto de vista diferente al de la mayoría de medios deportivos. Y es que “VOLATA” no es una revista deportiva, es historia, épica y estilo.

ccvolata.bigcartel.com

 

8. DCODE 2017

Vuelve una nueva edición del DCODE, unos de los últimos festivales de la temporada estival. En su séptima edición destacan la participación de Franz Ferdinand e Interpol, como cabezas de cartel, a los que acompañarán otros artistas y grupos como Liam Gallagher, Band of Horses, Milky Chance, Iván Ferreiro, Carlos Sadness, Maga o Varry Brava, entre otros. La cita es el 9 de septiembre en el Campus de la Complutense, en Madrid.

dcodefest.com

 

9. HELSINKI DESIGN WEEK

El diseño finlandés, uno de los más apreciados internacionalmente, está en permanente revisión, y merece la pena estar al tanto de quienes son sus principales representantes, más allá de las figuras icónicas que todos conocemos. Por eso, la Semana del Diseño que cada año, desde 2005, tiene lugar en Helsinki ofrece el entorno perfecto para estar al día de las últimas tendencias surgidas en los países nórdicos. Se trata de un festival multidisciplinar, pues abarca moda, arquitectura, mobiliario, objetos y todo lo que es susceptible de englobarse en el amplio abanico denominado cultura urbana, que es muy valorado por especialistas pero también por el público más amplio, que participa de los eventos y actividades organizados por toda la ciudad con motivo de esta celebración (el año pasado se registraron más de 158 000 visitantes). Por si os animáis, la Semana del Diseño de Helsinki tendrá lugar entre el 7 y el 17 de este mes.

www.helsinkidesignweek.com

 

10. DELICIOSO BEN GIBBARD

Es difícil que este chico haga algo que no suene bien pero es que si además lo que decide versionar es su disco favorito, que no es otro que el Bandwagonesque de Teenage Fanclub, sería raro que no hiciera una delicia de disco. No obstante, y por ponerle algún pero, quizás haya sido demasiado fiel a los temas originales y podría haberse esperado de él que arriesgara algo más en algunas canciones. Este disco de Gibbard forma parte del proyecto Sounds Delicious Vinyl, de Turntable Kitchen, que invita a artistas a grabar versiones de sus álbumes preferidos.

benjamingibbard.net/Bandwagonesque

 

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12+1 películas fundamentales inspiradas en libros casi olvidados http://masdearte.com/fuera-de-menu/121-peliculas-fundamentales-inspiradas-en-libros-casi-olvidados/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/121-peliculas-fundamentales-inspiradas-en-libros-casi-olvidados/#comments Thu, 10 Aug 2017 07:15:45 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=165242 Las novelas de Isaak Dinesen, Margaret Mitchell, Daphne du Maurier o Patricia Highsmith no han quedado, en la mayoría de los casos, a la sombra de las películas que inspiraron, pero hay filmes basados en … Leer más

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Las novelas de Isaak Dinesen, Margaret Mitchell, Daphne du Maurier o Patricia Highsmith no han quedado, en la mayoría de los casos, a la sombra de las películas que inspiraron, pero hay filmes basados en novelas o relatos prácticamente desconocidos: pocos saben que, en esos casos, también hay literatura tras el cine. Estos son trece ejemplos:

Murnau. Amanecer, 1927

Murnau. Amanecer, 1927

AMANECER, 1927

Murnau fue uno de los directores europeos cortejados en los veinte por Hollywood, y tras el éxito logrado con El último en 1924, los estudios Fox se pusieron a su disposición. En ellos rodaría Amanecer, en 1927, basándose en la historia de Hermann Sudermann Viaje a Tilsit.

En su habitual estilo expresionista, los personajes eran identificados simplemente como el hombre, la mujer y la mujer de la ciudad y los decorados fueron construidos desde una perspectiva forzada, haciendo que parecieran más espaciosos que en la realidad. Murnau empleó enanos en los segundos planos para resaltar aún más ese efecto: logró que un restaurante pareciera, de hecho, un campo de fútbol. Su utilización de la iluminación también resultó casi inédita.

También convirtió el ritmo en esencial por el uso de una cámara ambulante que se movía por todas partes, a veces adoptando el punto de vista del actor para que el público pudiera entender su expresión. Incluso a la hora de explicarlo, Murnau recurrió a la literatura: Tenemos nuestros pensamientos y también nuestras realizaciones. James Joyce, el novelista, lo demuestra muy bien en sus obras. Primero representa la mente y después la contrapesa con la acción.

Este fue uno de los grandes ejemplos de la importancia del trabajo de la cámara antes de que se introdujera el sonido. El primer cámara, ganador de un Óscar, fue Charles Rosher, y los actores, pese a ser estrellas americanas (George O´Brien, Janet Gaynor), recurrieron a la escuela alemana de interpretación.

Amanecer tuvo mucha influencia: en directores como Borzage, en El ángel de la calle y El río, o en John Ford, que utilizó sus decorados en Cuatro hijos. Además, en 1939 Veit Harlan dirigió un remake que recuperaba el título de la novela, Viaje a Tilsit, y que a diferencia de la mayoría de los remakes de clásicos, no está mal.

ALARMA EN EL EXPRESO, 1938

Frank Launder y Sidney Gilliatt adaptaron para el guion de esta película temprana de Hitchcock la novela de Ether Lina White The Wheel Spins. La historia sería adaptada en muchas ocasiones, algunas por el propio director inglés, pero esta fue su interpretación más siniestra.

El argumento no guarda mucha lógica, pero para Hitchcock no era un problema, decía que eso, la lógica, era lo primero que rechazaba.

Casi toda la acción transcurre en un tren transcontinental con un pasaje lleno de viajeros hitchcocktianos. Cuando una institutriz desaparece, los detectives aficionados comienzan las pesquisas para hallar su paradero.

Rodada en un incómodo y estrecho estudio de Islington durante cinco semanas de 1937, logró el premio de los críticos de Nueva York a la mejor película de 1938.

 

EL HALCÓN MALTÉS, 1941

Cuando ya era un reputado guionista, Warner Bros pidió a John Huston que dirigiera lo que quisiera. Él mencionó El halcón maltés de Dashiell Hammett, una historia de detectives llena de gente básicamente desagradable. Incluso el héroe, Sam Spade, envía a la horca a la que podría ser su amante.

La misma historia había sido rodada dos veces, con otros títulos, en los treinta, y Huston actualizó la novela a su época (la historia de Hammett data de 1929). Título y autor tampoco son desconocidos, aquí el verdadero milagro fue la fidelidad.  Dejó Huston que el estilo disperso de Hammett se mantuviera y permitió que mínimos movimientos de cámara fuesen el contrapunto a la trama, confusa, y a los personajes tortuosos y torturados.

También siendo fiel al libro, no buscó el suspense mediante persecuciones de coches monótonas y tiroteos, sino al estilo Hitchcock: mediante el engaño y el peligro se ser atrapado.

Esta fue la primera de las seis pelis que Huston realizó con Bogart, y un gran impulso a la carrera del actor.

