masdearte. Información de exposiciones, museos y artistas » Fuera De Menu http://masdearte.com masdearte es una revista online pionera en España. Desde el año 2000 ofrece información actualizada a diario sobre exposiciones, artistas, museos, agenda, convocatorias... Wed, 13 Dec 2017 23:36:36 +0000 es-ES hourly 1 La librería: leer para no caer http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-libreria-isabel-coixet/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-libreria-isabel-coixet/#comments Tue, 05 Dec 2017 20:15:13 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=169170 Los libros como refugio, como forma de vida y como antídoto contra la mediocridad son los protagonistas de La librería de Isabel Coixet, su adaptación de la novela homónima de Penélope Fitzgerald, una traslación al … Leer más

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La librería. Isabel CoixetLos libros como refugio, como forma de vida y como antídoto contra la mediocridad son los protagonistas de La librería de Isabel Coixet, su adaptación de la novela homónima de Penélope Fitzgerald, una traslación al cine a la par fiel y personal, porque es muy respetuosa con el espíritu del texto pero también deja claro que la lectura es una pasión personal de la cineasta. Es fácil tener la sensación de que la protagonista, Emily Mortimer, podría ser su alter ego e incluso algunos de sus gestos, sobre todo en los momentos de incredulidad y fastidio, nos hacen recordar irremediablemente a la directora.

La trama seguramente sea una de las más sencillas y vitalistas de la filmografía de Coixet, sin ser por eso liviana: una mujer, Florence Green, que tiene en los libros su mejor y casi única compañía, decide abrir una librería en un edificio viejo y abandonado de un pueblo donde no abundan los lectores pero sí son algo más frecuentes los personajes con poder y mentes cerradas que no desean que alguien de fuera adquiera un lugar que consideran suyo; puede que os suene: personas de esas que prefieren que algo no funcione a que otros lo hagan funcionar y que no se sienten vivos si no es fastidiando, cuanto más mejor.

Esa maldad tiene su contrapartida en un anciano ávido de lecturas novedosas, sin miedo a Bradburys y Lolitas, cuya soledad le hace objeto de maledicencias, y en una niña que aún no ha desarrollado el gusto por los libros pero sabemos que lo hará, llevada por su cariño a Florence, que no la obliga a leer pero le hace buenas sugerencias.

Puede parecer una fábula con encanto de planteamiento simple, con sus buenos y sus malos (la pérfida Patricia Clarkson merece mención especial por su rostro de educadísima maldad), por eso comenzábamos diciendo que esta quizá sea una de las películas más plácidas de Coixet, pero que sea un deleite y un canto de amor a la lectura no implica que no podamos obtener de ellas lecturas trascendentes y con vigencia actual: la mirada torcida al diferente, el ansia de boicotear a quien prospera, la maledicencia como forma de entretenimiento (y de vida) o los prejuicios hacia las personas solas no son ni de otros lugares ni de otras épocas. Y es muy discutible que leer haga a nadie mejor persona, pero es posible que sí nos convierta en gente más respetuosa, discreta y abierta. Y, con toda seguridad, nos hace más independientes y difíciles de engañar.

No está mal que nos recuerden, y más en una pantalla, que leer nos cambia. Y ya se sabe que cambiar cada uno es un principio para todo lo demás.

Además, Coixet traza la historia con el ritmo suave, el tono evocador y una ausencia de ruidos y gritos que nos hacen pensar en el acto de leer, su calma y su pausa. Sus personajes son algo esquemáticos, sí, pero desvelan que quien lee tiene más de una vida y también un bálsamo a mano y que entre ellos pueden establecer relaciones muy fecundas aunque en lo personal no tengan muchas conexiones. Una película bella y delicada.

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Sugerencias de temporada: 10 propuestas para el mes de diciembre http://masdearte.com/fuera-de-menu/planes-y-sugerencias-para-el-mes-de-diciembre-2017/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/planes-y-sugerencias-para-el-mes-de-diciembre-2017/#comments Thu, 30 Nov 2017 22:42:24 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=168930   1. ¿PENSANDO EN REGALOS? Aquí os proponemos uno que nunca falla. El 849 de Caran d’Ache se lanzó al mercado en 1969 y hoy es ya un clásico dentro esta firma suiza de bolígrafos … Leer más

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Planes diciembre 2017

 

1. ¿PENSANDO EN REGALOS?

Aquí os proponemos uno que nunca falla. El 849 de Caran d’Ache se lanzó al mercado en 1969 y hoy es ya un clásico dentro esta firma suiza de bolígrafos y pinturas. Su reconocible cuerpo hexagonal de aluminio suele presentar novedades cada año en cuanto colores y acabados, ofreciendo una amplia gama desde los tonos pastel a los flúor. Pero si lo que buscamos es un regalo de coleccionista o para alguien que siempre quiere un extra de diseño, además de un buen producto, nos quedamos con los firmados por Paul Smith. Hay ocho colores para elegir, aunque para los indecisos también existe la posibilidad de hacerse con una caja especial que contiene todos ellos.

store.carandache.com

 

2. WE EAT DESIGN

Comenzamos el mes con una nueva propuesta de la Central de Diseño de Matadero, que durante los días 1, 2 y 3 de diciembre acogerá WED. We Eat Design Festival Madrid, un evento cultural internacional que aúna diseño, arte digital y música, dirigido a público de todas las edades. Una exposición interactiva pensada para ser disfrutada como una actividad de ocio familiar en la que las instalaciones que se presentan y los talleres que se han organizado quieren servir como herramienta para comunicar y acercar a todos las posibilidades del diseño, tanto en su vertiente gráfica y artística (animación, arte digital, 4D…) como el diseño de objetos y productos.

http://we-eat-design.com/

 

3. RESTAURANTE CHOW CHOW

Puede que hablar de cocina fusión japo-latina (que en este caso incluye sabores procedentes de la gastronomía peruana, mexicana, venezolana y brasileña) no suene muy novedoso tras el boom de locales que con este enfoque se han abierto en Madrid en los últimos años, pero dejadnos decir que la propuesta de Chow Chow, con Alex Moranda (Nobu y Kabuki) como chef ejecutivo, es muy recomendable. Buena materia prima, explosión de sabores y un espacio minimalista con muchas referencias a la ciudad de Kyoto sorprenden en este restaurante propiedad del grupo Rantanplan, su tercer proyecto tras Teckel y Pointer.

chowchowmadrid.com

 

4. ANDREA ZARRALUQUI. ADIÓS A LAS VAJILLAS ABURRIDAS

Creaciones únicas, en todos los sentidos, así son las vajillas, juegos de té y platos de Andrea Zarraluqui, una artista que pinta desde pequeña, aunque fue hace un par de años cuando decidió dejar su cargo de directora de marketing en AC Hotels y entregarse a la labor artesanal del taller. Sabe lo que le gusta y también lo sabe su público, que se decanta principalmente por los temas florales y en especial por su familia de cactus, siempre muy solicitada. Podéis seguir el trabajo de Andrea a través de su cuenta de instagram, @andreazarraluqui, que suma ya más de cien mil seguidores.

www.instagram.com/azarraluqui/?hl=es

 

5. CALEXICO AMPLÍA SU SONIDO FRONTERIZO

The Thread That Keeps Us es el noveno álbum de estudio de Calexico y, aunque habrá que esperar a final de mes para poder escucharlo entero, contamos por el momento con el adelanto de dos temas, End Of The World With You y Voices In The Field. A pesar de no incluir ninguna parada española en su gira europea, acabamos de conocer la noticia de que Calexico se suma al cartel del VIDA 2018, que tendrá lugar del 28 de junio al 1 de julio del 2018 en Vilanova i la Geltrú.

 

6. BIOGRAFÍAS EN PODCAST

Cada vez somos más lo que nos suscribimos o descargamos en nuestros dispositivos móviles podcasts sobre cuestiones que nos interesan o de aquellos programas que no queremos perdernos si no podemos acceder a ellos en tiempo real. Los que hoy os proponemos os harán pasar un buen rato porque se refieren a personajes o episodios de los que siempre está bien saber y porque cuentan con unos narradores que saben cómo informar y además entretenernos mientras lo hacen. Son Arturo González Campos, Javier Cansado, Rodrigo Cortés y Juan Gómez-Jurado, se hacen llamar los Todopoderosos y cada mes se ponen delante de los micrófonos en el auditorio del Espacio Fundación Telefónica para grabar en vivo y en directo, con público, un podcast monográfico que desgrana la vida y obra de un creador ilustre. Los han dedicado a Brian de Palma, Buñuel, Billy Wilder, Julio Verne, Alan Moore, el monstruo de Frankenstein, Francis Ford Coppola o los Monty Python, entre otros muchos.

espacio.fundaciontelefonica.com

 

7. EL SACRIFICIO DE UN CIERVO SAGRADO

Yorgos Lanthimos repite con Colin Farrel (Langosta, 2015) en su último film, un siniestro drama que logra mantenerte en vilo aun cuando puede que por delante de tus ojos pasen cosas que no eres capaz de comprender. Las películas de Lanthimos son extrañas, es así, te angustian y atrapan casi por igual. En esta, El sacrificio de un ciervo sagrado, Farrel interpreta a Steven, un cirujano que vive confortablemente con su mujer (Nicole Kidman) y sus hijos, hasta que un extraño joven (Barry Keoghan), que no se sabe bien de dónde sale, se instala en sus vidas para destrozarlas y hacer pagar a Steven por un error cometido tiempo atrás.

 

8. VIRGINIE BRUNELLE. POESÍA Y GÉNERO

Hasta el 17 de diciembre continúa la 32ª edición de Madrid en Danza y entre los espectáculos que aún pueden disfrutarse destacamos Complexe des Genres, de la compañía canadiense liderada por Virginie Brunelle, con música de Mozart, Schubert, Chopin, Beethoven, Max Richter, Phillip Glass y Peter Broderick, que indaga en lo más profundo de cada uno de nosotros, en la universalidad de nuestra propia existencia a través de las relaciones, los excesos, los deseos o la aceptación; en si es posible definirnos a nosotros mismos a través de la restricción de los conceptos tradicionales de género. El resultado es una coreografía física y acrobática imbuida de mucha poesía visual, que podemos ver en el Teatro de la Abadía los días 15 y 16 de diciembre.

www.madrid.org/madridendanza/2017

 

9. TEBAS LAND

Y si en el Abadía disfrutamos de la danza, nos vamos ahora al Kamikaze (Premio Nacional de Teatro 2017) para hacer lo propio con la adaptación del multipremiado texto del dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco, Tebas Land. Inspirado por el mito de Edipo, la vida de San Martín y por un expediente jurídico creado e imaginado por el propio autor, en el cual se narra el juicio de un joven parricida que responde al nombre de Martín Santos, Blanco nos sumerge en la esencia del teatro. Para hacerlo parte de dos personajes y un crimen que es relatado casi de manera performática, un hecho de suma gravedad que va perdiendo peso en cuanto a su importancia ética para concentrar todo su poder en las posibilidades estéticas de su representación. Natalia Menéndez, quien describe esta obra como “la tragedia más inquietante que he leído en este inicio de siglo XXI”, dirige a Israel Elejalde y Pablo Espinosa en una función que revisita y desafía importantes piezas clásicas sobre el tema como Edipo Rey de Sófocles, Los hermanos Karamazov de Dostoievski, Un parricida de Maupassant y Dostoievski y el parricidio de Sigmund Freud.

http://teatrokamikaze.com/programa/tebas-land/

 

10. QUÉ VAS A HACER CON EL RESTO DE TU VIDA

Alfaguara edita la primera novela de Laura Ferrero, autora a la que hemos seguido la pista desde que, hace ahora un año, os habláramos de ella con motivo de la publicación de su primer libro de relatos, Piscinas vacías. En esta ocasión, la escritora nos sumerge en una historia familiar, la de Laura, una joven marcada por la relación con su padre, que tras dejar a su pareja decide mudarse a Nueva York, donde conoce a Gael, un misterioso conocido de su madre (desaparecida durante cinco años) que imparte clases en la Universidad de Columbia. Lo que pasa después, hay que leerlo…

 

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Lecturas de segunda mano, que no de segunda. Siete paraísos para quienes no queman después de leer http://masdearte.com/fuera-de-menu/librerias-de-segunda-mano-madrid/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/librerias-de-segunda-mano-madrid/#comments Thu, 30 Nov 2017 22:17:52 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=169043 Si la biblioteca propia o la biblioteca pública que tenéis a mano se os han quedado ya cortas y el presupuesto disponible no admite comprar todos los buenos libros que a uno le gustaría; si … Leer más

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Una de las librerías Re-Read

Si la biblioteca propia o la biblioteca pública que tenéis a mano se os han quedado ya cortas y el presupuesto disponible no admite comprar todos los buenos libros que a uno le gustaría; si son vuestro objeto fetiche y, además de leerlos, os gusta coleccionarlos, y si no solo no os importa, sino que encontráis placer leyendo ejemplares que han pasado por otras manos (a veces, con firma y fecha e incluso alguna foto del antiguo dueño en Disneyland) sabed que cada vez son más las librerías que nos permiten llevarnos a casa clásicos y publicaciones que hace no mucho fueron novedades por precios a los que es difícil resistirse.

