masdearte. Información de exposiciones, museos y artistas » Fuera De Menu http://masdearte.com masdearte es una revista online pionera en España. Desde el año 2000 ofrece información actualizada a diario sobre exposiciones, artistas, museos, agenda, convocatorias... Wed, 16 Aug 2017 10:11:29 +0000 es-ES hourly 1 12+1 películas fundamentales inspiradas en libros casi olvidados http://masdearte.com/fuera-de-menu/121-peliculas-fundamentales-inspiradas-en-libros-casi-olvidados/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/121-peliculas-fundamentales-inspiradas-en-libros-casi-olvidados/#comments Thu, 10 Aug 2017 07:15:45 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=165242 Las novelas de Isaak Dinesen, Margaret Mitchell, Daphne du Maurier o Patricia Highsmith no han quedado, en la mayoría de los casos, a la sombra de las películas que inspiraron, pero hay filmes basados en … Leer más

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Las novelas de Isaak Dinesen, Margaret Mitchell, Daphne du Maurier o Patricia Highsmith no han quedado, en la mayoría de los casos, a la sombra de las películas que inspiraron, pero hay filmes basados en novelas o relatos prácticamente desconocidos: pocos saben que, en esos casos, también hay literatura tras el cine. Estos son trece ejemplos:

Murnau. Amanecer, 1927

Murnau. Amanecer, 1927

AMANECER, 1927

Murnau fue uno de los directores europeos cortejados en los veinte por Hollywood, y tras el éxito logrado con El último en 1924, los estudios Fox se pusieron a su disposición. En ellos rodaría Amanecer, en 1927, basándose en la historia de Hermann Sudermann Viaje a Tilsit.

En su habitual estilo expresionista, los personajes eran identificados simplemente como el hombre, la mujer y la mujer de la ciudad y los decorados fueron construidos desde una perspectiva forzada, haciendo que parecieran más espaciosos que en la realidad. Murnau empleó enanos en los segundos planos para resaltar aún más ese efecto: logró que un restaurante pareciera, de hecho, un campo de fútbol. Su utilización de la iluminación también resultó casi inédita.

También convirtió el ritmo en esencial por el uso de una cámara ambulante que se movía por todas partes, a veces adoptando el punto de vista del actor para que el público pudiera entender su expresión. Incluso a la hora de explicarlo, Murnau recurrió a la literatura: Tenemos nuestros pensamientos y también nuestras realizaciones. James Joyce, el novelista, lo demuestra muy bien en sus obras. Primero representa la mente y después la contrapesa con la acción.

Este fue uno de los grandes ejemplos de la importancia del trabajo de la cámara antes de que se introdujera el sonido. El primer cámara, ganador de un Óscar, fue Charles Rosher, y los actores, pese a ser estrellas americanas (George O´Brien, Janet Gaynor), recurrieron a la escuela alemana de interpretación.

Amanecer tuvo mucha influencia: en directores como Borzage, en El ángel de la calle y El río, o en John Ford, que utilizó sus decorados en Cuatro hijos. Además, en 1939 Veit Harlan dirigió un remake que recuperaba el título de la novela, Viaje a Tilsit, y que a diferencia de la mayoría de los remakes de clásicos, no está mal.

ALARMA EN EL EXPRESO, 1938

Frank Launder y Sidney Gilliatt adaptaron para el guion de esta película temprana de Hitchcock la novela de Ether Lina White The Wheel Spins. La historia sería adaptada en muchas ocasiones, algunas por el propio director inglés, pero esta fue su interpretación más siniestra.

El argumento no guarda mucha lógica, pero para Hitchcock no era un problema, decía que eso, la lógica, era lo primero que rechazaba.

Casi toda la acción transcurre en un tren transcontinental con un pasaje lleno de viajeros hitchcocktianos. Cuando una institutriz desaparece, los detectives aficionados comienzan las pesquisas para hallar su paradero.

Rodada en un incómodo y estrecho estudio de Islington durante cinco semanas de 1937, logró el premio de los críticos de Nueva York a la mejor película de 1938.

 

EL HALCÓN MALTÉS, 1941

Cuando ya era un reputado guionista, Warner Bros pidió a John Huston que dirigiera lo que quisiera. Él mencionó El halcón maltés de Dashiell Hammett, una historia de detectives llena de gente básicamente desagradable. Incluso el héroe, Sam Spade, envía a la horca a la que podría ser su amante.

La misma historia había sido rodada dos veces, con otros títulos, en los treinta, y Huston actualizó la novela a su época (la historia de Hammett data de 1929). Título y autor tampoco son desconocidos, aquí el verdadero milagro fue la fidelidad.  Dejó Huston que el estilo disperso de Hammett se mantuviera y permitió que mínimos movimientos de cámara fuesen el contrapunto a la trama, confusa, y a los personajes tortuosos y torturados.

También siendo fiel al libro, no buscó el suspense mediante persecuciones de coches monótonas y tiroteos, sino al estilo Hitchcock: mediante el engaño y el peligro se ser atrapado.

Esta fue la primera de las seis pelis que Huston realizó con Bogart, y un gran impulso a la carrera del actor.

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John Huston. El halcón maltés, 1941

LA TERRA TREMA, 1948

El segundo largo de Visconti fue casi un documental. Inspirado en la novela de Giovanni Verga, trata de la lucha de los pescadores con la naturaleza, el reclutamiento, la opresión de los ricos, la muerte y, sobre todo, el destino.

Fue rodada en exteriores en Aci Trezza, un puerto de pescadores siciliano, con un reparto de aficionados, y, sin embargo, es un modelo de estilo y organización.

Visconti. La terra trema, 1948

Visconti. La terra trema, 1948

EL TERCER HOMBRE, 1949

Di mi último adiós a Harry hace una semana, cuando su ataúd fue introducido en la helada tierra de febrero… Con los primeros compases de la novela El tercer hombre, Graham Greene atrajo a Korda para que produjese este filme.

Korda le envió a Viena, una ciudad en 1949 aún devastada por la guerra, para que pensara en una película sobre la ocupación de la ciudad por las cuatro potencias, y a los tres meses de investigarla a fondo, saltó la liebre: un oficial del servicio de espionaje inglés le reveló el complejo sistema de alcantarillado vienés y un fraude en torno a la penicilina.

Inicialmente Greene escribió el guion como una historia y luego trabajó con Carol Reed en el guion verdadero. A Reed le debemos – y a aquel programa de Garci también- que hoy sigamos tarareando el Harry Lime Theme: eligió un café local en el que Anton Karas tocaba una cítara para lograr propinas.

Mizoguchi. La vida de O-Haru, mujer galante, 1952

Mizoguchi. La vida de O-Haru, mujer galante, 1952

La combinación de feliz coincidencia, valentía y precisión hicieron de El tercer hombre una película genial, premiada en Cannes ese mismo año. Y Graham Greene no es ningún escritor en la sombra, pero su papel fundamental en que esta peli se rodase quizá no se haya recordado lo debido.

LA VIDA DE O-HARU, MUJER GALANTE, 1952

Siendo un niño, Mizoguchi presenció la venta de su hermana mayor para convertirse en geisha, y aquel recuerdo tuvo una gran repercusión en su trabajo. Para Rosenbaum, esta obra es “un retrato de la mujer tratada, vendida, valorada, degradada y desechada como objeto físico”.

Se basa en una obra literaria, bien conocida en Japón pero no aquí: La vida de una mujer que amó el amor. Habla de la fortuna menguante de la hija de un rico mercader y se ambienta en el Japón del s XVII. Termina siendo una prostituta, y esta película es un buen ejemplo del interés del director por la victimización de la mujer en el Japón medieval.

Mizoguchi obtuvo el León de Plata en Venecia y la actriz principal, Kinuyo Tanaka, se convertiría con el tiempo en la primera directora de cine de su país.

MADAME DE…, 1953

Esta peli dirigida por Max Ophuls es una adaptación de una novela corta de Louise de Vilmorin: trataba de unos pendientes que un hombre regala a su mujer y que esta vende para pagar una deuda. El marido los compra para regalarlos de nuevo, pero esta vez a su amante, que los vende otra vez. Ahora los compra un diplomático que se enamora de Madame de… y se los regala. Al verlos, su marido se da cuenta de la infidelidad de su mujer, se los devuelve al diplomático y le cuenta la historia.

Abandonada por el que consideraba su amor verdadero, la mujer se va deteriorando hasta la muerte.

A partir de esta historia de engaños en la alta sociedad, Ophuls creó una obra maestra.

Max Ophuls. Madame de..., 1953

Max Ophuls. Madame de…, 1953

EL INTENDENTE SANSHO, 1954

Esta película de Mizoguchi, basada en una novela de Ogai Mori, es un relato de sufrimientos y autosacrificios. El muy sádico intendente Sansho sistemáticamente persigue, tortura y arruina a la que antes fue una familia noble y próspera. La persecución nos la enseña el cineasta a través de escenas de violencia terrible y, a la vez, con una delicadeza visual sutil.

Destacan los fundidos a cámara lenta, algunos primeros planos, y una casi translúcida fotografía de Kazuo Miyagawa, maestro de los largos planos en movimiento, como había demostrado en Rashomon. Sorprende también la majestuosidad de la naturaleza, bella como en casi ninguna otra película japonesa.

Mizoguchi. El intendente Shansho, 1954

Mizoguchi. El intendente Shansho, 1954

CENIZAS Y DIAMANTES, 1958

Cuando Wajda llevó esta novela de Jerzy Andrzejewski a la pantalla lo hizo bajo la estricta censura existente en la Polonia de la Guerra Fría, y aún así hizo de la película un hito de libertad creativa. Como la novela, el filme transcurre durante un día y una noche en el hotel de una ciudad.

Su triunfo dentro y fuera de Polonia tuvo que ver con la elección del actor Zbigniew Cybulski como Maciek: con sus gafas oscuras y su forma de vestir, encarnaba a los rebeldes de los cincuenta. Andrzejewski no lo imaginó así, pero después no podía pensar en Maciek de otra manera.

El relato, denso y difícil, trata del intento por parte de miembros de la clandestinidad nacionalista de asesinar al nuevo secretario de distrito comunista.

2001: ODISEA DEL ESPACIO, 1968

Esta película de Kubrick se estrenó en marzo de ese año, ocho meses antes del lanzamiento del Apollo 8 para el primer viaje a la luna, y había comenzado a rodarse en 1965. Estaba inspirada, solo inspirada, en dos obras de Arthur C. Clarke: El vigilante, de solo 11 páginas, y la novela más larga El fin de la infancia. El relato cuenta desde el descubrimiento del arma por el hombre prehistórico (con ayuda de un monolito negro enviado por extraños del espacio exterior) hasta un futurista viaje espacial para descubrir el origen de otro monolito en la luna. Durante el viaje, el ordenador de la nave trata de hacerse con el control y mata a tres de los astronautas a bordo, hasta ser “asesinado” por el último tripulante.

Hoy aceptamos esta película como obra maestra, pero en su momento los críticos discutieron si era buena aunque confusa o, simplemente, trivial. Al público lo confundieron sus simbolismos, pero fue un inesperado éxito comercial, hasta el punto de que Así habló Zaratustra quedó convertida en parte de la música popular.

SIGNOS DE VIDA, 1968
Fue el primer largo de Werner Herzog. Rodado en Creta y Kos, se basa en la historia de primeros del s XIX de Achim von Arnim El inválido loco del fuerte Rattoneau, que retrata la locura sobrevenida al soldado alemán Stroszek, quien, junto a su mujer griega y dos soldados, es enviado a 1942 a convalecer en una isla fuera de la zona de combate.

La estupenda fotografía en blanco y negro transmite el calor del verano, la lejanía y el descenso del hombre a los abismos.

Truffaut. Jules et Jim, 1971

Truffaut. Jules et Jim, 1971

JULES ET JIM, 1971

Alguna vez dijo Truffaut que se dedicaba a hacer las películas que le hubiese gustado ver cuando era joven. Esta, su tercera obra, entra desde luego en esa categoría.

Se trata de un relato romántico y triste sobre dos hombres, Jules y Jim, enamorados de la misma mujer, Catherine; argumento propio de muchas comedias sofisticadas. El francés quiso desarrollar dos temas: la amistad entre los dos hombres, que trata de mantenerse viva, y la imposibilidad de vivir los tres juntos. En sus palabras: La idea es que la pareja no es una solución satisfactoria, pero hoy por hoy no hay otra.

Por su valor emocional y desenvoltura, esta es una de las grandes obras de la Nouvelle Vague: las escenas se superponen, se utiliza el montaje rápido y se juega con la continuidad. La recientemente fallecida Jeanne Moreau nunca estuvo tan expresiva como interpretando a Catherine y la música de Delerue acentúa la tensión entre técnica y emoción.

Y aquí llega la inspiración: Truffaut se basó en una novela de Henri-Pierre Roche y mantuvo casi todos sus elementos, aunque libremente dispuestos, sobre todo en el rol de Catherine, que se convirtió en una mezcla de varias mujeres del libro. La historia es relatada como un cuento de hadas, con una narrativa irónica y poética.

Pese a lo potencialmente escandaloso del tema y su pesimismo inherente, lo que domina la película es su frescura, que el remake de Mazursky Una almohada para tres (1980) no pudo superar.

ALGUIÉN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO, 1975

Ken Kesey, protagonista de Gaseosa de ácido eléctrico de Tom Wolfe, era a su vez el autor del libro en el que se inspiró la obra que Kirk Douglas compró en 1963 y quiso hacer. Pero se hizo demasiado viejo, así que fue su hijo quien la produjo y Nicholson la interpretó doce años después.

Kesey ni la vió ni lo intentó, porque pensaba que habían falseado su historia. Cuando escribió su libro utilizó sus experiencias con el LSD para describir qué pasaría con los pacientes de un asilo si se les obligase a tomar drogas por prescripción médica para controlar su metabolismo. Consideraba que esta era una parte fundamental de la historia, pero la película de Milos Forman, entonces un recién llegado a Estados Unidos, dejaba al margen la presencia social de la droga en los setenta mientras que Kesey quería realismo antes que entretenimiento. Menos alucinación y psicodelia.

Cuando se estrenó, en cierto modo el público la convirtió en reflejo de una reacción social contra la guerra de Vietnam, y se llevó la mayor parte de los Óscars, el de Nicholson incluido.

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Ferdinand von Schirach, la justicia esquiva http://masdearte.com/fuera-de-menu/ferdinand-von-schirach-la-justicia-esquiva/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/ferdinand-von-schirach-la-justicia-esquiva/#comments Tue, 08 Aug 2017 08:02:10 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=165220 Dice Ferdinand von Schirach en el prólogo de Crímenes, su primer libro de relatos (y su primera obra literaria en general), que él, como Jim Jarmusch, prefiere dedicar su trabajo a hombres que sacan a … Leer más

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Ferdinand von Schirach. CulpaDice Ferdinand von Schirach en el prólogo de Crímenes, su primer libro de relatos (y su primera obra literaria en general), que él, como Jim Jarmusch, prefiere dedicar su trabajo a hombres que sacan a pasear a su perro que a emperadores chinos; por eso, y porque empezó a escribir tras una larga carrera como abogado defensor, sus obras están dedicadas a seres humanos que hacen cosas deleznables y a seres humanos que las padecen, personas que provocan sufrimientos y que, a veces, se sienten culpables, y a casos, muchos casos, en que los veredictos judiciales no son lógicos ni éticos aunque acaten las leyes (o precisamente por acatarlas).