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John Huston. El halcón maltés, 1941

LA TERRA TREMA, 1948

El segundo largo de Visconti fue casi un documental. Inspirado en la novela de Giovanni Verga, trata de la lucha de los pescadores con la naturaleza, el reclutamiento, la opresión de los ricos, la muerte y, sobre todo, el destino.

Fue rodada en exteriores en Aci Trezza, un puerto de pescadores siciliano, con un reparto de aficionados, y, sin embargo, es un modelo de estilo y organización.

Visconti. La terra trema, 1948

Visconti. La terra trema, 1948

EL TERCER HOMBRE, 1949

Di mi último adiós a Harry hace una semana, cuando su ataúd fue introducido en la helada tierra de febrero… Con los primeros compases de la novela El tercer hombre, Graham Greene atrajo a Korda para que produjese este filme.

Korda le envió a Viena, una ciudad en 1949 aún devastada por la guerra, para que pensara en una película sobre la ocupación de la ciudad por las cuatro potencias, y a los tres meses de investigarla a fondo, saltó la liebre: un oficial del servicio de espionaje inglés le reveló el complejo sistema de alcantarillado vienés y un fraude en torno a la penicilina.

Inicialmente Greene escribió el guion como una historia y luego trabajó con Carol Reed en el guion verdadero. A Reed le debemos -y a aquel programa de Garci también- que hoy sigamos tarareando el Harry Lime Theme: eligió un café local en el que Anton Karas tocaba una cítara para lograr propinas.

Mizoguchi. La vida de O-Haru, mujer galante, 1952

Mizoguchi. La vida de O-Haru, mujer galante, 1952

La combinación de feliz coincidencia, valentía y precisión hicieron de El tercer hombre una película genial, premiada en Cannes ese mismo año. Y Graham Greene no es ningún escritor en la sombra, pero su papel fundamental en que esta peli se rodase quizá no se haya recordado lo debido.

LA VIDA DE O-HARU, MUJER GALANTE, 1952

Siendo un niño, Mizoguchi presenció la venta de su hermana mayor para convertirse en geisha, y aquel recuerdo tuvo una gran repercusión en su trabajo. Para Rosenbaum, esta obra es “un retrato de la mujer tratada, vendida, valorada, degradada y desechada como objeto físico”.

Se basa en una obra literaria, bien conocida en Japón pero no aquí: La vida de una mujer que amó el amor. Habla de la fortuna menguante de la hija de un rico mercader y se ambienta en el Japón del s XVII. Termina siendo una prostituta, y esta película es un buen ejemplo del interés del director por la victimización de la mujer en el Japón medieval.

Mizoguchi obtuvo el León de Plata en Venecia y la actriz principal, Kinuyo Tanaka, se convertiría con el tiempo en la primera directora de cine de su país.

MADAME DE…, 1953

Esta peli dirigida por Max Ophuls es una adaptación de una novela corta de Louise de Vilmorin: trataba de unos pendientes que un hombre regala a su mujer y que esta vende para pagar una deuda. El marido los compra para regalarlos de nuevo, pero esta vez a su amante, que los vende otra vez. Ahora los compra un diplomático que se enamora de Madame de… y se los regala. Al verlos, su marido se da cuenta de la infidelidad de su mujer, se los devuelve al diplomático y le cuenta la historia.

Abandonada por el que consideraba su amor verdadero, la mujer se va deteriorando hasta la muerte.

A partir de esta historia de engaños en la alta sociedad, Ophuls creó una obra maestra.

Max Ophuls. Madame de..., 1953

Max Ophuls. Madame de…, 1953

EL INTENDENTE SANSHO, 1954

Esta película de Mizoguchi, basada en una novela de Ogai Mori, es un relato de sufrimientos y autosacrificios. El muy sádico intendente Sansho sistemáticamente persigue, tortura y arruina a la que antes fue una familia noble y próspera. La persecución nos la enseña el cineasta a través de escenas de violencia terrible y, a la vez, con una delicadeza visual sutil.

Destacan los fundidos a cámara lenta, algunos primeros planos, y una casi translúcida fotografía de Kazuo Miyagawa, maestro de los largos planos en movimiento, como había demostrado en Rashomon. Sorprende también la majestuosidad de la naturaleza, bella como en casi ninguna otra película japonesa.

Mizoguchi. El intendente Shansho, 1954

Mizoguchi. El intendente Shansho, 1954

CENIZAS Y DIAMANTES, 1958

Cuando Wajda llevó esta novela de Jerzy Andrzejewski a la pantalla lo hizo bajo la estricta censura existente en la Polonia de la Guerra Fría, y aún así hizo de la película un hito de libertad creativa. Como la novela, el filme transcurre durante un día y una noche en el hotel de una ciudad.

Su triunfo dentro y fuera de Polonia tuvo que ver con la elección del actor Zbigniew Cybulski como Maciek: con sus gafas oscuras y su forma de vestir, encarnaba a los rebeldes de los cincuenta. Andrzejewski no lo imaginó así, pero después no podía pensar en Maciek de otra manera.

El relato, denso y difícil, trata del intento por parte de miembros de la clandestinidad nacionalista de asesinar al nuevo secretario de distrito comunista.

2001: ODISEA DEL ESPACIO, 1968

Esta película de Kubrick se estrenó en marzo de ese año, ocho meses antes del lanzamiento del Apollo 8 para el primer viaje a la luna, y había comenzado a rodarse en 1965. Estaba inspirada, solo inspirada, en dos obras de Arthur C. Clarke: El vigilante, de solo 11 páginas, y la novela más larga El fin de la infancia. El relato cuenta desde el descubrimiento del arma por el hombre prehistórico (con ayuda de un monolito negro enviado por extraños del espacio exterior) hasta un futurista viaje espacial para descubrir el origen de otro monolito en la luna. Durante el viaje, el ordenador de la nave trata de hacerse con el control y mata a tres de los astronautas a bordo, hasta ser “asesinado” por el último tripulante.

Hoy aceptamos esta película como obra maestra, pero en su momento los críticos discutieron si era buena aunque confusa o, simplemente, trivial. Al público lo confundieron sus simbolismos, pero fue un inesperado éxito comercial, hasta el punto de que Así habló Zaratustra quedó convertida en parte de la música popular.

SIGNOS DE VIDA, 1968
Fue el primer largo de Werner Herzog. Rodado en Creta y Kos, se basa en la historia de primeros del siglo XIX de Achim von Arnim El inválido loco del fuerte Rattoneau, que retrata la locura sobrevenida al soldado alemán Stroszek, quien, junto a su mujer griega y dos soldados, es enviado a 1942 a convalecer en una isla fuera de la zona de combate.

La estupenda fotografía en blanco y negro transmite el calor del verano, la lejanía y el descenso del hombre a los abismos.

Truffaut. Jules et Jim, 1971

Truffaut. Jules et Jim, 1971

JULES ET JIM, 1971

Alguna vez dijo Truffaut que se dedicaba a hacer las películas que le hubiese gustado ver cuando era joven. Esta, su tercera obra, entra desde luego en esa categoría.