La Ley 10/2007 de la Lectura, del Libro y de las Bibliotecas fija descuentos máximos para los libros y ocasiones para efectuarlos, pero también exclusiones a ese régimen: los libros de bibliófilo, los artísticos, los antiguos o de ediciones agotadas, los usados, los que están en fase de prepublicación, los de texto, ediciones especiales o los libros descatalogados. Así que este tipo de volúmenes podemos encontrarlos a precios muy diversos y más bajos que el resto, salvo cuando hablamos de joyas de coleccionista. Entre otros lugares, en estos:

TUUU LIBRERÍA
Un mes de noviembre de hace dos años os hablábamos de la apertura en Barcelona de un nuevo espacio de Tuuu librería, que cuenta con otros tres en Madrid, en los barrios de Chamberí, Salamanca y Lavapiés. Estas librerías se nutren de los libros donados por los usuarios, reciclan los que se encuentran en mal estado y nos invitan a llevarnos los que nos quepan en las manos a cambio de la aportación que consideremos. Esos donativos les permiten ser sostenibles. Además de fomentar la lectura entre quienes se acercan a sus sedes, desarrollan una labor social más amplia: algunos libros se destinan a colegios y ONGs, llegando a viajar a otros países.

Podemos colaborar con el proyecto de Tuuu librería haciéndonos socios o voluntarios o donando los ejemplares que ya no queramos (o no nos quepan) y también pujando, en subastas silenciosas, por algunos de los libros más especiales que forman parte del catálogo de estos establecimientos.

Por otro lado, Tuuu librería pone sus espacios a disposición de quienes tengan un proyecto cultural que dar a conocer, de manera gratuita, y en su blog nos hace recomendaciones varias.

RE-READ LIBRERÍA LOWCOST
En Re-Read nos dejan llevarnos un libro por tres euros, dos por cinco y cinco por diez… así que lo fácil es llevarse cinco.

Encontramos clásicos españoles e internacionales, novelas de todas las épocas, libros de viajes, diccionarios de términos artísticos, biografías o varias estanterías de libros en otros idiomas, todos de segunda mano y en buen estado. Para que os hagáis a la idea, allí nos hemos hecho con Suave es la noche de Scott Fitzgerald, La feria de las vanidades de Thackeray, Servidumbre humana de Somerset Maugham, Retrato del artista adolescente de Proust, Los seres queridos de Evelyn Waugh o casi toda la bibliografía de Muñoz Molina.

En su web podemos consultar si tienen algún libro en concreto a través de un buscador llamado The Book Finder y cuentan con un sistema de alertas para avisarnos si lo reciben después. Sus establecimientos no dejan de crecer, tanto que aquí no nos caben todos; resumiendo, se encuentran en Madrid y Barcelona y en algunas localidades de esas provincias, en Alicante, Castellón, San Sebastián, Gijón, Gerona, Las Palmas, Logroño, Lleida, Málaga, Mallorca, Pamplona, Salamanca, Sevilla, Tarragona, Valencia, Valladolid, Vitoria o Zaragoza.

EL DESVÁN DEL LIBRO
Los aficionados a las librerías de viejo en Madrid seguro que conocéis este acogedor espacio de la calle Fernán González, con estanterías hasta el techo y olor a páginas ya pasadas. Cuentan con decenas de miles de títulos, de temáticas diversas, que podemos tanto consultar como comprar a través de Internet.

ÁBACO
Es una de las más conocidas y de mayor trayectoria de Madrid -abrieron tras la Guerra Civil- entre las librerías que venden libros antiguos, de ocasión (o de lance, preciosa expresión), obras descatalogadas, primeras ediciones… organizadas por materias.

Cuentan con dos sedes en Madrid, en Raimundo Fernández Villaverde y General Álvarez de Castro, y sus fondos se renuevan constantemente.

ARREBATO LIBROS
Otro clásico aquí en Madrid. Se encuentra en Malasaña, en la calle La Palma, y nos ofrece miles de libros de segunda mano y también nuevos, estos últimos sobre todo de editoriales independientes y de poesía, ensayo, ilustración o con carácter artístico. Algunos son verdaderas joyas. Su lema lo deja claro: Mundialmente pequeña.

Su horario es amplio, pero Arrebato también nos permite comprar por Internet.

PÉREZ GALDÓS
Tanto novedades (con un 5% de descuento) como joyas bibliográficas y libros usados y descatalogados podemos encontrar también en otra librería clásica aquí en Madrid: Pérez Galdós, en la calle Hortaleza, y en Sagasta con el nombre de El Galeón. Cuenta con metros de estanterías y páginas a nuestra disposición desde los años cuarenta, y también nos facilita las búsquedas a través de su web, que permite la compra.

NO NOS OLVIDÁBAMOS: LA CUESTA MOYANO
Si uno de los atractivos de las librerías de viejo respecto al resto es la posibilidad de demorarnos en la búsqueda de nuestro libro sin llamar la atención y sin demás público empujando (otro es el aliciente de encontrar tesoros inesperados), esas ventajas se multiplican en la Cuesta Moyano: sus casetas nos ofrecen todo tipo de libros, recientes, pasados y olvidados antes de que en sus mesas despierten del sueño de los justos. Nos esperan con amabilidad todos los días de la semana.

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El autor: habrá inspiración para los malvados http://masdearte.com/fuera-de-menu/el-autor-habra-inspiracion-para-los-malvados/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/el-autor-habra-inspiracion-para-los-malvados/#comments Thu, 23 Nov 2017 23:38:10 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=168779 Vuestro trabajo os frustra, trabajáis pantalla con pantalla con un tipo que responde estrictamente a la definición de insoportable, os persigue el fantasma del éxito de vuestra exmujer (que os engañó) y vuestro profesor de … Leer más

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El autor. Manuel Martín CuencaVuestro trabajo os frustra, trabajáis pantalla con pantalla con un tipo que responde estrictamente a la definición de insoportable, os persigue el fantasma del éxito de vuestra exmujer (que os engañó) y vuestro profesor de escritura será competente, pero lo suyo no es corregir con delicadeza. Sin embargo, vosotros queréis escribir, por encima de cualquier otra cosa, y literatura de verdad, de la que tiene sentido y perdura, no novelas mediocres con las que hacer giras comerciales y caer en el limbo de lo prescindible. Vuestro profesor os dice que el único camino es partir de la verdad, zambulliros en ella, vivir. Tener experiencias auténticas, propiciarlas. Y se os va de las manos, a vosotros, que hasta hace poco eráis personas corrientes, difíciles y leídas pero comunes, no malintencionadas.

Inspirándose con libertad en El móvil, una de las primeras novelas de Javier Cercas, Manuel Martín Cuenca cuenta esta historia cómica, negra e inquietante, en El autor, convirtiendo a Javier Gutiérrez en ese escritor frustrado que es tenaz en la búsqueda de su voz propia, un hombre deseoso de escribir la gran novela andaluza contra todo y contra todos, finalmente contra sí mismo también.

La mina de su inspiración, y a la larga de su desgracia, es la comunidad de vecinos a la que se muda tras separarse: como tantas, un verdadero filón poblado de lo que él mismo llama personajazos. Primero los mira y escucha accidentalmente, poco a poco se va convirtiendo en voyeur y se adentra por la sinuosa senda de la intromisión, la manipulación mezquina en favor de sus intereses… se va convirtiendo en ese colmo de los hombres malos: los que aparentan bondad para llevar al personal a su terreno y luego dejarles con el agua al cuello.

En El autor hay humor, más negro que blanco, maldad, retorcimiento, realismo social… la ironía está en el mismo título: ¿de qué es autor el autor si sus argumentos se los dan sus vecinos, las sombras platónicas que ve en el patio de vecinos? ¿Puede haber verdad tras la manipulación, hay verdad en las escuchas y los vistazos casuales? ¿La gran literatura puede nacer del empeño de hacerla, del deseo de trascender, o solo del talento sin más, y lo demás es ridiculez?

Al escritor en ciernes lo comenzamos admirando, sobre todo cuando se rebela contra todo y contra todos y deja a un lado a su mujer, que lo engaña, y un empleo que lo constriñe, y le terminamos sintiendo mequetrefe, ridículo, loco por una gloria que no va a alcanzar. La interpretación de Javier Gutiérrez no puede dar más de sí, en el buen sentido: su mirada de hombre común con un ojo en el cielo y su anclaje físico en el suelo y mental en lo imposible lo convierten en el Quijote perverso ideal para esta historia, que tiene también su Madame Bovary.

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Robertson Davies: el llanto en el bautizo, la risa en el entierro http://masdearte.com/fuera-de-menu/robertson-davies-libros-del-asteroide/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/robertson-davies-libros-del-asteroide/#comments Fri, 17 Nov 2017 21:51:09 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=168531 Los rugidos del estómago pueden desoírse una vez, pero si insisten, hacen temblar el aplomo más perfecto. Los de Hector insistieron y Millicent McGuckin empezó a levantar las cejas y a hablar con inusitada claridad, … Leer más

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Robertson DaviesLos rugidos del estómago pueden desoírse una vez, pero si insisten, hacen temblar el aplomo más perfecto. Los de Hector insistieron y Millicent McGuckin empezó a levantar las cejas y a hablar con inusitada claridad, como para hacerse oír al pasar un tren. La señorita Ternan se sonrojó un poco. El anciano doctor Moss se desenganchó el receptor del audífono de la pechera del chaleco y lo sacudió y lo sopló con recelo, como temiendo que se le hubiera colado en él una miga de galleta. El estómago de Héctor lanzó un rugido largo y fuerte y después descendió en la escala cromática hasta convertirse en un ronroneo grave y cavernoso. Parecía que se estuviera produciendo en las cercanías una avalancha de piedras desde la montaña al valle por un torrente primaveral encabritado y espumeante. Después, inexplicablemente y desafiando las leyes naturales, las piedras ascendieron de nuevo montaña arriba, donde las recibieron atónitos montañeros con gritos y música de gaitas.

(Robertson Davies. A merced de la tempestad).

Dadle a Robertson Davies un rugido de tripas y os dará el recuerdo de un buen rato. Este señor, que como veis tiene cara de bonachón Papa Noel y parece que, efectivamente, era encantador, nació en la plácida Canadá y llevó a sus libros una sana capacidad de relativizar fracasos, restar drama a las tragedias y de reírse de los triunfadores y de los estrellados.

John Irving, que lo conoció, lo llamó el Dickens de Canadá. Nos parece que sí pero no: pinta en sus novelas frisos de personajes de personalidades y orígenes sociales diversos y no tiene reparos en enseñar sus luces y miserias con el grado de detalle que sea necesario, pero, a diferencia del inglés, lo hace más desde la ironía que desde la denuncia, dejando a un lado moralismos sin que esto implique la ausencia de crítica.

Vivió durante casi todo el siglo XX, de 1913 a 1995; en su país fue una celebridad y fuera también logró reconocimiento: muchos grandes autores (Malcolm Bradbury, John Kenneth Galbraith o el propio Irving, que fue su medio heredero) le dedicaron palabras muy elogiosas. Aquí lo conocimos tarde pero con dicha, gracias a la editorial Libros del Asteroide, que nos ha hecho el favor de regalarnos su obra completa, que el autor estructuró en trilogías. Para los ultraordenados: no pasa nada por no seguir el orden dentro de cada una, personajes y escenarios conectan, pero las tramas son independientes. Ese escribir de tres en tres tiene que ver con su seguridad y su imaginación, no conoció el vértigo -él mismo lo reconoció- ante la hoja en blanco.

Robertson Davies. Una mezcla de flaquezasDicen de Davies que en el vestir se escaqueaba de las modas y que tenía una voz, entre ronca y potente, muy característica; esa personalidad es la que transmite en sus textos: mucha libertad a la hora de hablar, sin tapujos pero con ternura, de sus personajes; independencia en el estilo y respecto a las convenciones, y un humor muy poderoso. Poderoso y, paradójicamente, apto para un público muy amplio.

Su propia experiencia vital influyó de manera clara en los protagonistas de sus textos: él fue actor y productor de teatro, periodista, profesor de literatura… son los oficios de los personajes, que él nos presenta con su genialidad, su frivolidad, su amor propio y sus, más o menos ocasionales, ridiculeces.

