masdearte. Información de exposiciones, museos y artistas » Fuera De Menu http://masdearte.com masdearte es una revista online pionera en España. Desde el año 2000 ofrece información actualizada a diario sobre exposiciones, artistas, museos, agenda, convocatorias... Fri, 23 Jun 2017 12:34:47 +0000 es-ES hourly 1 La vida de Anna o cómo no torcerse cuando vienen curvas http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-vida-de-anna-nino-basilia/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-vida-de-anna-nino-basilia/#comments Tue, 20 Jun 2017 16:45:09 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=163590 De Europa del Este nos viene llegando en los últimos años un cine de realismo social austero en las formas, directo en el lenguaje y bien denso y atrevido en los contenidos: Rumanía venía despuntando … Leer más

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La vida de AnnaDe Europa del Este nos viene llegando en los últimos años un cine de realismo social austero en las formas, directo en el lenguaje y bien denso y atrevido en los contenidos: Rumanía venía despuntando con fuerza gracias a Cristian Mungiu, Calin Peter o Corneliu Porumboiu. Desde el otro lado del mar Negro, desde Georgia, recibimos ahora la primera película de la directora Nino Basilia: La vida de Anna, un depurado y soberbio ensayo sobre las dificultades de mantener la ética y la estética cuando la vida se empeña en no ponernos nada fácil, en empinarse cada vez más un día detrás de otro.

Anna es una joven cualquiera que parece sometida al reto del santo Job. Huérfana, se encarga de cuidar a su abuela con síntomas de demencia y a un hijo autista del que su padre ha evadido responsabilidades porque dice no ser capaz de mirarlo. Su trabajo fregando platos y limpiando casas apenas le permite llegar a fin de mes y ella sueña con escapar de sus circunstancias-cárcel emigrando a Estados Unidos. Pero si su día a día es un castigo, el deseo de marcharse se los traerá mayores: sin rozar la avaricia, rompió el saco.

En el camino de su desdicha, Anna trata de mantenerse íntegra sin sucumbir al dinero fácil, al robo fácil también, y a las dádivas con trampa, y rebelándose contra un sistema de ayudas sociales que exige la indigencia extrema para tener derecho a cierta protección. Pero la cadena de maltratos de la vida de los que Anna es víctima tiene inevitablemente consecuencias y quien se cobra su precio es el pretendiente de ella, siempre a la puerta de su casa para recibir su desprecio o su crueldad y para hacer lo que Anna le pide. Apenas escuchamos su voz, pero él viene a recordar al espectador, como el pobre que llama a su puerta para recibir lo que caiga con una excusa distinta cada vez, que siempre hay quien recoge las hojas que otro arrojó, que la desgracia de esta mujer es incontestable pero que aún las hay peores. Cada una con sus consecuencias, las emocionales y las materiales, porque ambas le interesa a Basilia que sean retratadas.

Las aristas de la vida de Anna, luchadora constante por seguir adelante, madre y nieta paciente las más de las veces y maltratadora psicológica ocasional; los gestos vergonzosos de su ex pareja por limpiar su conciencia, el reflejo de las trampas de las mafias de la inmigración y, en general, del abuso infligido al pobre por quien cree que todo se compra con dinero hacen de esta ópera prima un filme sabio que deja entrever con bastante nitidez que cualquier transformación social pendiente debe conllevar una transformación ética.

Hay mucho de humanista y de contundente en esta película, en la que no sale nunca el sol y casi todos optan por la supervivencia a cualquier precio, hasta que acaba con un rayo de esperanza.

 

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Compra menos, escoge bien y hazlo durar http://masdearte.com/fuera-de-menu/compra-menos-escoge-bien-y-hazlo-durar/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/compra-menos-escoge-bien-y-hazlo-durar/#comments Tue, 13 Jun 2017 13:13:45 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=109944 Seguramente nunca la ecología ha sido tan necesaria, por eso crecen las voces que demandan que el consumo lógico de moda sostenible no sea tendencia, sino simplemente un ejercicio de sentido común. Se calcula que … Leer más

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Seguramente nunca la ecología ha sido tan necesaria, por eso crecen las voces que demandan que el consumo lógico de moda sostenible no sea tendencia, sino simplemente un ejercicio de sentido común. Se calcula que la moda ética viene creciendo a un ritmo de un 30% anual, y tras varios años haciendo oídos sordos, la mayoría de las empresas están tomando nota. Una señal (otra más) de que los consumidores tenemos mayor poder, a través de lo que compramos, del que creemos y del que hemos descubierto.

HM Conscious

HM Conscious

Es posible que lo que compramos y la frecuencia en la que lo hacemos cambiase si, además de pensar en el producto que adquirimos, reflexionásemos sobre el proceso del que es fruto: distribución, embalaje, confección, corte, tintado, selección o cultivo de materias primas…y en el impacto medioambiental que esos pasos ocasionan.

Cuando Katherine Hamnett, pionera de la moda ecológica en Gran Bretaña, inició a finales de los ochenta sus estudios sobre el impacto de la industria textil en la naturaleza, comprobó las consecuencias sociales y medioambientales del cultivo masivo del algodón, lo que cambió su forma de hacer ropa para siempre. Al principio se rechazaron sus ideas por radicales, no logró el compromiso de las empresas con las que trabajaba y tuvo que dejar de producir, pero en 2004 retomó su labor, controlando el proceso para que todos los peldaños de su cadena de abastecimiento fueran respetuosos con la naturaleza y se pagase justamente a los trabajadores de comunidades africanas que producen sus fibras naturales. El resultado llegó a largo plazo: logró posicionarse como experta en manufactura ética, medioambiental y sostenible.

Según estudios recientes, a la mitad de los británicos les preocupa el impacto medioambiental de lo que compran; al 85% la explotación laboral y al 95% el trabajo infantil; queda por analizar hasta qué punto esos datos inciden en la cuota de mercado de las firmas. Además, diversas firmas están logrando que los productos ecológicos y éticos o de comercio justo, a los que asociamos una imagen tradicionalmente menos lograda que al resto, sean muy deseables.

En 2005 Bono y su mujer pusieron en marcha Erdun, firma ecológica y de comercio justo que trabaja con comunidades de Perú, Tunez, India, Kenia, Uganda o Madagascar, entre otros países, con precios desde 30 a 400 euros. La firma Sans trabaja con soja, algodón orgánico y seda salvaje en prendas modernas y apetecibles; compra tejidos en siete países y recicla materiales, y Osklen, Noir o Lutz & Patmos han cultivado el lujo ecológico.

Como es bien conocido, Stella McCartney no usa pieles ni cuero, sí algodón orgánico, e intenta que sus materiales sean lo más naturales posible. También creó la primera línea cosmética de lujo. Por su parte, People Tree logró pasar a la historia como la primera marca de comercio justo que accede al mercado masivo (vende en Oxford Street).

En la red, la moda verde se extiende con más facilidad y paralelamente organizaciones como Intermón Oxfam, Ideas, Greenpeace o Ecología y desarrollo trabajan por integrar criterios de sostenibilidad en el sector textil. También existen líneas ecológicas en firmas de yoyería, lencería y accesorios.

Cada vez son más las líneas de gran consumo que trabajan con algodón orgánico o lanzan líneas en esta fibra. Según Hamnett, este material cuenta con enormes ventajas sociales porque se calcula que unas 20.000 personas mueren al año por intoxicaciones accidentales producidas por pesticidas en la producción convencional. Es importante que este tipo de artículos lleven certificados de organizaciones internacionales que garanticen su origen y certifiquen que, verdaderamente, son prendas libres de tóxicos.

Kenzo. No fish, no nothing

Kenzo. No fish, no nothing

En 2006, Greenpeace involucró a las marcas en la campaña Moda sin tóxicos, que demandaba la aprobación de una ley que hiciera responsable a la industria química de sus sustancias y controlar las que afecten a la salud y al planeta. Entonces aceptaron el reto de diseñar ropa sin tóxicos Agatha Ruiz de la Prada. Ion Fiz, Carlos Díez, David Delfín, Carmen March…

Inditex analizó sus tejidos y buscó otros similares libres de tóxicos, demostrando que la sustitución es viable, y Mango y Camper acordaron con Greenpeace trabajar para hacer esa sustitución también. En junio de 2007 entró en vigor una nueva legislación europea sobre sustancias químicas que no incorporaba todas las demandas que las asociaciones ecologistas realizaban pero sí suponía un avance respecto a la ley anterior (con más de cuatro décadas de vigencia) y recomendaba a las empresas trabajar sin tóxicos.

¿CUÁNDO PODEMOS DECIR QUE UNA FIRMA ES ECOLÓGICA?
Cuando en toda su cadena de abastecimiento se respeta el medio ambiente, reciclando, sustituyendo tóxicos, usando sustancias biodegradables cuando sea posible y cultivando sin pesticidas. El comercio ético garantiza, además, que se respetan los derechos de los trabajadores en cada peldaño de la cadena y el comercio justo va más allá: los comerciantes se asocian con productores en países del Tercer Mundo para lograr el desarrollo (sostenible) de sus comunidades desfavorecidas.

Con un intercambio comercial justo, ponen comida en las mesas y permiten que vivan y trabajen con dignidad.

¿QUÉ PODEMOS HACER INDIVIDUALMENTE?
Tomar conciencia del problema, para que la industria también lo haga. Si nos mantenemos alerta ante estas cuestiones y evitamos comprar en las firmas que sabemos que no tienen voluntad de cambio, la industria tomará nota.

Evitar el consumo absurdo. Implica un gasto energético y en materias primas muy grande y fácilmente controlable. Es preferible comprar poco y bien, lo que necesitemos y deseemos, pero con cabeza.

Comprar orgánico, de comercio justo y ético, siempre que tengamos la alternativa. Aunque ahora sea un poco más caro, con el tiempo y el crecimiento de los consumidores estas prendas se harán más asequibles y entrarán con más empuje en el mercado masivo.

Lavar las prendas en frío con la lavadora cargada (cuando sea posible) y secar de forma natural, para ahorrar energía.

Reciclar la ropa. Según algunas encuestas, consumimos el doble de kilos anuales de ropa que hace diez años. Tal volumen genera un importante problema de residuos.

Si eres un joven diseñador con preocupaciones ecológicas, investigar materias primas y procesos y familiarizarte con las certificaciones medioambientales y su significado.

Apoyar lo artesanal y las formas de producción con menor impacto medioambiental.

 

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Paula: recuerdo artístico, reivindicación social http://masdearte.com/fuera-de-menu/paula-modersohn-becker-christian-schwochow/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/paula-modersohn-becker-christian-schwochow/#comments Fri, 09 Jun 2017 14:26:25 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=163336 ¿Habíais oído hablar de Paula Modershon-Becker, o Paula Becker a secas? Aunque el estilo de esta pintora alemana recoja múltiples influencias, fruto del tiempo que pasó en París, podemos considerarla expresionista precoz, y cuenta con … Leer más

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Paula. Christian Schwochow¿Habíais oído hablar de Paula Modershon-Becker, o Paula Becker a secas? Aunque el estilo de esta pintora alemana recoja múltiples influencias, fruto del tiempo que pasó en París, podemos considerarla expresionista precoz, y cuenta con museo propio en Bremen, aunque no es demasiado conocida fuera de su país.

Al menos hasta la llegada de Paula, de Christian Schwochow (Al otro lado del muro), una película que rastrea la fase final de su breve vida: la transcurrida desde su formación en la colonia artística de Worpswede y el descubrimiento de que sus intereses creativos se alejaban bastante del gusto dominante, hasta su muerte, con solo 31 años, cuando comenzaba a ser respaldada por su entorno y acababa de dar a luz.

La historia de Paula es la de un esfuerzo ímprobo: el de poder pintar y vivir como quería de una artista que, además, tampoco renunciaba a que su obra gustase y a poder vivir de ella. Y todo esto, que ya requiere infinitos sudores hoy, en la primera década del s XX, cuando el propio artista encargado de enseñarle a pintar – con exactitud y fidelidad – podía cortarle paralelamente las alas diciéndole que como mujer no podía producir nada creativo, más allá de hijos.

En la película, Schwochow integra la reivindicación social y la creativa de Paula como mujer y Paula como artista, hasta hacerlas indisociables. Nos muestra en paralelo su lucha por consolidar su estilo personal, el sencillo, el que invitaba a los expresionistas a pintar no lo que veían sino lo que sentían; y la evolución de su matrimonio, ante el difícil encaje de sus deseos de libertad con el carácter más tradicional de su marido, el también pintor Otto Modershon.

Aunque si por algo destaca Paula es por la captación de los ambientes bohemios parisinos que frecuentó Becker cuando acudió a formarse en París, con la compañía de su gran amiga Clara Westhoff, que fue pareja de Rilke, otro apoyo para la artista en Francia. La fotografía de la película, tanto en sus paisajes bucólicos como en los interiores de aire enfermizo de París, tiene mucho de pictórica, y la vitalidad que el filme transmite, incluso en los momentos más bajos de Paula, recuerda en todo momento que esa vida convulsa y llena de retos era la de una mujer osada que rondaba los treinta. Aquí hay más sentimiento que guion.