Von Schirach publicó después de Crímenes otro libro de relatos, Culpa, y dos novelas que comparten temática con sus cuentos aunque sean muy diferentes entre sí: El Caso Collini y la más reciente, y distinta a todo lo demás, Tabú (también es esta la única obra suya cuya portada, en Salamandra, no cuenta con un misterioso tipo de negro con sombrero  saludándonos).

Que nadie se llame al tedio: este autor alemán no describe los pormenores de procesos judiciales, nada más lejos; ha elegido fijarse en tipos humanos: los de víctimas,  culpables y no culpables, y ha sabido encontrar en cada uno un dilema moral, subrayando una y otra vez que, como un tío suyo, también jurista, le repetía una y otra vez de niño, la mayoría de las cosas son complicadas y la culpabilidad es siempre un asunto peliagudo.

Por las narraciones de Von Schirach transitan asesinos, violadores, traficantes de drogas, prostitutas, ladrones de mucha y poca monta, gente que ante el delito se puso interesadamente de perfil, quien arrastra culpas y quien por nada del mundo está dispuesto a sentirse culpable. Lo valioso del enfoque del escritor es que, sin caer en el relativismo ni poner en duda la necesidad de la moralidad como guía, nos transmite que cada sujeto tiene una vida previa a sus acciones, una historia individual y única que no tiene por qué justificar sus actos pero que sí dificulta nuestro juicio sobre ellos.

El planteamiento no es nuevo; remite a la máxima del nada humano me es ajeno, a la idea de que, muy en el fondo, no somos tan diferentes y todos podemos ser capaces de lo mejor y de lo peor bajo determinadas circunstancias, pero lo que sí atrapa al lector es la originalidad de los planteamientos y la perspectiva escrupulosa, a medio camino entre la frialdad del profesional necesariamente distanciado pero obligado a conocer la verdad y el escritor empático desde la que Von Schirach cuenta cada caso.
Cada uno de sus crímenes es la historia de un fracaso, habitualmente no individual aunque la responsabilidad última sí lo sea, y sobre todo implica un desafío, para el juez y para el lector, que ha de hacer el ejercicio de entender y de ponerse en el lugar de delincuente y víctima, con todas sus consecuencias y con lo que este ejercicio tiene de autoexamen, porque no siempre se sentirá más cercano al inocente.

Él lo explica ya en el prólogo de Crímenes: Nos pasamos la vida danzando sobre una fina capa de hielo; debajo hace frío, y nos espera una muerte rápida. El hielo no soporta el peso de algunas personas, que se hunden. Ese es el momento que me interesa. Si tenemos suerte, no ocurre nada y seguimos danzando. Si tenemos suerte. Para Von Schirach, lo que separa al ciudadano corriente del crimen, o del abismo con o sin delito, es esa fina capa de hielo, y la misma lucidez con la que se refiere a los protagonistas de sus relatos la logra transmitiéndonos sus virtudes y miserias y el devenir de sus juicios.

Los relatos de Crímenes y Culpa se basan en casos reales que el escritor ha conocido en el ejercicio de su profesión de abogado – con lo que esto implica de frío por la espalda – y aún así logra contárnoslos, además de con respeto y piedad, con una sobriedad compatible con la ternura y la ironía, y por supuesto con la asepsia que implica no juzgar, o al menos mantener el juicio personal al margen. Tanto en estos libros, como en El caso Collini, apunta, además de al gran misterio que es cada individuo, a las deficiencias de la justicia; Tabú conjuga esos asuntos con una reflexión algo surrealista sobre los límites y consecuencias de las filias (y la dificultad de juzgarlas).

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Los siete tipos perfectos de Yves Saint Laurent http://masdearte.com/fuera-de-menu/los-siete-tipos-perfectos-de-yves-saint-laurent/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/los-siete-tipos-perfectos-de-yves-saint-laurent/#comments Wed, 02 Aug 2017 13:30:16 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=165151 Cuando Yves Saint Laurent hablaba de la mujer moderna, lo hacía siendo muy consciente de la importancia de su labor diseñando moda y buscando trascender: He inventado su pasado, le he dado su futuro, y … Leer más

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Cuando Yves Saint Laurent hablaba de la mujer moderna, lo hacía siendo muy consciente de la importancia de su labor diseñando moda y buscando trascender: He inventado su pasado, le he dado su futuro, y ello durará hasta mucho después de mi muerte.

El diseñador -que no artista, insistía Pierre Berge, aunque hiciera arte- se apropiaba de vestidos populares o utilitarios que estilizaba al despojarlos de su uso funcional para introducirlos en el campo selecto de la alta costura.

Elegimos siete prendas revolucionarias que dan fe de la dimensión social de su legado, que han seguido renovándose tras él y que no son clásicos por inmutables, sino por lo contrario: admiten interpretaciones casi infinitas.

En 1978, Saint Laurent declaró al periodista John Helpern que lo que intentaba hacer era un tipo perfecto de prendas, ya se trate de una simple blusa o de un par de pantalones, y animar a las mujeres a construir alrededor de ellas (…) Cambio siempre mis diseños jugando con los mismos prototipos básicos, de forma que una mujer no necesite estar cambiando su guardarropa constantemente. Algo antes, en 1973, había dicho que, para él, la vanguardia era el clasicismo. Repasamos siete de esos tipos perfectos, clásicos y contemporáneos:

Yves Saint Laurent. Primer chaquetón marinero

Yves Saint Laurent. Primer chaquetón marinero

EL CHAQUETÓN

Fue la primera prenda fundamental presentada por Saint Laurent en su primera colección tras crear su firma: la del verano de 1962. Evoca la prenda utilitaria de los marineros, que él urbaniza y feminiza, tanto que muchos la consideran una prenda-manifiesto.

No es exagerado: puede ser tanto una prenda funcional como un atuendo urbano de representación y saca a la alta costura de sus límites convencionales, abriéndola al presente. Saint Laurent hizo que conservase su aspecto sólido, cálido y confortable, pero dándole un corte amplio recupera sus cualidades funcionales originales a la vez que, añadiéndole botones dorados, le da un toque femenino.

Lo marino fue, en realidad, una inspiración recurrente para Saint Laurent, que en 1966 retomó el chaquetón para declinarlo en distintas versiones: ceñido al cuerpo, con broche-ancla dorado y gorra o transformado en vestido. Todavía en 2001, siete años antes de su muerte, Saint Laurent continuó trabajando el chaquetón: siguió confeccionándola en lana azul marino pero lo hizo más corto, menos amplio y acompañado de pantalón y jersey blancos.

LA TÚNICA
Forma parte de una familia de prendas que alargan la silueta y disimulan las caderas, como los blusones marineros y las guerreras. Adoptaron la túnica las mujeres que deseaban atenuar el efecto demasiado ajustado de los primeros pantalones.

En aquella colección primera de 1962 se llamaba al blusón marinero “guerrera de lana azul marino” y la línea túnica triunfaría en su colección de invierno de ese año. Ya en 1963, combinó la túnica con pasamontañas, leotardos de lana, botas mosqueteras e impermeables acharolados.

EL TRENCH
Fue una prenda llevada por los oficiales en las trincheras durante la I Guerra Mundial y Saint Laurent no dejó de declinarla para la mujer en toda su carrera.

Hizo una aparición discreta pero sorprendente en 1962, acompañando un vestido de noche, y en 1967 creó una nueva versión que se prestaba a combinaciones explosivas de día y noche. Incluso hizo de él lujosas versiones con estampados de pantera.

Y en este punto hay que acordarse de Catherine Deneuve, que inmortalizó un trench de Saint Laurent en una versión lacada negra en Belle de jour (1967). Lo combinó con los célebres zapatos de hebilla cuadrada de Roger Vivier.

Catherine Deneuve en Belle de hour con un trench de Saint Laurent

Catherine Deneuve en Belle de jour con un trench de Saint Laurent

LA BLUSA

Saint Laurent continuó con ella su afán liberador y su primer modelo fue una blusa normanda en satén gris perla presentado en el invierno de 1962 e inspirado en la camisa campesina de Normandía.

La blusa, y su estilo, tampoco abandonaron nunca los diseños de Saint Laurent. Entre sus conjugaciones, el vestido como camisa algo larga de 1970, el vestido-camisa campesino de 1971, el abrigo “blusa de pintor” de 1974, blusas combinadas con trajes o trajes pantalón…

Parte de su éxito se debe al escándalo que provocó un modelo transparente de cigaline perteneciente a la colección de verano de 1968 y acompañado de un esmoquin con bermudas de alpaca negra.

Yves Saint Laurent Primavera-Verano 1966

Yves Saint Laurent Primavera-Verano 1966

EL ESMOQUIN
Con él, Saint Laurent subvirtió los códigos indumentarios de la noche, antes territorio de vestidos largos.

En vez de limitarse a copiar modelos masculinos, él propuso una relectura femenina de esta prenda. Su primer esmoquin lo presentó en 1966 y se componía de un pantalón recto, una camisa de organdí blanco con chorrera, un cinturón de satén y una chaqueta larga ajustada. Desde entonces, pasarela tras pasarela, presentó Saint Laurent un esmoquin, explorando sus posibilidades.

A veces solo conservaba algunos rasgos distintivos del original, como la pajarita, las solapas o el fajín de raso; otras veces los creaba combinados con shorts, faldas, bombachos, quimonos, monos, saharianas…

Así valoró Saint Laurent el triunfo de una de sus prendas estrella: En alta costura: éxito nulo. En prêt-à-porter: inmenso. Una de las que compró una versión prêt-a-porter del esmoquin Saint Laurent, en 1966, fue Françoise Hardy, y con él triunfó el Día de Acción de Gracias en un desfile organizado por Macy´s. Elsa Martinelli también llevó uno, de terciopelo negro, en el estilo de Mouche.

EL TRAJE DE CHAQUETA, CON FALDA O PANTALÓN
El primer modelo del desfile de la colección de verano de 1967 de Saint Laurent fue un traje pantalón, y con él inauguró el francés un género inédito y simbólico del nuevo poder de la mujer.

Su novedad no residió en la presencia del pantalón, presente en el guardarropa veraniego femenino desde los treinta, sino en la adaptación de su uso a todos los momentos del día; un uniforme, decía el diseñador.

Si el pantalón con pinzas y la chaqueta con anchura de hombros perfilada aportan masculinidad, las blusas de muselina y los cinturones-echarpe suponen el componente femenino. El primer modelo se confeccionó en gabardina de lana a rayas, combinándolo con una camisa cerrada por una corbata de color negro que subraya su origen masculino. Después llegó el traje compuesto por chaqueta larga y falda plisada a rayas, de franela.

Saint Laurent iría explorando todas las variaciones posibles del binomio masculino-femenino en esta prenda: los tejidos de tweed, gabardinas y lanas secas, cuellos bien picados, hombros estructurados (masculino) y las muselinas, el satén de seda para la blusa, las joyas, los colores vivos (femenino). Lauren Bacall solía elegir a Yves para sus pantalones.

LA SAHARIANA

Se trata de un clásico del equipamiento de safari que Saint Laurent reorientó por vez primera en el verano de 1966. En esa colección introdujo un atuendo compuesto por cazadora de ocelote, camisa y leggins de algodón y, en el verano siguiente, fue aún más explícito: África era su inspiración.

En mayo del 68, la sahariana de Saint Laurent sintetizó el espíritu de contornos intercambiables de lo masculino y lo femenino. En el verano de ese año, no por casualidad, una sahariana mítica con profundo escote con cordón aparecía en Vogue: era un modelo fuera de colección que vestía Veruschka.

Y en 1969, en la inauguración de la boutique Rive Gauche en Londres, posaron con sahariana Saint Laurent, Betty Catroux y Loulou de la Falaise: él, como túnica con cinto; Catroux, como minivestido con botas mosqueteras y Loulou con falda cruzada.

Saint Laurent, Betty Catroux y Loulou de la Falaise con sus saharianas

Saint Laurent, Betty Catroux y Loulou de la Falaise con sus saharianas

EL MONO
En el verano de 1968 llegó también la que fue quintaesencia de la reorientación de una prenda utilitaria por Saint Laurent. La usaban paracaidistas, aviadores, obreros, pintores y albañiles (y también algunos artistas constructivistas y futuristas) antes de que el diseñador presentase su modo de noche en punto de seda negro. Tuvo éxito y, en la temporada siguiente, ideó otro en forma de mono pantalón, también en punto de seda pero con lentejuelas.

Como en los anteriores tipos perfectos, Saint Laurent dio después distintas fisonomías al mono: ciñéndolo al cuerpo, haciéndolo flexible, en versión esmoquin, short, bermudas o como mono blanco con cremallera y con jareta en la cintura.

Betty Catroux lleva un mono de Saint Laurent en una de sus tiendas

Betty Catroux lleva un mono de Saint Laurent en una de sus tiendas

 

 

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Asuntos de familia y la ternura del humor negro http://masdearte.com/fuera-de-menu/asuntos-de-familia-y-la-ternura-del-humor-negro/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/asuntos-de-familia-y-la-ternura-del-humor-negro/#comments Tue, 01 Aug 2017 09:05:39 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=165119 No estamos demasiado acostumbrados a que nos los presenten y los tópicos, los prejuicios y la violencia hacen el resto, pero en el contexto israelí y palestino muchas familias hacen frente, además de a situaciones … Leer más

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Asuntos de familia. Maha HajNo estamos demasiado acostumbrados a que nos los presenten y los tópicos, los prejuicios y la violencia hacen el resto, pero en el contexto israelí y palestino muchas familias hacen frente, además de a situaciones y conflictos propios del lugar, a otros igualmente cotidianos pero universales: los derivados de la incomunicación entre parejas maduras que no tienen nada que decirse ni ganas de hacerlo, entre padres e hijos que no conectan, entre hermanos con distintas ambiciones en la vida… y entre los abuelos y el resto de su familia; con ellos la atención y la escucha son aún más extrañas que con el resto.

Esa incomunicación íntima se completa en Israel con una incomunicación pública que ocasionalmente desemboca en situaciones delirantes, pero la directora Maha Haj – que antes fue directora artística, y no deja de notarse en la belleza de los encuadres- ha elegido centrarse en su primera película, Asuntos de familia, en la primera, trascendiendo lo local sin borrarlo para apelarnos a todos con escenas de silencio familiar cómodas e incómodas que muy difícilmente resultarán extrañas a alguien. Ha conjugado, además, momentos para la ternura, para la inquietud, para el humor cálido y para el humor negro: los instantes de aproximación son pocos, pero uno de los más notables y significativos se da cuando, por fin, los padres de familia articulan palabra entre ellos para plantearse el divorcio, navegando en un romántico lago. Es entonces cuando sucede el milagro de que se rocen.