Leyéndolo pensamos que nos gustaría tener la capacidad de mirar así la vida, reírnos a su manera de lo que sale mal y sacar su punta cómica a los momentos de hartazgo. Davies fue un narrador de oro, un escritor vital al que imaginamos algo escéptico, buen observador y escuchante, y como un señor muy libre que duda de que pueda serlo del todo. En sus novelas parece darse una lucha entre el destino definido y el libre albedrío: un demiurgo mueve los hilos de modo que sus personajes estén a punto de ahogarse pero, en el último minuto, les salven con los primeros auxilios.

Quizá sea buena idea que los novatos se inicien en Davies con la Trilogía de Deptford, formada por El quinto en discordia, Mantícora y El mundo de los prodigios, sobre lo que un millonario tiene por dentro y lo que se encuentra por fuera, pero tenemos debilidad por la Trilogía de Salterton, una ciudad canadiense imaginaria en la que conviven personajes entrañables y desquiciantes reunidos ocasionalmente por la religión, el teatro o la música. Su desorden interior forma parte del orden del mundo; Davies lo entendió con lucidez y nos lo contó con picardía.

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¡Lumière!, la emoción de los orígenes http://masdearte.com/fuera-de-menu/lumiere-comienza-la-aventura-thierry-fremaux/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/lumiere-comienza-la-aventura-thierry-fremaux/#comments Tue, 14 Nov 2017 16:49:47 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=168337 Da igual que haya pasado más de un siglo desde que se filmaron, que las tengamos en la palma de la mano gracias a Youtube o que hayamos podido ver alguna formando parte de una … Leer más

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¡Lumière! Comienza la aventuraDa igual que haya pasado más de un siglo desde que se filmaron, que las tengamos en la palma de la mano gracias a Youtube o que hayamos podido ver alguna formando parte de una exposición en un museo: disfrutar de cualquier película de los Lumière en pantalla grande y en un cine siempre tiene el sabor del descubrimiento, una emoción distinta a la que experimentaron quienes veían imágenes en movimiento por primera vez, pero también genuina, derivada de reconocerse en los que entonces se dejaban filmar mientras paseaban o trabajaban o en los que se asombraban de ver su vida en crudo en la pantalla o un tren a punto de atravesarla.

Por eso no está pagado lo que se disfruta con ¡Lumière! Comienza la aventura, un documental dirigido por Thierry Frémaux que nos da la oportunidad de ver más de cien películas seleccionadas entre el millar largo que rodaron Louis y Auguste Lumière, con explicaciones concisas y fundamentales que dialogan con la ficción y que nos sirven para entender por qué estas píldoras de cincuenta segundos –a ojos de hoy, pura artesanía– fueron revolucionarias y transformaron nuestra manera de ver el mundo y de relacionarnos con la imagen. Descubrimos cómo se resolvía la grabación desde un único punto de vista, por qué se escogían unos ángulos de filmación y no otros, qué métodos conseguían suscitar la risa, cómo reaccionaba el público de entonces viéndose a sí mismo, o a sus pares, salir de una fábrica o contemplar cómo un bebé se caía o malcomía… Aquí hay también sociología, y es interesante fijarse en cómo, progresivamente, los no actores comenzaban a actuar.

La sucesión de películas sigue un orden temático: Frémaux, que es director del Instituto Lumière de Lyon y uno de los responsables del Festival de Cannes, ha elegido presentarnos las obras en varios apartados según nos enseñen escenas urbanas, paisajes, gracias de niños pequeños, momentos de humor, a la clase trabajadora en acción… Fijándose en lo más cotidiano los Lumière estaban creando el lenguaje de la modernidad; de hecho, llegaron a explorar, desde el rudimento pero también manejando una óptica modernísima, la profundidad de campo y los travellings.

También fueron conscientes de que el cine tenía la doble posibilidad de sumergirse en el arte o en el espectáculo, y la de conjugarlos: ahí queda su filmación –mítica, y esta vez sí es buena la palabra– de la danza serpentina de la gran bailarina Loie Fuller, que continúa inspirando películas.

Todas las obras que se presentan, fechadas entre 1895 y la llegada del siglo XX, han sido restauradas digitalmente y en su sencillez, o a lo mejor gracias a ella ahora que abunda la sofisticación con escaso contenido, hechizan al espectador. Suponen un homenaje perfecto a la intuición de los pioneros y una exaltación de la magia del primer cine y sus puestas en escena básicas y completas, pero también una recopilación lúdica y didáctica: un documental con el que se sonríe y se aprende.

Si el cine es una emoción, puede que lo fuera más que nunca entonces, cuando empezó todo.

 

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En la isla de Elsa Morante http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-isla-de-arturo-elsa-morante/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-isla-de-arturo-elsa-morante/#comments Fri, 10 Nov 2017 21:52:18 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=168214 Se habría dicho que, por el mero hecho de existir y de ocupar un espacio delante de él, la muchacha cometía un abuso, un atropello al derecho de Wilhelm Gerace a sentirse libre como los … Leer más

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Elsa Morante. La isla de Arturo. Lumen

Elsa Morante. La isla de Arturo. Lumen

Se habría dicho que, por el mero hecho de existir y de ocupar un espacio delante de él, la muchacha cometía un abuso, un atropello al derecho de Wilhelm Gerace a sentirse libre como los ángeles, y yo encontraba muy legítimo el infantil encarnizamiento con que mi padre lo defendía. En efecto, ese derecho aparecía a mis ojos como el principal origen de su desgracia y de su inmortalidad.

Una de las reediciones afortunadas que nos ha dejado este año ha sido la de La isla de Arturo, de Elsa Morante, autora también de Mentira y sortilegio, igualmente recuperada por Lumen, y de La Historia. Su regreso a las librerías coincide, además, con cierta tendencia –bienvenida sea y que dure– a poner de nuevo en valor el legado de autoras italianas como Natalia Ginzburg (en Acantilado) o Elena Ferrante (también en Lumen), que de otro modo hubieran podido pasar desapercibidas, sobre todo para los más jóvenes.

En 2012 se conmemoró el centenario del nacimiento de Morante, que no se aferró a una temática única pero sí que mantuvo en sus obras una tendencia clara a poner voz y rostro a quienes “la historia” deja de lado, a los inocentes que son víctimas de las decisiones o la dejación de los protagonistas habituales.

En el caso de La isla de Arturo esos inocentes son dos, ambos agraviados por la personalidad egocéntrica y despótica de Wilhelm Gerace: su abandonado hijo, Arturo, y su joven esposa, madrastra del chico y de casi su misma edad, Nunziata. Wilhelm es un individuo sin oficio pero con beneficio, un padre distante y marido sin ternura que apenas visita su casa, heredada de un anciano misógino que se encaprichó de él y que también le influyó en su carácter independiente, arisco, machista y descreído. Representa una suerte de superhombre de Nietzsche: nada necesita, de nadie depende, en nada cree y desprecia la fragilidad.

Arturo vive, más solo que con él, obnubilado por ese carácter, deseando parecerse a Wilhelm, llamándolo así, por su nombre de pila, y queriendo hacerse adulto para acompañarlo en esos supuestos viajes a paraísos lejanos que siempre lo mantienen lejos. Lo adora con esa veneración ciega, casi religiosa, que algunos niños profesan a sus padres, una fe fomentada por su soledad y por el ambiente cerrado de la isla en la que campa a su aire: Procida. Este escenario es real, Morante ambientó la novela en un pueblo cercano a Nápoles que antes de la II Guerra Mundial tenía unos 10.000 habitantes y, con ellos, más o menos, se mantiene. También contó con cárcel, como aparece en la obra, y sabemos que aquí pasó algún tiempo la escritora buscando alejarse de Roma en la etapa fascista.

En esa ceguera de amor al padre vive Arturo hasta su adolescencia, cuando Wilhelm se casa con la cándida Nunziata, hacia la que Arturo desarrolla sentimientos encontrados: celos y misoginia heredada primero y atracción difícil de contener después. Esa confusión interna le hace odiar a todo, a todos y a él y va a más cuando descubre las debilidades de su padre, la razón de sus ausencias, que él nunca hubiera imaginado.

Todas las bajadas del pedestal son duras y saber detectar las debilidades de los nuestros es lo que supuestamente nos empuja a la vida adulta, pero la transición, en el caso de Arturo, es especialmente abrupta: encerrado en Procida, amante contra viento y marea de la hombría, descubre a su padre –no a su padre, al rebelde Wilhelm Gerace– dejándose humillar y empobrecer por un muchacho joven, ex convicto, que lo llama parodia y recibe sus regalos.

Si Procida es la infancia, despreocupada y ciega, la infancia de todos, la Nunziata atractiva y el padre ultrajado representan para Arturo su entrada en la madurez (y en la guerra). Es una historia cruel, pero Morante maneja –lo hace también en el resto de sus obras– algo parecido a la justicia poética: el padre ausente pasa de ridiculizar a ser el ridiculizado, Arturo abre por fin los ojos y Nunziata, inocente pero conocedora de lo que se cuece en su entorno, sufre en la justa medida porque nunca llegó a amar al débil Wilhelm, en el fondo el más vulnerable de los tres.

Y esta es sobre todo la historia del crecimiento de Arturo, que podemos entender como un camino universal. Lento, pero inexorable. Lo explica en el prólogo Juan Tallón: Elsa Morante es una autora que captura como pocos ese movimiento perpetuo que se produce dentro de todo ser humano. Sus personajes jamás se detienen, aunque permanezcan tendidos, en silencio, o solo sueñen. Algo los zarandea continuamente (…). No son los mismos ahora que dentro de unas páginas.

La novela le valió a Elsa –mujer de Alberto Moravia durante veinte años, como anécdota– el Premio Strega, muy prestigioso en Italia, en 1957, y en 1962 inspiró una película del mismo título y rodada en Procida que aún no hemos visto pero vamos a buscar. La dirigió, dicen que con mucho rigor, Damiano Damiani.

Vista de Procida, la isla donde Elsa Morante ambientó "La isla de Arturo"

Vista de Procida, la isla donde Elsa Morante ambientó “La isla de Arturo”

 

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Sugerencias de temporada: 10 propuestas para el mes de noviembre http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-noviembre/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-noviembre/#comments Wed, 01 Nov 2017 07:53:19 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=167871   1. SOLO Hace unos días se presentaba en Madrid una nueva editorial, Volcano, y lo hacía con un libro dedicado a la figura de Richard Byrd. En él, el explorador cuenta en primera persona … Leer más

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Qué ver en noviembre: La librería, de Isabel Coixet; Harry Potter, the exhibition; Después del ensayo...

 

1. SOLO

Hace unos días se presentaba en Madrid una nueva editorial, Volcano, y lo hacía con un libro dedicado a la figura de Richard Byrd. En él, el explorador cuenta en primera persona su odisea durante su segunda expedición en la Antártida, que acabaría convirtiéndose en la agonía de su lucha por sobrevivir. Volcano nace con la vocación de poner el foco en la naturaleza, contada no desde el ámbito científico sino desde la propia literatura y desde todos sus géneros. Les deseamos suerte en su valiente aventura.

volcanolibros.com

 

2. CASA VICENS

Después de 130 años como residencia privada, la Casa Vicens, construida por Gaudí entre 1883 y 1885 como lugar de veraneo para la familia Vicens, abrirá al público el próximo 16 de noviembre. Está contemplado que se pueda visitar libremente o de forma guiada, para no perderse ningún detalle de la que fue la primera obra maestra del arquitecto, declarada patrimonio mundial por la UNESCO en 2005. La entrada (16 euros, o 19 euros si se escoge la visita guiada,) permite el acceso a los espacios rehabilitados diseñados por Gaudí, así como al jardín y la azotea, y a las salas destinadas a exposiciones, tanto la permanente como las temporales.

casavicens.org

 

3. ROTULACIÓN A MANO

Si eres de los que se fija en las tipografías y decoraciones de comercios y restaurantes, o en los ahora tan de moda foodtrucks, seguro que no te habrán pasado desapercibidos muchos de los trabajos que han salido de Rotulación a mano, una empresa que ha sabido combinar la experiencia con el rotulador y el diseño gráfico con las nuevas tendencias, tanto en las bellas artes como en la tecnología y la publicidad. Si estás pensando en montar un negocio, quizás te interese conocerlos…

rotulacionamano.com

 

4. OTOÑO EN SEVILLA

Según la guía de viajes Lonely Plantet, Sevilla será la mejor ciudad para visitar en 2018. Como nosotros pensamos que siempre es un gran destino, no creemos que haga falta esperar hasta el año que viene para hacer una escapada y disfrutar de sus atractivos culturales y gastronómicos. La gran cita con el “Año Murillo”, que concentrará en 2018 sus mayores actividades, comienza, sin embargo, este mismo mes, con inauguraciones como la de las pinturas que realizó para el convento de los Capuchinos, serie que se encuentra entre sus obras maestras. Además, hasta el 5 de noviembre continúan los espectáculos del Festival Internacional de Danza Contemporánea y del 3 al 11 tendrá lugar una nueva edición del Festival de cine Europeo de Sevilla.

murilloysevilla.org/

 

5. LA LIBRERÍA

La nueva película de Isabel Coixet, presentada con éxito en la Semana Internacional de cine de Valladolid, llega a nuestras salas el próximo día 10. La historia es una adaptación de la novela de Penélope Fitzgerald, The Bookshop, ganadora del Premio Booker en 1979, por la que Coixet ha conseguido ya el Premio a la mejor adaptación literaria de la Feria del Libro de Francfort.