La obra de Schwochow es una invitación para conocer mejor su trabajo, porque, como ocurre con el filme de Marie Noëlle sobre Marie Curie, la defensa de la creatividad y el esfuerzo femeninos en entornos hostiles y lo sentimental ganan en protagonismo a la labor en sí de la científica y la pintora, que se apunta con más profundidad, no obstante, en el caso de Paula. Esta es la web de su Fundación: www.pmb-stiftung.de

Paula. Christian Schwochow

 

 

 

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De la ópera decimonónica al estadio: la democratización de los espacios musicales http://masdearte.com/fuera-de-menu/de-la-opera-decimononica-al-estadio-la-democratizacion-de-los-espacios-musicales/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/de-la-opera-decimononica-al-estadio-la-democratizacion-de-los-espacios-musicales/#comments Thu, 08 Jun 2017 13:30:41 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=163284 Mirando la cuestión desde el punto de vista actual, podríamos entender que, en la segunda mitad del s. XIX, la estructura y el funcionamiento del Palacio Garnier, la sede de la ópera de París, eran … Leer más

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Palacio Garnier. Ópera de París

Palacio Garnier. Ópera de París, 1861

Mirando la cuestión desde el punto de vista actual, podríamos entender que, en la segunda mitad del s. XIX, la estructura y el funcionamiento del Palacio Garnier, la sede de la ópera de París, eran profundamente arcaicos. A quienes adquirían las entradas más baratas ni siquiera se les permitía acceder por la puerta principal o subir por la escalera, sino que tenían que usar las puertas laterales, y debían mantenerse a considerable distancia de quienes habían comprado las caras. Además, su proyecto original preveía un inmenso pabellón para uso exclusivo de Napoleón III, junto con una entrada reservada al carruaje imperial con mucho espacio para guardaespaldas.

Pero cuando este palacio se construyó, en el verano de 1861, no era ni mucho menos tan obvio que esta clase de teatro de ópera tuviese los días contados, por más que en paralelo Wagner defendiera el acceso popular a la música y que las clases medias se encontraran en crecimiento. Los que se levantaron en todo el mundo en esa segunda mitad del s XIX (Buenos Aires, San Petersburgo, Viena, Praga, Budapest, Manaos, Río de Janeiro…) se parecen bastante al de París y estaban fundamentalmente diseñados para que la alta sociedad se reuniera en lugares agradables y disfrutara de una forma de arte considerada elitista y un signo de distinción cultural. La idea de acudir a estos espacios pensando participar de un acto revolucionario en el sentido wagneriano era inexistente, y a esa experiencia enlatada contribuía la reducción paulatina del repertorio operístico representado, reducido en esa época a unas 120 obras, todas de compositores fallecidos. En los más de veinte años que Rudolf Bing estuvo al frente de la ópera del Metropolitan de Nueva York solo pudo estrenar tres piezas, y llegó a decir: Somos como un museo, mi función es presentar viejas obras maestras en marcos contemporáneos.

El Teatro de Bayreuth, aunque pareciese mirar más hacia el futuro, tampoco era tan diferente a ellos como a primera vista parece. La intención original de Wagner era que su entrada fuera gratuita, pero aquel idealismo chocó, como siempre, con cuestiones financieras, y cuando el músico dependió del público de pago y de Luis II para sacar el proyecto de este teatro a flote, los asistentes a él empezaron a parecerse a los del resto de Europa (quizá su gusto fuese algo más refinado unas veces, más resistente otras).

Teatro de Bayreuth, 1876

Teatro de Bayreuth, 1876

Dice George Bernard Shaw que el éxito que cosechó la primera edición del Festival de Bayreuth desanimó a Wagner, que con él había intentado escapar a los condicionantes comerciales y sociales habituales en las empresas teatrales, poniendo la música al alcance del pueblo llano.

Un espacio más prometedor, en lo que a alcance social se refiere, que las óperas, eran las salas de conciertos. Durante el s. XVIII eran programados y disfrutados por las capas altas, y aquella exclusividad no fue fácil de vencer. Los mejores conciertos de París se celebraban en el Conservatoire, una de las (escasas) creaciones culturales de la Revolución Francesa. Su acústica y su orquesta eran excelentes, y allí Habeneck demostró la fuerza de las sinfonías de Beethoven: en los treinta años que siguieron a su muerte se programaron en 280 ocasiones, cifra infinitamente superior a las que se pudieron escuchar aquí las obras de Haydn o Mozart.

Los conciertos del Conservatoire lograron fama mundial, sedujeron al propio Wagner y elevaron, tanto el nivel de la música interpretada, como el de su repercusión, pues aquí, según el crítico Joseph Ortigue se reunían “los escritores, los pintores y todos los artistas serios”. La sacralización de la música llegó a un nivel nunca visto; Hermione Quinet llegó a señalar que se le olvidaba que esto no era una iglesia y que los músicos no eran del seminario.

Pero… el disfrute también era complicado: por razones de aforo, solo mil personas podían acceder a los conciertos y la demanda superaba a la oferta hasta el punto de que las entradas se agotaban con meses de antelación.

En Gran Bretaña, el panorama de conciertos cayó tras la última visita de Haydn y la fundación de la Philarmonic Society, en 1813, supuso un raro destello de luz. Su actividad atrajo a Weber o Mendelsohn, pero las funciones acusaban la falta de tiempo suficiente para los ensayos y también de un director. Además, el precio elevado de las entradas limitaba el acceso a la clase media-alta. Los aristócratas que habían respaldado económicamente a Haydn en la década de 1790 prefirieron retirarse a sus salones, donde recitales y conciertos privados quedaban a salvo del público general. The Concert of Ancient Music declinó y en su lugar florecieron los conciertos abiertamente populares concebidos para el gusto de las clases medias y organizados por empresarios que buscaban hacer negocio. Uno de ellos, de los más afortunados gracias a su talento para leer el signo de los tiempos, fue Louis Jullien, llegado de Francia.

Cirque d´ Hiver (anterior Cirque Napoléon), 1852

Cirque d´ Hiver (anterior Cirque Napoléon), 1852

Este modelo de conciertos se desarrolló mucho en las décadas de los setenta y los ochenta del s. XIX, tanto en Londres como en París. En la capital francesa, Jules Étienne Pasdeloup organizó una serie de conciertos populares de música clásica en el Cirque Napoléon (hoy Cirque d´ Hiver). Como este escenario tenía una capacidad de 5000 personas, podía permitirse cobrar un bajo precio de entrada -cincuenta céntimos-, con lo que atrajo también a la clase trabajadora.

Sin embargo, el nivel musical de sus programas superaba al de Londres: tenía predilección por compositores del momento como Berlioz, Tchaikovsky, Bizet, Schumann o Massenet, pero lo más impresionante fue su dedicación a la música de Wagner, incluso después de que la guerra franco-prusiana volviese controvertida la obra de todos los artistas alemanes.

Los achaques y la competencia obligaron a Pasdeloup a retirarse en 1884, pero para entonces ya había cosechado imitadores en Nantes, Lyon, Burdeos o Marsella.

Los espacios más amplios implicaban orquestas más grandes, públicos nutridos, bajos precios y diversidad social, y las implicaciones democráticas de los conciertos abiertos no se pasaron por alto. Sabemos que antes de su mayor expansión, en 1856, un corresponsal de Frankfurt am Main ya afeó su conducta a un pianista que había reservado para miembros de la nobleza la primera fila en uno de sus conciertos: En una ciudad libre como la nuestra, no estamos acostumbrados a este tipo de cosas (…) Todas las clases son iguales, porque todas han pagado la entrada, y solo puede enviarse al fondo a los que lleguen tarde.

Otro espacio esencial para la interpretación de obras musicales, el salón de baile, siguió una trayectoria similar.

Específicamente para la clase trabajadora, progresivamente más numerosa y con una jornada laboral más reducida, nacieron los music hall, que tuvieron su origen en salas sencillas y semiprofesionales y que se convertirían en la forma predominante de entretenimiento popular en las ciudades durante una generación entera. Charles Morton fue uno de los pioneros al demoler la bolera de su taberna en Lambeth, The Old Canterbury Arms, en 1852, y construir en su lugar un music hall cuya entrada valía seis peniques. El modelo se repitió en muchas ciudades pequeñas y también en Londres, que en 1860 tenía unos treinta music halls y varios centenares de salas más pequeñas.

No eran lugar para sutilezas armónicas: cobijaban una oferta musical diversa, desde extractos de ópera hasta baladas de salón, parodias y canciones populares. Entre los cientos de miles de personas que acudían en tropel a ellos a fines del s. XIX había también un buen número de miembros de las clases altas, amantes de frecuentar los suburbios, que solían ocupar las localidades más costosas.

No obstante, conforme el s XIX tocaba a su fin en Inglaterra, la estratificación del consumo musical se consumaba: las clases altas acudían a la ópera, las medias a conciertos orquestales o a las mejores plazas de los music halls y las bajas a sus gallineros. La tónica era parecida en todos los países industrializados.

La revolución la trajo el cine, el medio de entretenimiento favorito de todas las clases sociales superados sus inicios modestos. Su aparición supuso una oportunidad para la música: todos los filmes proyectados en los cines antes de 1927 eran mudos y necesitaban un acompañamiento musical para crear las atmósferas adecuadas. La aparición del sonoro trajo problemas para la industria, pero parcialmente se compensaron gracias al amor del público por el género musical y su atención a las bandas sonoras.

Quizá hoy nuestras catedrales a efectos musicales, espacios abiertos a todos, sean los estadios: en tres siglos hemos pasado de escuchar la Missa San Carlo de Fux en la Karlskirche vienesa a oír Angels, de Robbie Williams, en Knebwurth. Ello ha sido posible gracias a la interacción de una compleja red de innovaciones tecnológicas que han transformado tanto la música como sus lugares. Y esta ya es otra historia.

 

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Las confesiones: la parábola del escuchante de trinos http://masdearte.com/fuera-de-menu/las-confesiones-la-parabola-del-escuchante-de-trinos/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/las-confesiones-la-parabola-del-escuchante-de-trinos/#comments Tue, 06 Jun 2017 13:05:16 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=163196 Hace justo tres primaveras Roberto Andó, contando ya con Toni Servillo, apuntaba con tirachinas a los ídolos de barro y a los tejemanes políticos, sobre todo los ligados a la imagen, en Viva la libertá, … Leer más

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Las confesionesHace justo tres primaveras Roberto Andó, contando ya con Toni Servillo, apuntaba con tirachinas a los ídolos de barro y a los tejemanes políticos, sobre todo los ligados a la imagen, en Viva la libertá, que era también una película de más largo alcance sobre la posibilidad y la necesidad de vivir como uno quiere frente al encorsetamiento.

Si en aquella película convertía a Servillo en un político italiano y su filósofo gemelo, en Las confesiones también le ha colocado ante un reto a su expresividad: esta vez interpreta, con su rostro expresivo que sugiere resignación y ausencia de deseos, a Roberto Salus, un monje cartujo sorpresivamente invitado a la cumbre del G-8 junto a una escritora de cuentos infantiles de éxito y un cantante de corte activista.

Esta película tiene tanto de thriller, en el desarrollo, como de parábola en su lectura, y el guion es su mejor baza, junto a la interpretación de Servillo y una fotografía con instantes muy inspirados. Juega Andó con nuestra psicología, con la confianza o sospecha que Salus nos inspire después de tener noticia de que uno de los mandamases, que le pidió confesión, murió justo después de que el monje saliera por la puerta de su habitación.

El filme reconstruye, en flashback y con buen ritmo, cómo fue aquella confesión (confesión a medias) mientras nos avanza el desarrollo de las investigaciones en torno al muerto y el cartujo, investigaciones paralelas a la tercera rama de la trama, bien urdida y compleja: las negociaciones políticas para alcanzar un acuerdo del que el espectador no conoce más detalles que su gravedad para la sociedad y su carácter poco solidario.

La mirada crítica y muy dura hacia los participantes en la cumbre parte del propio Andó -que solo salva, hasta cierto punto, de la quema, a la primera ministra de Canadá- porque la mirada de Salus es más curiosa y comprensiva que juzgadora. De hecho, posiblemente si el director hubiese buscado transmitirnos credibilidad hubiera optado por hacer de los políticos reunidos personajes más redondos, con aristas positivas; el hecho de convertirlos en fariseos con escasa voluntad para resistirse a tentaciones y a la pereza nos sitúa ante una especie de parábola actual -de corte satírico, eso sí- en la que un Servillo, sospechoso, bondadoso y hacedor de milagros como Jesucristo coloca a los más poderosos pecadores en un bajo lugar sin más instrumento que su mirada y su propia inocencia.

La austeridad de la estética es solo aparente, porque espacios, paisajes y desapariciones sirven a un barroquismo que adorna el mensaje de Andó pero nunca lo oculta. Se nota el origen teatral del director.

Las confesiones

 

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Maggie O´ Farrell: lo que aparece cuando desaparecen http://masdearte.com/fuera-de-menu/maggie-o-farrell-lo-que-aparece-cuando-desaparecen/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/maggie-o-farrell-lo-que-aparece-cuando-desaparecen/#comments Thu, 01 Jun 2017 17:52:57 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=162990 ¿Recordáis Agosto, la película y obra teatral basada en un texto de Tracy Letts en el que la desaparición, y después muerte, de un padre de familia despertaba un magma de discusiones y de verdades … Leer más

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Maggie O´ Farrell. La extraña desaparición de Esme Lennox¿Recordáis Agosto, la película y obra teatral basada en un texto de Tracy Letts en el que la desaparición, y después muerte, de un padre de familia despertaba un magma de discusiones y de verdades dichas a gritos?

Los tres libros de la escritora escocesa Maggie O´Farrell que hasta ahora se han traducido al castellano también vertebran su trama en desapariciones y en la complejidad de cualquier familia, y tienen en común su fondo tierno, tanto como inquietante. Es obvio que responden a intereses constantes de la autora, pero pese a su relación evidente no podemos decir que se trate de un tema con variaciones al modo musical sino de narraciones sólidas y con entidad propia, tan redondas como sus personajes: ninguno de ellos es plano y cada uno esconde sus secretos. Ella va desvelándolos muy poco a poco, jugando con los tiempos y con nuestra intriga.