El devenir entre casas y familias y el toque surrealista de cada secuencia puede hacer de Asuntos de familia una obra ligera, y su duración contribuye a esa levedad, pero Maha Haj tampoco lleva al engaño: que plantee lo grave con sutileza o ironía no hace que esas distancias entre cercanos que se dan pereza dejen de ser importantes, de tener consecuencias. Algo apunta a que todos los miembros de esta familia (palestina residente en Israel, acomodada y no sumergida en los conflictos de la tierra) están solos y se sienten incomprendidos, a que la compañía – aunque sea de tu sangre o lleve décadas ahí, haciendo punto o mirando el ordenador- es más que nada una ilusión. La sensación resulta hasta cierto punto descorazonadora y hasta cierto punto no, porque en cualquier lugar la conocemos tan bien, que a duras penas nos conduce a la tristeza.

Todo está tan claro y hay tan poco que añadir, que Haj no ha necesitado banda sonora para contarlo. Es en soledad cuando florecen los deseos de los personajes: ver el mar, consolidarse como artista… En Israel, como en cualquier parte, las alambradas también se levantan dentro de uno y dentro de casa.

Asuntos de familia. Maha Haj

 

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Sugerencias de temporada: 10 propuestas para el mes de agosto http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-agosto/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-agosto/#comments Thu, 27 Jul 2017 21:38:48 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=164916   1. VOLVER. MUEBLES Y MÁS Si juntamos en un mismo local una tienda de muebles y decoración, un estudio de yoga y un lugar donde recibir una clase de ceviche, tenemos Volver, el espacio … Leer más

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planes y cosas que ver en agosto 2017

 

1. VOLVER. MUEBLES Y MÁS

Si juntamos en un mismo local una tienda de muebles y decoración, un estudio de yoga y un lugar donde recibir una clase de ceviche, tenemos Volver, el espacio creado por Magali Meier en Madrid. Podéis echar un vistazo a su catálogo de productos para daros cuenta de que se trata de un proyecto pensado para proporcionar bienestar físico y mental, una sensación que Meier quiere transmitir también a través de su colección de objetos nórdicos.

volverweb.com

 

2. BOCACALLE

En la calle Santa Teresa de Madrid encontramos este nuevo restaurante de aspecto informal y cocina inspirada en la street food. Esta idea no debe sin embargo confundirnos, porque estamos hablando de elaboraciones y presentaciones cuidadas que llevan la firma de Dani Álvarez. El local, decorado con murales intervenidos por Boamistura, deja ver en el centro de la sala la cocina, como si de un puesto callejero se tratara. Entre sus delicias: fish and chips, el astur taco, el pez limón o el rissotto oceánico.

www.bocacallest.com

 

3. CHILLYS. UN ALIADO CONTRA EL CALOR

Tu bebida fresca durante 24 horas. Suena bien y es lo que nos ofrece esta botella realizada en acero inoxidable de alta calidad, que además se presenta en varios modelos para que cada uno encuentre la que mejor vaya con su estilo. La Botella Chilly’s se creó para ofrecer un producto que combinara la comodidad de una botella de plástico con la alta tecnología y los beneficios eco-friendly de un termo convencional. Y para los que no renuncian a su bebida caliente, aunque sea verano, Chilly’s también es capaz de mantener el calor durante 12 horas. Como veis, sus creadores, los londinenses James Butterfield y Tim Bouscarle, han pensado en todos los escenarios posibles para que su producto se convierta en el mejor aliado de muchos.

www.chillysbottles.com

 

4. LA SEDUCCIÓN

Este es uno de los estrenos más esperados del año. Sofia Coppola firma esta versión de El seductor de Don Siegel (1971), con un reparto encabezado por Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning y Colin Farrell, que le valió el Premio a la Mejor Dirección en la pasada edición de Cannes. La historia de La seducción (The beguiled) nos traslada a plena Guerra de Secesión y la trama tiene lugar dentro de un internado de chicas -dirigido por el personaje que interpreta Nicole Kidman-, donde un soldado de la Unión herido encontrará refugio, además de tensión sexual, peligrosas rivalidades y una serie de sucesos que pondrán la institución patas arriba…

 

5. LO NUEVO DE ARCADE FIRE

Aparecieron por sorpresa en el Primavera Sound de Barcelona y al día siguiente anunciaron su nuevo disco, Everything now, que ve la luz el 28 de julio. Hasta que podamos escucharlo íntegramente, aquí os dejamos el adelanto del tema que da nombre a todo el disco. La grandiosidad ambiental de Arcade Fire se deja ver también en la edición de este nuevo trabajo, que presenta veinte opciones de artwork diferentes. El disco está producido por el propio grupo junto a Thomas Bangalter de Daft Punk y Steve Mackey, con co-producción de Markus Dravs.

www.everythingnow.com

 

6. DESERT CITY

En San Sebastián de los Reyes, a las afueras de Madrid, acaba de abrir sus puertas Desert CITY, un centro multifuncional de más de 16 000 m² construidos, que alberga un jardín  botánico experimental de más de 5000 m², donde se pueden contemplar desde cactus hasta plantas autóctonas del clima mediterráneo como la lavanda o el romero. El jardín se articula en diferentes zonas que, metafóricamente, evocan desiertos de todo el mundo y en él encontramos, además de los cactus, otras especies xerofíticas. Se trata del primer vivero biotecnológico especializado en xeropaisajismo, que cuenta con espacios de I+D, un laboratorio y terrazas-mirador.

desertcity.es

 

7. FAEMINO Y CANSADO

El humor absurdo, pero inteligente y sin complejos, de Faemino y Cansado no pasa de moda y por eso siguen llenando las salas donde actúan. Los próximos meses -hasta diciembre- estarán girando por varias ciudades de nuestra geografía. Si nunca los habéis visto en directo, os lo recomendamos, porque es toda una experiencia, y si ya los conocéis, sabéis que la risa con ellos está asegurada. Podéis consultar el calendario de sus espectáculos en su web:

www.faeminoycansado.com

 

8.  LA TERRAZA MAGNÉTICA

La Casa Encendida no cierra por vacaciones. Este verano, hasta el 27 de agosto, su Terraza magnética acogerá una selecta programación de cine y conciertos al atardecer. Las noches de los sábados presentan un ciclo audiovisual que disecciona la fiesta en todas sus épocas y formas, tan variadas e inesperadas como sus habitantes. Con todo lo bueno y lo malo que puede tener una noche de fiesta… Los domingos, conciertos: Niet!, John Gómez, Manu Louis y Tolouse Low Trax. Sin duda esta es una de las propuestas más ecléctica y atractiva de la ciudad.

www.lacasaencendida.es

 

9. KATE PUGSLEY

Nos gustan los diseños e ilustraciones de esta artista de Chicago y por eso queríamos compartir con vosotros su web y su tienda, en la que se pueden adquirir algunos de sus trabajos, postales o cuadernos. Pugsley trabaja para firmas y editoriales como Flow Magazine, Chronicle Books, The New York Times, Land of Nod, United Nations, Tiffany & Co., Everlane, Penguin Random House, 3M, Lenny Letter…

www.katepugsley.com

 

10. DIVERTIRSE SIN PANTALLAS

¿Pensando en cómo dejar que los niños que se entretengan experimentando y creando con sus propias manos? La solución puede ser el libro 150 actividades para jugar sin pantallas, de la autora Asia Citro. Las actividades que propone esta madre de dos niños y creadora del blog www.funathomewithkids.com desarrollan la creatividad y la habilidad de los más pequeños (y cuando decimos esto es que estamos hablando de juegos incluso para bebes), y además sin tener que hacer grandes gastos en materiales. En este libro podemos encontrar “recetas” para hacer plastilina casera, nubes, pintura de espuma de afeitar, volcanes en erupción o su propio océano. Como curiosidad, y puesto que algunos de los experimentos se hacen con alimentos, cuenta con varias categorías pensadas para niños con alergias e intolerancias.

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Dunkerque, así huele la angustia http://masdearte.com/fuera-de-menu/dunkerque-christopher-nolan/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/dunkerque-christopher-nolan/#comments Thu, 27 Jul 2017 15:57:09 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=164904 Casualmente o no (probablemente tendrá relación con el contexto político), coinciden en los cines dos películas que recrean, con cierto tono patriótico no exacerbado, el sufrimiento que la II Guerra Mundial causó en el Reino … Leer más

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Dunkerque. Christopher NolanCasualmente o no (probablemente tendrá relación con el contexto político), coinciden en los cines dos películas que recrean, con cierto tono patriótico no exacerbado, el sufrimiento que la II Guerra Mundial causó en el Reino Unido, desde dos puntos de vista: el de quienes padecieron los bombardeos en Londres (Su mejor historia) y el de los que los sufrieron en el continente, esperando – y desesperando- hasta ser evacuados a su país desde el otro lado del Canal de la Mancha (Dunkerque).

Si en la primera película el episodio terrible de Dunkerque aparece como telón de fondo en el proceso de rodaje de otro filme (cine dentro del cine), en la obra de Christopher Nolan -vamos a arriesgarnos a decir ya que quizá sea lo mejor que nos ha ofrecido hasta ahora- la agonía de los decenas de miles de soldados británicos esperando regresar a su país se nos muestra con efectividad pero sin efectismos, con emoción pero contenida, y sobre todo con mucha empatía hacia esas generaciones de jóvenes expuestos a una tensión que parece inimaginable pero que el director ha logrado acercarnos con una precisión terrible y trepidante: la de ver su tierra a la vista y no poder nunca llegar a ella por los continuos ataques alemanes a sus barcos.

De la voluntad de Nolan de no hacer de Dunkerque un relato bélico de enfrentamiento nos habla el hecho de que no veamos nunca el rostro de un alemán: la cámara se centra en enseñarnos las facciones, entre el anhelo y el cansancio infinito, del ejército inglés sometido a la incertidumbre de si morirán antes de volver a su país, y también las caras más idealistas de un padre (Mark Rylance, el genial escéptico de El puente de los espías), un hijo y un amigo de este que, imbuidos de patriotismo y ganas de ayudar, parten al mar con su embarcación familiar para rescatar a todo el que puedan.

Esa era su situación desesperada inmediata, pero conviene recordar, y en Dunkerque se hace muy presente, que la situación no pintaba mejor a largo plazo: la evacuación pretendida era la de soldados perdedores de una durísima batalla que regresaban a su país para, quizá, hacer frente después a un hipotético desembarco alemán en el Reino Unido que, en la primavera de 1940, no parecía en absoluto descabellado.

Nolan logra mantenernos en un suspenso constante dejando los diálogos hasta cierto punto a un lado y llevando nuestra atención a ojos y gestos, haciendo de ellos los canales expresivos de un infierno. Le ayudan mucho y bien en la tarea las grises imágenes de una playa que parece el fin del mundo gracias a la fotografía de Van Hoytema y una banda sonora, perfectamente adaptada en sus golpes de fuerza a los momentos de tensión, a cargo de Hans Zimmer.

Dunkerque es una película grande por dentro y por fuera, porque sabe conjugar épica e intimismo, y también es un elogio a las valentías anónimas de soldados y civiles. Lo tiene todo para convertirse en clásico, también ese toque de cándido elogio al sacrificio patriótico o ético acentuado en el desenlace.

 

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Cine de los ochenta para acompañar a Miguel Trillo y Espacio P http://masdearte.com/fuera-de-menu/cine-de-los-ochenta-para-acompanar-miguel-trillo-y-espacio-p/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/cine-de-los-ochenta-para-acompanar-miguel-trillo-y-espacio-p/#comments Tue, 25 Jul 2017 21:24:50 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=164758 Ya os hemos adelantado que este verano se presenta ochentero en el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles: allí podemos ver, desde el pasado junio, muestras dedicadas al primer espacio creativo autogestionado de … Leer más

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Ya os hemos adelantado que este verano se presenta ochentero en el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles: allí podemos ver, desde el pasado junio, muestras dedicadas al primer espacio creativo autogestionado de Madrid, Espacio P, vigente entre 1981 y 1997, y a los primeros trabajos de Miguel Trillo, los que mostró precisamente en las que fueron sus dos primeras individuales, ambas celebradas en Madrid: “PopPurri. Dos años de música pop en Madrid” y “Fotocopias. Madrid-London”, que tuvieron lugar en 1982 y 1983, respectivamente.

Pues bien, ahora que es posible que tengáis más tiempo para ver cine en casa, os proponemos otro viaje a los ochenta, este cinematográfico. Elegimos una decena de películas de aquella década que pueden ser un buen complemento a las muestras del CA2M o simplemente un entrenamiento para la melancolía de los nostálgicos:

TORO SALVAJE

¡No pudiste conmigo, Ray! ¿Recordáis a Robert de Niro interpretando al boxeador Jake La Motta, el toro del Bronx? La idea de filmar su historia partió de Robert de Niro, que tentó a Scorsese con el proyecto bastante tiempo hasta que el director se dejó convencer y rodó Toro Salvaje en 1980, dicen que volcando algunas experiencias propias en las tendencias autodestructivas de La Motta.

La película no narra tanto la vida del boxeador como la historia de un hombre cuesta abajo, que se arruina a sí mismo y procede del ambiente de inmigrantes italianos que Scorsese conoció bien en su infancia.

La interpretación de De Niro tiene algo de magnética y bastante de espantosa, por lo convincente de su interpretación de un hombre tan violento con los demás como consigo mismo (al parecer recibió clases del propio La Motta). Logró un Óscar y sedujo tanto como las cualidades formales de esta obra, su sonido retocado y la fotografía en blanco y negro de Michael Chapman, cercana, por lo despiadado, al neorrealismo italiano.

Logró transmitir De Niro que, para La Motta, los golpes eran más que un oficio y una compensación: eran un medio de comunicarse.

FITZCARRALDO

Esta peli que le valió la Palma de Plata en Cannes a Werner Herzog, en 1982, como Mejor Director, viaja al Amazonas de principios del siglo XX, etapa en la que se produjo allí algo parecido a la fiebre del oro: el mercado de este producto florecía, lucraba mucho a unos pocos, y mientras Fitzcarraldo -aquí interpretado por Klaus Kinski- soñaba con construir una ópera en el corazón de la selva.

Sus planes parecen disparatados y esta película es la historia de esa obsesión. Dadas las dificultades de rodar en la selva -y eso que ya la conocía bien, gracias a Aguirre, la cólera de Dios- Herzog lo tuvo todo en contra, desde el abandono de Jason Robards y Mick Jagger, que iban a ser personajes principales, hasta inundaciones, mordeduras de serpientes y el estallido de la guerra entre Perú y Ecuador.

Cuentan, incluso, que Kinski, el Fitzcarraldo final, protagonizaba ataques de ira tan intensos que un jefe indio se ofreció a matarlo si Herzog le daba la venia. La cuestión es que, quizá por ese carácter, el actor resultó idóneo para el personaje, un visionario solitario que coqueteaba con la locura. Las imágenes de una naturaleza salvaje son, asimismo, sobrecogedoras.

Klaus Kinski en Fitzcarraldo

Klaus Kinski en Fitzcarraldo

FANNY Y ALEXANDER

El meollo de Fanny y Alexander nos lo acercaba Bergman en su comienzo: un niño contempla un teatro de marionetas y desmonta, paso a paso, su decoración. Este chico es el alter ego del director, bajo cuya mirada se desarrolla el drama de la película.