La librería cuenta el drama de una mujer, Florence Green (interpretada por Emily Mortimer), que decide abrir una tienda de libros en un pequeño pueblo costero de la Inglaterra de 1959, sin imaginarse el pequeño infierno por el que tendrá que pasar, debido a la actitud caprichosa de una adinerada señora del pueblo a la que tendrá que enfrentase.

 

6. CULTURA DE BARRIO

Continúa en Valencia el programa CULTURA ALS BARRIS, que desde el mes de septiembre apuesta por descentralizar la cultura de los principales focos de la ciudad, llevando a diez barrios (Patraix, Les Tendetes, Aiora, La Llum, Els Orriols, Sant Marcel.li, Arrancapins, Sant Antoni, Natzaret i Malilla) numerosas propuestas y actividades para todo tipo de público y de carácter gratuito. Arte, teatro, danza, música, cine y poesía en busca de ciudadanos que quizás lleguen a convertirse en consumidores y demandantes de cultura a raíz de esta experiencia.

valencia.es

 

7. SMARTIFY

Los que os movéis con cierta frecuencia por las redes sociales puede que ya conozcáis esta aplicación, pues últimamente ha sido ampliamente compartida. Con ella podemos identificar obras de arte en más de 30 museos de todo el mundo, como la National Gallery y la Royal Academy of Arts, de Londres, el Hermitage de San Petersburgo, el Rijksmuseum de Ámsterdam o el Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Su procedimiento es sencillo, una vez descargada la app solo hay que visitar uno de los museos aliados y a disfrutar descubriendo lo que las cartelas no cuentan.

smartify.org

 

8. DESPUÉS DEL ENSAYO

El teatro (y los actores), el paso del tiempo y las musas son los protagonistas de Después del ensayo, la obra más autobiográfica de Ingmar Bergman, escrita por el autor sueco en un momento en el que habiendo dejado ya a un lado el cine se centra en la actividad teatral y crea esta íntima y emotiva pieza. Emilio Gutiérrez Caba, Chusa Barbero y Rocío Pelaez se suben al escenario, dirigidos por Juan José Afonso, e interpretan el texto, en una versión de Joaquín Hinojosa, por primera vez en castellano. Finalizada la representación en Madrid hace tres días, Después del ensayo sigue con su gira, ahora por teatros de Andalucía.

greygarden.es/despues-del-ensayo

 

9. EL PARÍS DE ISABEL VILLANUEVA

Altea y Valencia serán las últimas ciudades españolas en las que Isabel Villanueva ofrecerá conciertos antes de comenzar una gira europea que la llevará a Zúrich, Londres, Bolonia o Estambul, regresando de nuevo a los escenario españoles, ya en enero de 2018. La arista, una de las más destacadas intérpretes de viola del momento, acaba de presentar su disco Bohèmes, junto al galardonado pianista francés François Dumont; un trabajo en el que rinde homenaje al París de la Belle Èpoque con obras de Liszt, Granados, Hahn, Martinu, Enesco y Debussy.

isabelvillanueva.com

 

10. HOGWARTS Y SU MAGIA

Llega a Madrid la exposición “Harry Potter”, uno de los eventos más esperado de la temporada, que ofrecerá a los visitantes una experiencia inmersiva en el fantástico mundo creado por la escritora británica J.K. Rowling. Los fans más valientes seguro que se atreven a extraer una mandrágora e incluso querrán lanzar una pelota Quaffle, después de haber recorrido algunas de las estancias de la escuela de magia más famosa del mundo, o de haber contemplado el vestuario y atrezo utilizado en las películas de la saga Potter. Esta conjuga con maestría varios elementos por los que se ha convertido en un producto de éxito, en una marca, pero su mayor logro es haber conseguido que millones de niños se hayan entusiasmado con sus historias y hayan aprendido a amar la lectura.

harrypotterexhibition.es

 

 

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Handia, el espectáculo del hombre enraizado http://masdearte.com/fuera-de-menu/handia-el-espectaculo-del-hombre-enraizado/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/handia-el-espectaculo-del-hombre-enraizado/#comments Fri, 27 Oct 2017 21:38:15 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=167783 2, 27 metros, 212 kilos y 36 centímetros de pie eran las medidas, registradas por la ciencia, del que llamaron gigante de Alzo: un señor de ese pueblo de Guipúzcoa que vivió entre 1818 y … Leer más

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Handia2, 27 metros, 212 kilos y 36 centímetros de pie eran las medidas, registradas por la ciencia, del que llamaron gigante de Alzo: un señor de ese pueblo de Guipúzcoa que vivió entre 1818 y 1861 y que padecía acromegalia, enfermedad que hizo que no dejara de crecer desde los veinte años. En su tiempo fue muy conocido y paseó por media Europa llamando la atención, convertido en hombre-espectáculo.

Su historia la ha recogido el equipo que dio a luz a ese prodigio sencillo que era Loreak para crear Handia, una película sobre la importancia de la familia y las raíces y también la de mantenerse fiel a uno mismo. La narración, en líneas generales, se atiene a lo que sabemos de la vida de este hombre; mejor ponerle nombre: Miguel Joaquín Eleizegui. Pero solo en general, porque también incorpora elementos fantasiosos y no es fácil distinguir unos de otros por los pocos datos que tenemos; ese es el atractivo del juego de enigmas que se establece con el espectador.

Huérfano temprano de madre, Eleizegui tuvo una infancia y una adolescencia normales en el caserío de Ipintza-zar hasta que comenzó a crecer sin freno y un empresario propuso a su padre obtener beneficio económico de la exhibición de su rareza.

El hombre, sencillo y apegado a su caserío y sus costumbres, quedó convertido en circo para reyes y plebeyos para alegría de los bolsillos familiares y tristeza de Eleizegui, cada vez más harto de no ser escuchado y de ser solo tenido en cuenta como medio de subsistencia o de entretenimiento. No le miran a los ojos cuando habla y no es solo por la altura.

El tono de Handia es el de una fábula mágica a medio camino entre lo más real (la tierra, la familia de la que no es fácil alejarse) y el sueño y el misterio, entre lo atávico y los deseos de enriquecimiento y de ser lo que no se es. En la película, dirigida por Jon Garaño y Aitor Arregi, comparte protagonismo con el gigante uno de sus hermanos, el principal encargado de exponerlo, deseoso de ganar dinero y de convertirse en un dandi. Su carácter no se parece en nada al de Miguel, que siente por él la devoción ciega hacia el hermano mayor siendo consciente de hasta qué punto se está aprovechando de él. Esa es su pena, pero tenerlo claro no mina la lealtad: hacia el paisaje familiar, hacia los suyos.

Handia no es una película biográfica, sino un acercamiento original a una figura insólita, por fuera, por lo grande, y también por dentro, por lo pequeño; un acercamiento realizado desde un enfoque de autor, con una fotografía perfectamente cuidada y un guion preciso, aunque echemos de menos una profundización mayor en la psicología del personaje, un tanto pasada por alto en favor de la recopilación de sus exhibiciones y su incomodidad en el papel de bufón. Con todo, es una obra preciosa que habla de dignidad y del enorme asidero que puede encontrarse en el ambiente cotidiano frente al frío y las risas maliciosas de fuera.

 

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Gaultier: lo que no se reinventa, muere http://masdearte.com/fuera-de-menu/gaultier-lo-que-se-reinventa-muere/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/gaultier-lo-que-se-reinventa-muere/#comments Fri, 20 Oct 2017 20:59:59 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=167435 ¿Vuestras abuelas decían que la moda es como un saco de patatas que, cuando se llena, se abre por el otro lado y vuelta a empezar? Gaultier les diría que sí y no: la materia … Leer más

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¿Vuestras abuelas decían que la moda es como un saco de patatas que, cuando se llena, se abre por el otro lado y vuelta a empezar? Gaultier les diría que sí y no: la materia prima permanece, pero nada obliga a cocinarla siempre igual.

Simplificando un poco, podríamos considerar hitos de su trabajo dos prendas históricas como el corsé o la falda, pero intervenidos: un corsé reinventado y la falda concebida para que la vistan hombres. A primera vista, sus mujeres encorsetadas parecen caminar en sentido contrario a la liberación estética femenina de los sesenta y los setenta, pero el diseñador, claro, no lo entendía así sino como otra liberación, postfeminista, en el campo del aspecto.

Frente a la delgadez y la imagen preadolescente que se imponían como cánones de belleza en esas décadas, Jean Paul propuso una redefinición de la feminidad inspirándose, como él mismo ha reconocido alguna vez (y por eso empezábamos como empezábamos) en el armario de su abuela materna, Marie. Allí desempolvó corsés de principios de siglo y otros de los cuarenta, con cintura de avispa, y los reelaboró para que pudieran conceder atributos femeninos a quien carecía de ellos.

Corsés de Jean Paul Gaultier en la muestra “Jean Paul Gaultier: Universo de la moda. De la calle a las estrellas”. Fundación MAPFRE, 2012

Corsés en la exposición “Jean Paul Gaultier: Universo de la moda. De la calle a las estrellas”. Fundación MAPFRE, 2012

Los encontramos desde sus inicios: en su primer desfile, correspondiente a la primavera-verano de 1977, presentó un corpiño negro con tachas, y en su célebre Le dadaisme, correspondiente a la primavera-verano de 1983, asoció esta prenda a los tótems primitivos africanos y a la fertilidad que simbolizaban. Llamó así la atención de Cindy Sherman, que se fotografió con un mono-pantalón-corsé de Gaultier, y de muchas cantantes que llevaron su ropa interior sobre los escenarios: Madonna, pero también Catherine Ringer, Arielle Dombasle o Kylie Minogue.

Quizá el hecho de haberse criado en un entorno de mujeres fuertes le ayudó a reinterpretar desde la ironía los signos de reclusión del cuerpo de la mujer. Si los miriñaques lo aprisionaban en el s. XIX, él, en 1989, diseño estrechísimos vestidos de satén que impedían a las modelos caminar con normalidad. Y su primer perfume, llamado Classique por sus ecos al pasado, tuvo forma, de nuevo, de corsé.

Pero hay más: dado que, también en el s. XIX, esa prenda se utilizaba para disimular las primeras redondeces del embarazo, él lo empleó, en 2000, para subrayar la plenitud de las embarazadas modernas.

Los ambientes de las películas publicitarias que Jean-Baptiste Mondino creaba para sus perfumes, desarrollando conceptos que escogía el modisto, hacían hincapié en las oposiciones estilísticas entre hombre y mujer y proporcionaban una visión elocuente de cómo Gaultier entendía esa dualidad. En estos vídeos, hombres y mujeres por igual seducen o se dejan seducir y toman o abandonan, alternativamente, el poder. Desde esa perspectiva, el corsé, lejos de ser un instrumento de tortura que aprisiona la anatomía femenina, encarna el poderío contemporáneo de la mujer; el modisto lo entiende, además, como contrapunto de la chaqueta masculina, descendiente lejana, en su opinión, de la armadura medieval.

“Creador inconformista busca modelos atípicas; caras raras no abstenerse”

Respecto a la falda masculina, la primera que el francés diseñó estaba construida como un pantalón: con perneras amplias cubiertas por un faldón en la parte delantera. Se asemejaba a los mandiles que los camareros llevan en muchas brasseries de París.

En realidad, antes de Gaultier (y de Montesinos), y fuera de Escocia, algunos hombres han vestido faldas a lo largo de la historia, como los samurais. El modisto cree que no hay tejidos más apropiados para uno u otro sexo, como muchas prendas tampoco lo son. En sus desfiles es frecuente ver a hombres fornidos llevando faldas con calcetines y botas contundentes, muy lejos del travestismo.

Faldas masculinas en la exposición “Jean Paul Gaultier: Universo de la moda. De la calle a las estrellas”. Fundación MAPFRE, 2012.

Faldas masculinas en la exposición “Jean Paul Gaultier: Universo de la moda. De la calle a las estrellas”. Fundación MAPFRE, 2012.

Su mensaje era, en realidad, muy universal: invitaba a vestir con autenticidad, a atreverse a ser uno mismo al margen de etiquetas, incluidas las de género.