Se trata de un relato romántico y triste sobre dos hombres, Jules y Jim, enamorados de la misma mujer, Catherine; argumento propio de muchas comedias sofisticadas. El francés quiso desarrollar dos temas: la amistad entre los dos hombres, que trata de mantenerse viva, y la imposibilidad de vivir los tres juntos. En sus palabras: La idea es que la pareja no es una solución satisfactoria, pero hoy por hoy no hay otra.

Por su valor emocional y desenvoltura, esta es una de las grandes obras de la Nouvelle Vague: las escenas se superponen, se utiliza el montaje rápido y se juega con la continuidad. La recientemente fallecida Jeanne Moreau nunca estuvo tan expresiva como interpretando a Catherine y la música de Delerue acentúa la tensión entre técnica y emoción.

Y aquí llega la inspiración: Truffaut se basó en una novela de Henri-Pierre Roche y mantuvo casi todos sus elementos, aunque libremente dispuestos, sobre todo en el rol de Catherine, que se convirtió en una mezcla de varias mujeres del libro. La historia es relatada como un cuento de hadas, con una narrativa irónica y poética.

Pese a lo potencialmente escandaloso del tema y su pesimismo inherente, lo que domina la película es su frescura, que el remake de Mazursky Una almohada para tres (1980) no pudo superar.

ALGUIÉN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO, 1975

Ken Kesey, protagonista de Gaseosa de ácido eléctrico de Tom Wolfe, era a su vez el autor del libro en el que se inspiró la obra que Kirk Douglas compró en 1963 y quiso hacer. Pero se hizo demasiado viejo, así que fue su hijo quien la produjo y Nicholson la interpretó doce años después.

Kesey ni la vió ni lo intentó, porque pensaba que habían falseado su historia. Cuando escribió su libro utilizó sus experiencias con el LSD para describir qué pasaría con los pacientes de un asilo si se les obligase a tomar drogas por prescripción médica para controlar su metabolismo. Consideraba que esta era una parte fundamental de la historia, pero la película de Milos Forman, entonces un recién llegado a Estados Unidos, dejaba al margen la presencia social de la droga en los setenta mientras que Kesey quería realismo antes que entretenimiento. Menos alucinación y psicodelia.

Cuando se estrenó, en cierto modo el público la convirtió en reflejo de una reacción social contra la guerra de Vietnam, y se llevó la mayor parte de los Óscars, el de Nicholson incluido.

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Ferdinand von Schirach, la justicia esquiva http://masdearte.com/fuera-de-menu/ferdinand-von-schirach-la-justicia-esquiva/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/ferdinand-von-schirach-la-justicia-esquiva/#comments Tue, 08 Aug 2017 08:02:10 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=165220 Dice Ferdinand von Schirach en el prólogo de Crímenes, su primer libro de relatos (y su primera obra literaria en general), que él, como Jim Jarmusch, prefiere dedicar su trabajo a hombres que sacan a … Leer más

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Ferdinand von Schirach. CulpaDice Ferdinand von Schirach en el prólogo de Crímenes, su primer libro de relatos (y su primera obra literaria en general), que él, como Jim Jarmusch, prefiere dedicar su trabajo a hombres que sacan a pasear a su perro que a emperadores chinos; por eso, y porque empezó a escribir tras una larga carrera como abogado defensor, sus obras están dedicadas a seres humanos que hacen cosas deleznables y a seres humanos que las padecen, personas que provocan sufrimientos y que, a veces, se sienten culpables, y a casos, muchos casos, en que los veredictos judiciales no son lógicos ni éticos aunque acaten las leyes (o precisamente por acatarlas).

Von Schirach publicó después de Crímenes otro libro de relatos, Culpa, y dos novelas que comparten temática con sus cuentos aunque sean muy diferentes entre sí: El Caso Collini y la más reciente, y distinta a todo lo demás, Tabú (también es esta la única obra suya cuya portada, en Salamandra, no cuenta con un misterioso tipo de negro con sombrero  saludándonos).

Que nadie se llame al tedio: este autor alemán no describe los pormenores de procesos judiciales, nada más lejos; ha elegido fijarse en tipos humanos: los de víctimas,  culpables y no culpables, y ha sabido encontrar en cada uno un dilema moral, subrayando una y otra vez que, como un tío suyo, también jurista, le repetía una y otra vez de niño, la mayoría de las cosas son complicadas y la culpabilidad es siempre un asunto peliagudo.

Por las narraciones de Von Schirach transitan asesinos, violadores, traficantes de drogas, prostitutas, ladrones de mucha y poca monta, gente que ante el delito se puso interesadamente de perfil, quien arrastra culpas y quien por nada del mundo está dispuesto a sentirse culpable. Lo valioso del enfoque del escritor es que, sin caer en el relativismo ni poner en duda la necesidad de la moralidad como guía, nos transmite que cada sujeto tiene una vida previa a sus acciones, una historia individual y única que no tiene por qué justificar sus actos pero que sí dificulta nuestro juicio sobre ellos.

El planteamiento no es nuevo; remite a la máxima del nada humano me es ajeno, a la idea de que, muy en el fondo, no somos tan diferentes y todos podemos ser capaces de lo mejor y de lo peor bajo determinadas circunstancias, pero lo que sí atrapa al lector es la originalidad de los planteamientos y la perspectiva escrupulosa, a medio camino entre la frialdad del profesional necesariamente distanciado pero obligado a conocer la verdad y el escritor empático desde la que Von Schirach cuenta cada caso.

Cada uno de sus crímenes es la historia de un fracaso, habitualmente no individual aunque la responsabilidad última sí lo sea, y sobre todo implica un desafío, para el juez y para el lector, que ha de hacer el ejercicio de entender y de ponerse en el lugar de delincuente y víctima, con todas sus consecuencias y con lo que este ejercicio tiene de autoexamen, porque no siempre se sentirá más cercano al inocente.

Él lo explica ya en el prólogo de Crímenes: Nos pasamos la vida danzando sobre una fina capa de hielo; debajo hace frío, y nos espera una muerte rápida. El hielo no soporta el peso de algunas personas, que se hunden. Ese es el momento que me interesa. Si tenemos suerte, no ocurre nada y seguimos danzando. Si tenemos suerte. Para Von Schirach, lo que separa al ciudadano corriente del crimen, o del abismo con o sin delito, es esa fina capa de hielo, y la misma lucidez con la que se refiere a los protagonistas de sus relatos la logra transmitiéndonos sus virtudes y miserias y el devenir de sus juicios.

Los relatos de Crímenes y Culpa se basan en casos reales que el escritor ha conocido en el ejercicio de su profesión de abogado –con lo que esto implica de frío por la espalda– y aún así logra contárnoslos, además de con respeto y piedad, con una sobriedad compatible con la ternura y la ironía, y por supuesto con la asepsia que implica no juzgar, o al menos mantener el juicio personal al margen. Tanto en estos libros, como en El caso Collini, apunta, además de al gran misterio que es cada individuo, a las deficiencias de la justicia; Tabú conjuga esos asuntos con una reflexión algo surrealista sobre los límites y consecuencias de las filias (y la dificultad de juzgarlas).