Fanny y Alexander son miembros de una familia que dirige un teatro en una ciudad sueca, un tanto adormecida, a principios del siglo pasado. La abuela dicta las normas con la sabiduría y paciencia que le da su edad y Alexander sueña con fantásticos juegos y con hacerse profesional de los escenarios pero, cómo no, algo trastoca sus planes: la muerte de su padre.

Al año del fallecimiento, su madre contrae matrimonio con un severo obispo y renuncia a su carrera como actriz. El nuevo hogar de Fanny y Alexander nunca sería tal: los chicos viven intimidados por el puritanismo (pero logran escapar).

Al hablar de la necesidad del teatro, Bergman se refería a la necesidad de la imaginación en cualquier vida humana. Parte de la originalidad de la película reside en los encuentros de Alexander con el espíritu de su padre, que no casualmente había muerto de un infarto en un ensayo de Hamlet.

Aquí se entrelazan lo cotidiano y lo sobrenatural, imágenes austeras y barrocas; dicen que para el director sueco esta obra supuso un balance de su carrera: fue su último largometraje para el cine y la primera película extranjera en llevarse cuatro Óscars. Se fecha, por cierto, en 1982.

 

EL PRECIO DEL PODER

A lo mejor recordáis este Scarface (1982-1983) por su escena final, con Al Pacino como Tony Montana en las escaleras de su mansión, con más agujeros en el cuerpo que un queso Gruyère, disparando metralleta en mano. Su muerte fue tan cruel como su vida. Por eso algunos entienden esta peli dirigida por Brian de Palma como una obra de acción más bien brutal, pero aquí hay más.

La incapacidad de Montana de sentirse alguien sin recurrir a la violencia y su humillación frente a quienes más quiere dan a El precio del poder un cariz dramático. Las críticas cosechadas por esta versión del clásico de Howard Hawks fueron regulares, precisamente por su violencia explícita, pero sí algo destaca aquí es el retrato de la cara oscura de las ansias de poder y riqueza: el principio del fin que conllevan los excesos. Montana es un alma perdida que, como su madre pronosticó, destruye lo que ama.

Y dado que Oliver Stone fue el guionista, también hay en este filme una dimensión política acentuada.

BLADE RUNNER

Está a punto de estrenarse su última versión (será en octubre), pero el primer Blade Runner (1982) nos trasladaba a un futuro para el que ya no queda mucho: Los Ángeles, 2019. Rascacielos como templos se pierden en un cielo contaminado; en ellos se refugian los blancos, el resto de razas pueblan las calles. Quienes han podido han emigrado a colonias del mundo exterior y, para colonizar esos nuevos planetas, la Tyrell Corporation diseñó los replicantes, androides que tienen prohibido visitar la Tierra. Pero algunos no obedecen la orden y los blade runner deben buscarlos y destruirlos.

Hay quien ve en esta trama una alusión al día del Juicio Final, en el que solo los inocentes escapan del infierno; pero, en fin, es una hipótesis, y son tantas las alusiones filosóficas y teológicas de esta historia que nadie podría negarlo.

Harrison Ford daba vida al mejor blade runner, que vuelve al servicio tras hallarse cuatro replicantes en Los Ángeles. Esta peli, inspirada en una novela de Philip K. Dick, fue paradójicamente un fracaso comercial y, con el tiempo, un hito de la ciencia ficción.

Se trata de un cuento filosófico algo deprimente con decorados extraordinarios, una iluminación muy sofisticada y una banda sonora de Vangelis para la que faltan los adjetivos.

Blade Runner ha cumplido 35 años

Blade Runner ha cumplido 35 años

EL CONTRATO DEL DIBUJANTE

¿Amáis u odiáis a Peter Greenaway? En 1982 nos trasladó al s. XVIII en El contrato del dibujante, la historia de Neville, contratado por la señora Herbert para dibujar su finca y para lo que se tercie. La situación degenera, o genera, una trama policial con muertos mediante, el propio Neville incluido (al final sabemos que se esperaba de él un heredero).

La interpretación de la trama no es cerrada: el espectador tiene mucho que decir. Aquí hay reflexiones sobre la imposibilidad del conocimiento, la batalla perdida del naturalismo, la superficialidad y el artificio, y referencias a la pintura y la literatura clásicas. Una curiosidad: el propio director es autor de los dibujos de Neville.

Peter Greenaway. El contrato del dibujante

Peter Greenaway. El contrato del dibujante

EL CUARTO HOMBRE

Recordad Elle y pensad en el atrevimiento de Paul Verhoeven. Él dirigió, en 1983, El cuarto hombre, la historia de un escritor interpretado por Jeroen Krabbé que no sabe bien si sufre alucinaciones o es víctima de una conspiración: ¿paranoia o realidad?

Por contagio, tampoco los espectadores llegamos a saber a ciencia cierta si el protagonista, que además tiende a beber de más, delira o vive de verdad experiencias terribles.

Lo más provocador de la película, en sí no apta para espíritus cándidos, es el tratamiento de los símbolos religiosos, por la ausencia de tabúes. En su momento causó furor y premios.

TERCIOPELO AZUL

¿Estabaís pensando que nos olvidábamos de Lynch? En Terciopelo azul (1985), la cámara recorre Lumberton, un pueblo estadounidense de gente amable y tulipanes en flor. En medio de ese entorno bucólico, Kyle McLachlan encuentra una oreja humana devorada por hormigas, elemento fascinante en ese contexto y su billete de entrada en otro mundo.

Quien investiga el caso es Laura Dern y los primeros pasos de la investigación les conducen a Isabella Rossellini.

Esta es una película sobre la mirada en la que la cámara desempeña el papel de ojo y el voyeur siente el placer que le da el poder y la excitación de ser a veces cómplice y a veces expulsado, hasta convertirse, en el desenlace, en el testigo impotente de un acto brutal.

Por esa escena suele compararse a Terciopelo azul con Psicosis, también en cuanto a relevancia cinematográfica en sus respectivas décadas.

En su estreno suscitó controversia, pero… contribuyó a que viésemos a Lynch como visionario del cine moderno y a Isabella como mucho más que la hija perfecta de Ingrid Bergman.

 

SACRIFICIO

Esta obra de Tarkovski, de 1986, es una película contemplativa en la que toda la trama sucede en un día, más o menos, y en una casa junto al mar. Podemos considerarla una película testamentaria del director, que cuando la filmó sabía que tenía cáncer terminal, y reflexiona sobre los temas habituales en su trayectoria: el sentido de la vida, la espiritualidad perdida en el mundo contemporáneo, el temor a la muerte (peor que la muerte misma, pensaba) o las carencias del progreso. El título procede de la idea de Tarkovski de que la integridad moral se logra ofreciéndose a uno mismo en sacrificio.

Como no podía ser de otra forma hablando del cineasta, no hay aquí concesiones al entretenimiento ni la estética frívola, sí a los simbolismos, pero la fotografía es deliciosa.

 

INSEPARABLES

En este filme de David Cronenberg, fechado en 1988, Jeremy Irons da vida a unos gemelos univitelinos, ambos prestigiosos médicos especializados en fertilidad. Uno de ellos mantiene una relación con una de sus pacientes, a quien no puede ayudar, pero cuando se cansa de ella, no tiene inconveniente en que su hermano le sustituya. Hasta que él también se enamora de ella -ella, a todo esto, es Geneviève Bujold- y el equilibrio entre gemelos se tambalea.

Cronenberg cree -en su cine lo ha demostrado más de una vez- que cuerpo y alma son inseparables y que si solo valoramos uno, como suele hacerse en medicina, el otro puede resentirse. Así, en Inseparables aborda la renuncia a la identidad y su pérdida como procesos malignos asociados a la decadencia física.

Jeremy Irons como un par de peligrosos gemelos en Inseparables

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Verano 1993, duelo y naturalidad http://masdearte.com/fuera-de-menu/verano-1993-duelo-y-naturalidad/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/verano-1993-duelo-y-naturalidad/#comments Thu, 20 Jul 2017 13:07:29 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=164615 La primera película de Carla Simón, más que intimista, es un ejercicio de respiración. Verano 1993, su primera película, propone  un viaje a los meses posteriores a la muerte de su madre, que a su … Leer más

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Verano 1993La primera película de Carla Simón, más que intimista, es un ejercicio de respiración. Verano 1993, su primera película, propone  un viaje a los meses posteriores a la muerte de su madre, que a su vez llegó después de la de su padre, ambos fallecidos a causa del sida.

Su alter ego en la película es Frida, una niña de seis años que se enfrenta a la pérdida con la inocencia, el desvalimiento y la flexibilidad de su edad, y desde sus ojos, desde su mirada aún en estreno, nos hace contemplar la directora el duelo, con naturalidad, sin excesos verbales ni sentimentales, prestando atención en todo momento al rostro de la niña, sus pálpitos, sus dudas y cansancio.

Dadas las circunstancias de la muerte de sus padres y la época de la que hablamos, inevitablemente Frida se encuentra con la incomprensión y el rechazo de los mal informados, o con las consabidas expresiones de pena que colocan a la niña en el lugar de una pobrecilla, pero el propósito de Simón no ha sido en ningún momento recrearse en esa mirada ajena -presente- sino en los sentimientos de la niña, su evolución y sus movimientos en la nueva familia con la que convive, la de su tío.

Y aunque ella sea protagonista indudable, y todos los paisajes y cualquier suceso los contemplemos desde su enfoque, el filme también se ocupa de las diversas reacciones adultas al comportamiento de la niña, inevitablemente desorientada ante un dolor que no puede manejar, pero también muy libre.

El gran mérito de Verano 1993 es su capacidad envolvente: en ningún momento nos distraemos del rumbo de Frida y de sus descubrimientos lentos, de su comportamiento a veces decidido y a veces torpe, y otras las dos cosas a la vez. Necesariamente tierna, no es esta una película cursi ni melodramática que nos tiente a alejarnos de su crecimiento, y así seguimos sus rabietas, preguntas y llantos con la pasión de un voyeur empático hasta un desenlace que -creemos- no puede ser más sabio. Nos atrapa la ausencia de artificio.

Verano 1993

 

 

 

 

 

 

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Los últimos años del artista: Strzeminski no claudicó http://masdearte.com/fuera-de-menu/los-ultimos-anos-del-artista-afterimage-strzeminski-wajda/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/los-ultimos-anos-del-artista-afterimage-strzeminski-wajda/#comments Thu, 06 Jul 2017 14:02:54 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=164083 Hasta el 18 de septiembre podemos acercarnos al Museo Reina Sofía a conocer los prototipos y formas puras de Strzeminski, las plasmaciones prácticas de su teoría de la visión; y, desde el viernes pasado, también … Leer más

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Los últimos años del artista: AfterimageHasta el 18 de septiembre podemos acercarnos al Museo Reina Sofía a conocer los prototipos y formas puras de Strzeminski, las plasmaciones prácticas de su teoría de la visión; y, desde el viernes pasado, también al cine para saber más del calvario que padeció en sus últimos años de vida, aproximadamente desde 1948 hasta su muerte en 1952, unos meses después que la de Kobro.

A rendir homenaje a la libertad creativa de Strzeminski en su etapa final dedicó su última película el director Andrezj Wajda (se dice que era su pintor favorito) y, tras optar a los Óscar como Mejor Película extranjera en representación de Polonia, ha llegado ahora a nuestros cines Los últimos años del artista: Afterimage.

Wajda muestra al pintor como profesor entregado y cercano, como creador apasionado por llevar hasta el final sus ensayos sobre la visión y, sobre todo, como hombre comprometido con su propia tarea y su propia pasión, defensor de la subjetividad y la libertad del artista frente a manipulaciones e intereses políticos coyunturales. Hubo un tiempo, siendo más joven, en que Strzeminski defendió que la creación debía buscar una relevancia social, aspirar a la utilidad, pero en su etapa de madurez cambió de opinión y no le dolió reconocerlo: abogó por la individualidad en la esfera artística, por que la pintura fuese terreno para la experimentación y el hallazgo de caminos personales, no para la plasmación realista de mensajes destinados a la colectividad.

Tras trabajar en Moscú y Smolensk, Kobro y Strzeminski terminaron por asentarse en Polonia ante la hostilidad de las autoridades soviéticas hacia todo arte que escapara al realismo socialista, pero tampoco aquella huida fue suficiente. Cuando este país quedó sometido por la URSS, estando la pareja ya separada, lo que fueron reverencias, saludos amables y sonrisas se transformaron para Strzeminski en un ostracismo que comenzó suave, dándole la oportunidad de someterse, y terminó como apisonadora cruel cuando él no se postró. Pensar por sí mismo lo convirtió en enemigo popular al que se le impidió trabajar y comer, y sus compañías -que acabaron siendo únicamente sus alumnos fieles- pasaron a ser sospechosas para el régimen. Incluso a su hija, sufridísima, se le negaban zapatos nuevos.

Es interesante fijarnos en las reacciones de quienes admiraron a Strzeminski ante su caída en desgracia, y la austeridad de la puesta en escena favorece que nos concentremos en ellos: los gestos, las caras de quienes aún le acompañan aunque no puedan aliviar su necesidad, de quienes le abandonan cuando ya no pueden obtener nada de él, o la de la mujer que ha de despedirle de un empleo humilde por orden de arriba, pese a ser su mejor trabajador. Entre la pena, el cuestionamiento y la indiferencia, no se movieron los silenciosos, y aquí podría entrar en juego Hannah Arendt.

Wajda se despidió dejándonos la congoja en la garganta, dándonos otra muestra de su gusto por el heroísmo trágico y a Boguslaw Linda, quizá, su mejor papel.

Los últimos años del artista: Afterimage

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Cartas de la guerra: letra y cine de la nostalgia http://masdearte.com/fuera-de-menu/cartas-de-la-guerra-letra-y-cine-de-la-nostalgia/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/cartas-de-la-guerra-letra-y-cine-de-la-nostalgia/#comments Tue, 04 Jul 2017 12:36:07 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=163990 La inspiración de Ivo Ferreira al filmar Cartas de la guerra fue el libro del mismo nombre de Lobo Antunes, subtitulado Correspondencia desde Angola. Recoge las cartas que este escritor le envió a su esposa … Leer más

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La inspiración de Ivo Ferreira al filmar Cartas de la guerra fue el libro del mismo nombre de Lobo Antunes, subtitulado Correspondencia desde Angola. Recoge las cartas que este escritor le envió a su esposa en los dos años que permaneció en ese país como alférez médico, sumergido en una guerra de la que se sentía ajeno; en la que emocionalmente, como muchos de sus compañeros, no llegó a involucrarse, solo a distanciarse más de sus motivaciones según transcurrían las semanas.

Esa es la materia prima de Ferreira: textos hondos y directos leídos por la voz en off femenina de la esposa de Antonio, una de las pocas que escuchamos en la película. La obra, con un mecanismo por simple difícil de encontrar, se nutre de la riqueza de las palabras del que escribe y de la belleza de imágenes en blanco y negro, sencillas y nunca preciosistas pero casi tan evocadoras como las cartas, su complemento perfecto.