Las dos primeras novelas en llegar a nuestro idioma las editó Salamandra y fueron La extraña desaparición de Esme Lennox e Instrucciones para una ola de calor. En la primera quien se daba a la fuga era la misteriosa tía Esme, tras más de seis décadas internada en un psiquiátrico. Nada sabía de ella Iris, su sobrina, encargada ahora de encontrarla y también de desvelar las terribles razones de su internamiento desde los dieciséis, y sobre todo, las del silencio familiar. Se trataba de una novela breve pero densa, porque se adentraba en las terribles consecuencias que puede causar el cumplimiento rígido de las convenciones sociales, en el entorno teóricamente cálido de la familia, para quien se sale de la norma. Esta es una historia dolorosa y salvaje sobre lo que pesan los recuerdos, los efectos violentos de la indiferencia familiar y lo cara que puede pagarse, en según qué ambientes, una mínima libertad. Aquí ya daba cuenta O´Farrell de un estilo narrativo basado en el manejo ágil de los tiempos que ha culminado en el más difícil todavía de su último libro.

Nos da por pensar que, si viviese hoy, Irène Némirovsky podría haber narrado, a su manera, una historia parecida.

En Instrucciones para una ola de calor quien salía de casa (teóricamente a comprar la prensa) y no regresaba era Robert Riordan. Nos presentó otro drama familiar contado a ritmo de thriller en el que, al principio, casi nada es lo que parece. La clave para encontrar a Riordan, la llave, la posee de nuevo su propia familia, que guarda secretos macerados con el paso de los años, de silencios y elipsis, hasta que una canícula exasperante los hace brotar.

Maggie O´ Farrell. Tiene que ser aquíEl tesoro informativo lo retiene la madre, pero en torno a su misterio y al de la propia desaparición afloran en cascada problemas matrimoniales, odios hacia la madrastra, desencantos con la vida laboral y dudas sobre hasta dónde hablar, comprometerse o hasta dónde ceder. Todas ellos han madurado, como sabe señalar sin obviedades la escritora, a partir de la incomunicación mantenida en el tiempo. Además esta novela apuntaba, quizá con mayor claridad que las otras dos, a cuestiones generacionales: al modo de enfrentarse a los problemas de una quinta cuyo comportamiento ya no obedece, al menos de forma estricta, a patrones ni rígidos ni religiosos.

Y es posible que la obra más lograda de O´Farrell, el compendio de las virtudes de las anteriores, lo encontremos en Tiene que ser aquí, esta editada por Libros del Asteroide. Nos ha recordado, por su estructura y por el talento de la escritora al hablar de los afectos con mucha honestidad, a Canciones de amor a quemarropa de Nickolas Butler. Los miembros, niños y adultos, de una familia trazan de forma personalísima, en presente y en pasado, el camino que les ha llevado a donde están, con sus luces y sus sombras.

Aquí también hay desapariciones, una no consumada (la de Claudette, una actriz harta de las servidumbres de su profesión y empeñada en vivir de las experiencias y no de las apariencias) y otra trágica (la de Nicola, una joven profesora universitaria que murió en circunstancias poco claras). Ellas marcan el pasado y el presente de Daniel, huérfano de madre desde joven, hijo de padre indiferente, enganchado al alcohol y padre amantísimo. Tiene que ser aquí habla de nuestras fuerzas y nuestras debilidades.

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Sugerencias de temporada: 10 propuestas para el mes de junio http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-junio/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-junio/#comments Thu, 01 Jun 2017 11:32:39 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=162729     1. ABRE EL CENTRO BOTÍN El 23 de junio se inaugura el nuevo Centro Botín de Santander, obra de Renzo Piano, con la colaboración de Luis Vidal Arquitectos. Esta apertura, que supone uno … Leer más

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Algunas sugrencias y planes para el mes de junio 2017

 

 

1. ABRE EL CENTRO BOTÍN

El 23 de junio se inaugura el nuevo Centro Botín de Santander, obra de Renzo Piano, con la colaboración de Luis Vidal Arquitectos. Esta apertura, que supone uno de los acontecimientos más esperados de la temporada en el sector de las artes plásticas, dotará a la ciudad de un importante centro cultural para exposiciones y actividades, que contará además con un auditorio, una taberna marinera, ‘El Muelle’, y una azotea desde donde se tendrá una vista privilegiada hacia la bahía y la ciudad. La muestra con la que se inaugurará el Centro Botín estará dedicada a Carsten Höller y tras ella llegará otra centrada en los dibujos de Goya (de junio a septiembre de 2017) y una retrospectiva de Julie Mehretu (de octubre a enero de 2018), que será la mayor que se le haya brindado hasta ahora en Europa.

www.centrobotin.org

 

2. LA CASETA DE BOMBAS

Para los que ya estáis pensando en acercaros a conocer el Centro Botín, os recomendamos pasaros también por ‘La Caseta de Bombas’, el nuevo restaurante del grupo Deluz en la capital cántabra, que convertirá en un asador marinero con veinte mesas la histórica Caseta de Bombas de Gamazo, una edificación catalogada como Bien de Interés Cultural. Por esta singularidad, la planta baja de la caseta, donde se encuentran las bombas de extracción de agua del dique, se convertirá en centro de interpretación que permitirá conocer la historia y función del dique de Gamazo y su valor patrimonial. En cuanto a la oferta gastronómica, la idea de los propietarios es ofrecer tanto picoteo como pescados y carnes a la parrilla.

lacasetadebombas.es

 

3. STREET PIANOS

Si paseando por París os encontráis un piano en la calle con el mensaje “Play me, I’m yours” podéis sentiros libres de sentaros y tocar porque, tranquilos, no se trata de una broma de cámara oculta. Street Pianos es un proyecto del artista Luke Jerram, que desde el año 2008 ha instalado ya más de 1700 pianos en 55 ciudades por todo el mundo, con el único objetivo de invitarnos a pararnos y tocar. Por sexto año consecutivo la iniciativa acaba de ponerse de nuevo en marcha en París, donde los pianos permanecerán hasta el 11 de julio. En una primera fase los instrumentos se intervendrán artísticamente y desde el día 22 se dispersarán por distintas localizaciones. Si quieres que Street pianos vaya tu ciudad, puedes hacer una petición a través de su web.

www.streetpianos.com

 

4. HAY COPENHAGUE

Aunque poco a poco los productos de la marca de diseño danesa HAY se van comercializando en locales multimarca, no hay nada como entrar en una de las tiendas propias de la firma, especialmente en la Hay House de Copehague (Østergade 61). Allí encontramos dos plantas llenas de productos y objetos que son, principalmente, sencillos y funcionales, dos de las cualidades en las que reside gran parte de su belleza.

hay.dk

 

5. MARIE CURIE CONTRA LOS ELEMENTOS

El 2 de junio llega a nuestros cines Marie Curie, un biopic sobre esta científica de origen polaco, adelantada a su tiempo, pionera en el estudio de la radioactividad y ganadora de dos premios Nobel por sus aportaciones. La película está dirigida por Marie Noelle (La mujer del anarquista) e interpretada por Karolina Gruszka. En ella se narra la vida de la pareja Curie y cómo, desde la trágica muerte de su marido Pierre, ella se aferra a sus estudios teniendo que hacer frente a una comunidad científica en contra, en la que solo parecían tener cabida los hombres, hasta que se convierte en la primera mujer en recibir una cátedra en la Sorbona de París.

 

 

6. FESTIVAL DE LUZ Y VANGUARDIAS

Del 15 al 18 de junio se celebrará en Salamanca la segunda edición del Festival de Luz y Vanguardias, un acontecimiento de carácter anual que convierte a la capital salmantina en el centro nacional de referencia de una modalidad artística de reciente implantación en la que se unen el mundo de la plástica, el vídeo y la instalación. Las proyecciones sobre los monumentos se suceden durante varias horas cada una de las noches que dura el Festival y entre los edificios que este año serán parte del recorrido están el Ayuntamiento (Plaza Mayor), la Casa de las Conchas, la Plaza de Anaya junto a la Catedral Nueva y la Iglesia del Convento de San Esteban. Como novedad de la edición 2017 se incorpora la sección + Luz que acoge, desde del mes de mayo, una programación paralela promovida desde distintos espacios artísticos de la ciudad y con la temática común de la luz.

luzyvanguardias.com

 

7. CASA CORONA

Hoy abre sus puertas en el centro de Madrid un pequeño oasis, un lugar de ocio para la desconexión. El jardín de la Fundación Ortega y Gasset (c/ Fortuny, 53) acogerá hasta el 29 de julio Casa Corona, un espacio donde relajarse y tomar una cerveza escuchando música (con más de 20 conciertos acústicos programados), comer, realizar talleres (reciclaje, lettering, hamacas de crochet, estampación, joyería…), practicar yoga o sentirse un poco más cerca de la playa gracias al taller de surf indoor. Tanto la entrada al jardín como las actividades y gran parte de los conciertos son gratuitos, aunque para todos ellos conviene inscribirse previamente por una cuestión de aforo. Los fines de semana la oferta diaria de restauración se amplia con tres tipos de brunch y, en el ámbito gastronómico, se realizarán cursos de bakery para aprender a hacer pan de masa madre con cerveza, se enseñará a cocinar ceviche y habrá un taller sobre cocina veggie de la mano de Mama Campo, así como uno de coctelería, impartido por Fizz Bartenders.

Podéis consultar toda la programación de talleres y conciertos en su web:

cervezacorona.es/casa-corona

 

8. CARTOONMUSEUM BASILEA

Esta es una sugerencia pensada para los que estén por Basilea este mes y se sientan abrumados con la densidad artística de Art Basel y sus ferias satélite. La propuesta es descubrir este museo, casi un pequeño refugio en la ciudad, dedicado al cómic, los dibujos animados, la novela gráfica o cualquier otro material que proponga la narración de una historia a través del dibujo. Hasta el mes de octubre el Cartoonmuseum acoge una exposición dedicada al dibujante Christoph Niemann y si os acercáis hasta allí el día 18 de junio podréis participar en una acción de Tobias Gutmann y llevaros vuestro retrato realizado por el artista a través de su “Face-o-mat”.

cartoonmuseum.ch

 

9. SUMA FLAMENCA

Suma Flamenca celebra su XII edición del 6 al 25 de junio, en 13 localizaciones distintas (Teatros del Canal, Centro Cultural Paco Rabal, Café Berlín, los jardines de los museos Lázaro Galdiano, Casa Lope de Vega y Museo del Traje, el Teatro Pavón Kamikaze, la Residencia de Estudiantes, el Teatro Real Coliseo de Carlos III en San Lorenzo de El Escorial y en el Centro de Humanidades Cardenal Gonzaga en La Cabrera) y reunirá a los mejores profesionales de la escena flamenca. Un año más el festival está dirigido por la coreógrafa y bailarina Aída Gómez y destacan las actuaciones de Argentina, Gala Flamenca, Eva Yerbabuena, David de Jacoba y Mercedes Ruiz, entre otros.

 

 

10. LAUREN GREENFIELD. RETRATO DE UNA SOCIEDAD

A mediados de mayo Phaidon publicó Lauren Greenfield: Generation Wealth, una extraordinaria crónica visual del materialismo desenfrenado y la obsesión por la riqueza. La conocida fotógrafa y cineasta presenta en este libro un revelador documento cultural que aúna 650 imágenes saturadas de color y 150 entrevistas en primera persona, en una narración épica que recoge la incansable búsqueda de dinero, estatus, belleza y fama. Comenzó su viaje en Los Ángeles, desde donde recorrió Estados Unidos y otros países para analizar cómo se han exportado a todos los rincones del planeta los valores del materialismo, la cultura de la celebridad y la importancia del estatus social. Generation Wealth presenta historias de estudiantes, padres y madres solteros y familias abrumadas por deudas demoledoras pero empeñadas en comprar artículos de lujo y experiencias que están fuera de su alcance.

phaidon

 

 

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No sé decir adiós o cómo nombrar el misterio http://masdearte.com/fuera-de-menu/se-decir-adios-o-como-nombrar-el-misterio/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/se-decir-adios-o-como-nombrar-el-misterio/#comments Tue, 23 May 2017 16:28:41 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=162518 Dos excesos emocionales de una Nathalie Poza con poca capacidad de soportar frustraciones ponen inicio y fin a “No sé decir adiós”, el primer largo de Lino Escalera que se estrenó en cines el viernes pasado y … Leer más

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No sé decir adiósDos excesos emocionales de una Nathalie Poza con poca capacidad de soportar frustraciones ponen inicio y fin a “No sé decir adiós”, el primer largo de Lino Escalera que se estrenó en cines el viernes pasado y que, como bien condensa su título, se centra en las incertidumbres sobre cómo comportarnos y cómo no cuando se aproxima la muerte de un padre o cuando uno mismo es quien va a desaparecer; qué palabras hay que poner a lo que no se nombra, si es que hay que poner alguna.

Y esos excesos que son prueba de una personalidad falta de equilibrio, incapaz de contenerse y de no exteriorizar la rabia de la que ella es primera víctima, son el contrapunto a la personalidad de su hermana, una Blanca, interpretada con mesura por Lola Dueñas, que ha aprendido a vivir con sencillez y a dar el espacio justo a sus deseos. Las dos, huérfanas de madre, difieren mucho en su actitud a la hora de enfrentarse a la enfermedad sin remedio de José Luis (Juan Diego Botto), que en ocasiones parece no ser demasiado consciente de lo rápido de su desenlace y, en otras, lo acepta con la resignación y calma de las generaciones de antes.