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Los siete tipos perfectos de Yves Saint Laurent http://masdearte.com/fuera-de-menu/los-siete-tipos-perfectos-de-yves-saint-laurent/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/los-siete-tipos-perfectos-de-yves-saint-laurent/#comments Wed, 02 Aug 2017 13:30:16 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=165151 Cuando Yves Saint Laurent hablaba de la mujer moderna, lo hacía siendo muy consciente de la importancia de su labor diseñando moda y buscando trascender: He inventado su pasado, le he dado su futuro, y … Leer más

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Cuando Yves Saint Laurent hablaba de la mujer moderna, lo hacía siendo muy consciente de la importancia de su labor diseñando moda y buscando trascender: He inventado su pasado, le he dado su futuro, y ello durará hasta mucho después de mi muerte.

El diseñador –que no artista, insistía Pierre Berge, aunque hiciera arte– se apropiaba de vestidos populares o utilitarios que estilizaba al despojarlos de su uso funcional para introducirlos en el campo selecto de la alta costura.

Elegimos siete prendas revolucionarias que dan fe de la dimensión social de su legado, que han seguido renovándose tras él y que no son clásicos por inmutables, sino por lo contrario: admiten interpretaciones casi infinitas.

En 1978, Saint Laurent declaró al periodista John Helpern que lo que intentaba hacer era un tipo perfecto de prendas, ya se trate de una simple blusa o de un par de pantalones, y animar a las mujeres a construir alrededor de ellas (…) Cambio siempre mis diseños jugando con los mismos prototipos básicos, de forma que una mujer no necesite estar cambiando su guardarropa constantemente. Algo antes, en 1973, había dicho que, para él, la vanguardia era el clasicismo. Repasamos siete de esos tipos perfectos, clásicos y contemporáneos:

Yves Saint Laurent. Primer chaquetón marinero

Yves Saint Laurent. Primer chaquetón marinero

EL CHAQUETÓN

Fue la primera prenda fundamental presentada por Saint Laurent en su primera colección tras crear su firma: la del verano de 1962. Evoca la prenda utilitaria de los marineros, que él urbaniza y feminiza, tanto que muchos la consideran una prenda-manifiesto.

No es exagerado: puede ser tanto una prenda funcional como un atuendo urbano de representación y saca a la alta costura de sus límites convencionales, abriéndola al presente. Saint Laurent hizo que conservase su aspecto sólido, cálido y confortable, pero dándole un corte amplio recupera sus cualidades funcionales originales a la vez que, añadiéndole botones dorados, le da un toque femenino.

Lo marino fue, en realidad, una inspiración recurrente para Saint Laurent, que en 1966 retomó el chaquetón para declinarlo en distintas versiones: ceñido al cuerpo, con broche-ancla dorado y gorra o transformado en vestido. Todavía en 2001, siete años antes de su muerte, Saint Laurent continuó trabajando el chaquetón: siguió confeccionándola en lana azul marino pero lo hizo más corto, menos amplio y acompañado de pantalón y jersey blancos.

LA TÚNICA
Forma parte de una familia de prendas que alargan la silueta y disimulan las caderas, como los blusones marineros y las guerreras. Adoptaron la túnica las mujeres que deseaban atenuar el efecto demasiado ajustado de los primeros pantalones.

En aquella colección primera de 1962 se llamaba al blusón marinero “guerrera de lana azul marino” y la línea túnica triunfaría en su colección de invierno de ese año. Ya en 1963, combinó la túnica con pasamontañas, leotardos de lana, botas mosqueteras e impermeables acharolados.

EL TRENCH
Fue una prenda llevada por los oficiales en las trincheras durante la I Guerra Mundial y Saint Laurent no dejó de declinarla para la mujer en toda su carrera.

Hizo una aparición discreta pero sorprendente en 1962, acompañando un vestido de noche, y en 1967 creó una nueva versión que se prestaba a combinaciones explosivas de día y noche. Incluso hizo de él lujosas versiones con estampados de pantera.

Y en este punto hay que acordarse de Catherine Deneuve, que inmortalizó un trench de Saint Laurent en una versión lacada negra en Belle de jour (1967). Lo combinó con los célebres zapatos de hebilla cuadrada de Roger Vivier.

Catherine Deneuve en Belle de hour con un trench de Saint Laurent

Catherine Deneuve en Belle de jour con un trench de Saint Laurent

LA BLUSA

Saint Laurent continuó con ella su afán liberador y su primer modelo fue una blusa normanda en satén gris perla presentado en el invierno de 1962 e inspirado en la camisa campesina de Normandía.

La blusa, y su estilo, tampoco abandonaron nunca los diseños de Saint Laurent. Entre sus conjugaciones, el vestido como camisa algo larga de 1970, el vestido-camisa campesino de 1971, el abrigo “blusa de pintor” de 1974, blusas combinadas con trajes o trajes pantalón…

Parte de su éxito se debe al escándalo que provocó un modelo transparente de cigaline perteneciente a la colección de verano de 1968 y acompañado de un esmoquin con bermudas de alpaca negra.

Yves Saint Laurent Primavera-Verano 1966

Yves Saint Laurent Primavera-Verano 1966

EL ESMOQUIN
Con él, Saint Laurent subvirtió los códigos indumentarios de la noche, antes territorio de vestidos largos.

En vez de limitarse a copiar modelos masculinos, él propuso una relectura femenina de esta prenda. Su primer esmoquin lo presentó en 1966 y se componía de un pantalón recto, una camisa de organdí blanco con chorrera, un cinturón de satén y una chaqueta larga ajustada. Desde entonces, pasarela tras pasarela, presentó Saint Laurent un esmoquin, explorando sus posibilidades.

A veces solo conservaba algunos rasgos distintivos del original, como la pajarita, las solapas o el fajín de raso; otras veces los creaba combinados con shorts, faldas, bombachos, quimonos, monos, saharianas…

Así valoró Saint Laurent el triunfo de una de sus prendas estrella: En alta costura: éxito nulo. En prêt-à-porter: inmenso. Una de las que compró una versión prêt-a-porter del esmoquin Saint Laurent, en 1966, fue Françoise Hardy, y con él triunfó el Día de Acción de Gracias en un desfile organizado por Macy´s. Elsa Martinelli también llevó uno, de terciopelo negro, en el estilo de Mouche.

EL TRAJE DE CHAQUETA, CON FALDA O PANTALÓN
El primer modelo del desfile de la colección de verano de 1967 de Saint Laurent fue un traje pantalón, y con él inauguró el francés un género inédito y simbólico del nuevo poder de la mujer.

Su novedad no residió en la presencia del pantalón, presente en el guardarropa veraniego femenino desde los treinta, sino en la adaptación de su uso a todos los momentos del día; un uniforme, decía el diseñador.

