masdearte. Información de exposiciones, museos y artistas » Fuera De Menu http://masdearte.com masdearte es una revista online pionera en España. Desde el año 2000 ofrece información actualizada a diario sobre exposiciones, artistas, museos, agenda, convocatorias... Tue, 23 May 2017 22:35:03 +0000 es-ES hourly 1 No sé decir adiós o cómo nombrar el misterio http://masdearte.com/fuera-de-menu/se-decir-adios-o-como-nombrar-el-misterio/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/se-decir-adios-o-como-nombrar-el-misterio/#comments Tue, 23 May 2017 16:28:41 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=162518 Dos excesos emocionales de una Nathalie Poza con poca capacidad de soportar frustraciones ponen inicio y fin a “No sé decir adiós”, el primer largo de Lino Escalera que se estrenó en cines el viernes pasado y … Leer más

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No sé decir adiósDos excesos emocionales de una Nathalie Poza con poca capacidad de soportar frustraciones ponen inicio y fin a “No sé decir adiós”, el primer largo de Lino Escalera que se estrenó en cines el viernes pasado y que, como bien condensa su título, se centra en las incertidumbres sobre cómo comportarnos y cómo no cuando se aproxima la muerte de un padre o cuando uno mismo es quien va a desaparecer; qué palabras hay que poner a lo que no se nombra, si es que hay que poner alguna.

Y esos excesos que son prueba de una personalidad falta de equilibrio, incapaz de contenerse y de no exteriorizar la rabia de la que ella es primera víctima, son el contrapunto a la personalidad de su hermana, una Blanca, interpretada con mesura por Lola Dueñas, que ha aprendido a vivir con sencillez y a dar el espacio justo a sus deseos. Las dos, huérfanas de madre, difieren mucho en su actitud a la hora de enfrentarse a la enfermedad sin remedio de José Luis (Juan Diego Botto), que en ocasiones parece no ser demasiado consciente de lo rápido de su desenlace y, en otras, lo acepta con la resignación y calma de las generaciones de antes.

La riqueza de la película, constantemente austera y con concesiones escasas ni a los cielos despejados ni al humor, que cuando aparece es negro y ligero, es ese examen a fuego lento de las formas de reaccionar -lo que se dice y lo que se calla, las prioridades y las esperanzas, el conformismo y la lucha inútil ante el cáncer galopante de José Luis- desde la óptica de cada una de las personalidades muy distintas de los protagonistas, tan distintas como pueden llegar a serlo en una familia distanciada y un tanto fría en la que no abundan ni en número ni en despliegue los gestos cálidos, que están.

La inminencia de la muerte del padre conlleva, por efecto de arrastre, que sus hijas hagan inevitablemente balance de sus propias vidas y manejen la (también inevitable) sensación de cierto fracaso, de que sus deseos de siempre están por cumplir y de que, a lo mejor, aún no es tarde para ponerse manos a la obra. El dolor también mueve a Carla a, por una vez, tener una conversación sincera y no superficial sobre su estado con quien, aparentemente, le es cercano – con las consecuencias, de evitación por la otra parte, que suelen tener este tipo de confesiones – y a Blanca a percibir que la comunicación con su marido no funciona.

Escalera retrata, con delicadeza y buen ritmo, sin levantar nunca los pies del suelo ni buscar moralejas, con sobriedad y sin patetismo, la cadena de revelaciones personales que puede desatar un duelo.

 

 

 

 

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Paraíso, antes, durante y después http://masdearte.com/fuera-de-menu/paraiso-antes-durante-y-despues/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/paraiso-antes-durante-y-despues/#comments Fri, 19 May 2017 23:11:39 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=162384 Parece evidente que ya tiene poco sentido filmar o escribir sobre el Holocausto sin hacerlo desde una perspectiva original, y también que es posible tenerla y que aún hay mucho por contar, muchos puntos de … Leer más

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Paraíso, Andréi KonchalovskiParece evidente que ya tiene poco sentido filmar o escribir sobre el Holocausto sin hacerlo desde una perspectiva original, y también que es posible tenerla y que aún hay mucho por contar, muchos puntos de vista por explorar (no nos quedan nada lejos Adiós a Europa, Las inocentes y sobre todo El hijo de Saul, por más que esta última parezca negar ya más palabras).