La riqueza de la película, constantemente austera y con concesiones escasas ni a los cielos despejados ni al humor, que cuando aparece es negro y ligero, es ese examen a fuego lento de las formas de reaccionar -lo que se dice y lo que se calla, las prioridades y las esperanzas, el conformismo y la lucha inútil ante el cáncer galopante de José Luis- desde la óptica de cada una de las personalidades muy distintas de los protagonistas, tan distintas como pueden llegar a serlo en una familia distanciada y un tanto fría en la que no abundan ni en número ni en despliegue los gestos cálidos, que están.

La inminencia de la muerte del padre conlleva, por efecto de arrastre, que sus hijas hagan inevitablemente balance de sus propias vidas y manejen la (también inevitable) sensación de cierto fracaso, de que sus deseos de siempre están por cumplir y de que, a lo mejor, aún no es tarde para ponerse manos a la obra. El dolor también mueve a Carla a, por una vez, tener una conversación sincera y no superficial sobre su estado con quien, aparentemente, le es cercano – con las consecuencias, de evitación por la otra parte, que suelen tener este tipo de confesiones – y a Blanca a percibir que la comunicación con su marido no funciona.

Escalera retrata, con delicadeza y buen ritmo, sin levantar nunca los pies del suelo ni buscar moralejas, con sobriedad y sin patetismo, la cadena de revelaciones personales que puede desatar un duelo.

 

 

 

 

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Paraíso, antes, durante y después http://masdearte.com/fuera-de-menu/paraiso-antes-durante-y-despues/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/paraiso-antes-durante-y-despues/#comments Fri, 19 May 2017 23:11:39 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=162384 Parece evidente que ya tiene poco sentido filmar o escribir sobre el Holocausto sin hacerlo desde una perspectiva original, y también que es posible tenerla y que aún hay mucho por contar, muchos puntos de … Leer más

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Paraíso, Andréi KonchalovskiParece evidente que ya tiene poco sentido filmar o escribir sobre el Holocausto sin hacerlo desde una perspectiva original, y también que es posible tenerla y que aún hay mucho por contar, muchos puntos de vista por explorar (no nos quedan nada lejos Adiós a Europa, Las inocentes y sobre todo El hijo de Saul, por más que esta última parezca negar ya más palabras).

El último en introducirnos en los campos de concentración, utilizando en su caso el blanco y negro para adentrarnos en una historia que se nos presenta en varios tramos temporales, es Andréi Konchalovski, que en Paraíso ha realizado el complicado ejercicio de entrecruzar las historias de tres conocedores del horror que, por circunstancias casuales, llegaron a entablar contacto entre sí y que reflexionan sobre su pasado y sus culpas desde mundos paralelos, porque todos están muertos. Dos de ellos se encontraron en posición de ser verdugos, uno de ellos a pie de campo, como soldado, y otro desde la comodidad de la distancia, como burócrata que hacía el mal obedeciendo tal como explicó Hannah Arendt, y la tercera sí es víctima, una aristócrata rusa que ayudó a salvarse, hasta las últimas consecuencias, a niños judíos.

La maniobra de hacer hablar a los muertos en primera persona y como tales muertos es siempre un ejercicio arriesgado, por la tendencia inevitable a que su discurso no resulte el creíble como propio sino el del director. Es fácil caer por el precipicio… y a veces podemos estar a punto de pensar que en Paraíso ocurre, sin embargo, el carácter redondo de los tres protagonistas y el retrato fluido de sus relaciones en los instantes en que no están marcadas por la muerte evita que tengamos la sensación de que nos encontramos ante la historia de un juicio cantado en el que las decisiones divinas coinciden sin más con las de Konchalovski como una especie de mensajero del demiurgo tras la cámara.

En cualquier caso, las reflexiones de los tres tras la barbaridad sí nos invitan a pensar en nuestra tendencia a autojustificarnos -a veces con fiereza, puro delirio- frente a las evidencias de error, en la evolución de nuestra forma de ver las cosas, nuestros actos, con el paso del tiempo, y en lo frecuente de esa terrible costumbre que es transformar nuestra consideración de la gente en función de los criterios de la mayoría.

Aunque no sean nuevas y nos resulten completamente justificables, las secuencias de conflictos y mezquindades entre las mismas víctimas de los campos se encuentran entre las más duras de la película. Konchalovski se las ha arreglado, no obstante, para transmitir el horror sin dejar a un lado cierto sentido estético y alguna poesía en forma de música, referencias literarias y evocaciones del pasado.

Paraíso, Andréi Konchalovski

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Sara Mesa, los libros del desasosiego http://masdearte.com/fuera-de-menu/sara-mesa-los-libros-del-desasosiego/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sara-mesa-los-libros-del-desasosiego/#comments Tue, 16 May 2017 17:48:47 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=162226 El mundo es impasible ante cualquier cosa que suceda, por inusual, horrible o cruel que esta sea. Visto así, el mundo no tiene mucho que ver, realmente, con nosotros. Mala letra, Sara Mesa New Life … Leer más

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Sara Mesa. CicatrizEl mundo es impasible ante cualquier cosa que suceda, por inusual, horrible o cruel que esta sea. Visto así, el mundo no tiene mucho que ver, realmente, con nosotros.

Mala letra, Sara Mesa

New Life fue la residencia de ancianos más grande y lujosa de Vado, pero ahora Vado es una ciudad fantasma y New Life apenas cubre los servicios mínimos de sus bastante trastornados residentes. En la ciudad terminaron proliferando los incendios, pero antes hubo llamas destructoras que no se vieron (Un incendio invisible). Sonia y Knut, que se conocieron en un foro literario de Internet y entablan una relación indefinible, entre el deseo y el rechazo, en la que al menos no se ocultan sus extrañezas ni cicatrices, exploran hasta dónde tenemos permitido y prohibido llegar en las relaciones personales y en el entorno social. No parecen tener clavo al que agarrarse más allá de su propia cordura a prueba y manifiestan una relación compleja también con los objetos, entre el fetichismo y el desapego (Cicatriz). Y Mala letra es un compendio de once relatos que cuentan instantes decisivos en los que personajes también sin asidero hacen frente a noches que se les vienen encima en medio del campo, homicidios involuntarios, suicidios en el vecindario, palabras-piedra (no haría mal la RAE en tenerlas en cuenta) y remordimientos y culpas que desencadenan más negritud por si no fuera bastante.

Hablamos de Sara Mesa hace algo más de un año al incluirla en una injustamente breve lista de novelistas a los que seguir los pasos, y antes de estos tres volúmenes de los que acabamos de hablaros (todos publicados en Anagrama) había escrito Cuatro por cuatro, con el que fue finalista del Premio Herralde. Los hemos leído en orden caprichoso, comenzando por Un incendio invisible, que ganó el Premio Málaga en 2011 y que fue hace pocos meses reeditada tras algunas modificaciones de la autora; siguiendo por Cicatriz, de 2015, y acabando por Mala letra, de 2016 (tenemos pendiente Cuatro por cuatro, menos habitual en librerías). Y os diremos que realmente no podemos elegir una opción mejor que otra para adentrarnos en los mundos de esta autora, bastante coherente temáticamente y en cuanto a estilo en estos años; quizá sí haya evolucionado hacia un mayor peso de los diálogos.

Sara Mesa. Mala letraSus protagonistas suelen encontrarse solos o ser solitarios, al margen de que formen parte de familias convencionales de las que no dan calor. Hay quien tiene a sus padres muertos en la habitación o los sustituye por maniquíes, quien se deja cuidar por tíos hirientes, quien se relaciona más o menos casualmente con quien le traerá amarguras. La mayoría de sus personajes encuentra reemplazos dañinos a necesidades personales no cubiertas. Los escenarios en los que se mueven parecen ficticios o utópicos por desacogedores, pero todo en ellos remite a lo cotidiano, y esa es la gran paradoja: la gran ciudad de Cárdenas y sus centros comerciales visitados por ladrones ocasionales, paisajes campestres en los que la amenaza gana a lo bucólico, y ciudades fantasma, como la distópica Vado, fruto de la especulación. No hay calidez posible, los acercamientos verdaderos son escasos, y por eso algo -nuestro gusto por la seguridad, la tendencia a conformarnos y no cuestionarnos demasiado- nos hace pensar que sus mundos, estas atmosferas sombrías con peligros al acecho, son lejanos. Como suponéis, ilusos somos; nos quedan a un paso.

Animales y objetos simbolizan emociones, la tensión de cada trama la acentúan las elipses y los desenlaces no trillados; en general, en las obras de Sara hay más zonas de sombra que de luz. En la narración, porque desde lo nimio y cotidiano sabe desarrollar intriga y turbación, y en los protagonistas, porque no hay personajes estupendos, menos estupendos y malvados sino un continuo elenco de grises movidos por las dudas. Mirándose las puntas de los pies, metiéndose en el fango y a veces a los demás con ellos.

Hay demasiada luz ahí fuera, en nuestro reino virtual, así que nuestro elogio para quien enseña las pezuñas de la sombra y, además, no reclama su presencia entre sus personajes e historias: aquí cualquier atisbo biográfico no es más que intuición del lector. Hay ironía y crítica distanciada, pero no juicio, ni fácil ni difícil. Podríamos quedar todos imputados.

 

 

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La uruguaya: Mairal contra la idealización http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-uruguaya-mairal-contra-la-idealizacion/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-uruguaya-mairal-contra-la-idealizacion/#comments Tue, 09 May 2017 16:39:38 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=162023 Y yo después me había dado el lujo de hacerme el descarriado, el artista sin empuje empresarial, el bohemio. Era un lujo más. La uruguaya es una mujer de carne y hueso, con dudas sentimentales … Leer más

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Pedro Mairal. La uruguayaY yo después me había dado el lujo de hacerme el descarriado, el artista sin empuje empresarial, el bohemio. Era un lujo más.

La uruguaya es una mujer de carne y hueso, con dudas sentimentales y quizá también, solo quizá, con malas intenciones, pero lo que es sobre todo es un espejismo, una vía de escape que significativamente se llama Guerra. Ella y Lucas Pereyra, el protagonista de esta novela del argentino Pedro Mairal, apenas se ven unos pocos días, pero Guerra es casi tan central como él en el desarrollo de la trama de La uruguaya, no como presencia cotidiana sino como pensamiento idealizado, como compañía futurible y escurridiza.

Por desconocida y por lejana (y por esas razones, sublimada) supone para Pereyra un refugio, siempre mental, frente a un mar de problemas cotidianos que no son graves si pensamos aisladamente en ellos pero que, unidos, dan forma a una losa insuperable: una economía frágil, un trabajo como docente poco motivante, un matrimonio en horas bajas y un bebé lleno de demandas. Ese es el contexto, que no la causa ni excusa, de la forja de una infidelidad que Mairal explica sin esquivar su lado vergonzante y, a la vez, sin considerarlo del todo como tal.

La uruguaya es una historia de desencantos encadenados: con las relaciones matrimoniales y la paternidad entendidas desde la convención, con el mundo laboral, con el amor extramatrimonial objeto de sus desvelos y consigo mismo, con nuestra personalidad y con ese paso indeleble del tiempo que trae la pérdida de la inocencia y que nos convierte, por dentro y por fuera, en personajes muy alejados de los que esperábamos ser.

Aunque quizá el desencanto mayor abordado por Mairal no es el que permite que surja el deseo “fuera de campo”, sino el que se deriva de esas andanzas extramatrimoniales, un deseo fruto de creencias inventadas, porque la distancia da alas a la imaginación. En el amor no oficial, como en la economía, en su oficio de escritor y en su familia, las expectativas acaban convirtiéndose en humo. Precisamente porque, como buenas expectativas, no se materializan.

Es fácil que el lector se ponga en el lugar de Pereyra (al margen de sus costumbres amorosas), por el esfuerzo de Mairal por describir sus sensaciones sensoriales, por hablarnos de las consecuencias físicas de sus emociones desde una escritura vital, y porque, quizá, la mediana edad sea época de balance, frustrado o no, para casi todos. Pereyra habla además en primera persona dirigiéndose a su esposa y haciéndolo con honestidad, confesando en todo momento su propia verdad y arriesgándose a sonar sincero o lamentable.

El tono coloquial que emplea en casi todo momento puede dar una sensación engañosa, y podemos entenderlo como un truco: narrando unos cuernos, con sus esperanzas y su cara vulgar, el autor propone reflexiones que trascienden lo individual y sabe encajar fragmentos de lirismo, siendo el del desenlace el más logrado.

 

 

 

 

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Adiós a Europa: retazos delicados del último Zweig http://masdearte.com/fuera-de-menu/adios-europa-retazos-delicados-del-ultimo-zweig/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/adios-europa-retazos-delicados-del-ultimo-zweig/#comments Fri, 05 May 2017 14:55:02 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161901 Pulcro e impecable es Stefan Zweig. Adiós a Europa, el segundo largo como directora de la actriz María Schrader, pero conviene acudir al cine con una premisa clara: no se trata de un biopic, porque … Leer más

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Stefan Zweig. Adiós a EuropaPulcro e impecable es Stefan Zweig. Adiós a Europa, el segundo largo como directora de la actriz María Schrader, pero conviene acudir al cine con una premisa clara: no se trata de un biopic, porque la película se centra en instantes contados, fragmentos escogidos, de sus años de exilio en América y Estados Unidos, y tampoco tiene como propósito mostrar de manera completa la personalidad sensible, el bagaje cultural o los intereses de este escritor austriaco. Aunque parte de ellos sí queden reflejados, hubiese sido una tarea que, por muy ambiciosa, podría haber tenido mal resultado.