Si el pantalón con pinzas y la chaqueta con anchura de hombros perfilada aportan masculinidad, las blusas de muselina y los cinturones-echarpe suponen el componente femenino. El primer modelo se confeccionó en gabardina de lana a rayas, combinándolo con una camisa cerrada por una corbata de color negro que subraya su origen masculino. Después llegó el traje compuesto por chaqueta larga y falda plisada a rayas, de franela.

Saint Laurent iría explorando todas las variaciones posibles del binomio masculino-femenino en esta prenda: los tejidos de tweed, gabardinas y lanas secas, cuellos bien picados, hombros estructurados (masculino) y las muselinas, el satén de seda para la blusa, las joyas, los colores vivos (femenino). Lauren Bacall solía elegir a Yves para sus pantalones.

LA SAHARIANA

Se trata de un clásico del equipamiento de safari que Saint Laurent reorientó por vez primera en el verano de 1966. En esa colección introdujo un atuendo compuesto por cazadora de ocelote, camisa y leggins de algodón y, en el verano siguiente, fue aún más explícito: África era su inspiración.

En mayo del 68, la sahariana de Saint Laurent sintetizó el espíritu de contornos intercambiables de lo masculino y lo femenino. En el verano de ese año, no por casualidad, una sahariana mítica con profundo escote con cordón aparecía en Vogue: era un modelo fuera de colección que vestía Veruschka.

Y en 1969, en la inauguración de la boutique Rive Gauche en Londres, posaron con sahariana Saint Laurent, Betty Catroux y Loulou de la Falaise: él, como túnica con cinto; Catroux, como minivestido con botas mosqueteras y Loulou con falda cruzada.

Saint Laurent, Betty Catroux y Loulou de la Falaise con sus saharianas

Saint Laurent, Betty Catroux y Loulou de la Falaise con sus saharianas

EL MONO
En el verano de 1968 llegó también la que fue quintaesencia de la reorientación de una prenda utilitaria por Saint Laurent. La usaban paracaidistas, aviadores, obreros, pintores y albañiles (y también algunos artistas constructivistas y futuristas) antes de que el diseñador presentase su modo de noche en punto de seda negro. Tuvo éxito y, en la temporada siguiente, ideó otro en forma de mono pantalón, también en punto de seda pero con lentejuelas.

Como en los anteriores tipos perfectos, Saint Laurent dio después distintas fisonomías al mono: ciñéndolo al cuerpo, haciéndolo flexible, en versión esmoquin, short, bermudas o como mono blanco con cremallera y con jareta en la cintura.

Betty Catroux lleva un mono de Saint Laurent en una de sus tiendas

Betty Catroux lleva un mono de Saint Laurent en una de sus tiendas

 

 

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Asuntos de familia y la ternura del humor negro http://masdearte.com/fuera-de-menu/asuntos-de-familia-y-la-ternura-del-humor-negro/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/asuntos-de-familia-y-la-ternura-del-humor-negro/#comments Tue, 01 Aug 2017 09:05:39 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=165119 No estamos demasiado acostumbrados a que nos los presenten y los tópicos, los prejuicios y la violencia hacen el resto, pero en el contexto israelí y palestino muchas familias hacen frente, además de a situaciones … Leer más

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Asuntos de familia. Maha HajNo estamos demasiado acostumbrados a que nos los presenten y los tópicos, los prejuicios y la violencia hacen el resto, pero en el contexto israelí y palestino muchas familias hacen frente, además de a situaciones y conflictos propios del lugar, a otros igualmente cotidianos pero universales: los derivados de la incomunicación entre parejas maduras que no tienen nada que decirse ni ganas de hacerlo, entre padres e hijos que no conectan, entre hermanos con distintas ambiciones en la vida… y entre los abuelos y el resto de su familia; con ellos la atención y la escucha son aún más extrañas que con el resto.

Esa incomunicación íntima se completa en Israel con una incomunicación pública que ocasionalmente desemboca en situaciones delirantes, pero la directora Maha Haj –que antes fue directora artística, y no deja de notarse en la belleza de los encuadres– ha elegido centrarse en su primera película, Asuntos de familia, en la primera, trascendiendo lo local sin borrarlo para apelarnos a todos con escenas de silencio familiar cómodas e incómodas que muy difícilmente resultarán extrañas a alguien. Ha conjugado, además, momentos para la ternura, para la inquietud, para el humor cálido y para el humor negro: los instantes de aproximación son pocos, pero uno de los más notables y significativos se da cuando, por fin, los padres de familia articulan palabra entre ellos para plantearse el divorcio, navegando en un romántico lago. Es entonces cuando sucede el milagro de que se rocen.

El devenir entre casas y familias y el toque surrealista de cada secuencia puede hacer de Asuntos de familia una obra ligera, y su duración contribuye a esa levedad, pero Maha Haj tampoco lleva al engaño: que plantee lo grave con sutileza o ironía no hace que esas distancias entre cercanos que se dan pereza dejen de ser importantes, de tener consecuencias. Algo apunta a que todos los miembros de esta familia (palestina residente en Israel, acomodada y no sumergida en los conflictos de la tierra) están solos y se sienten incomprendidos, a que la compañía –aunque sea de tu sangre o lleve décadas ahí, haciendo punto o mirando el ordenador– es más que nada una ilusión. La sensación resulta hasta cierto punto descorazonadora y hasta cierto punto no, porque en cualquier lugar la conocemos tan bien, que a duras penas nos conduce a la tristeza.

Todo está tan claro y hay tan poco que añadir, que Haj no ha necesitado banda sonora para contarlo. Es en soledad cuando florecen los deseos de los personajes: ver el mar, consolidarse como artista… En Israel, como en cualquier parte, las alambradas también se levantan dentro de uno y dentro de casa.

Asuntos de familia. Maha Haj

 

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Sugerencias de temporada: 10 propuestas para el mes de agosto http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-agosto/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-agosto/#comments Thu, 27 Jul 2017 21:38:48 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=164916   1. VOLVER. MUEBLES Y MÁS Si juntamos en un mismo local una tienda de muebles y decoración, un estudio de yoga y un lugar donde recibir una clase de ceviche, tenemos Volver, el espacio … Leer más

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planes y cosas que ver en agosto 2017

 

1. VOLVER. MUEBLES Y MÁS

Si juntamos en un mismo local una tienda de muebles y decoración, un estudio de yoga y un lugar donde recibir una clase de ceviche, tenemos Volver, el espacio creado por Magali Meier en Madrid. Podéis echar un vistazo a su catálogo de productos para daros cuenta de que se trata de un proyecto pensado para proporcionar bienestar físico y mental, una sensación que Meier quiere transmitir también a través de su colección de objetos nórdicos.

volverweb.com

 

2. BOCACALLE

En la calle Santa Teresa de Madrid encontramos este nuevo restaurante de aspecto informal y cocina inspirada en la street food. Esta idea no debe sin embargo confundirnos, porque estamos hablando de elaboraciones y presentaciones cuidadas que llevan la firma de Dani Álvarez. El local, decorado con murales intervenidos por Boamistura, deja ver en el centro de la sala la cocina, como si de un puesto callejero se tratara. Entre sus delicias: fish and chips, el astur taco, el pez limón o el rissotto oceánico.