Por eso a la delgadez opuso sensualidad, frente a modelos diáfanas y parecidas entre ellas, opta por subrayar las diferencias y organiza castings abiertos que completan la selección de las agencias. En alguna ocasión, incluso, ha publicado anuncios por palabras como este de Libération: Creador inconformista busca modelos atípicas; caras raras no abstenerse.

Maneja Gaultier un enfoque iconoclasta de la moda, determinante en toda su actividad creadora. Para su primera colección, la del 77 de la que hemos hablado, hizo una recuperación kitsch de manteles individuales de punto de cruz o de rafia y los convirtió en chalecos, paliando con imaginación la falta de medios del principiante. Era la prueba de que, ya desde que empezaba, no quiso hacerse un hueco en la pirámide de los grandes modistos recurriendo ni a las convenciones ni al éxito seguro: apostó por subrayar su individualidad, la misma que busca en sus modelos, y por la irreverencia.

Le gusta lo extraño, la anticipación, la ciencia ficción, los cómics y los materiales experimentales. Y es hijo de la televisión.

 

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Billy Wilder, hombre orquesta http://masdearte.com/fuera-de-menu/billy-wilder-hombre-orquesta/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/billy-wilder-hombre-orquesta/#comments Fri, 13 Oct 2017 20:46:42 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=167154 Dicen que no encajo en este mundo. Francamente, considero esos comentarios un halago. ¿Quién diablos quiere encajar en estos tiempos? Pensad en una película menor de Billy Wilder, en alguna de sus obras que fuera … Leer más

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Billy Wilder junto a Gloria Swanson

Billy Wilder junto a Gloria Swanson

Dicen que no encajo en este mundo. Francamente, considero esos comentarios un halago. ¿Quién diablos quiere encajar en estos tiempos?

Pensad en una película menor de Billy Wilder, en alguna de sus obras que fuera un fracaso. Va a ser complicado que deis con alguna, y no porque el director trabajara en un único género hasta dominarlo: su virtuosismo en la comedia fue equiparable al que manejó en el suspense y el drama, de forma completamente fluida y natural.

Nacido en 1906 en Viena, en una familia judía que padeció la crueldad nazi (su madre fue asesinada en Auschwitz), se formó hasta los 19 años en un colegio para muchachos con problemas. Lo abandonó para trabajar como periodista, aún en Viena, y más tarde se marchó a Berlín, donde desarrolló diversos oficios pero destacó con reportajes periodísticos que le permitieron trabajar junto a Robert Siodmak como guionista.

Fue ayudante de dirección de Edgar G. Ulmer, ayudante de cámara de Zinnemann y escribió numerosos guiones, algunos como negro. El ascenso de Hitler le condujo primero a París y después a Estados Unidos, donde tuvo éxito como guionista en las comedias de Lubitsch, Howard Hawks y Leisen: podemos decir que él éxito de Wilder fue fruto del trabajo y la constancia, además de de su genio.

Fue en los cuarenta cuando inició su etapa dorada como director-guionista, cultivando una filmografía coherente y variada a la vez que podemos estructurar en dos ciclos: dramas realistas de tintes negros que revisan, desde una perspectiva crítica, ciertos aspectos del espectáculo o el periodismo, o abordan el asunto del falso culpable; y las grandes comedias de humor cínico y ácido. En realidad, es complicado dividir sus filmes en estos grupos porque unos y otros tienen muchos puntos en común y una común ternura de fondo, también sabiduría y humor.

Podríamos situar en el primer grupo a Perdición, exquisito cine negro; Días sin huella, alegato contra el alcoholismo; El crepúsculo de los dioses, que no necesita presentación pero de ella ahora hablaremos; El gran carnaval, una crítica al periodismo sensacionalista, y a Testigo de cargo, un drama.

Lo más importante es tener un buen guion. Los cineastas no son alquimistas; no se puede convertir un excremento de gallina en chocolate

Y si estas son obras maestras, quién osaría considerar otra cosa a sus comedias: Berlín Occidente, Con faldas y a lo loco, El apartamento (esta a medio camino entre el drama y la comedia, abordando los deseos de ascenso social del americano medio), Uno dos, tres, sobre la complicada relación entre Berlín Este y Oeste y la incipiente americanización de Europa; la tierna visión de los humildes de Irma la dulce y En bandeja de plata, su particular reflexión sobre los deseos de enriquecimiento de una sociedad en la que la moral pasa a un segundo plano.

Dentro de este mismo ciclo, el de sus grandes comedias, manejó una gran variedad tanto en la temática como en su tratamiento: Sabrina es una comedia romántica, La vida privada de Sherlock Holmes, una parodia alocada; y Primera plana, una conjunción muy lograda de crítica social y humor negro.

Y, a pesar de esta sucesión de genialidades, o justo por ser capaz de ellas, Wilder era humilde y achacó el éxito de su cine a los guiones: Lo más importante es tener un buen guion. Los cineastas no son alquimistas; no se puede convertir un excremento de gallina en chocolate.

Para conocer bien a Billy hay que leer el libro de Cameron Crowe, bien fácil de encontrar, Conversaciones con Billy Wilder. No estaría nada mal que alguien filmara con él un documental similar a “Hitchcock Truffaut”, aunque a Wilder no le gustaría demasiado la comparación: lo admiraba pero tenía la sensación de que rodaba siempre la misma película.

Nos adentramos ahora en uno de sus dramas y una de sus comedias:

ERA UNA ESTRELLA. Y GRANDE. PERO EL CINE YA NO LO ES

En El crepúsculo de los dioses, un muerto (William Holden como el guionista fracasado Joe Gillis) cuenta su historia: conocer a una ex diva del cine (Gloria Swanson como Norma Desmond)  le ha costado la vida. La primera escena de la película seguramente es una de las más turbadoras de la historia del cine: él flota boca abajo en la piscina de la actriz despechada.

Wilder, en realidad, había pensado rodar una conversación entre muertos en una morgue, pero dicen que en los pases previos había más carcajadas que atención, así que cambió de idea, porque no pretendía recurrir al humor negro sino difuminar la frontera entre el mundo de los vivos y el de los muertos. Quizá, en parte, lo logró, porque algo tenía la mansión de la Desmond de casa de muertos vivientes.

Ella prepara al principio el entierro de un mono, probable anticipo del destino de Gillis. En su casoplón vetusto, idea un mundo imaginario junto a su fidelísimo mayordomo, un mundo en el que aún tiene el mundo a sus pies; y trabaja obsesivamente en un guion que la convertirá en Salomé.

Ese glamour marchito que a Gillis le da de comer le produce tanta fascinación como asco, y ni siquiera la relación que mantiene con una empleada de la Paramount le salva de esa decadencia intelectual y moral en la que, por interés, se mantiene. Cuando por fin decide escapar, la diva celosa lo asesina.

La casa de la actriz, que inspiró y maravilló a Lynch, simboliza el mundo en el que creemos vivir y en el que permanecemos prisioneros; esta película es un canto al poder destructivo del autoengaño. También recuerda, a modo de advertencia, el trato que Hollywood concede a sus ídolos caídos: no es casual que Erich von Stroheim y la Swanson se interpreten a sí mismos.

 

SIEMPRE ME TOCA LA PEOR PARTE

En el Chicago de 1929, Jerry y Joe (Lemmon y Curtis) son un par de músicos frustrados envueltos en peleas de gánsteres. Huyendo de sus perseguidores, suben a un tren rumbo a Florida disfrazados de miembros de una orquesta femenina y cada uno continúa la farsa de forma distinta.

Joe (ahora Josephine) se enamora de Sugar Kane (Marilyn Monroe), infeliz cantante de ukelele, y busca cómo deshacerse de su disfraz, pero Jerry (Daphne) está a gusto en su nuevo rol, porque encuentra a un admirador entregado y rico. Aunque también se enamora de Sugar.

Con faldas y a lo loco es mucho más que una comedia de travestidos: es un homenaje a los primeros años del cine, a las pelis de gánsteres, las comedias locas de los cuarenta y el slapstick de los Marx. El cóctel de referencias se llena de chispa y carcajada agridulce, porque Wilder está hablando de sexo.

Quien la ve en la infancia y la ve décadas después, no ve la misma película: los diálogos están cargados de alusiones más o menos obscenas al amor libre, la impotencia o la homosexualidad, incluso los aparentemente más cándidos. Nos encontramos también ante un continuo juego de opuestos: la vida y la muerte, el sexo y el dinero, la realidad y la apariencia, los hombres y las mujeres, los gánsteres y los músicos. En ellos se basa la comicidad.

Los disfraces de los protagonistas mueven a la risa, pero en el fondo, son herramientas de supervivencia, porque comparten hotel con los gánsteres que van tras ellos.

Sabemos que la búsqueda de la última línea del guion (Nadie es perfecto) fue tan intrincada como las pruebas de vestuario, y a Curtis y al director, el rodar con Marilyn les dio temas de conservación para varios años, porque ella o no se presentaba o necesitaba cuarenta tomas para preguntar dónde está el coñac. Entretanto, Curtis y Lemmon esperaban con los tacones puestos.

 

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Morir y respirar http://masdearte.com/fuera-de-menu/morir-fernando-franco/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/morir-fernando-franco/#comments Mon, 09 Oct 2017 21:45:17 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=166932 Solo ha dirigido hasta ahora dos películas, pero mucho nos sorprendería Fernando Franco si la tercera fuera una comedia pura o un filme que tocara temas sentimentales desde el enfoque de la dulzura. En Morir … Leer más

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Morir, Fernando FrancoSolo ha dirigido hasta ahora dos películas, pero mucho nos sorprendería Fernando Franco si la tercera fuera una comedia pura o un filme que tocara temas sentimentales desde el enfoque de la dulzura. En Morir repite actores respecto a La herida (Marián Álvarez y Andrés Gertrudix) y también clima emocional, porque ambas hablan de la enfermedad –mental en un caso y física en el otro– y del papel confuso, complicado y poco reconocido, en la intimidad y en lo público, de quienes acompañan a quienes la padecen. Lo hace con voluntad de realismo, pero no de drama.

Álvarez y Gertrudix dan vida a una pareja joven, bien avenida y aparentemente feliz, que se ve sacudida por la enfermedad terminal de él. Va a morir, ambos lo saben, y desde el momento del golpe que supone la noticia, su relación asentada se va resquebrajando, muy poco a poco, primero en forma de desavenencias dominables, de mentiras contadas para ganar momentos de soledad, y luego en forma de hostilidad y celos, naturales y antinaturales: porque no habrían llegado de no estar la muerte rondando y porque, seguramente, no hay muchos que mantienen el carácter templado, o simplemente la personalidad que solían mantener en vida, siendo conscientes de que están en tiempo de descuento. En el caso de Luis, el personaje interpretado por Gertrudix, el cambio lo hace posesivo, malhumorado, un vampiro emocional.

Muchos cuidadores de enfermos terminales podrán verse, por eso, reconocidos en el personaje de Marta, por su entrega altruista a cambio, no ya de agradecimiento, sino ni siquiera de respeto. Vivir esas circunstancias y comprender que el enfermo con quien tratas no es ya la persona con quien trataste, no del todo, es un proceso largo y triste al que pone cara Marián Álvarez, prácticamente durante toda la película y con la solidez que ya mostró en La herida. Ella vive un calvario paralelo al de él, y su infelicidad, sus esfuerzos por mantenerse entera ante los desprecios de Luis, forman parte de su acompañamiento, de su fidelidad.

No obstante, el eje de la película no es tanto la evolución triste de su relación de pareja como la reacción propia y de los seres queridos ante la muerte, un asunto un tanto dejado a un lado en el cine actual, y quizá aún más en el español.

La austeridad en Morir –título perfectamente elegido, dejando al margen criterios comerciales– está en los paisajes del norte y los cielos nublados y también en los diálogos justos, porque las muchas emociones de los protagonistas van, sobre todo, por dentro y se encuentran en constante evolución, compleja y desgarrada. Todo es sencillo por fuera y dificilísimo por dentro.

Morir, Fernando Franco

 

 

 

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Clarissa, así empieza lo malo http://masdearte.com/fuera-de-menu/clarissa-stefan-zweig/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/clarissa-stefan-zweig/#comments Tue, 03 Oct 2017 21:39:21 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=166715 Amo a la gente pequeña, a los no ambiciosos, a los que no hacen ruido, a los comedidos; son los justos y los fuertes sobre los cuales, según la Biblia, se erige el mundo. La … Leer más

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Stefan Zweig. ClarissaAmo a la gente pequeña, a los no ambiciosos, a los que no hacen ruido, a los comedidos; son los justos y los fuertes sobre los cuales, según la Biblia, se erige el mundo.