El propósito de Schrader era más humilde, que no necesariamente fácil: apuntar las dificultades y los cambios de ánimo a las que se han enfrentado quienes han tenido que exiliarse y abandonar una cultura que representase para ellos más una madre que un contexto. No podemos decir que para la directora haya sido Zweig una excusa o un ejemplo para abordar este asunto, porque con mucha inteligencia y gracias a un guion somero y un lenguaje gestual muy bien calibrado, la película enseña mucho de la forma de ser del autor. Mucho con poco. Pero sí que el centro de esta obra es el desarraigo, la imposibilidad de los nuevos comienzos, y no la literatura.

Se estructura en capítulos marcados, convenientemente señalados en sus fechas y escenarios, siendo el último el centrado en las reacciones a su suicidio, y el de su segunda esposa, por parte de sus cercanos en Brasil. Schrader ha acertado separando unos retazos de otros, no tratando de vertebrarlos de manera más o menos artificiosa, y conduciendo nuestra mirada hacia momentos muy concretos en los que quedaba patente la buena voluntad y la mirada empática de Zweig hacia su nuevo entorno y a la vez su desconexión de él, su añoranza. Con mucha finura los actores que interpretan al escritor y su mujer (Josef Hader y Aenne Schwarz) logran trasladar ambas sensaciones a la vez, la ambivalencia de los sentimientos.

Stefan Zweig. Adiós a Europa

La directora pone el foco también en el rechazo del matrimonio al trato arrogante, en la educación exquisita de los dos y en la resistencia de Zweig a adoptar posturas fáciles respecto al nazismo y las derivas de Alemania desde el otro lado del océano. Deja, además, su sello delicado en una estética que brilla en momentos contados, por lo austero del conjunto: el exquisito centro floral del primer banquete, la belleza de una carrera de caballos. Una película elegante y (necesariamente) amarga.

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Sugerencias de temporada: 10 propuestas para el mes de mayo http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-mayo/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-mayo/#comments Sun, 30 Apr 2017 22:57:37 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161690   1. PAULA El próximo 26 de mayo llega a nuestros cines Paula, una de las películas alemanas del año, dirigida por Christian Schochow (Al otro lado del muro). Cuenta la historia de la pintora … Leer más

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Paula (película de Schochow), Allbirds, Poetas 2017, restaurante El Flaco, Regreso a Twin Peaks, Tomavistas, DocumentaMadrid, Nuevo disco de Paul Weller, Centenario de Balenciaga, El taller de flores de Lucía

 

1. PAULA

El próximo 26 de mayo llega a nuestros cines Paula, una de las películas alemanas del año, dirigida por Christian Schochow (Al otro lado del muro). Cuenta la historia de la pintora Paula Modersohn-Becker, una de las principales representantes del expresionismo alemán del siglo XX, además de una mujer apasionante y apasionada, que contó entre sus amistades con la también pintora Clara Westhoff y el poeta Rainer Maria Rilke. Tras el fracaso de su matrimonio con el artista Otto Modersohn, viaja a París donde descubre un nuevo universo creativo y vital.

 

2. ALLBIRDS, PISANDO LAS NUBES

Se han convertido en las zapatillas favoritas en Silicon Valley. Esto, de entrada, no tiene por qué ser ni bueno ni malo, aunque está claro que marca tendencia… Las zapatillas allbirds (que por el momento solo se envían dentro de USA y Nueva Zelanda) están hechas con la mejor lana posible, son ecológicas, ergonómicas, ligeras y no excesivamente caras, así que todo hace pensar que tienen futuro. De momento, aquí lo dejamos, pero pronto sabremos si merecen la fama de la que empiezan a disfrutar y si realmente son “las zapatillas más cómodas del mundo”, como dicen sus creadores.

www.allbirds.com

 

3. POETAS 2017

El Festival Poetas tendrá lugar entre los días 27 y 28 de mayo, en Matadero Madrid, y en la programación de este año encontramos artistas plásticos, humoristas, músicos, cantantes, pintores, djs, escritores, fotógrafos, directores de cine, performers, editores, y sí, también algunos poetas. Y es que no se trata de un evento de poesía sino poético en el sentido más amplio de la palabra. El elenco de participantes y la lista de actividades (para todos los públicos) son enormes, así que lo mejor es entrar en la web y analizar el cartel de esta 12ª edición.

poeticofestival.es/2017

 

4. EL FLACO

Andy Boman es el chef detrás de El flaco, y en cuanto vayáis por allí a degustar sus deliciosos platos sabréis de donde le viene el nombre… Algo escondido en la calle Javier Ferrero, en el barrio madrileño de Prosperidad, está el local de este sueco de nacimiento que por avatares familiares y personales ha recorrido medio mundo -algo que deja traducir en su cocina- y que un día fue seducido por la cocina de Tailandia, país donde vivió tres años. Todo en El flaco es sencillo, artesanal y original. Tiene delicias como el Bao de panceta, las Vieiras a la plancha con Wakame y salsa Citrus Beurre Blanc o el Curry verde de Mar con albahaca Thai.

www.restauranteelflaco.com

 

5. REGRESO A TWIN PEAKS

Enric Ros y Raquel Crisóstomo son los coordinadores de esta publicación que nos devuelve a los lugares emblemáticos de aquella serie que marcó historia y que ahora, 25 años después, regresa a las pantallas con una tercera entrega de la que por el momento se sabe poco. A través de este libro no solo se redescubre el bosque o aquella mítica cafetería del pueblo, sino que indaga en todos los aspectos de la serie, su origen, cómo se hizo, la influencia que tuvo en creaciones posteriores y las relaciones con otros ámbitos como la filosofía y la naturaleza. Para ello, Regreso a Twin Peaks cuenta con el relato de su creador y director, David Lynch; con David Chase, creador de Los Soprano; el cineasta Nacho Vigalondo y Michel Chion, máximo especialista mundial en la obra de Lynch. La serie se estrena el 21 de mayo en el canal americano Showtime y Regreso a Twin Peaks, editado por errata naturae, estará a la venta en librerías desde el 2 de mayo.

erratanaturae.com

 

6. TOMAVISTAS

El tercer fin de semana de mayo, desde el viernes 19 hasta el domingo 21, hay una cita con la música más actual en el Parque Enrique Tierno Galván. Un año más, el Tomavistas se organiza pensando en un cartel que cuente con mucha variedad, pocas etiquetas y, en principio, con propuestas para todos los gustos. Un buen plan al aire libre en el que, además, los niños también son bienvenidos. Algunos de los grupos confirmados son Lori Meyers, León Benavente, Delorean, Cómo vivir en el campo, Polock… Entra para verlos a todos.

www.tomavistasfestival.com

 

7. DOCUMENTAMADRID

El Festival Internacional de Documentales DOCUMENTAMADRID se celebrará del 4 al 14 de mayo en Cineteca. Además de las proyecciones, contará con actividades paralelas como la exposición “PLATEA: Los fotógrafos miran al cine en Matadero”, organizada por Acción Cultural Española (AC/E) e ideada para espacios al aire libre (hasta el 7 de mayo en Matadero Madrid); el “Seminario Estrategias digitales del cine documental independiente”; una mesa redonda sobre el documental de impacto El asalto a las pantallas; un “Foro de producción y desarrollo de proyectos”; el Homenaje a Jean Rouch en colaboración con el Institut Français de Madrid; o la mesa de debate “La deriva del documental español en el siglo XXI”, espacio de reflexión entre profesionales del documental.

www.documentamadrid.com

 

8. NUEVO DISCO DE PAUL WELLER

Paul Weller lanza un nuevo disco, que saldrá a la venta el 12 de mayo, del que ya conocemos dos temas, Long long road y Nova. Según ha avanzado el propio Weller, en este nuevo trabajo encontraremos canciones que siguen su estilo de los últimos años, conviviendo estilos que van del rock and roll, al soul, jazz, funk o folk. Las nuevas canciones las ha grabado con su banda habitual, Andy Crofts, Ben Gordelier, Steve Cradock y Steve Pilgrim, y ha contado también con algunos invitados como Robert Wyatt; el guitarrista de The Strypes, Josh McClorey; y Boy George, entre otros.

 

9. CENTENARIO BALENCIAGA

A lo largo de 2017 se celebra el centenario de la creación del primer atelier de Cristóbal Balenciaga en San Sebastián, y 80 años de la apertura de su famosa casa parisina en el número 10 del Boulevard George V. Con motivo de esta destacada efeméride, su museo en Getaria está de celebración y presentará a finales de mes una muestra dedicada a la colección de Rachel L. Mellon, por ser ella una de las mejores clientas internacionales de la maison Balenciaga. La exposición, procedente de su guardarropa, mostrará 150 piezas de indumentaria y documentación original y se concentra cronológicamente en algo más de 10 años que corresponden a la madurez creativa de Cristóbal Balenciaga, desde 1956 hasta1968, fecha en la que éste cierra sus talleres.

www.cristobalbalenciagamuseoa.com

 

10. EL TALLER DE LUCÍA

Por fuera, esta tienda de flores, de reciente creación, no llama demasiado la atención, pero cuando cruzas la puerta entras en un taller en el que cualquier elaboración floral que pueda imaginarse puede hacerse realidad gracias al saber hacer de Lucía Navas y a la selección de flores con la que es capaz de sorprenderte. Para quien esté pensando en preparar un evento o una celebración especial, recomendamos echar un vistazo a la web o acercarse a su espacio, en la calle Alfonso XIII.

www.eltallerdelucia.es

 

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Lo tuyo y tú, el amor como reino de la incertidumbre http://masdearte.com/fuera-de-menu/lo-tuyo-y-tu-el-amor-como-reino-de-la-incertidumbre/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/lo-tuyo-y-tu-el-amor-como-reino-de-la-incertidumbre/#comments Fri, 28 Apr 2017 13:04:12 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161715 A Hong Sangsoo le interesa elucubrar sobre el amor, perderse y encontrarse divagando, imaginar cómo serían las relaciones si fueran de otra manera y preguntarse si es posible el verdadero encuentro amoroso. Lo hace, en su … Leer más

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Hong Sangsoo. Lo tuyo y túA Hong Sangsoo le interesa elucubrar sobre el amor, perderse y encontrarse divagando, imaginar cómo serían las relaciones si fueran de otra manera y preguntarse si es posible el verdadero encuentro amoroso. Lo hace, en su abundante producción (está previsto que sean cuatro los largos que presente este año), conforme a un estilo que hace a su filmografía absolutamente reconocible: ambientes cotidianos, oficios y preocupaciones comunes, alcohol y talleres de artista, extensas conversaciones sobre su asunto preferido que, incluso cuando parecen superficiales, apuntan a lugares profundos.

Sangsoo juega con el espectador (sobre todo con el novato) a que nada de lo que parece sencillo lo sea, a crear incertidumbres, laberintos y visiones alternativas en torno a lo que parece ser un relato único protagonizado por personajes con los que no es difícil empatizar.

En este caso las dudas las suscita la personalidad en apariencia dual de Minjung, pareja del pintor Youngsoo, quien le recrimina su afición a la bebida y su contacto con otros hombres. Tras una fuerte discusión deciden separarse, y la trama verdaderamente interesante transcurre después de la ruptura, el punto en que podemos comenzar a entender el relato de forma literal, y perdernos mucho, o elucubrar junto a Sangsoo y jugar a descubrir sus metáforas. Porque es entonces cuando arranca la constante búsqueda, sin éxito, de su exnovia por parte de Youngsoo, y el paralelo paso de Minjung o de una mujer idéntica a ella (su posible hermana gemela, siembra la duda filosófica el director) por los brazos de distintos hombres.

La trama, aparentemente caprichosa, atiende a las andanzas angustiosas de uno y despreocupadas de la otra, sumidos en lo que parecen caminos paralelos a ninguna parte, sin posibilidad de encuentro alguna. O sí.

Tras la ruptura inician ambos un proceso, fatigoso, de examen y recomposición, una catarsis de la que no saldrán, ni mucho menos, igual que entraron. Quedarán convertidos en otros.

Se mueven por las mismas calles y bares de siempre, en una ciudad cualquiera que Sangsoo ha filmado en más de una ocasión, pero su historia personal convierte esos lugares en espacios para el deseo y la utopía. Los dos parecen anhelar una relación que es un espejismo y ambos, sobre todo Minjung, parecen un espejismo mismo. Quizá una proyección de las aspiraciones de Sangsoo para ella, que el espectador puede acabar compartiendo con él.

Lo tuyo y tú es un laberinto hecho con imaginación e inteligencia que nos implica y que termina haciéndose corto.

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La profesora, corrupción en las aulas http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-profesora-corrupcion-en-las-aulas/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-profesora-corrupcion-en-las-aulas/#comments Wed, 26 Apr 2017 16:34:55 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161639 Es posible que nadie dude de que a toda corrupción y debilidad humana en las altas esferas le corresponde su trasunto a pie de calle: abusos de oficina, corrupción en las aulas, autoritarismo en los … Leer más

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La profesora, Jan HrebejkEs posible que nadie dude de que a toda corrupción y debilidad humana en las altas esferas le corresponde su trasunto a pie de calle: abusos de oficina, corrupción en las aulas, autoritarismo en los hogares. Pero, por alguna razón, no solemos llamar a esos comportamientos por estos nombres.

Aunque aborde el asunto en tono menor y muy a menudo recurra al humor (negro), la aparente liviandad de La profesora de Jan Hrebejk nunca da al traste con su mensaje: las múltiples y ligeras formas de abusar de alguien por quien puede y quiere hacerlo, al margen de su oficio. La profesora de este filme eslovaco, interpretada con mucha solvencia por Zuzana Mauréry, ejerce este abuso aprovechándose de tres circunstancias: la posición de relativo poder que le da su función de calificar a los alumnos de su clase, la lástima que busca causar aprovechándose de su viudedad y su puesto de jefa del Partido Comunista en el colegio donde enseña.