www.bocacallest.com

 

3. CHILLYS. UN ALIADO CONTRA EL CALOR

Tu bebida fresca durante 24 horas. Suena bien y es lo que nos ofrece esta botella realizada en acero inoxidable de alta calidad, que además se presenta en varios modelos para que cada uno encuentre la que mejor vaya con su estilo. La Botella Chilly’s se creó para ofrecer un producto que combinara la comodidad de una botella de plástico con la alta tecnología y los beneficios eco-friendly de un termo convencional. Y para los que no renuncian a su bebida caliente, aunque sea verano, Chilly’s también es capaz de mantener el calor durante 12 horas. Como veis, sus creadores, los londinenses James Butterfield y Tim Bouscarle, han pensado en todos los escenarios posibles para que su producto se convierta en el mejor aliado de muchos.

www.chillysbottles.com

 

4. LA SEDUCCIÓN

Este es uno de los estrenos más esperados del año. Sofia Coppola firma esta versión de El seductor de Don Siegel (1971), con un reparto encabezado por Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning y Colin Farrell, que le valió el Premio a la Mejor Dirección en la pasada edición de Cannes. La historia de La seducción (The beguiled) nos traslada a plena Guerra de Secesión y la trama tiene lugar dentro de un internado de chicas -dirigido por el personaje que interpreta Nicole Kidman-, donde un soldado de la Unión herido encontrará refugio, además de tensión sexual, peligrosas rivalidades y una serie de sucesos que pondrán la institución patas arriba…

 

5. LO NUEVO DE ARCADE FIRE

Aparecieron por sorpresa en el Primavera Sound de Barcelona y al día siguiente anunciaron su nuevo disco, Everything now, que ve la luz el 28 de julio. Hasta que podamos escucharlo íntegramente, aquí os dejamos el adelanto del tema que da nombre a todo el disco. La grandiosidad ambiental de Arcade Fire se deja ver también en la edición de este nuevo trabajo, que presenta veinte opciones de artwork diferentes. El disco está producido por el propio grupo junto a Thomas Bangalter de Daft Punk y Steve Mackey, con co-producción de Markus Dravs.

www.everythingnow.com

 

6. DESERT CITY

En San Sebastián de los Reyes, a las afueras de Madrid, acaba de abrir sus puertas Desert CITY, un centro multifuncional de más de 16 000 m² construidos, que alberga un jardín  botánico experimental de más de 5000 m², donde se pueden contemplar desde cactus hasta plantas autóctonas del clima mediterráneo como la lavanda o el romero. El jardín se articula en diferentes zonas que, metafóricamente, evocan desiertos de todo el mundo y en él encontramos, además de los cactus, otras especies xerofíticas. Se trata del primer vivero biotecnológico especializado en xeropaisajismo, que cuenta con espacios de I+D, un laboratorio y terrazas-mirador.

desertcity.es

 

7. FAEMINO Y CANSADO

El humor absurdo, pero inteligente y sin complejos, de Faemino y Cansado no pasa de moda y por eso siguen llenando las salas donde actúan. Los próximos meses -hasta diciembre- estarán girando por varias ciudades de nuestra geografía. Si nunca los habéis visto en directo, os lo recomendamos, porque es toda una experiencia, y si ya los conocéis, sabéis que la risa con ellos está asegurada. Podéis consultar el calendario de sus espectáculos en su web:

www.faeminoycansado.com

 

8.  LA TERRAZA MAGNÉTICA

La Casa Encendida no cierra por vacaciones. Este verano, hasta el 27 de agosto, su Terraza magnética acogerá una selecta programación de cine y conciertos al atardecer. Las noches de los sábados presentan un ciclo audiovisual que disecciona la fiesta en todas sus épocas y formas, tan variadas e inesperadas como sus habitantes. Con todo lo bueno y lo malo que puede tener una noche de fiesta… Los domingos, conciertos: Niet!, John Gómez, Manu Louis y Tolouse Low Trax. Sin duda esta es una de las propuestas más ecléctica y atractiva de la ciudad.

www.lacasaencendida.es

 

9. KATE PUGSLEY

Nos gustan los diseños e ilustraciones de esta artista de Chicago y por eso queríamos compartir con vosotros su web y su tienda, en la que se pueden adquirir algunos de sus trabajos, postales o cuadernos. Pugsley trabaja para firmas y editoriales como Flow Magazine, Chronicle Books, The New York Times, Land of Nod, United Nations, Tiffany & Co., Everlane, Penguin Random House, 3M, Lenny Letter…

www.katepugsley.com

 

10. DIVERTIRSE SIN PANTALLAS

¿Pensando en cómo dejar que los niños que se entretengan experimentando y creando con sus propias manos? La solución puede ser el libro 150 actividades para jugar sin pantallas, de la autora Asia Citro. Las actividades que propone esta madre de dos niños y creadora del blog www.funathomewithkids.com desarrollan la creatividad y la habilidad de los más pequeños (y cuando decimos esto es que estamos hablando de juegos incluso para bebes), y además sin tener que hacer grandes gastos en materiales. En este libro podemos encontrar “recetas” para hacer plastilina casera, nubes, pintura de espuma de afeitar, volcanes en erupción o su propio océano. Como curiosidad, y puesto que algunos de los experimentos se hacen con alimentos, cuenta con varias categorías pensadas para niños con alergias e intolerancias.

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Dunkerque, así huele la angustia http://masdearte.com/fuera-de-menu/dunkerque-christopher-nolan/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/dunkerque-christopher-nolan/#comments Thu, 27 Jul 2017 15:57:09 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=164904 Casualmente o no (probablemente tendrá relación con el contexto político), coinciden en los cines dos películas que recrean, con cierto tono patriótico no exacerbado, el sufrimiento que la II Guerra Mundial causó en el Reino … Leer más

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Dunkerque. Christopher NolanCasualmente o no (probablemente tendrá relación con el contexto político), coinciden en los cines dos películas que recrean, con cierto tono patriótico no exacerbado, el sufrimiento que la II Guerra Mundial causó en el Reino Unido, desde dos puntos de vista: el de quienes padecieron los bombardeos en Londres (Su mejor historia) y el de los que los sufrieron en el continente, esperando – y desesperando- hasta ser evacuados a su país desde el otro lado del Canal de la Mancha (Dunkerque).

Si en la primera película el episodio terrible de Dunkerque aparece como telón de fondo en el proceso de rodaje de otro filme (cine dentro del cine), en la obra de Christopher Nolan -vamos a arriesgarnos a decir ya que quizá sea lo mejor que nos ha ofrecido hasta ahora- la agonía de los decenas de miles de soldados británicos esperando regresar a su país se nos muestra con efectividad pero sin efectismos, con emoción pero contenida, y sobre todo con mucha empatía hacia esas generaciones de jóvenes expuestos a una tensión que parece inimaginable pero que el director ha logrado acercarnos con una precisión terrible y trepidante: la de ver su tierra a la vista y no poder nunca llegar a ella por los continuos ataques alemanes a sus barcos.