Cartas de la guerra es la plasmación de un estado de ánimo, de sensaciones ambiguas entre la dulzura del recuerdo y la nada pesada del presente. No hay narración, ni en la correspondencia de Antonio, que no se refiere a los hechos bélicos que lo rodean sino a sus propios sentimientos desde la distancia hacia su esposa y su hija en camino, ni tampoco en esa cadena de fotografías poéticas con las que Ferreira solo busca -y lo consigue- suscitar emociones, crear un clima de añoranza envolvente que acentúa la cadencia de la voz de mujer leyendo en un portugués melódico (ver esta película doblada es muy poco recomendable).

Las letras dejan caer el desarraigo de jóvenes embarcados en un conflicto del que no se sienten partícipes, el compromiso pacifista del autor y su acercamiento sincero y bienintencionado a los angoleños, pero su centro nunca dejan de ser el amor, los recuerdos y el deseo de volver, carta a carta, semana a semana. Esas misivas son su enlace con la vida, con su personalidad anterior, un clavo ardiendo. Y pese a ello, y a que al final Antonio no pueda contener su desesperación, no tenemos sensación de que Ferreira haya insistido demasiado en la tristeza, sino en el deseo de regresar.

Cartas de la guerra supone algo parecido a la combinación de la sensibilidad visual del director -esquivando siempre el esteticismo- y la literaria de Lobo Antunes; un poema intenso hecho de epístola e imagen que conmueve por su verdad palpable, su descripción táctil de las distancias y las memorias.

Cartas de la guerra. Ivo Ferreira

Cartas de la guerra. Ivo Ferreira

 

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Sugerencias de temporada: 10 propuestas para el mes de julio http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-julio/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-julio/#comments Fri, 30 Jun 2017 14:16:43 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=163787   1. LICEU A LA FRESCA El 21 de julio, a las 22 horas, cerca de 120 municipios participarán en una nueva edición de Liceu a la Fresca. Tras el éxito del año pasado, con … Leer más

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1. LICEU A LA FRESCA

El 21 de julio, a las 22 horas, cerca de 120 municipios participarán en una nueva edición de Liceu a la Fresca. Tras el éxito del año pasado, con la retransmisión de La bohème a través de pantallas gigantes, esta iniciativa se ha convertido en un evento popular de gran acogida que suma ahora nuevas localidades. En esta ocasión, Il trovatore será la ópera que desde el Gran Teatre del Liceu llegará a todo el territorio español (que previamente lo haya solicitado), promoviendo así la cultura y difundiendo la actividad operística y musical.

liceubarcelona.cat/es/liceu-la-fresca

 

2. FESTIVAL DE TEATRO DE OLITE

Luis Jiménez asume este año la dirección del Festival de Teatro de Olite, que se celebrará del 21 de julio al 5 agosto. Como novedad, esta edición acogerá el primer Encuentro de Escuelas de Arte Dramático con la presencia de la Escuela Navarra de Teatro, el Institut del Teatre de Barcelona y la Real Escuela Superior de Arte Dramático RESAD de Madrid, que pondrán en escena tres piezas teatrales. Además, en el grueso de la programación del festival -que contará con espectáculos internacionales e integra el flamenco, la poesía y las músicas del mundo, así como la formación e investigación mediante talleres y residencias- encontramos el ciclo “Textos Poéticos”, con obras de seis compañías navarras que actuarán en espacios no convencionales de Olite, aunando la música y la palabra de autores clásicos. El festival también ha programado 15 obras destacadas que proponen relecturas de los clásicos, realizadas por algunos de los mejores dramaturgos y directores de la escena actual.

oliteteatrofestival.com

 

3. BOMBAS GENS

Tras casi dos años de rehabilitación, el 8 de julio abre en Valencia Bombas Gens, un nuevo centro cultural que será la sede de la Fundació Per Amor a l’Art. Ocupará las cinco naves rehabilitadas de una antigua fábrica de bombas hidraúlicas, en un edificio histórico, ejemplo de arquitectura industrial de los años treinta. De estas cinco naves, dos (Naves 3 y 4) se dedicarán a la presentación de la colección Per Amor a l’Art con una rotación anual de contenidos y otras dos (Naves 1 y 2) a exposiciones temporales vinculadas con la colección, además de otros proyectos específicos (Nave 0). El programa inaugural incluye las exposiciones “Bleda y Rosa. Geografía del tiempo”, “¿Ornamento = delito?” e “Historias de Bombas Gens”.

Independiente del Centro de Arte, pero dentro del conjunto arquitectónico, se ubica también el nuevo restaurante de Ricard Camarena, reconocido con una estrella Michelin.

bombasgens.com

 

4. EL SUBASTADOR

«Coloqué en la cesta del arte todos mis huevos. Lástima que no sean de Fabergé…». Esta es una de las famosas frases pronunciadas por Simon de Pury (Basilea, Suiza, 1951), uno de los mejores subastadores de todas las épocas, a quien ahora podemos conocer mucho mejor gracias a este libro publicado por Turner. En él se desvela el amor de De Pury por las obras de arte, pero también todo un mundo lleno de vidas lujosas, glamour, precios récord, magnates extravagantes y divorcios de primera plana. Subastador de Sotheby’s Europa (donde empezó como recepcionista sin sueldo), conservador de la colección del barón Thyssen (en el libro se cuenta su primer encuentro con Carmen Cervera en Villa Favorita) y, ahora, adicto a Instagram y a las ventas por internet, de Pury es sin duda un personaje que, con sus conocimientos del mercado del arte y su irónica narración, nos puede hacer pasar un rato entretenido este verano.

turnerlibros.com/book/el-subastador

 

5. ADORNO DESIGN

El pasado mes de junio, coincidiendo con la Barcelona Design Week, pudimos conocer, de la mano de Ana Domínguez Siemens, la plataforma Adorno International Design Collaboration. Con sede en Copenhague, Adorno quiere hacerse un hueco en el creciente comercio online de obras de arte y de objetos de diseño de colección. Se trata de una plataforma para diseñadores a la que solo se accede mediante invitación siguiendo los criterios de máxima integridad, exigencia y compromiso en el proceso de selección. Cada Destino Diseño, destinos culturales y cosmopolitas, se presenta en la plataforma a través de obras originales producidas en la ciudad, ediciones limitadas y pequeñas producciones locales que en cada lugar son seleccionadas cuidadosamente por un comisario de reconocido prestigio.

adorno.design

 

6. BRUNCH IN THE PARK

Hasta el 16 de julio, en el Parque de Tierno Galván de Madrid, se puede disfrutar de Brunch in the park, un evento al aire libre y a la luz del día donde se combinan la música electrónica, el baile, la gastronomía para todos los bolsillos y paladares y la posibilidad de acudir con amigos o en familia, ya que Petit Brunch ofrece un amplio abanico de actividades al aire libre para los más pequeños. Consulta la programación de conciertos y talleres infantiles en la web del festival…

madrid.brunch-in.com

 

7. FESTIVAL DE FADO DE MADRID

Caminé, Raquel Tavares y Gisela João son tres de los interpretes de fado más destacados del momento actual y los tres participan estos días en el Festival de Fado de Madrid, que tendrá lugar los días 30 de junio y 1 y 2 de julio en los Teatros del Canal. Pero este festival, como el fado, es mucho más que música; en las artes visuales portuguesas, el fado es objeto de fascinación por parte de sucesivas generaciones de artistas de las diversas disciplinas, motivaciones y restricciones estéticas, ideológicas o simbólicas. Por eso, esta octava edición cuenta con conferencias y talleres que ayudan a entender los misterios del fado; proyecciones de cine en la filmoteca y una exposición representativa del Fado producida por el Museo del Fado y por la EGEAC.

festivalfadomadrid.com

 

8. LOW FESTIVAL

La ciudad deportiva Guillermo Amor de Benidorm es el escenario del Low Festival que, además de un amplio cartel con grandes nombres y variedad musical:  Pixies, Franz Ferdinand, Mando Diao, The Hives, Lori Meyers, !!! (Chk Chk Chk), Dorian, Sidonie, Corizonas, Neuman, La Casa Azul, Xoel López, Anni B Sweet…, ofrece más de 30000 m² de césped para disfrutar cada concierto en tu propia parcela de alfombra verde o en un puf de cara al escenario. Cita indispensable para los más festivaleros, totalmente sostenible y con zonas de relax y de restauración internacional, con opción vegetariana, cerveza para celiacos y sin alcohol… Será los días  28, 29 y 30 de julio.

lowfestival.es

 

9. HOMENAJE A GLORIA FUERTES

Coincidiendo con la celebración, este 2017, del centenario del nacimiento de Gloria Fuertes, Veranos de la Villa propone algunas intervenciones en el barrio de Lavapiés, donde la poetisa vivió su infancia y adolescencia. Será el día 28 de julio en varios espacios como el Parque del Casino de la Reina, el CSC Casino de la Reina o la Corrala Abierta de la calle Mesón de Paredes con Tribulete, donde se llevarán a cabo diferentes actividades en torno a la palabra.

veranosdelavilla.com

 

10. SU MEJOR HISTORIA

El 14 de julio llega a los cines españoles Su mejor historia, una adaptación de la novela de Lissa Evans, ambientada en el Londres de 1940, en plena Segunda Guerra Mundial. Cuenta la vida de Catrin Cole (Gemma Arterton), una ex redactora publicitaria para el Ministerio de Información que es contratada como guionista por una compañía londinense para hacer una película optimista y con un toque femenino, que levante la moral de la población. La cinta está dirigida Lone Scherfig, conocida por títulos como An education (2009), One Day (2011) y The Riot club (2014).

 

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Maudie, el roto y el descosido http://masdearte.com/fuera-de-menu/maudie-el-roto-y-el-descosido/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/maudie-el-roto-y-el-descosido/#comments Thu, 29 Jun 2017 13:26:31 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=163875 Pocas semanas después de que llegara a nuestros cines Paula, la revisión de Christian Schwochow de los esfuerzos de Paula Modershon-Becker por vivir de su creación, la directora irlandesa Aisling Walsh presenta una película dedicada … Leer más

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Maudie, el color de la vida Pocas semanas después de que llegara a nuestros cines Paula, la revisión de Christian Schwochow de los esfuerzos de Paula Modershon-Becker por vivir de su creación, la directora irlandesa Aisling Walsh presenta una película dedicada a otra artista bastantes desconocida por estos lares que podemos considerar casi su antagonista: Maud Dowley (Sally Hawkins), una creadora autodidacta que en principio no sabía que lo era ni pretendía vivir de los pinceles. Bajo su pequeñez y su fragilidad física, causada por una artritis reumatoide, se escondía un talante firme.

Deseosa de escapar de una familia que no dejaba espacio a su libertad y que decidía por ella lo trascendental y lo anecdótico, Maudie, dulce, perseverante, sencilla y sin más ambición que la placidez, decide entrar a trabajar en casa de un pescadero huraño, primitivo en sus modales y en su pensamiento, pero más tierno de lo que está dispuesto a dejar ver (Ethan Hawke). Y con sus pasos hacia delante -callados y tímidos- y sus pasos hacia atrás, su relación va haciéndose fuerte y derivando en la tolerancia y la ternura que, hace unas cuantas décadas, bastaban para hacer posible un matrimonio.

En ese contexto, no especialmente cálido ni amable pero al menos sí pacífico, Maudie caminó muy paulatinamente hacia una mayor libertad individual y fue desplegando, primero en las paredes y luego sobre lienzo, su arte naïf: representaciones dulces y coloristas de un entorno que era frío y no muy pintoresco pero que reservaba para ella su belleza: la vida está ahí fuera, enmarcada, decía. Y llegó el éxito, de forma relativamente lenta y no pretendida, como todo lo bueno que llegó a su vida; pero lo hizo sin vuelta atrás. Su matrimonio se tambaleó, pero finalmente ni los periódicos ni el interés de Nixon pudieron con él, ni con la decisión de la pareja de seguir viviendo en su casa pequeña y aislada, manteniendo sus costumbres austeras.

Sally Hawkins y Ethan Hawke caracterizan perfectamente a esta pareja desigual y sus interpretaciones constituyen lo mejor de esta película junto al reflejo silencioso, más profundo en la gestualidad que en el guion, de sus progresos como pareja y como individuos: Maudie avanzó hacia una mayor seguridad en sí misma -sin cambiar nunca su sonrisa tímida y su mirada dulce con la cabeza gacha- y Everett Lewis, su pescadero rutinario, hacia la expresión de los propios sentimientos.

Podría haber sido un melodrama cómodo, pero el peso emocional que Aisling Walsh ha sabido conceder a los momentos cotidianos de esta pareja, la riqueza de la personalidad de los protagonistas, las dificultades de su convivencia y la contención general evitan que Maudie, el color de la vida se haya deslizado hacia el tópico.

 

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Patrocinio y mecenazgo, diferencias y porqués http://masdearte.com/fuera-de-menu/patrocinio-y-mecenazgo-diferencias-y-porques/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/patrocinio-y-mecenazgo-diferencias-y-porques/#comments Tue, 27 Jun 2017 15:22:16 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=163790 Cuando decimos que los poderes públicos han de fomentar determinadas actividades de particulares que presenten un marcado interés público entendemos por fomentar el incentivarlas o cooperar con ellas cuando ese interés público que presentan no … Leer más

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Cuando decimos que los poderes públicos han de fomentar determinadas actividades de particulares que presenten un marcado interés público entendemos por fomentar el incentivarlas o cooperar con ellas cuando ese interés público que presentan no llega al extremo de que pueda considerarse “servicio público” y tenga que ser asumido por la Administración. De esta manera, el fomento persigue motivar a los particulares en el ejercicio de ciertas actividades mediante la puesta en marcha de mecanismos e instrumentos variados (subvenciones, desgravaciones fiscales, concesión de distinciones…).

En el ámbito del patrimonio histórico, la necesidad de establecer medidas de fomento de la actividad de los particulares por parte de la Administración se enmarca en los pilares básicos del régimen jurídico de este patrimonio (protección, acrecentamiento, transmisión). Una adecuada política de protección y conservación ha de contar con la colaboración de los particulares, por eso la Ley 16/1985 de Patrimonio Histórico Español justifica el conjunto de beneficios fiscales arbitrados en este sentido en el “fomento del cumplimiento de los deberes y en compensación de las cargas” establecidas en la propia Ley.

En muchos casos, patrocinio y mecenazgo se complementan como herramientas de comunicación, marketing y publicidad dentro de la estrategia global de algunas empresas

Los beneficios que se establecen en la normativa española constituyen los exponentes típicos de las medidas de fomento y aparecen como una forma de compensación, ya que la titularidad de derechos sobre un bien que forme parte del Patrimonio Histórico Español lleva implícito el cumplimiento de los deberes básicos de conservación, mantenimiento y custodia, que conllevan el desembolso de cantidades importantes.

Por otro lado, a diferencia de las medidas de fomento, que se establecen a favor de los titulares de bienes del patrimonio histórico, los incentivos al mecenazgo se articulan a favor de personas e instituciones que, de manera altruista, contribuyen con sus donaciones a la conservación, acrecentamiento y difusión de ese patrimonio. Hay que destacar el papel que desempeñan las fundaciones y diversas asociaciones, algunas creadas por empresas, que colaboran con el Estado en la realización de actividades de interés general a favor del patrimonio.