Ninguna de esas tres situaciones tendrían por qué derivar en su constante aprovecharse de los demás, pero el uso que la maestra hace del conjunto de ellas es letal para los críos y para sus padres, presionados para concederle favores sin fin, cada uno en función de sus posibilidades: desde llevar pasteles a Moscú a arreglar sus electrodomésticos. Quien se niega se expone a un triple castigo: las malas calificaciones de los chicos, el chismorreo sobre su nula piedad hacia una viuda sin hijos y su aislamiento político.

En torno a Zuzana (Mária Drazdechová) se construye una ley del silencio y del miedo, y en este punto es posible y oportuno pensar en Kazan. Por razón de la costumbre y sin norma escrita que lo ordene, todo es poco para contentar a una profesora aprovechada e insaciable que chupa la sangre a sus súbditos y castiga fieramente a quien no se pone a sus pies. Por falta de costumbre de que eso suceda, además de por su personalidad autoritaria.

La clase se convierte en una dictadura corrupta que nadie llamaría así, una reproducción a pequeña escala del régimen mayor en que se sumía la Checoslovaquia de hace unas décadas en la que se ambienta la película. Por mostrarlos en un ambiente escolar los problemas parecen menores, pero las consecuencias no lo son tanto: las presiones de la maestra inciden forzosamente tanto en el futuro de sus alumnos como en su salud presente. Y es cuando ese daño se hace evidente cuando unos pocos (muy pocos) padres se rebelan, tímidamente al principio, sopesando las consecuencias de su arrojo.

El desarrollo de la trama, en un tono ligero de thriller en el que la tensión dramática se crece por momentos y los flashbacks se utilizan continuamente con maestría, es uno de los puntos fuertes de La profesora, junto a la magnífica interpretación de esa maestra de formas dulces y carácter manipulador que ofrece Mauréry. La anécdota de una clase no puede empañar el mensaje de largo alcance de la película: hay totalitarismos y servidumbres fuera de la política y de los grandes poderes y desde casi cualquier posición se puede explotar si se tiene la voluntad. Y también hay maneras de posicionarse: colaborar, callar o protestar.

 

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Pianos, de las manos de Cristofori a las nuestras http://masdearte.com/fuera-de-menu/pianos-de-las-manos-de-cristofori-las-tuyas/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/pianos-de-las-manos-de-cristofori-las-tuyas/#comments Wed, 19 Apr 2017 16:13:39 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161419 En 1837, Le Ménestrel, uno de los entonces numerosos periódicos dedicados a la música, publicó un artículo satírico titulado Gas musical en el que se informaba de que un químico británico llamado Pumpernikle había hecho un … Leer más

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En 1837, Le Ménestrel, uno de los entonces numerosos periódicos dedicados a la música, publicó un artículo satírico titulado Gas musical en el que se informaba de que un químico británico llamado Pumpernikle había hecho un hallazgo revolucionario: el citado gas musical. El mismo científico había demostrado antes que el sonido del piano podía transmitirse entre dos edificios situados a cuarenta metros, y ahora había dado un paso más: descubrir cómo carbonizar las ondas sonoras. A través de un receptor con forma de campana, los sonidos originales se transmitían por un tubo hasta llegar a una caldera en la que se condensaban hasta formar una sustancia parecida al carbón.

Ese carbón acústico podía reducirse a gas almacenable en tanques subterráneos y transportable por cañerías hasta los domicilios de los abonados, que simplemente con abrir una llave podían disfrutar de un concierto. Hoy, afortunadamente, no dependemos de los escapes de gas para escuchar música y esta ha sido una de las artes más “afectadas” por la revolución tecnológica.

Conrad Graf. Fortepiano, hacia 1838. Colección del MET, Nueva York

Conrad Graf. Fortepiano, hacia 1838. Colección del MET, Nueva York

Dos siglos antes, a comienzos del s XVII, la música sacra estaba dominada por el órgano, y la secular por el clavicémbalo. Otro instrumento de tecla de la época, el clavicordio, permitía obtener matices más dinámicos, pero por su volumen sonoro amortiguado era inservible para utilizarse en grandes conjuntos o salas de conciertos. Avanzado el siglo, el progreso de la ópera y el declive de la polifonía intensificaron la necesidad de contar con un instrumento más expresivo que combinara potencia del clavicémbalo y el rango dinámico del clavicordio, y fue el providencial Bartolomeo Cristofori, fabricante de instrumentos musicales al servicio de Fernando III de Medici, quien crearía lo que un inventario de 1700 definió como clavicémbalo que tocaba piano y forte, con dos conjuntos de cuerdas al unísono.

El instrumento se bautizaría como fortepiano y tuvieron que pasar décadas, muchas, para que se convirtiera en el instrumento de tecla por antonomasia. Al principio, su falta de volumen sonoro no favoreció su popularidad, porque no podía competir con el del clavicémbalo, pero los fabricantes comenzaron a mejorar el original, entre ellos Gottfried Silbermann, amigo de Bach, quien probó sus instrumentos.

Para fortepiano concibió Haydn sus sonatas para teclado; él no tuvo uno hasta 1788, pero tuvo a su disposición el de su mecenas, el príncipe Esterhazy, desde 1773, y comenzó escribiendo únicamente para él dejando el clavicémbalo a un lado, sabiendo que existía un mercado creciente para estas composiciones.

La popularidad de los conciertos para Piano escritos por Johann Christian Bach para los conciertos londinenses que organizó con Carl Friedrich Abel en la década de 1760 supuso un paso adelante importante y a este Bach se atribuye también el honor de haber interpretado el primer recital solo para piano, en 1768. Aunque quizá podamos pensar que la mayoría de edad del piano llegó con Mozart, que demostró de manera imbatible sus posibilidades ya desde su infancia. El piano dio prestigio al músico y Mozart dio prestigio al instrumento en sus dieciocho sonatas para él, treinta y seis sonatas para violín y piano, doce tríos con piano y veintisiete conciertos para este.

La reacción de los fabricantes favoreció su difusión por Europa, y hay que subrayar la aportación del alemán Johann Christoph Zumpe, que construyó un fortepiano cuadrado lo suficientemente compacto para caber en un salón de una familia de clase media y lo bastante barato (entonces dieciséis guineas) para que la misma familia lo pudiese comprar.

Johann Christoph Zumpe construyó un fortepiano cuadrado lo suficientemente compacto para caber en un salón de una familia de clase media

Charles Burney y, de nuevo, Johann Christian Bach respaldaron su creación, y contribuyeron a que Zumpe incrementara su fortuna (tanto como para retirarle, literalmente).

Uno de los seguidores más exitosos de Zumpe fue Broadwood, cuya empresa aún pervive y ha abastecido de pianos a los monarcas ingleses desde el s XVIII. En la década de 1790, esta compañía fabricaba cuatrocientos pianos cuadrados y cien de cola anualmente (los clavicémbalos dejaron de fabricarlos en 1793).

Si el fortepiano de Cristofori era frágil y pequeño, con solo cuatro octavas; en 1800 los pianos de cola de Broadwood eran más grandes, fuertes y sonoros y abarcaban cinco octavas y media.

En 1818, Thomas Broadwood, hijo del fundador de la firma, donó un piano de cola de seis octavas a Beethoven, y no perdió la ocasión para publicitar el regalo para aumentar su fama. Se sabe que el compositor quedó encantado y que con él compuso la Sonata para piano en si bemol op.106 Hammerklavier.

Cuando los virtuosos Weber, Moscheles, Kalkbrenner, Field o Liszt llevaron en sus giras el instrumento ante un público cada vez más numeroso, se multiplicaban sus ventas. Chopin apenas dio conciertos públicos, pero se sabía que su preferido era un Pleyel.

Hubert von Herkomer. Liszt al piano

Hubert von Herkomer. Liszt al piano

En menos de un siglo, el piano pasó de ser un invento a lograr la aceptación y alcanzar una situación de primacía, satisfaciendo la demanda de música que apelara a las emociones. Cuando triunfó el romanticismo, se acrecentaría la fortuna del instrumento, que alcanzó su culmen con Liszt, que sacó el mayor partido a los que le proporcionaba la casa Erard. Él fue el primer pianista que tocó de memoria y que colocó el piano en ángulo recto respecto al público, para que el intérprete fuera más visible a los oyentes. También el primero en dedicar un concierto entero a un único instrumento: inventó el concepto de recital al aplicarlo a un concierto que ofreció en Londres en 1840.

Escribió, además, arreglos para piano a partir de obras de Beethoven, Berlioz, Schubert, Rossini y Verdi y sus versiones asombrosas de las óperas de Wagner son geniales pruebas de las posibilidades expresivas del instrumento.

No obstante, no había que ser un genio para tocar aceptablemente el piano: un estudiante sagaz podía conseguir pronto sonidos agradables, a diferencia de otros instrumentos, como el violín. Aquel hecho favoreció su difusión, junto al tamaño aceptable de un piano cuadrado, o vertical, y su no excesivo coste.

Edelfelt. Al piano, 1884

Edelfelt. Al piano, 1884

Su éxito avanzó en el s XIX, dadas las condiciones sociales y económicas. En 1845 el compositor y crítico Henri Blanchard decía que no había palacio, tienda, reunión familiar o baile donde no se oyera un piano, una exageración que no deja de reflejar la ubicuidad del instrumento y los números disparados de su fabricación, sobre todo en Alemania y Reino Unido. La literatura (Stendhal, Zola…) se hizo eco de la relevancia social de la educación musical, sobre todo de los conocimientos de piano, y también la prensa, a veces en términos satíricos.

Tanto llegó a extenderse socialmente el piano que algunos críticos de prensa musical le acusaron de haber acabado con la música de cámara, de fomentar la inmoralidad porque permitía a las parejas sentarse muy juntas mientras tocaban, de inducir la tensión nerviosa en niños al pretender que tocaran con maestría o de vulgarizar el gusto musical.

Weber comentó que, aunque el piano era un invento italiano, se había perfeccionado en el norte de Europa, donde el clima obligaba a permanecer en casa largas temporadas, así que había terminado convertido en un instrumento hogareño de clase media. En cualquier caso, la idea de que el piano era el instrumento de clase media – en Europa – por excelencia, resulta aceptable porque se ajustaba a sus posibilidades económicas, sus salones y sus gustos.

A fines del s XIX, cuando el perfeccionamiento del piano se consumaba, podían apreciarse las primeras señales de una revolución tecnológica que democratizaría la música hasta ponerla al alcance de toda la sociedad, y que continúa hoy.

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John Coltrane y el himno religioso de los descreídos http://masdearte.com/fuera-de-menu/john-coltrane-y-el-himno-religioso-de-los-descreidos/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/john-coltrane-y-el-himno-religioso-de-los-descreidos/#comments Tue, 18 Apr 2017 12:37:49 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161351 Si hay dos géneros al margen de la tradición clásica que ilustran la vigencia de patrones románticos en la música del s XX, esos son el jazz y el rock. Desde su surgimiento a fines … Leer más

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Si hay dos géneros al margen de la tradición clásica que ilustran la vigencia de patrones románticos en la música del s XX, esos son el jazz y el rock.

Desde su surgimiento a fines del s. XX, el primero encajó perfectamente con la estética romántica dado su carácter espontáneo, individual e improvisador; además, sus orígenes afroamericanos lo convirtieron en un aliado posible de los movimientos de liberación.

No obstante, durante décadas y pese a su capacidad de expresar las aspiraciones y el sufrimiento de una comunidad oprimida, el jazz fue parte importante de la industria del entretenimiento. Incluso Louis Amstrong o Duke Ellington trabajaban dentro de una estructura cultural sustentada en los valores de la jerarquía y el respeto; solo cuando la hegemonía internacional de la cultura estadounidense empezó a quebrarse después de 1945, los músicos de jazz se volvieron más ambiciosos en la teoría y la práctica.

John Coltrane

John Coltrane

Un ejemplo: en 1964, John Coltrane grabó en una sola noche su disco A Love Supreme con un cuarteto en el que él mismo se ocupaba del saxofón tenor, Wynton Kelly del piano, Elvin Jones de la batería y Jimmy Garrison del contrabajo.

A principios del año siguiente, cuando salió a la venta con una seria portada, las notas del disco estaban escritas por el propio Coltrane. Comenzaban así: Alabado sea el Señor, digno de todas las alabanzas. Sigámoslo por el camino recto. Sí, es verdad: buscad y hallaréis. Solo por medio de él podemos llegar a conocer el legado más maravilloso.

A continuación, Coltrane explicaba que ofrecía su música como un intento de decir “Gracias, Señor” por haberlo rescatado del barrizal en el que lo había sumido su adicción a la heroína y el alcohol. En realidad, su conversión se había producido siete años atrás, pero el “enderezamiento” de sus costumbres no había sido un camino fácil.

Las notas incluían también un poema titulado también A Love Supreme en el que, de nuevo, daba gracias a Dios por respirar suavemente a través de la especie humana y daba sentidas muestras de gratitud. Coltrane había colocado ese poema en el atril para que le sirviera de inspiración en las improvisaciones que forman Pslam, la cuarta y última parte de la suite.

Esas palabras eran el único material escrito que manejó en la sesión, pues Coltrane había buscado los sonidos que quería solo movido por la intuición. Algunas semanas antes, le había contado al crítico Nat Hentoff que seguía investigando ciertos sonidos y escalas sin estar muy seguro de lo que buscaba, solo sabiendo que sería algo que nadie hubiera tocado nunca: no sé lo que es. Sé que albergo ese sentimiento cuando me invade.