De la voluntad de Nolan de no hacer de Dunkerque un relato bélico de enfrentamiento nos habla el hecho de que no veamos nunca el rostro de un alemán: la cámara se centra en enseñarnos las facciones, entre el anhelo y el cansancio infinito, del ejército inglés sometido a la incertidumbre de si morirán antes de volver a su país, y también las caras más idealistas de un padre (Mark Rylance, el genial escéptico de El puente de los espías), un hijo y un amigo de este que, imbuidos de patriotismo y ganas de ayudar, parten al mar con su embarcación familiar para rescatar a todo el que puedan.

Esa era su situación desesperada inmediata, pero conviene recordar, y en Dunkerque se hace muy presente, que la situación no pintaba mejor a largo plazo: la evacuación pretendida era la de soldados perdedores de una durísima batalla que regresaban a su país para, quizá, hacer frente después a un hipotético desembarco alemán en el Reino Unido que, en la primavera de 1940, no parecía en absoluto descabellado.

Nolan logra mantenernos en un suspenso constante dejando los diálogos hasta cierto punto a un lado y llevando nuestra atención a ojos y gestos, haciendo de ellos los canales expresivos de un infierno. Le ayudan mucho y bien en la tarea las grises imágenes de una playa que parece el fin del mundo gracias a la fotografía de Van Hoytema y una banda sonora, perfectamente adaptada en sus golpes de fuerza a los momentos de tensión, a cargo de Hans Zimmer.

Dunkerque es una película grande por dentro y por fuera, porque sabe conjugar épica e intimismo, y también es un elogio a las valentías anónimas de soldados y civiles. Lo tiene todo para convertirse en clásico, también ese toque de cándido elogio al sacrificio patriótico o ético acentuado en el desenlace.

 

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Cine de los ochenta para acompañar a Miguel Trillo y Espacio P http://masdearte.com/fuera-de-menu/cine-de-los-ochenta-para-acompanar-miguel-trillo-y-espacio-p/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/cine-de-los-ochenta-para-acompanar-miguel-trillo-y-espacio-p/#comments Tue, 25 Jul 2017 21:24:50 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=164758 Ya os hemos adelantado que este verano se presenta ochentero en el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles: allí podemos ver, desde el pasado junio, muestras dedicadas al primer espacio creativo autogestionado de … Leer más

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Ya os hemos adelantado que este verano se presenta ochentero en el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles: allí podemos ver, desde el pasado junio, muestras dedicadas al primer espacio creativo autogestionado de Madrid, Espacio P, vigente entre 1981 y 1997, y a los primeros trabajos de Miguel Trillo, los que mostró precisamente en las que fueron sus dos primeras individuales, ambas celebradas en Madrid: “PopPurri. Dos años de música pop en Madrid” y “Fotocopias. Madrid-London”, que tuvieron lugar en 1982 y 1983, respectivamente.

Pues bien, ahora que es posible que tengáis más tiempo para ver cine en casa, os proponemos otro viaje a los ochenta, este cinematográfico. Elegimos una decena de películas de aquella década que pueden ser un buen complemento a las muestras del CA2M o simplemente un entrenamiento para la melancolía de los nostálgicos:

TORO SALVAJE

¡No pudiste conmigo, Ray! ¿Recordáis a Robert de Niro interpretando al boxeador Jake La Motta, el toro del Bronx? La idea de filmar su historia partió de Robert de Niro, que tentó a Scorsese con el proyecto bastante tiempo hasta que el director se dejó convencer y rodó Toro Salvaje en 1980, dicen que volcando algunas experiencias propias en las tendencias autodestructivas de La Motta.

La película no narra tanto la vida del boxeador como la historia de un hombre cuesta abajo, que se arruina a sí mismo y procede del ambiente de inmigrantes italianos que Scorsese conoció bien en su infancia.

La interpretación de De Niro tiene algo de magnética y bastante de espantosa, por lo convincente de su interpretación de un hombre tan violento con los demás como consigo mismo (al parecer recibió clases del propio La Motta). Logró un Óscar y sedujo tanto como las cualidades formales de esta obra, su sonido retocado y la fotografía en blanco y negro de Michael Chapman, cercana, por lo despiadado, al neorrealismo italiano.

Logró transmitir De Niro que, para La Motta, los golpes eran más que un oficio y una compensación: eran un medio de comunicarse.

FITZCARRALDO

Esta peli que le valió la Palma de Plata en Cannes a Werner Herzog, en 1982, como Mejor Director, viaja al Amazonas de principios del siglo XX, etapa en la que se produjo allí algo parecido a la fiebre del oro: el mercado de este producto florecía, lucraba mucho a unos pocos, y mientras Fitzcarraldo -aquí interpretado por Klaus Kinski- soñaba con construir una ópera en el corazón de la selva.

Sus planes parecen disparatados y esta película es la historia de esa obsesión. Dadas las dificultades de rodar en la selva -y eso que ya la conocía bien, gracias a Aguirre, la cólera de Dios- Herzog lo tuvo todo en contra, desde el abandono de Jason Robards y Mick Jagger, que iban a ser personajes principales, hasta inundaciones, mordeduras de serpientes y el estallido de la guerra entre Perú y Ecuador.

Cuentan, incluso, que Kinski, el Fitzcarraldo final, protagonizaba ataques de ira tan intensos que un jefe indio se ofreció a matarlo si Herzog le daba la venia. La cuestión es que, quizá por ese carácter, el actor resultó idóneo para el personaje, un visionario solitario que coqueteaba con la locura. Las imágenes de una naturaleza salvaje son, asimismo, sobrecogedoras.

Klaus Kinski en Fitzcarraldo

Klaus Kinski en Fitzcarraldo

FANNY Y ALEXANDER

El meollo de Fanny y Alexander nos lo acercaba Bergman en su comienzo: un niño contempla un teatro de marionetas y desmonta, paso a paso, su decoración. Este chico es el alter ego del director, bajo cuya mirada se desarrolla el drama de la película.

Fanny y Alexander son miembros de una familia que dirige un teatro en una ciudad sueca, un tanto adormecida, a principios del siglo pasado. La abuela dicta las normas con la sabiduría y paciencia que le da su edad y Alexander sueña con fantásticos juegos y con hacerse profesional de los escenarios pero, cómo no, algo trastoca sus planes: la muerte de su padre.

Al año del fallecimiento, su madre contrae matrimonio con un severo obispo y renuncia a su carrera como actriz. El nuevo hogar de Fanny y Alexander nunca sería tal: los chicos viven intimidados por el puritanismo (pero logran escapar).

Al hablar de la necesidad del teatro, Bergman se refería a la necesidad de la imaginación en cualquier vida humana. Parte de la originalidad de la película reside en los encuentros de Alexander con el espíritu de su padre, que no casualmente había muerto de un infarto en un ensayo de Hamlet.