El patrocinio se diferencia del mecenazgo en que quien lo ejerce no desarrolla una colaboración desinteresada, pues no existe en su caso un pleno animus donandi, sino que busca como contrapartida la difusión pública de su actividad en determinadas actividades para obtener un beneficio indirecto a través del rédito publicitario y de imagen para su institución.

En muchos casos patrocinio y mecenazgo se complementan como herramientas de comunicación, marketing y publicidad dentro de la estrategia global de algunas empresas.

Los patrocinios de BP son controvertidos por la imagen de la empresa. Entre los que aún mantiene, el del BP Portrait Award

Los patrocinios de BP son controvertidos por la imagen de la empresa. Entre los que aún mantiene, el del BP Portrait Award

EL PATROCINIO Y LO TANGIBLE
Desde un punto de vista empresarial, no obstante, a veces no queda muy clara la diferenciación entre patrocinio y mecenazgo. Suelen distinguirse más bien teniendo en cuenta el plano del beneficio comercial: si las acciones de patrocinio se centran en productos tangibles, el mecenazgo se realiza sobre productos o servicios más intangibles, dirigiéndose al terreno de la cultura, el arte o la salud.

El patrocinio habitualmente pretende satisfacer un doble objetivo: un rendimiento comercial y otro de imagen. Su gestión debe regirse en torno a cuatro pasos básicos: establecimiento de criterios generales, concreción de las condiciones exigibles al objeto de patrocinio, adopción de una estrategia y apoyo al patrocinio a través de acciones de comunicación.

Entre los objetivos del patrocinio se encuentra construir una imagen de marca asociada a ciertos valores que simbolicen la actividad objeto del patrocinio. Hay otros secundarios: la revalorización de un producto, la motivación de la fuerza de ventas, la aceptación social, el cambio de un estado de opinión, la obtención de cobertura informativa, etc. La rentabilidad y utilidad del patrocinio dependerá del acierto en la elección de lo que se patrocina y del público al que se dirija, pero la clave del éxito es seguramente lograr que se asocie la imagen del patrocinador a las cualidades o beneficios de lo patrocinado.

Para que los medios proyecten una imagen positiva de la empresa patrocinadora son necesarias cuatro acciones comunicativas: un programa específico de relaciones con la prensa, uno de acciones de relaciones públicas que desarrollen un clima adecuado para la consecución del programa de patrocinio, una campaña de publicidad dirigida a sensibilizar al público a favor de la iniciativa y el desarrollo de un programa de comunicación interna que facilite la cohesión del personal de la empresa en torno al objeto del patrocinio.

La última fase del patrocinio es la evaluación de sus resultados en relación al grado de cumplimiento de los objetivos iniciales, el mantenimiento de los efectos en el tiempo y la extensión espacial de los mismos.

El patrocinio no se incentiva al no ser altruista el interés del patrocinador, que apoya actividades buscando un beneficio de marca

MECENAZGO Y FILANTROPÍA

A diferencia del patrocinio, el mecenazgo designa un sostén financiero o material aportado a una obra o persona para el ejercicio de actividades de interés general sin contrapartida directa por parte del beneficiario. Podría definirse como la protección altruista dada a las artes o la cultura sin recibir nada a cambio y, si tenéis curiosidad, sabed que su nombre procede del rico ciudadano romano Caius Cilnius Maecenas, que en tiempos del emperador Augusto apoyó a escritores y artistas.

Aunque debamos destacar su desinterés (por su audiencia limitada, su carácter menos popular y sus efectos a largo plazo), el mecenazgo sí aporta algo a quien lo ejerce, al margen de la propia satisfacción: transmite una imagen de compromiso social, sea con las artes, las acciones humanitarias o las científicas.

Si su origen se retrotrae a la Roma clásica, su presente, ya sabéis, pasa por las fundaciones creadas al efecto y por las redes (crowdfunding).

La Fundación Barrié financia el Programa Catedral de Santiago con más de 6 millones de euros

La Fundación Barrié financia el Programa Catedral de Santiago con más de 6 millones de euros

LOS INCENTIVOS FISCALES AL MECENAZGO

Para fomentar y favorecer las aportaciones altruistas de empresas, fundaciones y particulares en actividades y fines culturales, los Estados suelen ofrecer beneficios fiscales, en este caso mayores por el carácter filantrópico y más o menos desinteresado de las aportaciones, porque no se realizan en bienes propios. Esos beneficios adoptan normalmente la forma de deducción de un porcentaje del donativo.

El patrocinio no se incentiva al no ser altruista el interés del patrocinador, que apoya actividades buscando un beneficio de marca.

En España, a fines del 2002, se promulgó una Ley de Fundaciones y paralelamente una nueva Ley de régimen fiscal de las entidades sin fines lucrativos y de los incentivos fiscales al mecenazgo que sustituyó a la anterior, de 1994. Su objetivo era, según su texto, incentivar la colaboración particular sin ánimo de lucro en actividades de interés general, reconociendo el papel cada vez más relevante del sector privado en esta tarea. Esta ley incorporaba avances respecto a la anterior, aunque, según algunos expertos, no las suficientes desde el punto de vista de la protección del patrimonio histórico.

Se estableció un régimen especial de tributación para entidades sin fines lucrativos. En ciertos casos, están exentas de tributación en el Impuesto de Sociedades y se les aplica un tipo impositivo beneficioso, del 10% frente al 25-30% habitual. Entre las rentas exentas figuran las procedentes de explotaciones relacionadas con el patrimonio histórico.

También cuentan con un régimen especial de tributación en el Impuesto de Bienes Inmuebles, el de Actividades Económicas o el de Incremento de Valor de los Terrenos de Naturaleza Urbana.

Los donantes se benefician de deducciones en dos casos: donaciones de bienes que integren el Patrimonio Histórico Español y estén inscritos en el Registro general de bienes de interés cultural o incluidos en el Inventario general al que se refiere la Ley 16/1985, y donaciones de bienes culturales de calidad garantizada en favor de entidades que persigan entre sus fines la realización de actividades museísticas y el momento y difusión del patrimonio.

La Junta de Calificación, Valoración y Exportación determina que donaciones se ajustan a estos criterios.

Las deducciones se efectúan en el IRPF: según la modificación de la Ley 27/2014, se deduce en la cuota un 75% del valor de la donación en los primeros 150 euros y un 30% en el resto de la donación, o un 35% si esta se realiza por tercera vez. En el caso del Impuesto de Sociedades, la deducción en cuota es del 35% (del 40 el tercer año).

La Disposición Adicional Decimoséptima de la Ley de Presupuestos de 2008 actualizó el mecenazgo de prioritario incentivo: el orientado a la conservación, restauración y rehabilitación mejora en cinco puntos porcentuales los tipos de deducción de los que hemos hablado.

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La vida de Anna o cómo no torcerse cuando vienen curvas http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-vida-de-anna-nino-basilia/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-vida-de-anna-nino-basilia/#comments Tue, 20 Jun 2017 16:45:09 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=163590 De Europa del Este nos viene llegando en los últimos años un cine de realismo social austero en las formas, directo en el lenguaje y bien denso y atrevido en los contenidos: Rumanía venía despuntando … Leer más

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La vida de AnnaDe Europa del Este nos viene llegando en los últimos años un cine de realismo social austero en las formas, directo en el lenguaje y bien denso y atrevido en los contenidos: Rumanía venía despuntando con fuerza gracias a Cristian Mungiu, Calin Peter o Corneliu Porumboiu. Desde el otro lado del mar Negro, desde Georgia, recibimos ahora la primera película de la directora Nino Basilia: La vida de Anna, un depurado y soberbio ensayo sobre las dificultades de mantener la ética y la estética cuando la vida se empeña en no ponernos nada fácil, en empinarse cada vez más un día detrás de otro.

Anna es una joven cualquiera que parece sometida al reto del santo Job. Huérfana, se encarga de cuidar a su abuela con síntomas de demencia y a un hijo autista del que su padre ha evadido responsabilidades porque dice no ser capaz de mirarlo. Su trabajo fregando platos y limpiando casas apenas le permite llegar a fin de mes y ella sueña con escapar de sus circunstancias-cárcel emigrando a Estados Unidos. Pero si su día a día es un castigo, el deseo de marcharse se los traerá mayores: sin rozar la avaricia, rompió el saco.

En el camino de su desdicha, Anna trata de mantenerse íntegra sin sucumbir al dinero fácil, al robo fácil también, y a las dádivas con trampa, y rebelándose contra un sistema de ayudas sociales que exige la indigencia extrema para tener derecho a cierta protección. Pero la cadena de maltratos de la vida de los que Anna es víctima tiene inevitablemente consecuencias y quien se cobra su precio es el pretendiente de ella, siempre a la puerta de su casa para recibir su desprecio o su crueldad y para hacer lo que Anna le pide. Apenas escuchamos su voz, pero él viene a recordar al espectador, como el pobre que llama a su puerta para recibir lo que caiga con una excusa distinta cada vez, que siempre hay quien recoge las hojas que otro arrojó, que la desgracia de esta mujer es incontestable pero que aún las hay peores. Cada una con sus consecuencias, las emocionales y las materiales, porque ambas le interesa a Basilia que sean retratadas.

Las aristas de la vida de Anna, luchadora constante por seguir adelante, madre y nieta paciente las más de las veces y maltratadora psicológica ocasional; los gestos vergonzosos de su ex pareja por limpiar su conciencia, el reflejo de las trampas de las mafias de la inmigración y, en general, del abuso infligido al pobre por quien cree que todo se compra con dinero hacen de esta ópera prima un filme sabio que deja entrever con bastante nitidez que cualquier transformación social pendiente debe conllevar una transformación ética.

Hay mucho de humanista y de contundente en esta película, en la que no sale nunca el sol y casi todos optan por la supervivencia a cualquier precio, hasta que acaba con un rayo de esperanza.

 

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Compra menos, escoge bien y hazlo durar http://masdearte.com/fuera-de-menu/compra-menos-escoge-bien-y-hazlo-durar/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/compra-menos-escoge-bien-y-hazlo-durar/#comments Tue, 13 Jun 2017 13:13:45 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=109944 Seguramente nunca la ecología ha sido tan necesaria, por eso crecen las voces que demandan que el consumo lógico de moda sostenible no sea tendencia, sino simplemente un ejercicio de sentido común. Se calcula que … Leer más

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Seguramente nunca la ecología ha sido tan necesaria, por eso crecen las voces que demandan que el consumo lógico de moda sostenible no sea tendencia, sino simplemente un ejercicio de sentido común. Se calcula que la moda ética viene creciendo a un ritmo de un 30% anual, y tras varios años haciendo oídos sordos, la mayoría de las empresas están tomando nota. Una señal (otra más) de que los consumidores tenemos mayor poder, a través de lo que compramos, del que creemos y del que hemos descubierto.

HM Conscious

HM Conscious

Es posible que lo que compramos y la frecuencia en la que lo hacemos cambiase si, además de pensar en el producto que adquirimos, reflexionásemos sobre el proceso del que es fruto: distribución, embalaje, confección, corte, tintado, selección o cultivo de materias primas…y en el impacto medioambiental que esos pasos ocasionan.

Cuando Katherine Hamnett, pionera de la moda ecológica en Gran Bretaña, inició a finales de los ochenta sus estudios sobre el impacto de la industria textil en la naturaleza, comprobó las consecuencias sociales y medioambientales del cultivo masivo del algodón, lo que cambió su forma de hacer ropa para siempre. Al principio se rechazaron sus ideas por radicales, no logró el compromiso de las empresas con las que trabajaba y tuvo que dejar de producir, pero en 2004 retomó su labor, controlando el proceso para que todos los peldaños de su cadena de abastecimiento fueran respetuosos con la naturaleza y se pagase justamente a los trabajadores de comunidades africanas que producen sus fibras naturales. El resultado llegó a largo plazo: logró posicionarse como experta en manufactura ética, medioambiental y sostenible.

Según estudios recientes, a la mitad de los británicos les preocupa el impacto medioambiental de lo que compran; al 85% la explotación laboral y al 95% el trabajo infantil; queda por analizar hasta qué punto esos datos inciden en la cuota de mercado de las firmas. Además, diversas firmas están logrando que los productos ecológicos y éticos o de comercio justo, a los que asociamos una imagen tradicionalmente menos lograda que al resto, sean muy deseables.

En 2005 Bono y su mujer pusieron en marcha Erdun, firma ecológica y de comercio justo que trabaja con comunidades de Perú, Tunez, India, Kenia, Uganda o Madagascar, entre otros países, con precios desde 30 a 400 euros. La firma Sans trabaja con soja, algodón orgánico y seda salvaje en prendas modernas y apetecibles; compra tejidos en siete países y recicla materiales, y Osklen, Noir o Lutz & Patmos han cultivado el lujo ecológico.

Como es bien conocido, Stella McCartney no usa pieles ni cuero, sí algodón orgánico, e intenta que sus materiales sean lo más naturales posible. También creó la primera línea cosmética de lujo. Por su parte, People Tree logró pasar a la historia como la primera marca de comercio justo que accede al mercado masivo (vende en Oxford Street).

En la red, la moda verde se extiende con más facilidad y paralelamente organizaciones como Intermón Oxfam, Ideas, Greenpeace o Ecología y desarrollo trabajan por integrar criterios de sostenibilidad en el sector textil. También existen líneas ecológicas en firmas de yoyería, lencería y accesorios.

Cada vez son más las líneas de gran consumo que trabajan con algodón orgánico o lanzan líneas en esta fibra. Según Hamnett, este material cuenta con enormes ventajas sociales porque se calcula que unas 20.000 personas mueren al año por intoxicaciones accidentales producidas por pesticidas en la producción convencional. Es importante que este tipo de artículos lleven certificados de organizaciones internacionales que garanticen su origen y certifiquen que, verdaderamente, son prendas libres de tóxicos.

Kenzo. No fish, no nothing

Kenzo. No fish, no nothing

En 2006, Greenpeace involucró a las marcas en la campaña Moda sin tóxicos, que demandaba la aprobación de una ley que hiciera responsable a la industria química de sus sustancias y controlar las que afecten a la salud y al planeta. Entonces aceptaron el reto de diseñar ropa sin tóxicos Agatha Ruiz de la Prada. Ion Fiz, Carlos Díez, David Delfín, Carmen March…

Inditex analizó sus tejidos y buscó otros similares libres de tóxicos, demostrando que la sustitución es viable, y Mango y Camper acordaron con Greenpeace trabajar para hacer esa sustitución también. En junio de 2007 entró en vigor una nueva legislación europea sobre sustancias químicas que no incorporaba todas las demandas que las asociaciones ecologistas realizaban pero sí suponía un avance respecto a la ley anterior (con más de cuatro décadas de vigencia) y recomendaba a las empresas trabajar sin tóxicos.

¿CUÁNDO PODEMOS DECIR QUE UNA FIRMA ES ECOLÓGICA?
Cuando en toda su cadena de abastecimiento se respeta el medio ambiente, reciclando, sustituyendo tóxicos, usando sustancias biodegradables cuando sea posible y cultivando sin pesticidas. El comercio ético garantiza, además, que se respetan los derechos de los trabajadores en cada peldaño de la cadena y el comercio justo va más allá: los comerciantes se asocian con productores en países del Tercer Mundo para lograr el desarrollo (sostenible) de sus comunidades desfavorecidas.