Parece que el nacimiento de su hijo terminó de darle la inspiración necesaria. Tim Blanning cuenta que su segunda mujer, Alice, recordaba que el músico se encerró en una habitación del piso de arriba de su casa, solamente acompañado por su saxofón: Cuando salió, fue como cuando Moisés volvió de la montaña, así de bello. Al bajar, en su rostro había alegría, paz, serenidad. Yo le dije: cuéntamelo todo, no te hemos visto en cuatro o cinco días. “Es la primera vez que he recibido toda la música que quiero grabar, una suite. Es la primera vez que todo, absolutamente todo, está listo”.

Cualquier artista romántico, sea cual sea su disciplina, podría haber firmado estas confesiones de Coltrane sobre sus aspiraciones: Mi propósito es vivir la genuina vida religiosa y expresarla en mi música. Si vives esa vida, cuando tocas no surge ningún problema, porque la música es parte de todo lo que hay. Ser músico no es cualquier cosa. Es algo que cala muy, muy hondo. Mi música es la expresión espiritual de lo que soy (…) Cuando empiezas a ver las posibilidades de la música, quieres hacer algo realmente bueno por la gente, ayudar a la humanidad a liberarse de sus ataduras (…). Quiero hablar a sus almas.

A un entrevistador francés que preguntó a Coltrane si era posible improvisar empleando el sistema dodecafónico de Schönberg, el músico le contestó también de forma estrictamente romántica: Al diablo con las reglas, lo que cuenta es el sentimiento.

John Coltrane. A Love Supreme

John Coltrane. A Love Supreme

Probablemente hubiese ofendido a Stravinski, pero al igual que unos pocos compases de Wagner hacen olvidar sus teorizaciones más densas, la música asombrosa de Coltrane puede desconcertar al más cínico. Durante poco más de media hora (treinta y dos minutos y cincuenta segundos de inspiración), Coltrane y sus tres compañeros crearon una de las piezas maestras del siglo pasado.

Pese a lo exigente que A Love Supreme es con quien escucha, toca enseguida en el público una fibra poderosa y duradera, sensible pero a la vez intelectual. A finales de la década de los sesenta, había vendido más de medio millón de copias y despertó un entusiasmo que aún se mantiene en muchos.

Las ideas religiosas de Coltrane eran tan profundas como imprecisas: no pertenecía a ninguna religión concreta ni suscribía ningún credo, creía en todos los dioses. Su capacidad para combinar una introspección profunda y una visión trascendental fue lo que dotó a su música de un atractivo fuerte y perdurable.

Hay quien ve en A Love Supreme una prueba de la validez de la contundente afirmación de Wagner de que “la música está más dotada que una religión senil sin poder ya sobre el público” para satisfacer las aspiraciones espirituales de una sociedad que ya avanzaba hacia la secularización.

Así se refería Bono (U2) a A Love Supreme: Estaba en lo alto del Grand Hotel de Chicago, en una gira de 1987, escuchando A Love Supreme y aprendiendo la lección de toda una vida. Un poco antes, había visto a unos telepredicadores rehacer a Dios según su propia imagen: pequeño, mezquino y avaricioso. La religión se ha convertido en el enemigo de Dios. Pensé que la religión era lo que quedó cuando Dios, como Elvis, se fue de casa. Desde los primeros recuerdos que guardo de mi vida, he sabido que el mundo serpenteaba en una dirección opuesta a la del amor y que yo también estaba atrapado por su curso. En este mundo hay mucha maldad, pero la belleza es nuestro premio de consolación: la belleza de la voz aflautada de John Coltrane, su carácter susurrante, su sabiduría, su sexualidad velada, su elogio de la creación. Así fue como empecé a encontrar sentido a Coltrane. Dejé que la música se repitiera una y otra vez y me quedé en vela escuchando a un hombre que se volvía hacia Dios con el regalo de su música.

 

 

 

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El otro lado de Kaurismäki http://masdearte.com/fuera-de-menu/el-otro-lado-de-kaurismaki/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/el-otro-lado-de-kaurismaki/#comments Tue, 11 Apr 2017 15:52:07 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161236 Kaurismäki es un tipo muy coherente y sus películas tienen mucho que ver con sus entrevistas y con la que parece ser su personalidad: cuenta cosas muy serias de manera muy absurda, nunca al revés; … Leer más

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El otro lado de la esperanza, Aki KaurismäkiKaurismäki es un tipo muy coherente y sus películas tienen mucho que ver con sus entrevistas y con la que parece ser su personalidad: cuenta cosas muy serias de manera muy absurda, nunca al revés; no teme a la exageración y es capaz de bromear incluso con su posible suicidio.

Ahora presenta en cines El otro lado de la esperanza, el segundo capítulo, tras El Havre, de la que suponemos será una trilogía dedicada al drama de los refugiados. En este caso sitúa la acción en Finlandia, su país, para alternar, en una primera parte del filme, las desventuras de un finlandés recién divorciado (Wikström) y de un inmigrante sirio recién llegado allí (Khaled). Aparentemente uno y otro no tienen mucho en común, pero no deja de tratarse de dos personajes en huida, y en su búsqueda de una vida mejor su suerte se cruza en un restaurante. Se conocen a puñetazos, pero en ese bar cutre de la desdicha, donde transcurre fundamentalmente la segunda parte de la película, estrechan lazos, los lazos que legalmente Finlandia se niega a conceder a Khaled. Porque ese es el meollo de la propuesta de Kaurismäki: poner claro, con múltiples capas de humor muy personal mediante, que la solidaridad civil está supliendo la ayuda oficial a quienes escapan de la guerra siria.

No puede el cineasta dejar más clara su postura cuando presenta a Khaled explicando su periplo y su tragedia familiar ante funcionarios asépticos o en ese juicio perdido de antemano en el que se le niega el asilo porque la situación en su ciudad, Aleppo, no es para tanto. Pero la bandera de Kaurismäki no es la de la crítica que no va más allá, así que la une a episodios líricos, humanistas, de solidaridad con sus compañeros en el centro de internamiento en el que reside al principio y después con los trabajadores de ese restaurante donde no se cocina para el que Wikström le contrata. Así que, sí, hay drama y hay ternura, pero siempre tapizados por el sello casi dadá del director, tan personal como carente de pretensiones.

La ética que parece proponer es instintiva, una moral que no debería tener que reivindicarse por ser natural y que no merece, precisamente por esa razón, discursos densos. Khaled y Wikström, en los entornos tan extravagantes y a la vez con rasgos tan reconocibles en los que se mueven, generan empatía sin ser personajes redondos y sin apelar de forma directa al espectador, ni reírse ni llorar ni casi mover una ceja. Y porque no busca contentarnos, y lo suyo es un ejercicio de estilo, no crea el finlandés un desenlace feliz.

A subrayar la fotografía y su cuidado de la luz (hay un plano de Wikström en su restaurante con pared roja memorable) y los retazos brillantes de guion (ese consejo impagable de refugiado a refugiado, que vale para todo en la vida, de no poner cara de triste, porque expulsan antes a los melancólicos, pero tampoco reírse demasiado).

El otro lado de la esperanza, Aki Kaurismäki

 

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Vieja y Nueva Crítica: hablar o no hablar de cine español http://masdearte.com/fuera-de-menu/vieja-y-nueva-critica-hablar-o-hablar-de-cine-espanol/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/vieja-y-nueva-critica-hablar-o-hablar-de-cine-espanol/#comments Tue, 04 Apr 2017 16:30:42 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161042 A fines del s XIX, cuando el cine se introdujo en nuestro país (la primera proyección tuvo lugar en Madrid el día de san Isidro de 1896), aún no contábamos con las bases industriales, económicas … Leer más

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A fines del s XIX, cuando el cine se introdujo en nuestro país (la primera proyección tuvo lugar en Madrid el día de san Isidro de 1896), aún no contábamos con las bases industriales, económicas y sociales adecuadas para su desarrollo. No era fácil el desarrollo de debates serios sobre cine al margen de los miembros de la burguesía intelectual nacida al calor de la Institución Libre de Enseñanza, más aún teniendo en cuenta que, quizá a diferencia de otras disciplinas, este medio necesita de forma muy evidente de un público no minoritario y sí participativo, educado y formado para su desarrollo.

Film Ideal nº15, 1958

Film Ideal nº15, 1958

En España, a fines del s XIX y principios del XX, las revistas de contenidos artísticos que llevaban a cargo una labor crítica sólida y mantenían espacios reservados para el séptimo arte encontraron menor difusión que en otros países europeos. De hecho no tuvo demasiado eco social, sí un importante valor simbólico, el número especial que La Gaceta Literaria dedicó al cine en 1928, un monográfico que no se dirigía tampoco al gran público, sino a una minoría interesada por asuntos como el decoupage, Epstein o la consideración del cine como arte nuevo.

Bien entrado ya el s XX, en 1951 y 1962, el que era entonces director general de Cinematografía y Teatro, José María Gil Escudero, reclamaba todavía una necesaria renovación del público para lograr una regeneración, ya no de la crítica o la prensa cinematográfica, sino del propio cine español, de sus argumentos, discursos y calidad técnica. En esa necesidad estuvieron de acuerdo Rafael Gil, Sáenz de Heredia o García Viñolas y Juan Piqueras, Florentino Hernández Girbal y Bartolomé Mostaza escribieron desde distintas ópticas y momentos pidiendo un determinado sello para el cine español, una impronta propia y distinta de la que realmente se proyectaba en las pantallas. Como intuís, esa cuestión identitaria sigue sin diluirse ni en nuestro cine ni en su crítica.

En los primeros pasos de la crítica cinematográfica desarrollada en España, no existía una esfera pública sólida donde intercambiar discursos razonados a partir de una noción ajena de arte o de un cine propio y, ya en los sesenta y setenta, quizá la revista Nuestro Cine fue la que evidenciaría la tendencia a atender a lo exterior en la revisión de actitudes, temáticas y problemáticas cinematográficas de la crítica, hasta fechas recientes.

VIEJA CRÍTICA

Se considera que se desarrolló entre 1907 y 1955, aproximadamente. Nació con las primeras revistas cinematográficas surgidas algunos años después de la llegada del cinematógrafo a España, como la llamada, precisamente, Cinematógrafo (1907), Arte y Cinematografía (1910) o El Cine (1911), prolongándose su desarrollo hasta la celebración de las Conversaciones Cinematográficas de Salamanca.

Esta Vieja Crítica presta atención a un cine triunfalista y espectacular del que se destacan sus aspectos más efectistas o glamurosos, por influencia de la lógica publicitaria de la crítica en Estados Unidos. En su vertiente divulgativa, tuvo secciones fijas en los diarios El Sol, El Diario Mercantil, el Diario de Barcelona, El Correo Catalán, El Día Gráfico, El Diluvio, La Vanguardia o El Noticiero Universal, y dos solían ser sus motivaciones: la labor de dar información o los ingresos publicitarios recibidos.

Por otro lado, se acometió una reflexión teórica sobre el hecho cinematográfico que, por nuestro contexto social, no tuvo demasiada repercusión fuera de minorías intelectuales, pero sí puso las bases para posteriores discusiones críticas sobre la constitución del cine español. En definitiva, aquella Vieja Crítica reflejó las discusiones sobre cine sostenidas fuera de nuestro país, sobre un cine no español, sentando, paradójicamente y sin pretenderlo, las bases intelectuales de las reflexiones sobre las posteriores cuestiones de nuestro cine.

Los ejemplos más ilustres de esa actitud crítica pero distante con el cine español fueron la revista España, que Ortega y Gasset creó en 1915, y La Gaceta Literaria, un proyecto intelectual que Giménez Caballero fundó en 1927. Los temas tratados en España por su crítico principal, Alfonso Reyes, se alejan en parte de la realidad traslucida del cine español, al centrarse en la comparación literaria, las alusiones a la mitología, las diferencias entre artes y géneros o las variantes entre héroes literarios y cinematográficos, discusiones semejantes a las de publicaciones coetáneas europeas.

Sus argumentos posiblemente solo resultaran accesibles, y sobre todo inteligibles, a personas de su esfera intelectual; público y realizadores españoles preferían un cine despreocupado y conectado con sus vivencias populares, donde las cuestiones estéticas que abordaba Reyes, o Antonio Espina, tenían escasa cabida. Pese a la inacción social, no obstante, estas teorías construirían el debate fundamental del futuro del cine español.

Nuestro Cinema nº 11, 1933

Nuestro Cinema nº 11, 1933

Las preocupaciones de la Vieja Crítica avanzarían hacia las esencias identitarias del cine español. Los argumentos de revistas como Popular Film (1926-1936), Nuestro Cinema (1932-1937), Cinegramas (1934-1936), Primer Plano (1940-1962) y Objetivo (1953-1955) subrayan, desde distintas premisas ideológicas, la búsqueda de un modelo para el cine español.

Rafael Gil escribió en 1931, para Popular Film: No pensábamos escribir sobre el cinema español. Y no íbamos a hacerlo por una razón bien sencilla: porque no nos gusta hablar ni forjar quimeras sobre lo que no existe. Juan Piqueras dijo un año después, en Nuestro Cinema: Nos hace falta un cinema que enfoque ampliamente el tema social, el tema documental sin falsearlo, el tema educativo desde un punto de vista sincero (…) Queremos un cinema enjundioso, nuevo y fuerte, y para preconizarlo y señalar los valores y deficiencias del de hoy, nacen nuestros cuadernos mensuales…

Hay que subrayar que desde las posiciones ideológicamente más extremas, como las que podrían representar, desde el comunismo, Nuestro Cinema y Objetivo o, desde la cercanía a la Falange, Primer Plano, se aproximaron en la solicitud de una regeneración absoluta del cine español. No obstante, mientras la revista falangista quiso encontrar su modelo cinematográfico en la españolidad, Nuestro Cinema se inspiró en el cine ruso de Eisenstein o Pudovkin.