Aquí se entrelazan lo cotidiano y lo sobrenatural, imágenes austeras y barrocas; dicen que para el director sueco esta obra supuso un balance de su carrera: fue su último largometraje para el cine y la primera película extranjera en llevarse cuatro Óscars. Se fecha, por cierto, en 1982.

 

EL PRECIO DEL PODER

A lo mejor recordáis este Scarface (1982-1983) por su escena final, con Al Pacino como Tony Montana en las escaleras de su mansión, con más agujeros en el cuerpo que un queso Gruyère, disparando metralleta en mano. Su muerte fue tan cruel como su vida. Por eso algunos entienden esta peli dirigida por Brian de Palma como una obra de acción más bien brutal, pero aquí hay más.

La incapacidad de Montana de sentirse alguien sin recurrir a la violencia y su humillación frente a quienes más quiere dan a El precio del poder un cariz dramático. Las críticas cosechadas por esta versión del clásico de Howard Hawks fueron regulares, precisamente por su violencia explícita, pero sí algo destaca aquí es el retrato de la cara oscura de las ansias de poder y riqueza: el principio del fin que conllevan los excesos. Montana es un alma perdida que, como su madre pronosticó, destruye lo que ama.

Y dado que Oliver Stone fue el guionista, también hay en este filme una dimensión política acentuada.

BLADE RUNNER

Está a punto de estrenarse su última versión (será en octubre), pero el primer Blade Runner (1982) nos trasladaba a un futuro para el que ya no queda mucho: Los Ángeles, 2019. Rascacielos como templos se pierden en un cielo contaminado; en ellos se refugian los blancos, el resto de razas pueblan las calles. Quienes han podido han emigrado a colonias del mundo exterior y, para colonizar esos nuevos planetas, la Tyrell Corporation diseñó los replicantes, androides que tienen prohibido visitar la Tierra. Pero algunos no obedecen la orden y los blade runner deben buscarlos y destruirlos.

Hay quien ve en esta trama una alusión al día del Juicio Final, en el que solo los inocentes escapan del infierno; pero, en fin, es una hipótesis, y son tantas las alusiones filosóficas y teológicas de esta historia que nadie podría negarlo.

Harrison Ford daba vida al mejor blade runner, que vuelve al servicio tras hallarse cuatro replicantes en Los Ángeles. Esta peli, inspirada en una novela de Philip K. Dick, fue paradójicamente un fracaso comercial y, con el tiempo, un hito de la ciencia ficción.

Se trata de un cuento filosófico algo deprimente con decorados extraordinarios, una iluminación muy sofisticada y una banda sonora de Vangelis para la que faltan los adjetivos.

Blade Runner ha cumplido 35 años

Blade Runner ha cumplido 35 años

EL CONTRATO DEL DIBUJANTE

¿Amáis u odiáis a Peter Greenaway? En 1982 nos trasladó al s. XVIII en El contrato del dibujante, la historia de Neville, contratado por la señora Herbert para dibujar su finca y para lo que se tercie. La situación degenera, o genera, una trama policial con muertos mediante, el propio Neville incluido (al final sabemos que se esperaba de él un heredero).

La interpretación de la trama no es cerrada: el espectador tiene mucho que decir. Aquí hay reflexiones sobre la imposibilidad del conocimiento, la batalla perdida del naturalismo, la superficialidad y el artificio, y referencias a la pintura y la literatura clásicas. Una curiosidad: el propio director es autor de los dibujos de Neville.

Peter Greenaway. El contrato del dibujante

Peter Greenaway. El contrato del dibujante

EL CUARTO HOMBRE

Recordad Elle y pensad en el atrevimiento de Paul Verhoeven. Él dirigió, en 1983, El cuarto hombre, la historia de un escritor interpretado por Jeroen Krabbé que no sabe bien si sufre alucinaciones o es víctima de una conspiración: ¿paranoia o realidad?

Por contagio, tampoco los espectadores llegamos a saber a ciencia cierta si el protagonista, que además tiende a beber de más, delira o vive de verdad experiencias terribles.

Lo más provocador de la película, en sí no apta para espíritus cándidos, es el tratamiento de los símbolos religiosos, por la ausencia de tabúes. En su momento causó furor y premios.

TERCIOPELO AZUL

¿Estabaís pensando que nos olvidábamos de Lynch? En Terciopelo azul (1985), la cámara recorre Lumberton, un pueblo estadounidense de gente amable y tulipanes en flor. En medio de ese entorno bucólico, Kyle McLachlan encuentra una oreja humana devorada por hormigas, elemento fascinante en ese contexto y su billete de entrada en otro mundo.

Quien investiga el caso es Laura Dern y los primeros pasos de la investigación les conducen a Isabella Rossellini.

Esta es una película sobre la mirada en la que la cámara desempeña el papel de ojo y el voyeur siente el placer que le da el poder y la excitación de ser a veces cómplice y a veces expulsado, hasta convertirse, en el desenlace, en el testigo impotente de un acto brutal.

Por esa escena suele compararse a Terciopelo azul con Psicosis, también en cuanto a relevancia cinematográfica en sus respectivas décadas.

En su estreno suscitó controversia, pero… contribuyó a que viésemos a Lynch como visionario del cine moderno y a Isabella como mucho más que la hija perfecta de Ingrid Bergman.

 

SACRIFICIO

Esta obra de Tarkovski, de 1986, es una película contemplativa en la que toda la trama sucede en un día, más o menos, y en una casa junto al mar. Podemos considerarla una película testamentaria del director, que cuando la filmó sabía que tenía cáncer terminal, y reflexiona sobre los temas habituales en su trayectoria: el sentido de la vida, la espiritualidad perdida en el mundo contemporáneo, el temor a la muerte (peor que la muerte misma, pensaba) o las carencias del progreso. El título procede de la idea de Tarkovski de que la integridad moral se logra ofreciéndose a uno mismo en sacrificio.

Como no podía ser de otra forma hablando del cineasta, no hay aquí concesiones al entretenimiento ni la estética frívola, sí a los simbolismos, pero la fotografía es deliciosa.

 

INSEPARABLES

En este filme de David Cronenberg, fechado en 1988, Jeremy Irons da vida a unos gemelos univitelinos, ambos prestigiosos médicos especializados en fertilidad. Uno de ellos mantiene una relación con una de sus pacientes, a quien no puede ayudar, pero cuando se cansa de ella, no tiene inconveniente en que su hermano le sustituya. Hasta que él también se enamora de ella -ella, a todo esto, es Geneviève Bujold- y el equilibrio entre gemelos se tambalea.

Cronenberg cree -en su cine lo ha demostrado más de una vez- que cuerpo y alma son inseparables y que si solo valoramos uno, como suele hacerse en medicina, el otro puede resentirse. Así, en Inseparables aborda la renuncia a la identidad y su pérdida como procesos malignos asociados a la decadencia física.

Jeremy Irons como un par de peligrosos gemelos en Inseparables

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