Con un intercambio comercial justo, ponen comida en las mesas y permiten que vivan y trabajen con dignidad.

¿QUÉ PODEMOS HACER INDIVIDUALMENTE?
Tomar conciencia del problema, para que la industria también lo haga. Si nos mantenemos alerta ante estas cuestiones y evitamos comprar en las firmas que sabemos que no tienen voluntad de cambio, la industria tomará nota.

Evitar el consumo absurdo. Implica un gasto energético y en materias primas muy grande y fácilmente controlable. Es preferible comprar poco y bien, lo que necesitemos y deseemos, pero con cabeza.

Comprar orgánico, de comercio justo y ético, siempre que tengamos la alternativa. Aunque ahora sea un poco más caro, con el tiempo y el crecimiento de los consumidores estas prendas se harán más asequibles y entrarán con más empuje en el mercado masivo.

Lavar las prendas en frío con la lavadora cargada (cuando sea posible) y secar de forma natural, para ahorrar energía.

Reciclar la ropa. Según algunas encuestas, consumimos el doble de kilos anuales de ropa que hace diez años. Tal volumen genera un importante problema de residuos.

Si eres un joven diseñador con preocupaciones ecológicas, investigar materias primas y procesos y familiarizarte con las certificaciones medioambientales y su significado.

Apoyar lo artesanal y las formas de producción con menor impacto medioambiental.

 

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Paula: recuerdo artístico, reivindicación social http://masdearte.com/fuera-de-menu/paula-modersohn-becker-christian-schwochow/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/paula-modersohn-becker-christian-schwochow/#comments Fri, 09 Jun 2017 14:26:25 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=163336 ¿Habíais oído hablar de Paula Modershon-Becker, o Paula Becker a secas? Aunque el estilo de esta pintora alemana recoja múltiples influencias, fruto del tiempo que pasó en París, podemos considerarla expresionista precoz, y cuenta con … Leer más

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Paula. Christian Schwochow¿Habíais oído hablar de Paula Modershon-Becker, o Paula Becker a secas? Aunque el estilo de esta pintora alemana recoja múltiples influencias, fruto del tiempo que pasó en París, podemos considerarla expresionista precoz, y cuenta con museo propio en Bremen, aunque no es demasiado conocida fuera de su país.

Al menos hasta la llegada de Paula, de Christian Schwochow (Al otro lado del muro), una película que rastrea la fase final de su breve vida: la transcurrida desde su formación en la colonia artística de Worpswede y el descubrimiento de que sus intereses creativos se alejaban bastante del gusto dominante, hasta su muerte, con solo 31 años, cuando comenzaba a ser respaldada por su entorno y acababa de dar a luz.

La historia de Paula es la de un esfuerzo ímprobo: el de poder pintar y vivir como quería de una artista que, además, tampoco renunciaba a que su obra gustase y a poder vivir de ella. Y todo esto, que ya requiere infinitos sudores hoy, en la primera década del s XX, cuando el propio artista encargado de enseñarle a pintar – con exactitud y fidelidad – podía cortarle paralelamente las alas diciéndole que como mujer no podía producir nada creativo, más allá de hijos.

En la película, Schwochow integra la reivindicación social y la creativa de Paula como mujer y Paula como artista, hasta hacerlas indisociables. Nos muestra en paralelo su lucha por consolidar su estilo personal, el sencillo, el que invitaba a los expresionistas a pintar no lo que veían sino lo que sentían; y la evolución de su matrimonio, ante el difícil encaje de sus deseos de libertad con el carácter más tradicional de su marido, el también pintor Otto Modershon.

Aunque si por algo destaca Paula es por la captación de los ambientes bohemios parisinos que frecuentó Becker cuando acudió a formarse en París, con la compañía de su gran amiga Clara Westhoff, que fue pareja de Rilke, otro apoyo para la artista en Francia. La fotografía de la película, tanto en sus paisajes bucólicos como en los interiores de aire enfermizo de París, tiene mucho de pictórica, y la vitalidad que el filme transmite, incluso en los momentos más bajos de Paula, recuerda en todo momento que esa vida convulsa y llena de retos era la de una mujer osada que rondaba los treinta. Aquí hay más sentimiento que guion.

La obra de Schwochow es una invitación para conocer mejor su trabajo, porque, como ocurre con el filme de Marie Noëlle sobre Marie Curie, la defensa de la creatividad y el esfuerzo femeninos en entornos hostiles y lo sentimental ganan en protagonismo a la labor en sí de la científica y la pintora, que se apunta con más profundidad, no obstante, en el caso de Paula. Esta es la web de su Fundación: www.pmb-stiftung.de

Paula. Christian Schwochow

 

 

 

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De la ópera decimonónica al estadio: la democratización de los espacios musicales http://masdearte.com/fuera-de-menu/de-la-opera-decimononica-al-estadio-la-democratizacion-de-los-espacios-musicales/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/de-la-opera-decimononica-al-estadio-la-democratizacion-de-los-espacios-musicales/#comments Thu, 08 Jun 2017 13:30:41 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=163284 Mirando la cuestión desde el punto de vista actual, podríamos entender que, en la segunda mitad del s. XIX, la estructura y el funcionamiento del Palacio Garnier, la sede de la ópera de París, eran … Leer más

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Palacio Garnier. Ópera de París

Palacio Garnier. Ópera de París, 1861

Mirando la cuestión desde el punto de vista actual, podríamos entender que, en la segunda mitad del s. XIX, la estructura y el funcionamiento del Palacio Garnier, la sede de la ópera de París, eran profundamente arcaicos. A quienes adquirían las entradas más baratas ni siquiera se les permitía acceder por la puerta principal o subir por la escalera, sino que tenían que usar las puertas laterales, y debían mantenerse a considerable distancia de quienes habían comprado las caras. Además, su proyecto original preveía un inmenso pabellón para uso exclusivo de Napoleón III, junto con una entrada reservada al carruaje imperial con mucho espacio para guardaespaldas.

Pero cuando este palacio se construyó, en el verano de 1861, no era ni mucho menos tan obvio que esta clase de teatro de ópera tuviese los días contados, por más que en paralelo Wagner defendiera el acceso popular a la música y que las clases medias se encontraran en crecimiento. Los que se levantaron en todo el mundo en esa segunda mitad del s XIX (Buenos Aires, San Petersburgo, Viena, Praga, Budapest, Manaos, Río de Janeiro…) se parecen bastante al de París y estaban fundamentalmente diseñados para que la alta sociedad se reuniera en lugares agradables y disfrutara de una forma de arte considerada elitista y un signo de distinción cultural. La idea de acudir a estos espacios pensando participar de un acto revolucionario en el sentido wagneriano era inexistente, y a esa experiencia enlatada contribuía la reducción paulatina del repertorio operístico representado, reducido en esa época a unas 120 obras, todas de compositores fallecidos. En los más de veinte años que Rudolf Bing estuvo al frente de la ópera del Metropolitan de Nueva York solo pudo estrenar tres piezas, y llegó a decir: Somos como un museo, mi función es presentar viejas obras maestras en marcos contemporáneos.

El Teatro de Bayreuth, aunque pareciese mirar más hacia el futuro, tampoco era tan diferente a ellos como a primera vista parece. La intención original de Wagner era que su entrada fuera gratuita, pero aquel idealismo chocó, como siempre, con cuestiones financieras, y cuando el músico dependió del público de pago y de Luis II para sacar el proyecto de este teatro a flote, los asistentes a él empezaron a parecerse a los del resto de Europa (quizá su gusto fuese algo más refinado unas veces, más resistente otras).

Teatro de Bayreuth, 1876

Teatro de Bayreuth, 1876

Dice George Bernard Shaw que el éxito que cosechó la primera edición del Festival de Bayreuth desanimó a Wagner, que con él había intentado escapar a los condicionantes comerciales y sociales habituales en las empresas teatrales, poniendo la música al alcance del pueblo llano.

Un espacio más prometedor, en lo que a alcance social se refiere, que las óperas, eran las salas de conciertos. Durante el s. XVIII eran programados y disfrutados por las capas altas, y aquella exclusividad no fue fácil de vencer. Los mejores conciertos de París se celebraban en el Conservatoire, una de las (escasas) creaciones culturales de la Revolución Francesa. Su acústica y su orquesta eran excelentes, y allí Habeneck demostró la fuerza de las sinfonías de Beethoven: en los treinta años que siguieron a su muerte se programaron en 280 ocasiones, cifra infinitamente superior a las que se pudieron escuchar aquí las obras de Haydn o Mozart.

Los conciertos del Conservatoire lograron fama mundial, sedujeron al propio Wagner y elevaron, tanto el nivel de la música interpretada, como el de su repercusión, pues aquí, según el crítico Joseph Ortigue se reunían “los escritores, los pintores y todos los artistas serios”. La sacralización de la música llegó a un nivel nunca visto; Hermione Quinet llegó a señalar que se le olvidaba que esto no era una iglesia y que los músicos no eran del seminario.

Pero… el disfrute también era complicado: por razones de aforo, solo mil personas podían acceder a los conciertos y la demanda superaba a la oferta hasta el punto de que las entradas se agotaban con meses de antelación.

En Gran Bretaña, el panorama de conciertos cayó tras la última visita de Haydn y la fundación de la Philarmonic Society, en 1813, supuso un raro destello de luz. Su actividad atrajo a Weber o Mendelsohn, pero las funciones acusaban la falta de tiempo suficiente para los ensayos y también de un director. Además, el precio elevado de las entradas limitaba el acceso a la clase media-alta. Los aristócratas que habían respaldado económicamente a Haydn en la década de 1790 prefirieron retirarse a sus salones, donde recitales y conciertos privados quedaban a salvo del público general. The Concert of Ancient Music declinó y en su lugar florecieron los conciertos abiertamente populares concebidos para el gusto de las clases medias y organizados por empresarios que buscaban hacer negocio. Uno de ellos, de los más afortunados gracias a su talento para leer el signo de los tiempos, fue Louis Jullien, llegado de Francia.

Cirque d´ Hiver (anterior Cirque Napoléon), 1852

Cirque d´ Hiver (anterior Cirque Napoléon), 1852

Este modelo de conciertos se desarrolló mucho en las décadas de los setenta y los ochenta del s. XIX, tanto en Londres como en París. En la capital francesa, Jules Étienne Pasdeloup organizó una serie de conciertos populares de música clásica en el Cirque Napoléon (hoy Cirque d´ Hiver). Como este escenario tenía una capacidad de 5000 personas, podía permitirse cobrar un bajo precio de entrada -cincuenta céntimos-, con lo que atrajo también a la clase trabajadora.

Sin embargo, el nivel musical de sus programas superaba al de Londres: tenía predilección por compositores del momento como Berlioz, Tchaikovsky, Bizet, Schumann o Massenet, pero lo más impresionante fue su dedicación a la música de Wagner, incluso después de que la guerra franco-prusiana volviese controvertida la obra de todos los artistas alemanes.

Los achaques y la competencia obligaron a Pasdeloup a retirarse en 1884, pero para entonces ya había cosechado imitadores en Nantes, Lyon, Burdeos o Marsella.

Los espacios más amplios implicaban orquestas más grandes, públicos nutridos, bajos precios y diversidad social, y las implicaciones democráticas de los conciertos abiertos no se pasaron por alto. Sabemos que antes de su mayor expansión, en 1856, un corresponsal de Frankfurt am Main ya afeó su conducta a un pianista que había reservado para miembros de la nobleza la primera fila en uno de sus conciertos: En una ciudad libre como la nuestra, no estamos acostumbrados a este tipo de cosas (…) Todas las clases son iguales, porque todas han pagado la entrada, y solo puede enviarse al fondo a los que lleguen tarde.

Otro espacio esencial para la interpretación de obras musicales, el salón de baile, siguió una trayectoria similar.

Específicamente para la clase trabajadora, progresivamente más numerosa y con una jornada laboral más reducida, nacieron los music hall, que tuvieron su origen en salas sencillas y semiprofesionales y que se convertirían en la forma predominante de entretenimiento popular en las ciudades durante una generación entera. Charles Morton fue uno de los pioneros al demoler la bolera de su taberna en Lambeth, The Old Canterbury Arms, en 1852, y construir en su lugar un music hall cuya entrada valía seis peniques. El modelo se repitió en muchas ciudades pequeñas y también en Londres, que en 1860 tenía unos treinta music halls y varios centenares de salas más pequeñas.

No eran lugar para sutilezas armónicas: cobijaban una oferta musical diversa, desde extractos de ópera hasta baladas de salón, parodias y canciones populares. Entre los cientos de miles de personas que acudían en tropel a ellos a fines del s. XIX había también un buen número de miembros de las clases altas, amantes de frecuentar los suburbios, que solían ocupar las localidades más costosas.

No obstante, conforme el s XIX tocaba a su fin en Inglaterra, la estratificación del consumo musical se consumaba: las clases altas acudían a la ópera, las medias a conciertos orquestales o a las mejores plazas de los music halls y las bajas a sus gallineros. La tónica era parecida en todos los países industrializados.

La revolución la trajo el cine, el medio de entretenimiento favorito de todas las clases sociales superados sus inicios modestos. Su aparición supuso una oportunidad para la música: todos los filmes proyectados en los cines antes de 1927 eran mudos y necesitaban un acompañamiento musical para crear las atmósferas adecuadas. La aparición del sonoro trajo problemas para la industria, pero parcialmente se compensaron gracias al amor del público por el género musical y su atención a las bandas sonoras.

Quizá hoy nuestras catedrales a efectos musicales, espacios abiertos a todos, sean los estadios: en tres siglos hemos pasado de escuchar la Missa San Carlo de Fux en la Karlskirche vienesa a oír Angels, de Robbie Williams, en Knebwurth. Ello ha sido posible gracias a la interacción de una compleja red de innovaciones tecnológicas que han transformado tanto la música como sus lugares. Y esta ya es otra historia.

 

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Las confesiones: la parábola del escuchante de trinos http://masdearte.com/fuera-de-menu/las-confesiones-la-parabola-del-escuchante-de-trinos/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/las-confesiones-la-parabola-del-escuchante-de-trinos/#comments Tue, 06 Jun 2017 13:05:16 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=163196 Hace justo tres primaveras Roberto Andó, contando ya con Toni Servillo, apuntaba con tirachinas a los ídolos de barro y a los tejemanes políticos, sobre todo los ligados a la imagen, en Viva la libertá, … Leer más

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Las confesionesHace justo tres primaveras Roberto Andó, contando ya con Toni Servillo, apuntaba con tirachinas a los ídolos de barro y a los tejemanes políticos, sobre todo los ligados a la imagen, en Viva la libertá, que era también una película de más largo alcance sobre la posibilidad y la necesidad de vivir como uno quiere frente al encorsetamiento.

Si en aquella película convertía a Servillo en un político italiano y su filósofo gemelo, en Las confesiones también le ha colocado ante un reto a su expresividad: esta vez interpreta, con su rostro expresivo que sugiere resignación y ausencia de deseos, a Roberto Salus, un monje cartujo sorpresivamente invitado a la cumbre del G-8 junto a una escritora de cuentos infantiles de éxito y un cantante de corte activista.