Hay quien considera que el debate propiciado en el seno del cine español sobre su identidad es un trasunto del sostenido por la intelectualidad española desde la pérdida de las últimas colonias en 1898.

NUEVA CRÍTICA

La Nueva Crítica (1955-1983) viene delimitada por la aparición de la revista Cinema Universitario, nacida en las Conversaciones Cinematográficas de Salamanca como órgano dependiente del cine-club del SEU dirigido por Martín Patino (1955-1963) y el ocaso de la primera fase de la radical propuesta de Contracampo (1979-1983-1987), coincidiendo con el final de la transición. Las revistas más importantes de ese periodo fueron Film ideal (1956-1971) y Nuestro Cine (1961-1971).

A los diecinueve números de Cinema Universitario publicados en los cincuenta y sesenta podemos acceder a través de cervantesvirtual.com y Talens y Santos Zunzunegui han estudiado a fondo Contracampo, si os interesa profundizar.

A grandes rasgos, Cinema Universitario sintetizó dos propuestas críticas anteriores: Índice (1945-1976) y Objetivo (1953-1955), caracterizadas ambas por su combatividad, hasta el punto de que para Índice los asuntos políticos tuvieron a veces más importancia que la crítica artística.

Objetivo nº7, 1955

Objetivo nº7, 1955

El consejo de redacción de Objetivo, compuesto por Juan Antonio Bardem, Eduardo Ducay, Muñoz Suay y Caragorri, adoptó en materia cinematográfica un espíritu crítico y también polémico, en la línea de Cinema Nuovo de Aristarco.

El panorama de ideologías opuestas se completó con la aparición en 1956 de Film Ideal (1956-1971), síntesis de varias propuestas católicas anteriores vehiculadas por Arriba y las revistas Alcalá, Ateneo y Signo. La escisión política no fue estricta; en Objetivo colaboraron Juan Cobos, García Escudero y Arroita-Jaúregui, algunos de ellos futuros miembros de Film Ideal.

Nuestro Cine (1961-1971) ocupó, nada más comenzar a publicarse, el lugar de la existente pero debilitada Cinema Universitario, así como los de Objetivo, y se proclamó heredera de la revista de Piqueras, Nuestro Cinema.

Fue el gozne sobre el que giró la crítica elaborada por la izquierda y, tras su desaparición, Contracampo llenó su hueco. Francisco Llinás, editor y director, definió sus intenciones críticas como el estudio del hecho cinematográfico a partir del análisis de sus elementos materiales; un materialismo opuesto a la cinefilia que en las décadas anteriores había dominado la crítica europea. Durante el desarrollo de esa nueva crítica, vieron también la luz revistas de vida breve, como Documentos Cinematográficos (1960-1963), Cinema 2002 (1975-1980) o Casablanca (1981-1985).

Quizá la convivencia de Film Ideal y Nuestro Cine fue el momento más interesante de la Nueva Crítica. Su debate central se constituyó fuera del cine español, y podemos entender que la atención prestada al Nuevo Cine Español por Nuestro Cine forma parte de un proyecto cinematográfico de cariz político; quizá sin ese matiz el encuentro no se hubiera producido.

Nuestro Cine tendía a abordar un modelo cinematográfico basado en el realismo crítico propugnado por Visconti, autor escasamente difundido entonces en España, como Índice mostró su disconformidad con el cine coetáneo español y la necesidad de dotarlo de realismo, aunque fuese a costa de importarlo de fuera, para alcanzar un nuevo estadio cinematográfico consolidado por Berlanga y Bardem.

José María Pérez Lozano, en Objetivo, apuntaba que la propensión de la crítica española hacia un cine no español solo podía entenderse como una deserción ante la imposibilidad de luchar contra el inamovible estado del cine propio. Llegó a decir, en 1955: Creo que la culpa del mal cine que padecemos es atribuible de modo principal a la crítica. Vamos, es un decir. A la inhibición crítica. A la traición crítica. A la vergonzosa deserción de la crítica.

En la misma publicación, Bardem confesaba el mismo año su no menos cruda opinión: Después de sesenta años de cine, el cine español es políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo, estéticamente nulo, industrialmente raquítico.

Nuestro cine nº54, 1966

Nuestro cine nº54, 1966

La particular historia de la búsqueda de un cine español con nuevos aires encontró su jalón definitivo en el proyecto del Nuevo Cine Español, del que Nuestro Cine habló en una decena de números. Tras la primera etapa del franquismo, se procedió hacia cierta apertura: se reestructuraron planteamientos de base, insertando modelos europeos, sobre todo en lo económico. Pero aquel Nuevo Cine Español no derivó solo de la construcción de una vía económica para la cinematografía, sino también del deseo de erigir un cine español en consonancia con los cines europeos de los sesenta. Sobre los resultados, hay opiniones diversas.

La crítica moderna española, que puede fecharse entre 1983 y la actualidad, puede dividirse, según Luis Navarrete, en una crítica al uso, a la que se accede a través de los medios tradicionales, y otra desarrollada en Internet. Dirigido (1972), Archivos de la Filmoteca (1989), Nosferatu (1991-2007), Nickel Odeon (1995-2003) y Cahiers de Cinema. España (2007) componen, en cuanto a publicaciones especializadas, el grupo más prestigioso de la crítica al uso.

La unificación de los planteamientos crítico-cinematográficos y el borrado (en general) de matices y características históricas del cine español han hecho que nuestra crítica aparezca situada en una posición similar a la de sus homólogas europeas. Pero este episodio merece otro capítulo.

 

 

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Sugerencias de temporada: 10 ideas para el mes de abril http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-ideas-para-el-mes-de-abril/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-ideas-para-el-mes-de-abril/#comments Fri, 31 Mar 2017 10:21:20 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=160758   1. DÍA INTERNACIONAL DEL LIBRO INFANTIL Si hay un mes en el calendario especialmente librero, ese es abril. Casi todo el mundo sabe que el día 23 está dedicado internacionalmente a los libros, pero … Leer más

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qué ver en abril de 2017

 

1. DÍA INTERNACIONAL DEL LIBRO INFANTIL

Si hay un mes en el calendario especialmente librero, ese es abril. Casi todo el mundo sabe que el día 23 está dedicado internacionalmente a los libros, pero lo que no tantos conocen es que nada más estrenarse el mes, el 2 de abril, se celebra el Día Internacional del libro infantil, en homenaje al escritor danés Hans Christian Andersen. Actualmente, en las librerías y en las bibliotecas podemos encontrar maravillosos libros infantiles y juveniles que contribuyen al fomento de la lectura entre los más pequeños, además de enseñarles a desenvolverse mejor en su día a día. Como nos resultaba complicado recomendar solo uno, dos o tres libros para los más pequeños, hemos pensado en recordar a un autor que supo despertar el deseo por la lectura a través de la magia de sus historias y personajes: Roald Dahl, padre de fantásticas obras como Matilda, James y el melocotón gigante o Charlie y la fábrica de chocolate, entre otros.

 

2. reMARKABLE, LIBRETA DIGITAL

Para los que lo quieren todo, ahora existe una tablet que te permite escribir con boli, como si de una libreta en papel se tratara. Textos, dibujos o anotaciones en documentos para no tener que renunciar a la posibilidad de trasladar pensamientos al papel, disfrutando al mismo tiempo de los avances tecnológicos. De momento hay que hacer una pre-reserva -a un precio bastante más bajo del que tendrá cuando salga definitivamente a la venta- en la web de reMARKABLE, donde se pueden consultar todas las especificaciones técnicas de este dispositivo que lo tiene todo para triunfar en el mercado.

getremarkable.com

 

3. STEFAN ZWEIG, ADIÓS EUROPA

El 21 de abril llega a las salas españolas este biopic sobre el escritor austriaco Stefan Zweig, uno de los intelectuales más sobresalientes del siglo XX. Por su origen judío, Zweig fue perseguido por los nazis y se vio obligado a exiliarse, emprendiendo un viaje que le llevaría a París, Londres y finalmente a Sudamérica, instalándose definitivamente junto a su esposa en Brasil. La película está escrita y dirigida por Maria Schrader y, aunque no llegó a ser nominada, fue la cinta seleccionada en Austria para competir por el Oscar a la mejor película extranjera.

 

 

 

4. LAS CHICAS DEL CABLE

Las chicas del cable es la primera serie original española de Netflix y uno de los estrenos más esperados por los usuarios de esta plataforma. La historia nos traslada al Madrid de 1928 y nos introduce en la vida de Lidia, Marga, Ángeles y Carlota, cuatro chicas que comienzan a trabajar como telefonistas en el edificio más moderno de la ciudad. La amistad entre ellas será clave para el desarrollo de la trama y para defender un estado de libertad que las mujeres de la época tenían totalmente limitado. Las chicas del cable está escrita por Ramón Campos, Gema R. Neira y María José Rustarazo; dirigida por Carlos Sedes y David Pinillos y protagonizada por Blanca Suárez, Ana Fernández, Maggie Civantos y Nadia de Santiago.

 

5. EL MONARCA DE LAS SOMBRAS

Javier Cercas vuelve a la Guerra Civil con El monarca de las sombras, una novela que engancha por lo que cuenta pero sobre todo por cómo lo cuenta, por la magistral manera de escribir de Cercas. El libro narra la búsqueda del rastro perdido de un muchacho casi anónimo, Manuel Mena, que en 1936, al estallar la guerra civil, se incorporó al ejército de Franco y que dos años después moriría en la sangrienta batalla del Ebro. En realidad, Cercas también nos está hablando de él en este libro, porque Mena, falangista, era su tío abuelo, y para escribirlo ha tenido que indagar en el pasado más incómodo de su familia; por ello cuenta cómo habiéndose resistido mucho tiempo a meterse en harina con la investigación para esta obra acaba convirtiéndola en el libro que siempre había querido escribir. Cuestiones de memoria y de marketing al margen, la lectura amena y el buen ritmo de la narración, con momentos de tensión pero también de humor, hacen que sea una de nuestras recomendaciones para este mes.

www.megustaleer.com

 

6. FESTIVAL INTERNACIONAL DE JARDINES

Entre los meses de abril y noviembre, enmarcado en el idílico entorno del Castillo de Chaumont-sur-Loire tiene lugar cada año, desde 1992, la celebración del Festival internacional de jardines. Allí se dan cita los mejores paisajistas, diseñadores de jardines y artistas para dar rienda suelta a la imaginación y al poder florar, convirtiendo los entornos del dominio de Chaumont en un espectáculo para los sentidos. Aunque los trabajos permanecen hasta el otoño, se recomienda la visita de mayo a julio por ser cuando la floración se encuentra en su mejor momento. Además, durante una parte del verano, los jardines pueden visitarse por la noche, iluminados por diodos electroluminiscentes que con sus colores, sus luces y sus reflejos revelan aspectos inéditos, ambientes insólitos y misteriosos. Una propuesta a considerar para una escapa diferente.

www.domaine-chaumont.fr/fr/festival-international-des-jardins

 

7. MUSAS, LO NUEVO DE LAFOURCADE

Todavía no sabemos el día exacto en el que saldrá a la venta Musas,  el último rabajo de Natalia Lafourcade, pero la artista ya ha avanzado que será a finales de abril. Tras el éxito cosechado con Hasta la raíz, del que acaba de terminar la gira, la expectativa es alta, ya que la artista -y su personal estilo en el que se meclan pop y tradición- goza cada vez de mayor reconocimiento.

www.lafourcade.com.mx

 

8. CIRCO CONTEMPORÁNEO EN EL PRICE

El Price abre su programación de abril con la Gran Gala de Circo Internacional y continúa todo el mes con espectáculos de circo moderno, actual, de la mano de dos compañías con propuestas muy distintas: Machine de cirque y Cirque le Roux. La primera es una compañía canadiense fundada en 2013 que, bajo la dirección artística de Vincent Dubé, trabaja principalmente números de acrobacia y malabares, no exentos de poesía y pensados para entretener a todos los públicos. Por su parte, Cirque Le Roux es una joven compañía francesa que está causando sensación internacionalmente y que llega al Price con su espectáculo The elephant in the room, ambientado en 1937 en una de las habitaciones del suntuoso castillo de Miss Betty…

www.teatrocircoprice.es

www.machinedecirque.com

www.cirqueleroux.com

 

 

9. SEMANA DEL DISEÑO DE MILÁN

Milán es sinónimo de diseño y en abril tiene lugar en la ciudad una de las citas más importantes para creadores y fabricantes vinculados a esta disciplina. Quienes puedan pasar unos días en la ciudad italiana del descubrirán multitud de eventos paralelos al Salone del mobile (del 4 al 9 de abril) y cómo la ciudad se vuelca, aún más si cabe que el resto del año, con el tema del diseño. Desde fuera de menú recordamos este mes a Ettore Sottsass (1910-2017), uno de los diseñadores más originales de la escena milanesa del siglo XX.

 

10. FURIOSA ESCANDINAVIA

Víctor Velasco dirige esta obra sobre el amor y la memoria contada desde sus contrarios, el desamor y el olvido, inspirada en la lectura de En busca del tiempo perdido de Marcel Proust que bucea en estos temas tan propios del ser humano como son los recuerdos, el enamoramiento, la pérdida y la huida. En el Español, hasta el 16 de abril, de martes a sábado a las 20:30h y domingos a las 19:30h.

teatroespanol.es

 

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