La última novela de Stefan Zweig en ser publicada en español por Acantilado, la editorial que aquí nos está ofreciendo la mayoría de sus novelas y ensayos, tiene nombre de mujer: Clarissa. Y si sois lectores habituales del austriaco y admiráis su capacidad de dar palabras escasas a la intimidad y a las emociones, no os vais a llevar con ella sorpresas y sí vais a encontrar algo parecido a un compendio de su legado, en cuanto a temas, manera de contar y visión de las personas, y de nuestra suerte: ni optimista ni escéptica, ni absurdamente feliz ni lacrimógenamente desgraciada. Más bien humanista, desapasionada y bien cargada de matices, porque si algo no maneja Zweig es el trazo grueso.

Clarissa es la protagonista única de la novela, por lo demás poblada de hombres con la excepción casi única de una peculiar compañera de internado cuya descripción psicológica es un filón. Hablamos (refiriéndonos a Clarissa) de la hija de un militar estricto, padre ausente, que es huérfana de madre y que hace frente, básicamente sola, a las vicisitudes que le va trayendo la vida. Su personalidad no es débil sino bien definida, ella es honesta, responsable y sosegada, pero ya antes de terminar la novela (breve, no llega a 200 páginas) manejamos la sensación inquietante y familiar, o inquietante por familiar, de que su vida, su paso de la infancia a la madurez, se va tejiendo a golpe de acontecimientos externos más que de decisiones propias, y no porque sea su deseo consciente que las olas le traigan y le lleven y no le obliguen el camino a elegir, sino porque ese es el juego inevitable de su vida.

La ausencia de su madre y la frialdad paterna marcan su carácter, tranquilo y sin concesiones a diversiones vacías. Cuando conoce algo parecido a la alegría durante su relación con un socialista francés, la ruptura entre dos Europas y la irrupción de la I Guerra Mundial –que Zweig narra muy bien, dejando claro que al principio las guerras nadie se las cree y todos piensan que no será para tanto– separan a los dos amantes, convirtiéndolos, ya no en novios separados, sino en enemigos a ojos del resto. Y para redondear el círculo, Clarissa descubre su embarazo, un niño en camino que en aquel contexto histórico y ético le supone un enorme dilema.

Ella trata de solventar la situación de la forma más honesta posible pensando en su padre y en el crío, porque, como veréis, piensa poco en ella, y ese tratar de actuar de la mejor manera, de la que no dañe a nadie, acaba involucrándola en situaciones verdaderamente comprometidas, y en una tragedia puede que mayor que las anteriores: la que no hace mucho ruido y no parece acabar nunca. O no termina, realmente, nunca; no lo sabemos pero lo intuimos. Es la tragedia de las vidas marcadas por una tristeza que ya no tiene remedio, porque se ha ido instalando durante demasiados años y contra el tiempo no se puede luchar. Por eso el desenlace breve y claro del libro: 1921-1930. Para Clarissa, fueron unos años muertos. Solo tenía al niño.

Su historia es la de quienes constantemente intentan hacer las cosas bien, y en ese afán terminan saliéndoles muchas cosas, o casi todas, mal; la de quienes por agradar a los demás cada día, van acabando consigo mismos paso a paso.

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Sugerencias de temporada: 10 propuestas para el mes de octubre http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-octubre/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-octubre/#comments Sun, 01 Oct 2017 20:48:36 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=166620   1. MADRID GRÁFICA 17 Bajo el lema La Ciudad Ligera, la primera edición de Madrid Gráfica (que nace con la idea de celebrarse cada año en otoño) aborda el tema de la movilidad. Pretende … Leer más

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1. MADRID GRÁFICA 17

Bajo el lema La Ciudad Ligera, la primera edición de Madrid Gráfica (que nace con la idea de celebrarse cada año en otoño) aborda el tema de la movilidad. Pretende ser un gran evento internacional de diseño gráfico, con 14 exposiciones simultáneas y gran presencia de carteles en la calle, organizado por Dimad y el Ayuntamiento de Madrid. En este enlace puedes consultar el plano de la ciudad con los centros que acogen las diferentes exposiciones y toda la información sobre el evento está disponible a través de su web:

www.madridgrafica.org

 

2. ALFOMBRAS ORIGINALES

La artista, antes deportista de élite, Gloria Estefanell está desarrollando un nuevo concepto de “alfombra”, que es en realidad una intervención directa sobre los suelos, generalmente de cemento o piedra. Para ello emplea pinturas de exterior de gran durabilidad con las que crea motivos que se repiten de forma sistemática y obsesivamente ordenada. Tras realizar los diseños en papel o a través de montajes fotográficos, la artista los traslada a la superficie del suelo, y ya está pensando en hacerlo también sobre otros materiales, tanto en paredes como en encimeras de piedra y sintéticas o paneles cerámicos, pero siempre en grandes formatos. El pasado mes de mayo pudimos ver en la Galería Materna y Herencia de Madrid su sugerente serie Snow, con el esquí como protagonista.

 

3. MORIR

Esta semana llega a los cines Morir, la última película de Fernando Franco (su segundo largo), en el que vuelve a contar con Marian Álvarez para el papel protagonista, acompañada por Andrés Gertrúdix. La historia, basada en la novela homónima de Arthur Schnitzler, cuenta la historia de una pareja, cuyo amor y vida en común debe hacer frente a una dura prueba. Algunos recordaréis a Fernando Franco por su primer film, La herida, con la que cosechó muy buenas críticas y algunos premios. Si os apetece asistir al estreno en Madrid de Morir, permaneced atentos a los perfiles de masdearte en Facebook y Twitter, que en breve os diremos cómo conseguir una entrada doble.

 

 

4. INNOVACIÓN B&O PLAY

B&O PLAY lanza los primeros auriculares de la marca completamente inalámbricos: Beoplay E8. Diseñados por Jakob Wagner (1963), uno de los diseñadores más famosos de Escandinavia, se caracterizan por su sencillez y calidad y proporcionan una experiencia acústica en movimiento inigualable. Resistentes al polvo y a las salpicaduras, estos auriculares se cargan en su propia funda y además al tener todo controlado mediante la intuitiva interfaz táctil de los auriculares, no es necesario sacar el smartphone del bolsillo. El equilibrio perfecto entre tamaño, ergonomía y calidad del sonido.

www.beoplay.com

 

5. UTOPIAMARKETS

Dar visibilidad a jóvenes creadores del área de Barcelona era el objetivo de Montse Abbad, Quique Camín y Oscar Vallés cuando se plantearon la creación de UtopiaMarkets, un proyecto sin ánimo de lucro que comenzó centrado en la fotografía, pero al que ya han sumado poesía e ilustración. Precisamente, sobre esta última disciplina será el próximo que tenga lugar en su espacio del Poblenou, durante el fin de semana del 20, 21 y 22 de octubre, y contará con la participación de unos setenta ilustradores, que venderán su obra directamente al público. Entre ellos encontramos nombres como los de Miguel Gallardo, Clàudia Vives-Fierro, Javier Mariscal, Karin Du Croo, Meritxell Durán, Flavita Banana, Raquel Díaz Reguera, Laia Arqueros, Pablo Caracol, Arianne Faber, Celeste Ciafarone, Àfrica Fanlo, Dalmaus, Ilich Roimeser, Elsy Sánchez, Carmen Segovia, Luisa Vera, Pol Montserrat, Josep Gómez-Guixà, Laura Klamburg, Javirroyo o Jean Claude Bouthier.

www.utopiamarkets.com

 

6. FESTIVAL FLORA

FLORA Festival Internacional de las Flores celebrará su primera edición entre el 20 y el 29 de octubre de 2017 en Córdoba. Allí, ocho artistas florales de reconocido prestigio internacional transformarán ocho patios en fascinantes espacios ubicados en edificios representativos de Córdoba. Estas instalaciones florales efímeras serán valoradas por un jurado que entregará tres premios, dotados con 60 000, 40 000 y 20 000 euros respectivamente. Puedes consultar los nombres y trayectorias de los participantes y toda la programación del festival en su web:

festivalflora.com

 

7. ANA FRANK EN VIÑETAS

La Fundación Anne Frank ha decidido llevar el famoso y estremecedor diario a todo tipo de público y para ello lo ha convertido en novela gráfica, primero, de la que hará luego una versión para la gran pantalla. El encargo se lo han asignado al cineasta Ari Folman y al ilustrador David Polonsky, que ya trabajaron juntos en 2008 en el filme de animación documental Vals con Bashir (merecedor de un Globo de Oro y un premio César y nominado a los Óscar en ese mismo año). El cómic verá la luz este mes, publicado por Penguin Random House, y trata de aportar una nueva dimensión a los diarios personales escritos por Ana Frank durante los dos años en los que permaneció escondida de los nazis.

 

8. PLAYBACK. 30 AÑOS DE BRIAN WILSON

Brian Wilson, líder de The Beach Boys, sigue al pie de cañón aunque ahora haya decidido mirar para atrás y reunir en un nuevo álbum una antología de 18 temas que resumen, de alguna manera, más de 30 años de trayectoria musical. En el disco, que lleva por título Playback. Thy Brian Wilson Anthology, se incluye algún tema inédito, versiones en vivo y otras de estudio, acompañados de fotografías clásicas de su faceta en solitario.

www.brianwilson.com

 

9. DEL CIRCO AL CEMENTERIO

Hasta el 26 de noviembre se puede participar en las visitas performativas organizadas por German de la Riva e Itsaso Iribarren al Cementerio británico de Madrid. Allí están enterrados William Parish, director del Teatro Circo Price entre 1880 y 1916, y su esposa Matilde de Fassi, y ahora el Price –con motivo del centenario del fallecimiento de Parish–, nos propone esta experiencia escénica en un entorno de otra época, en un singular jardín, para conocer la vida de este empresario inglés afincado en España, su relación con el circo y con la ciudad de Madrid.

www.teatrocircoprice.es

 

10. FELLINI. SUEÑO Y DISEÑO

Desde el 10 de octubre, y hasta el mes de enero, el Círculo de Bellas Artes de Madrid dedica una nueva mirada a la figura del cineasta Federico Fellini (Rimini, 1920 – Roma, 1993) para la que es necesario sumergirse en sus sueños y en sus dibujos, tan presentes hasta el final en su trabajo. En esta muestra, de carácter documental, se mostrarán fotografías de rodaje, dibujos originales, proyecciones y material inédito en torno al guionista y director, todo a través de un hilo conductor atravesado por lo onírico, lo erótico y su obsesión por el dibujo.

www.circulobellasartes.com

 

 

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A war, guerras de lejos y de cerca http://masdearte.com/fuera-de-menu/war-guerras-de-lejos-y-de-cerca/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/war-guerras-de-lejos-y-de-cerca/#comments Fri, 29 Sep 2017 23:01:42 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=166612 Quizá por no ser un país demasiado proclive a las guerras, no son muy frecuentes los ejemplos de cine bélico danés, pero el año pasado fueron dos las películas con distintas contiendas de fondo que … Leer más

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A war. Tobias Lindholm Quizá por no ser un país demasiado proclive a las guerras, no son muy frecuentes los ejemplos de cine bélico danés, pero el año pasado fueron dos las películas con distintas contiendas de fondo que llegaron a los festivales de cine desde allí, las dos tendentes a mostrar la complejidad y los grises de sus protagonistas: Land of mine y A war. La segunda, dirigida por Tobias Lindholm y nominada a Mejor Película de Habla No Inglesa en la última edición de los Óscar, llegó la semana pasada a cines y seduce como solo lo hace el cine que nos coloca ante dilemas morales en los que no hay opción buena y ante héroes caídos intrínsecamente honestos y empáticos y enfrentados a contextos que ponen a prueba su virtud.

Rodada con un tono cercano al del documental y de constante mesura, A War propone una visión coral de la experiencia de la guerra. Se refiere a la de Afganistán, lo que nos acerca en el tiempo a la narración y sus actores, pero los debates morales y los problemas a los que se enfrentan sus personajes, en primera línea, en la retaguardia o esperando a su soldado en el hogar, son seguramente comunes a los de cualquier conflicto.

La originalidad de A War consiste en alternar el relato del comandante, formal y comprensivo, trasladado a Afganistán para, ante todo, garantizar la seguridad de los civiles; el de sus compañeros de rango inferior, jóvenes hasta entonces ajenos a la violencia y vencidos por la ansiedad y la visión de la sangre; y el de su familia (mujer y tres hijos pequeños) en Dinamarca, esperando llamadas que no siempre llegan y haciendo frente -ella, en soledad- al cuidado de unos niños no siempre fáciles cuya añoranza del padre se manifiesta, a veces, como hostilidad al mundo.