Esta película tiene tanto de thriller, en el desarrollo, como de parábola en su lectura, y el guion es su mejor baza, junto a la interpretación de Servillo y una fotografía con instantes muy inspirados. Juega Andó con nuestra psicología, con la confianza o sospecha que Salus nos inspire después de tener noticia de que uno de los mandamases, que le pidió confesión, murió justo después de que el monje saliera por la puerta de su habitación.

El filme reconstruye, en flashback y con buen ritmo, cómo fue aquella confesión (confesión a medias) mientras nos avanza el desarrollo de las investigaciones en torno al muerto y el cartujo, investigaciones paralelas a la tercera rama de la trama, bien urdida y compleja: las negociaciones políticas para alcanzar un acuerdo del que el espectador no conoce más detalles que su gravedad para la sociedad y su carácter poco solidario.

La mirada crítica y muy dura hacia los participantes en la cumbre parte del propio Andó -que solo salva, hasta cierto punto, de la quema, a la primera ministra de Canadá- porque la mirada de Salus es más curiosa y comprensiva que juzgadora. De hecho, posiblemente si el director hubiese buscado transmitirnos credibilidad hubiera optado por hacer de los políticos reunidos personajes más redondos, con aristas positivas; el hecho de convertirlos en fariseos con escasa voluntad para resistirse a tentaciones y a la pereza nos sitúa ante una especie de parábola actual -de corte satírico, eso sí- en la que un Servillo, sospechoso, bondadoso y hacedor de milagros como Jesucristo coloca a los más poderosos pecadores en un bajo lugar sin más instrumento que su mirada y su propia inocencia.

La austeridad de la estética es solo aparente, porque espacios, paisajes y desapariciones sirven a un barroquismo que adorna el mensaje de Andó pero nunca lo oculta. Se nota el origen teatral del director.

Las confesiones

 

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Maggie O´ Farrell: lo que aparece cuando desaparecen http://masdearte.com/fuera-de-menu/maggie-o-farrell-lo-que-aparece-cuando-desaparecen/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/maggie-o-farrell-lo-que-aparece-cuando-desaparecen/#comments Thu, 01 Jun 2017 17:52:57 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=162990 ¿Recordáis Agosto, la película y obra teatral basada en un texto de Tracy Letts en el que la desaparición, y después muerte, de un padre de familia despertaba un magma de discusiones y de verdades … Leer más

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Maggie O´ Farrell. La extraña desaparición de Esme Lennox¿Recordáis Agosto, la película y obra teatral basada en un texto de Tracy Letts en el que la desaparición, y después muerte, de un padre de familia despertaba un magma de discusiones y de verdades dichas a gritos?

Los tres libros de la escritora escocesa Maggie O´Farrell que hasta ahora se han traducido al castellano también vertebran su trama en desapariciones y en la complejidad de cualquier familia, y tienen en común su fondo tierno, tanto como inquietante. Es obvio que responden a intereses constantes de la autora, pero pese a su relación evidente no podemos decir que se trate de un tema con variaciones al modo musical sino de narraciones sólidas y con entidad propia, tan redondas como sus personajes: ninguno de ellos es plano y cada uno esconde sus secretos. Ella va desvelándolos muy poco a poco, jugando con los tiempos y con nuestra intriga.

Las dos primeras novelas en llegar a nuestro idioma las editó Salamandra y fueron La extraña desaparición de Esme Lennox e Instrucciones para una ola de calor. En la primera quien se daba a la fuga era la misteriosa tía Esme, tras más de seis décadas internada en un psiquiátrico. Nada sabía de ella Iris, su sobrina, encargada ahora de encontrarla y también de desvelar las terribles razones de su internamiento desde los dieciséis, y sobre todo, las del silencio familiar. Se trataba de una novela breve pero densa, porque se adentraba en las terribles consecuencias que puede causar el cumplimiento rígido de las convenciones sociales, en el entorno teóricamente cálido de la familia, para quien se sale de la norma. Esta es una historia dolorosa y salvaje sobre lo que pesan los recuerdos, los efectos violentos de la indiferencia familiar y lo cara que puede pagarse, en según qué ambientes, una mínima libertad. Aquí ya daba cuenta O´Farrell de un estilo narrativo basado en el manejo ágil de los tiempos que ha culminado en el más difícil todavía de su último libro.

Nos da por pensar que, si viviese hoy, Irène Némirovsky podría haber narrado, a su manera, una historia parecida.

En Instrucciones para una ola de calor quien salía de casa (teóricamente a comprar la prensa) y no regresaba era Robert Riordan. Nos presentó otro drama familiar contado a ritmo de thriller en el que, al principio, casi nada es lo que parece. La clave para encontrar a Riordan, la llave, la posee de nuevo su propia familia, que guarda secretos macerados con el paso de los años, de silencios y elipsis, hasta que una canícula exasperante los hace brotar.

Maggie O´ Farrell. Tiene que ser aquíEl tesoro informativo lo retiene la madre, pero en torno a su misterio y al de la propia desaparición afloran en cascada problemas matrimoniales, odios hacia la madrastra, desencantos con la vida laboral y dudas sobre hasta dónde hablar, comprometerse o hasta dónde ceder. Todas ellos han madurado, como sabe señalar sin obviedades la escritora, a partir de la incomunicación mantenida en el tiempo. Además esta novela apuntaba, quizá con mayor claridad que las otras dos, a cuestiones generacionales: al modo de enfrentarse a los problemas de una quinta cuyo comportamiento ya no obedece, al menos de forma estricta, a patrones ni rígidos ni religiosos.

Y es posible que la obra más lograda de O´Farrell, el compendio de las virtudes de las anteriores, lo encontremos en Tiene que ser aquí, esta editada por Libros del Asteroide. Nos ha recordado, por su estructura y por el talento de la escritora al hablar de los afectos con mucha honestidad, a Canciones de amor a quemarropa de Nickolas Butler. Los miembros, niños y adultos, de una familia trazan de forma personalísima, en presente y en pasado, el camino que les ha llevado a donde están, con sus luces y sus sombras.

Aquí también hay desapariciones, una no consumada (la de Claudette, una actriz harta de las servidumbres de su profesión y empeñada en vivir de las experiencias y no de las apariencias) y otra trágica (la de Nicola, una joven profesora universitaria que murió en circunstancias poco claras). Ellas marcan el pasado y el presente de Daniel, huérfano de madre desde joven, hijo de padre indiferente, enganchado al alcohol y padre amantísimo. Tiene que ser aquí habla de nuestras fuerzas y nuestras debilidades.

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Sugerencias de temporada: 10 propuestas para el mes de junio http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-junio/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-junio/#comments Thu, 01 Jun 2017 11:32:39 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=162729     1. ABRE EL CENTRO BOTÍN El 23 de junio se inaugura el nuevo Centro Botín de Santander, obra de Renzo Piano, con la colaboración de Luis Vidal Arquitectos. Esta apertura, que supone uno … Leer más

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Algunas sugrencias y planes para el mes de junio 2017

 

 

1. ABRE EL CENTRO BOTÍN

El 23 de junio se inaugura el nuevo Centro Botín de Santander, obra de Renzo Piano, con la colaboración de Luis Vidal Arquitectos. Esta apertura, que supone uno de los acontecimientos más esperados de la temporada en el sector de las artes plásticas, dotará a la ciudad de un importante centro cultural para exposiciones y actividades, que contará además con un auditorio, una taberna marinera, ‘El Muelle’, y una azotea desde donde se tendrá una vista privilegiada hacia la bahía y la ciudad. La muestra con la que se inaugurará el Centro Botín estará dedicada a Carsten Höller y tras ella llegará otra centrada en los dibujos de Goya (de junio a septiembre de 2017) y una retrospectiva de Julie Mehretu (de octubre a enero de 2018), que será la mayor que se le haya brindado hasta ahora en Europa.

www.centrobotin.org

 

2. LA CASETA DE BOMBAS

Para los que ya estáis pensando en acercaros a conocer el Centro Botín, os recomendamos pasaros también por ‘La Caseta de Bombas’, el nuevo restaurante del grupo Deluz en la capital cántabra, que convertirá en un asador marinero con veinte mesas la histórica Caseta de Bombas de Gamazo, una edificación catalogada como Bien de Interés Cultural. Por esta singularidad, la planta baja de la caseta, donde se encuentran las bombas de extracción de agua del dique, se convertirá en centro de interpretación que permitirá conocer la historia y función del dique de Gamazo y su valor patrimonial. En cuanto a la oferta gastronómica, la idea de los propietarios es ofrecer tanto picoteo como pescados y carnes a la parrilla.

lacasetadebombas.es

 

3. STREET PIANOS

Si paseando por París os encontráis un piano en la calle con el mensaje “Play me, I’m yours” podéis sentiros libres de sentaros y tocar porque, tranquilos, no se trata de una broma de cámara oculta. Street Pianos es un proyecto del artista Luke Jerram, que desde el año 2008 ha instalado ya más de 1700 pianos en 55 ciudades por todo el mundo, con el único objetivo de invitarnos a pararnos y tocar. Por sexto año consecutivo la iniciativa acaba de ponerse de nuevo en marcha en París, donde los pianos permanecerán hasta el 11 de julio. En una primera fase los instrumentos se intervendrán artísticamente y desde el día 22 se dispersarán por distintas localizaciones. Si quieres que Street pianos vaya tu ciudad, puedes hacer una petición a través de su web.

www.streetpianos.com

 

4. HAY COPENHAGUE

Aunque poco a poco los productos de la marca de diseño danesa HAY se van comercializando en locales multimarca, no hay nada como entrar en una de las tiendas propias de la firma, especialmente en la Hay House de Copehague (Østergade 61). Allí encontramos dos plantas llenas de productos y objetos que son, principalmente, sencillos y funcionales, dos de las cualidades en las que reside gran parte de su belleza.

hay.dk

 

5. MARIE CURIE CONTRA LOS ELEMENTOS

El 2 de junio llega a nuestros cines Marie Curie, un biopic sobre esta científica de origen polaco, adelantada a su tiempo, pionera en el estudio de la radioactividad y ganadora de dos premios Nobel por sus aportaciones. La película está dirigida por Marie Noelle (La mujer del anarquista) e interpretada por Karolina Gruszka. En ella se narra la vida de la pareja Curie y cómo, desde la trágica muerte de su marido Pierre, ella se aferra a sus estudios teniendo que hacer frente a una comunidad científica en contra, en la que solo parecían tener cabida los hombres, hasta que se convierte en la primera mujer en recibir una cátedra en la Sorbona de París.

 

 

6. FESTIVAL DE LUZ Y VANGUARDIAS

Del 15 al 18 de junio se celebrará en Salamanca la segunda edición del Festival de Luz y Vanguardias, un acontecimiento de carácter anual que convierte a la capital salmantina en el centro nacional de referencia de una modalidad artística de reciente implantación en la que se unen el mundo de la plástica, el vídeo y la instalación. Las proyecciones sobre los monumentos se suceden durante varias horas cada una de las noches que dura el Festival y entre los edificios que este año serán parte del recorrido están el Ayuntamiento (Plaza Mayor), la Casa de las Conchas, la Plaza de Anaya junto a la Catedral Nueva y la Iglesia del Convento de San Esteban. Como novedad de la edición 2017 se incorpora la sección + Luz que acoge, desde del mes de mayo, una programación paralela promovida desde distintos espacios artísticos de la ciudad y con la temática común de la luz.

luzyvanguardias.com

 

7. CASA CORONA

Hoy abre sus puertas en el centro de Madrid un pequeño oasis, un lugar de ocio para la desconexión. El jardín de la Fundación Ortega y Gasset (c/ Fortuny, 53) acogerá hasta el 29 de julio Casa Corona, un espacio donde relajarse y tomar una cerveza escuchando música (con más de 20 conciertos acústicos programados), comer, realizar talleres (reciclaje, lettering, hamacas de crochet, estampación, joyería…), practicar yoga o sentirse un poco más cerca de la playa gracias al taller de surf indoor. Tanto la entrada al jardín como las actividades y gran parte de los conciertos son gratuitos, aunque para todos ellos conviene inscribirse previamente por una cuestión de aforo. Los fines de semana la oferta diaria de restauración se amplia con tres tipos de brunch y, en el ámbito gastronómico, se realizarán cursos de bakery para aprender a hacer pan de masa madre con cerveza, se enseñará a cocinar ceviche y habrá un taller sobre cocina veggie de la mano de Mama Campo, así como uno de coctelería, impartido por Fizz Bartenders.

Podéis consultar toda la programación de talleres y conciertos en su web:

cervezacorona.es/casa-corona

 

8. CARTOONMUSEUM BASILEA

Esta es una sugerencia pensada para los que estén por Basilea este mes y se sientan abrumados con la densidad artística de Art Basel y sus ferias satélite. La propuesta es descubrir este museo, casi un pequeño refugio en la ciudad, dedicado al cómic, los dibujos animados, la novela gráfica o cualquier otro material que proponga la narración de una historia a través del dibujo. Hasta el mes de octubre el Cartoonmuseum acoge una exposición dedicada al dibujante Christoph Niemann y si os acercáis hasta allí el día 18 de junio podréis participar en una acción de Tobias Gutmann y llevaros vuestro retrato realizado por el artista a través de su “Face-o-mat”.

cartoonmuseum.ch

 

9. SUMA FLAMENCA

Suma Flamenca celebra su XII edición del 6 al 25 de junio, en 13 localizaciones distintas (Teatros del Canal, Centro Cultural Paco Rabal, Café Berlín, los jardines de los museos Lázaro Galdiano, Casa Lope de Vega y Museo del Traje, el Teatro Pavón Kamikaze, la Residencia de Estudiantes, el Teatro Real Coliseo de Carlos III en San Lorenzo de El Escorial y en el Centro de Humanidades Cardenal Gonzaga en La Cabrera) y reunirá a los mejores profesionales de la escena flamenca. Un año más el festival está dirigido por la coreógrafa y bailarina Aída Gómez y destacan las actuaciones de Argentina, Gala Flamenca, Eva Yerbabuena, David de Jacoba y Mercedes Ruiz, entre otros.

 

 

10. LAUREN GREENFIELD. RETRATO DE UNA SOCIEDAD

A mediados de mayo Phaidon publicó Lauren Greenfield: Generation Wealth, una extraordinaria crónica visual del materialismo desenfrenado y la obsesión por la riqueza. La conocida fotógrafa y cineasta presenta en este libro un revelador documento cultural que aúna 650 imágenes saturadas de color y 150 entrevistas en primera persona, en una narración épica que recoge la incansable búsqueda de dinero, estatus, belleza y fama. Comenzó su viaje en Los Ángeles, desde donde recorrió Estados Unidos y otros países para analizar cómo se han exportado a todos los rincones del planeta los valores del materialismo, la cultura de la celebridad y la importancia del estatus social. Generation Wealth presenta historias de estudiantes, padres y madres solteros y familias abrumadas por deudas demoledoras pero empeñadas en comprar artículos de lujo y experiencias que están fuera de su alcance.

phaidon

 

 

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