Pero el climax de la película llega cuando, en un incidente de guerra común, un enfrentamiento a un grupo de talibanes que acaba de asesinar a una familia, este comandante pide, en defensa de los suyos y cumpliendo el instinto primario de supervivencia, el ataque aéreo a una zona civil, ataque que causa once víctimas, niños incluidos. Esa decisión rápida, tomada desde el deseo de proteger a un soldado herido especialmente débil y desde la pulsión de no morir, le enfrenta a un juicio, en su país, en el que tiene que decidir entre decir la verdad e ir a la cárcel, separándose nuevamente de sus niños, estos sí vivos, o mentir afirmando que identificó al enemigo antes de ordenar el bombardeo, y salvarse y a la vez salvarlos. Libra entonces una nueva batalla consigo mismo, debiendo elegir entre sinceridad y conveniencia, y después otra más en un juicio en el que se ha de absolver o condenar ese impulso primario de sobrevivir y de salvar al compañero.

Pero, y aquí llega seguramente uno de los mayores aciertos de Lindholm, absuelto o culpable por la justicia, el comandante, que no es de los que tienden a la autocomplacencia por más que otros los salven, tendrá que emprender después del juicio el camino para absolverse o no a sí mismo: no podrá evitar acordarse de los pies de niños afganos sin vida al contemplar los de uno de sus hijos dormido y pensará en el escenario hostil que dejó atrás forzosamente cuando oiga una sirena. No sabemos si la absolución finalmente llega.

 

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Il divino Claudio. Lo que le debemos a Monteverdi http://masdearte.com/fuera-de-menu/il-divino-claudio-lo-que-le-debemos-monteverdi/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/il-divino-claudio-lo-que-le-debemos-monteverdi/#comments Tue, 26 Sep 2017 21:37:25 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=166414 Seguro que se os ocurren ejemplos en los que no sea el autor de una idea, sino la persona que la lleva a su máximo potencial conocido, quien se lleva el gato al agua de … Leer más

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Bernardo Strozzi. Monteverdi

Bernardo Strozzi. Monteverdi

Seguro que se os ocurren ejemplos en los que no sea el autor de una idea, sino la persona que la lleva a su máximo potencial conocido, quien se lleva el gato al agua de la gloria. Así ocurrió con la ópera y Monteverdi, al que consideramos su primer gran compositor, en lugar de a Peri o a Caccini.

Vivió entre 1567 y 1643 (celebramos 450 años de su nacimiento) y fue el compositor más imaginativo e innovador de su tiempo; a él le debemos piezas vocales y dramáticas, incluidas obras sacras y madrigales, en las que la música se adecúa con perfección al texto. Desarrolló una gran inventiva al crear técnicas expresivas y combinar estilos y géneros, también reproduciendo sentimientos y caracteres musicalmente.

Nacido en Cremona, se formó al calor de su catedral y pronto demostró ser un prodigio componiendo, tan pronto que a los dieciséis publicó dos volúmenes de música sacra, a los diecisiete una colección de canzonettas y, con apenas veinte, otra de madrigales.
En 1590, cuando ya era un consumado intérprete de viola, entró al servicio del entonces duque de Mantua, Vincenzo Gonzaga, que le contrató como maestro de música de la capilla ducal. Ese fue el lugar de su crecimiento artístico y personal: dos años después contrajo matrimonio con la cantante de la corte Claudia Cattaneo.

Sus cinco primeros madrigales, publicados entre 1587 y 1605, muestran, además de su dominio del género, su evolución desde el estilo tardorrenacentista de sus inicios a un nuevo lenguaje más expresivo, marcado por disonancias no preparadas, melodías declamadas y ornamentos que ahora se marcan en la partitura (antes se improvisaban).

Fueron los Gonzaga quienes le encargaron sus primeras óperas: Orfeo (1607) y L’Arianna (1608). De esta última solo se conserva un fragmento, el Lamento. Llevó a la ópera, en los dos casos, su experiencia como compositor de madrigales: los suyos eran célebres por la expresiva musicalización del texto. Utilizó además, en ellas, un grupo más amplio de instrumentos que los manejados hasta entonces: flautas, trompetas, trombones, cuerdas, arpa doble… incluso un realejo evocador del averno en Orfeo.

En esa ópera, el compositor siguió a Peri al utilizar distintas clases de monodia. Su prólogo es un aria estrófica con ritornello para la que escribió enteramente cada estrofa, modificando la melodía y duración de cada armonía para reflejar la acentuación y el significado del texto (según el procedimiento llamado variación estrófica). Ese mismo procedimiento lo utilizó en la pieza central, el aria de Orfeo del acto III, Possente spirto, donde incluyó en la partitura publicada una ornamentación florida en las cuatro primeras estrofas. Su recitativo se desplaza de lo narrativo a la plena cantabilidad.

Además de la monodia, Monteverdi incluyó numerosos dúos y danzas, también madrigales y ballettos: un abanico de estilos en contraste para reflejar los diversos estados de ánimo del drama. Los ritornelos y coros contribuyen a organizar las escenas en esquemas de una formalidad casi ceremoniosa.

Ya en Cremona demostró ser un prodigio componiendo: a los dieciséis publicó dos volúmenes de música sacra

Entre los estrenos de Orfeo y L´Arianna, su esposa falleció, quedando Monteverdi al cuidado de tres hijos pequeños. Sufrió una crisis nerviosa y posteriormente se quejaría al duque, con amargura, de haber sido maltratado. Se le compensó con un generoso aumento de sueldo y una pensión anual, en 1609. Le funcionó llorar, pero no le bastó con ese premio.

Es posible que sus Vísperas de la Virgen María y una misa de imitación sobre un motete de Gombert, publicadas juntas en 1610, se concibiesen como propaganda personal, dada su insatisfacción en Mantua y su búsqueda de nuevos trabajos. Manifestó en ellas su conocimiento de una extensa gama de estilos, desde el contrapunto severo a la exhibición vocal más moderna.

El sucesor de Vincenzo Gonzaga despidió a Monteverdi en 1612, y al año siguiente el músico ya trabajaba como maestro en la capilla de san Marcos veneciana, el puesto musical de mayor prestigio entonces en Italia. Allí permaneció hasta su muerte, y allí escribió un enorme volumen de música sacra, para la capilla y para las confraternidades de la ciudad. En 1632 tomó los votos sacerdotales.

En toda su carrera, mantuvo sin embargo Monteverdi una gran fascinación por el madrigal: publicó unos 250, en nueve libros y durante más de cincuenta años. De hecho, contribuyó a transformar el género desde las ingeniosas canciones polifónicas a cappella del Renacimiento tardío hasta las exploraciones vehementes del recurso del concertato. Puso al día su lenguaje con disonancias no preparadas y de potente emocionalidad y con melodías declamadas.

Sus óperas El regreso de Ulises (1640) y La coronación de Popea (1643), que escribió con más de setenta años, mezclan estilos para retratar a los personajes y sus emociones.

Cuando murió, a los setenta y seis, fue alabado por su poesía y su música y la difusión de su obra fue grande a través de las partituras publicadas y de los músicos más jóvenes sobre quienes ejerció influencia.

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Bibliotecas digitales: maneras de acercarse al infinito http://masdearte.com/fuera-de-menu/bibliotecas-digitales-maneras-de-acercarse-al-infinito/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/bibliotecas-digitales-maneras-de-acercarse-al-infinito/#comments Thu, 21 Sep 2017 15:46:23 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=166204 Ya sabéis que cada vez son más las bibliotecas que digitalizan sus recursos haciendo uso de tecnologías multimedia y guiándonos, emulando incluso el ambiente de una biblioteca tradicional, a la hora de encontrar los documentos … Leer más

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Bibliotecas digitales: maneras de acercarse al infinito

Ya sabéis que cada vez son más las bibliotecas que digitalizan sus recursos haciendo uso de tecnologías multimedia y guiándonos, emulando incluso el ambiente de una biblioteca tradicional, a la hora de encontrar los documentos que buscamos. La Comisión Europea recomendó en 2006 favorecer la accesibilidad en línea al material cultural y desde hace aproximadamente una década aumentan las iniciativas para acercar a los internautas el patrimonio bibliográfico. Repasamos algunas españolas:

BIBLIOTECA DIGITAL HISPÁNICA

Es uno de los proyectos de digitalización en los que más ha trabajado nuestra Biblioteca Nacional, una de las instituciones españolas que más está apostando por la puesta en marcha de colecciones electrónicas.

Ofrece acceso gratuito a las principales obras de la BNE y proporciona consulta, lectura y descarga de miles de obras, entre las que podemos destacar manuscritos, libros impresos entre los siglos XV y XIX, dibujos, grabados, carteles, mapas y fotografías, registros sonoros o prensa y revistas. Sus temáticas son variadas: de la historia a la filosofía, pasando por la religión, la medicina, el deporte o las Bellas Artes.

Además de difundir y salvaguardar este patrimonio y fomentar la investigación sobre él, la Biblioteca Digital Hispánica busca facilitar la consulta a estudiosos e hispanistas internacionales y ofrecer un canal de cooperación a otras bibliotecas españolas e hispanoamericanas. Cada poco tiempo suma nuevas incorporaciones.

COLECCIÓN DIGITAL COMPLUTENSE

La componen más de 200.000 documentos en acceso abierto, entre artículos científicos, libros y grabados antiguos y materiales docentes y tesis leídas en la Universidad Complutense de Madrid, entre otros.

Esta colección se subdivide en la Biblioteca Digital Dioscórides, formada por casi 3000 libros del fondo bibliográfico histórico, muy valiosos en el estudio de ciencias y humanidades, y 70.000 grabados digitalizados del fondo antiguo complutense; el Archivo Institucional E-Prints Complutense, que gestiona la documentación digital creada por sus docentes e investigadores; el Portal de Revistas Científicas Complutenses, la Colección de dibujos antiguos de la Biblioteca de la Facultad de Bellas Artes y el Archivo Rubén Darío. Este último agrupa los documentos entregados al Ministerio de Educación por su pareja Francisca Sánchez, en 1956. Se depositaron en la Facultad de Filología y se han digitalizado más de 2.000.

BIBLIOTECA VIRTUAL MIGUEL DE CERVANTES

Surgió a iniciativa de la Universidad de Alicante y el Grupo Santander, aunque en ella también participan otras instituciones. Su objetivo era poner a disposición de los usuarios unas 30.000 obras del patrimonio bibliográfico español y latinoamericano, y para ello ha establecido convenios con universidades de dentro y fuera de nuestro país y con bibliotecas nacionales hispanas.

Cuenta con portales temáticos agrupados en géneros (General, Poesía, Narrativa, Teatro, Cine, Didáctica), portales institucionales y bibliotecas de autores clásicos y contemporáneos.

También incluye una Biblioteca de Historia, otra de Signos, una Hemeroteca, una Fonoteca, una Videoteca con vídeos de producción propia o una Biblioteca de Tesis Doctorales.

Cervantes Virtual es un espacio de referencia para la cultura en nuestro idioma, un proyecto universal y abierto que presta un estupendo servicio a estudiantes, profesores, investigadores y lectores. En 2013 compartió con la Biblioteca Nacional francesa el Premio Stanford para la Innovación en Bibliotecas de Investigación.

BIBLIOTECA VIRTUAL GALEGA
Depende de la Universidad coruñesa y surgió para difundir la literatura gallega, facilitar la comunicación entre público y escritores, y convertirse en portal clave para la lengua y la cultura gallegas. Daos el placer de releer Follas novas.

BIBLIOTECA VIRTUAL JOAN LLUÍS VIVES
Esta biblioteca es fruto de un convenio entre la Fundación Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes y la red de Universidades del Institut Joan Lluís Vives, y ha digitalizado obras representativas de la cultura catalana, valenciana y balear. Su portal homenajea a la figura de Vives.

BIBLIOTECA NAVARRA DIGITAL
Difunde el patrimonio bibliográfico navarro: integra obras literarias y científicas relevantes, contenido histórico y de derecho foral. Posee también una colección de impresos y manuscritos institucionales muy interesante, formada por cuadernos de leyes y agravios, recopilaciones forales, textos de cronistas oficiales…Las búsquedas se pueden hacer en castellano, euskera e inglés y, encontrada la obra, es posible navegar por el libro a través de muchas funcionalidades y guardar el documento en formato PDF.

BIBLIOTECA VIRTUAL DEL PATRIMONIO BIBLIOGRÁFICO
Es un proyecto cooperativo del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y las autonomías y su fin es la difusión, mediante facsímiles digitales, de colecciones de manuscritos y libros impresos antiguos, también materiales cartográficos, fotografías, partituras…

Nos permite consultar sin restricciones fondos que son en su mayoría públicos, pero que, por sus características, se conservan en depósitos especiales y son difícilmente accesibles.

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Detroit 1967-2017 http://masdearte.com/fuera-de-menu/detroit-1967-2017-kathryn-bigelow/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/detroit-1967-2017-kathryn-bigelow/#comments Tue, 19 Sep 2017 20:07:11 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=166089 En el verano de 1967, mientras en San Francisco fumaban y hacían como que se amaban, en Detroit, en la otra punta de Estados Unidos, se desataba la violencia y el caos a cuenta del … Leer más

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Detroit, Kathryn BigelowEn el verano de 1967, mientras en San Francisco fumaban y hacían como que se amaban, en Detroit, en la otra punta de Estados Unidos, se desataba la violencia y el caos a cuenta del hostigamiento policial hacia la población negra. Una redada en un bar nocturno clandestino que acabó con decenas de detenidos fue la llama que desató, más que un conflicto urbano, una guerra; guerra que, como todas, venía gestándose con los años al calor de la discriminación y que llevó consigo la anulación transitoria de la compasión, la justicia y la vergüenza.

En su línea de dedicar sus películas a los episodios más traumáticos de la historia reciente de Estados Unidos y a lo complicado de domesticar la violencia una vez que esta ya campa por sus respetos, Kathryn Bigelow se ha fijado ahora en los disturbios de Detroit – hoy la sombra de lo que fue – con cierto sentido didáctico, recurriendo a actores no demasiado conocidos (solo nos suenan las caras de John Boyega como el digno Dismukes y Will Poulter como el indigno Krauss) y tomando la parte por el todo: el horror vivido en un motel de las afueras, el Algiers, como representativo de la debacle general de unos días de julio en la capital de Michigan.

El resultado es sobrecogedor y la tensión crece con los minutos: desde las detenciones iniciales en el local clandestino, que aún no anticipan la escalada de abusos que llegará después, hasta que el motel donde negros y blancas se divierten queda convertido en una casa del terror donde cunde el miedo a morir y a ver morir al resto, a ser el siguiente pero también a ser el último. El episodio, reconstruido conforme a su posible desarrollo real según el juicio posterior y los testimonios recogidos, es, como tantos en medio del caos, un desatino de principio a fin con causas ridículas y consecuencias largas y trágicas.

Policía y ejército persiguen a los francotiradores negros apostados en ventanas y tejados, una pistola de juguete les confunde y los clientes del hotel son asesinados o torturados en el proceso de intentar encontrar en el edificio armas y culpables que no existen. El desaguisado acaba con tres muertos, nervios desgarrados y sus culpables absueltos básicamente por blancos (aunque apartados de su oficio).

Es interesante, por su proyección hacia el pasado y hacia el presente, el retrato que Bigelow realiza del policía que instiga el juego sangriento: un personaje lleno de complejos y de odios, manipulador, que mueve los hilos del comportamiento de sus compañeros menos sádicos y traza el futuro de los inocentes dispuestos cara a la pared; también, desde luego, el frenético ritmo de la película, basada en una sucesión rápida de planos o panorámicas breves y de travellings que no nos dejan desviar la atención, escaleras arriba, escaleras abajo, siempre a una puerta de la desgracia.

No sabemos, salvo en el caso de la pareja de cantantes de The Dramatics, demasiados datos sobre las víctimas de esta brutalidad ajena a cualquier razón: la directora prefiere definirlos a través de sus reacciones a los golpes, la sangre y las amenazas en el cogote; los conocemos, más o menos, por el procedimiento en que Goya nos enseña a los muertos de mayo de 1808 ante los fusiles, por las expresiones que les planta en la cara el saber de su muerte próxima. Aunque aquí, como decíamos, los asesinos no tengan un único rostro ni sean una máquina de matar, sino seres vulnerables y faltos de experiencia con un arma a mano, mano larga en un contexto convulso y racista.

En uno de los momentos álgidos de represión del inocente, una chica blanca a la que se le recrimina relacionarse con negros reivindica esa libertad porque “estamos en 1967”. Han pasado cincuenta años y Detroit es, de principio a fin, una reivindicación de la actualidad del debate; el recuerdo, por la vía cinematográfica, de que la discriminación, en lo micro y en lo macro, no ha acabado. Vibrante y oportuna.

Detroit, Kathryn Bigelow

 

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La generación perdida: Faulkner y Dos Passos para después de una guerra http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-generacion-perdida-faulkner-y-dos-passos-para-despues-de-una-guerra/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-generacion-perdida-faulkner-y-dos-passos-para-despues-de-una-guerra/#comments Tue, 12 Sep 2017 19:50:24 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=165786 Los retrató Hemingway en París era una fiesta: tras la I Guerra Mundial, un grupo de escritores estadounidenses produjo una serie de novelas fundamentales inspiradas en el ambiente postbélico; obras que, cuando entraron en contacto … Leer más

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William Faulkner y John Dos Passos

William Faulkner (derecha) y John Dos Passos (izquierda), dos escritores complejos rodeados de admiradores

Los retrató Hemingway en París era una fiesta: tras la I Guerra Mundial, un grupo de escritores estadounidenses produjo una serie de novelas fundamentales inspiradas en el ambiente postbélico; obras que, cuando entraron en contacto con el ambiente europeo, les sirvieron para contrastar sus inquietudes literarias y humanas con las de los autores de este lado del océano.

No hubo que esperar mucho, hasta los años veinte, para que esa generación ejerciera una influencia clara en la novela europea (estancia en Francia mediante de algunos de sus protagonistas). Son más, pero entre los autores clave del momento podemos mencionar a Faulkner, Steinbeck, Dos Passos, el propio Hemingway, Upton Sinclair o Caldwell, y entre sus principales aportaciones se encuentra su vitalismo, opuesto hasta cierto punto a la actitud de los intelectuales europeos. Amorós se refiere a ese vitalismo como natural y espontáneo, sin las complejidades un poco morbosas del intelectual europeo que se avergüenza de serlo. Juzgad si se mantienen los esquemas.

Con frecuencia, además, los héroes de sus novelas son personajes abandonados, grupos poco desarrollados de las zonas más deprimidas de su país, Italia, España o Hispanoamérica. Basta recordar los míseros campesinos de La ruta del tabaco de Caldwell, los alcoholizados personajes de Faulkner o la miseria una y otra vez descrita por Steinbeck.

Poco a poco, alejándose del realismo del s. XIX, abordaron el fin de la guerra y la crisis de los treinta conquistando cotas de un realismo crítico que luego adoptarían novelistas europeos, sobre todo españoles e italianos. Faulkner (La paga de los soldados), Dos Passos (Tres soldados), Hemingway (Adiós a las armas) y Upton Sinclair (100 por 100) hablaron de las consecuencias desastrosas de las guerras; Steinbeck noveló en Las uvas de la ira la Gran Depresión; Faulkner, el racismo en Intruso en el polvo y Dos Passos intentó crear una novela total en la que cupiera toda la historia americana en la trilogía USA.

La técnica del behaviorismo u objetivismo fue la más utilizada por todos ellos: no nos cuentan explícitamente los sentimientos de sus personajes, sino que describen objetivamente sus actos y la escenografía de sus discursos; es decir, su yo ante sus circunstancias. También son frecuentes los monólogos interiores.

Por sus innovaciones y su influencia, vamos a profundizar esta vez más en Faulkner y Dos Passos.

William Faulkner

William Faulkner solía fumar en pipa, vestir de militar y fingir cojera

FAULKNER Y EL SUR HERMÉTICO

Este autor aunó su experiencia personal de una vida agitada, sus observaciones de las tierras del Sur de Estados Unidos y un talento expresivo sugerente e imaginativo. Mezcló imagen y visión, fantasía y realidad, y su obra resulta a veces críptica y difícil.

En El ruido y la furia, Santuario y Mientras agonizo, relata a través de varias generaciones la historia de una familia del Sur, el sur nostálgico de la Guerra de Secesión, poblado entonces por gentes y costumbres conflictivas. Quiebra el tiempo en recuperaciones intermitentes de lo pasado y lo presente y revive la historia anterior desde la actual. Si la novela tradicional narra el pasado desde el principio, linealmente, Faulkner lo convierte en presente mediante el monólogo interior, recurso que campea libremente por sus textos.

También es frecuente en ellos un perspectivismo pluridimensional, que en el caso de El ruido y la furia (1929) hace que la fábula se articule en cuatro núcleos narrativos en contrapunto cronológico.

Otras veces predomina el objetivismo, como en Santuario (1931), y el perspectivismo y la ruptura temporal aparecen en la muy ambigua historia familiar de Absalom, Absalom! (1936). A veces tales técnicas se intercalan con la denuncia social, localizada en Yoknapatawha County, precursora de Macondo y otras ciudades inventadas.

Como decíamos al principio, leer a Faulkner es muy enriquecedor pero no es tarea para blandos. Ya lo avisaba Claude-Edminde Magny: Frecuentemente el lector se siente inclinado a pedir gracia o, por lo menos, a protestar por el esfuerzo que se exige de él y acusar al autor de arbitrariedad y hasta de perversidad.

JOHN DOS PASSOS, SINFONÍA DE UNA CIUDAD

John Dos Passos comenzó a escribir en la veintena narraciones sobre la I Guerra Mundial (Tres soldados, 1921). Sabía del conflicto porque él participó, como voluntario además, pero su primer gran éxito le llegó con la monumental Manhattan Transfer (1925), la considerada por muchos novela de la ciudad de Nueva York.

En ella encontramos ya las características dominantes de la producción del escritor: trata los problemas sociales y políticos de una urbe como la americana con una técnica multidimensional, bajo la influencia del cine. El tiempo sufre, como en Faulkner, quiebros múltiples, y a ello contribuye el uso del contrapunto, ensayado en la superposición de distintos núcleos narrativos.

El río de personajes que aparecen en Manhattan Transfer convierte además a esta novela en una pieza típica de héroe colectivo.

Más tarde, en la trilogía USA (1930-1936), Dos Passos consiguió unir las preocupaciones sociopolíticas propias y del momento con una estructura atrevida. Abarcó desde comienzos del siglo XX hasta la presidencia de Roosevelt y conjugó cuatro elementos: la acción novelesca, los new reels o noticieros periodísticos, las semblanzas biográficas y los enfoques (el ojo cinematográfico).

Componen la trilogía El paralelo 42, 1919 y El gran dinero, y a través de ella asistimos a las grandes conmociones de la guerra, la crisis económica y social, con ciertas cercanías al marxismo. Mezcla el personaje individual con el colectivo, el monólogo interior con la lucidez de la conciencia, la linealidad y el contrapunto… y, sobre todo, transmite la impresión de contarnos vidas colectivas a través de la fragmentación de los puntos de vista.

Por estas obras y por algunas otras en las que mantuvo esos procedimientos (Un lugar en la tierra, Mediados de siglo), es fácil acordarse de Dos Passos leyendo a autores actuales -algunos de novelas ahora en listas de éxitos-.

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Casa Lupe: no es ciencia, es magia http://masdearte.com/fuera-de-menu/casa-lupe-es-ciencia-es-magia/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/casa-lupe-es-ciencia-es-magia/#comments Thu, 07 Sep 2017 12:55:36 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=165636 No todas las tiendas familiares son tiendas al uso. Casa Lupe echó a andar a finales del s. XVIII, pero no vende víveres ni utensilios del hogar, sino artefactos que prometen remediar males de amores: … Leer más

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Casa Lupe, Inés de MiguelNo todas las tiendas familiares son tiendas al uso. Casa Lupe echó a andar a finales del s. XVIII, pero no vende víveres ni utensilios del hogar, sino artefactos que prometen remediar males de amores: botas para ir con pies de plomo, globos que avisan cuando te hinchas de excesiva ilusión, vendas para ver solo lo conveniente….

La enigmática Lupe mima cada uno de los aparatos y el grado de satisfacción es tal que los cambios y devoluciones ni existen ni se contemplan: ha ocurrido así decenios y decenios hasta que… llega el día en que la felicidad amorosa no parece poder comprarse en la tienda y un cliente quiere devolver lo adquirido.

El pasado 2 de septiembre se estrenó en la sala Nuev9 Norte de Madrid –donde puede disfrutarse hasta el 28 de octubre, cuando comenzará una gira por varias ciudades– la primera obra teatral de la joven dramaturga Inés de Miguel, autora antes del libro de microcuentos Mira el cielo, no el reloj.

El estreno de Casa Lupe fue ya peculiar, porque, además de en sala, pudo seguirse en streaming a través de Facebook Live y los espectadores, tanto en el teatro como en la red, pudieron formular después sus preguntas a los protagonistas en un coloquio abierto. El propósito de Inés era extender así la magia del directo.

Dirige la pieza David Couso, que formó parte de la producción inicial de FILMADRID y ha dirigido varios cortos y maquetas publicitarias pero, con Casa Lupe, da el salto a la escena. En paralelo, prepara su primer largometraje. Y sus actores protagonistas son Imán Velasco y la televisiva Viki Velilla.

Casa Lupe se programa en la sala Nuev9 Norte de Madrid los sábados a las 20:00 horas.

Casa Lupe, Inés de Miguel

 

 

 

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