El último en introducirnos en los campos de concentración, utilizando en su caso el blanco y negro para adentrarnos en una historia que se nos presenta en varios tramos temporales, es Andréi Konchalovski, que en Paraíso ha realizado el complicado ejercicio de entrecruzar las historias de tres conocedores del horror que, por circunstancias casuales, llegaron a entablar contacto entre sí y que reflexionan sobre su pasado y sus culpas desde mundos paralelos, porque todos están muertos. Dos de ellos se encontraron en posición de ser verdugos, uno de ellos a pie de campo, como soldado, y otro desde la comodidad de la distancia, como burócrata que hacía el mal obedeciendo tal como explicó Hannah Arendt, y la tercera sí es víctima, una aristócrata rusa que ayudó a salvarse, hasta las últimas consecuencias, a niños judíos.

La maniobra de hacer hablar a los muertos en primera persona y como tales muertos es siempre un ejercicio arriesgado, por la tendencia inevitable a que su discurso no resulte el creíble como propio sino el del director. Es fácil caer por el precipicio… y a veces podemos estar a punto de pensar que en Paraíso ocurre, sin embargo, el carácter redondo de los tres protagonistas y el retrato fluido de sus relaciones en los instantes en que no están marcadas por la muerte evita que tengamos la sensación de que nos encontramos ante la historia de un juicio cantado en el que las decisiones divinas coinciden sin más con las de Konchalovski como una especie de mensajero del demiurgo tras la cámara.

En cualquier caso, las reflexiones de los tres tras la barbaridad sí nos invitan a pensar en nuestra tendencia a autojustificarnos -a veces con fiereza, puro delirio- frente a las evidencias de error, en la evolución de nuestra forma de ver las cosas, nuestros actos, con el paso del tiempo, y en lo frecuente de esa terrible costumbre que es transformar nuestra consideración de la gente en función de los criterios de la mayoría.

Aunque no sean nuevas y nos resulten completamente justificables, las secuencias de conflictos y mezquindades entre las mismas víctimas de los campos se encuentran entre las más duras de la película. Konchalovski se las ha arreglado, no obstante, para transmitir el horror sin dejar a un lado cierto sentido estético y alguna poesía en forma de música, referencias literarias y evocaciones del pasado.

Paraíso, Andréi Konchalovski

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Sara Mesa, los libros del desasosiego http://masdearte.com/fuera-de-menu/sara-mesa-los-libros-del-desasosiego/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sara-mesa-los-libros-del-desasosiego/#comments Tue, 16 May 2017 17:48:47 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=162226 El mundo es impasible ante cualquier cosa que suceda, por inusual, horrible o cruel que esta sea. Visto así, el mundo no tiene mucho que ver, realmente, con nosotros. Mala letra, Sara Mesa New Life … Leer más

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Sara Mesa. CicatrizEl mundo es impasible ante cualquier cosa que suceda, por inusual, horrible o cruel que esta sea. Visto así, el mundo no tiene mucho que ver, realmente, con nosotros.

Mala letra, Sara Mesa

New Life fue la residencia de ancianos más grande y lujosa de Vado, pero ahora Vado es una ciudad fantasma y New Life apenas cubre los servicios mínimos de sus bastante trastornados residentes. En la ciudad terminaron proliferando los incendios, pero antes hubo llamas destructoras que no se vieron (Un incendio invisible). Sonia y Knut, que se conocieron en un foro literario de Internet y entablan una relación indefinible, entre el deseo y el rechazo, en la que al menos no se ocultan sus extrañezas ni cicatrices, exploran hasta dónde tenemos permitido y prohibido llegar en las relaciones personales y en el entorno social. No parecen tener clavo al que agarrarse más allá de su propia cordura a prueba y manifiestan una relación compleja también con los objetos, entre el fetichismo y el desapego (Cicatriz). Y Mala letra es un compendio de once relatos que cuentan instantes decisivos en los que personajes también sin asidero hacen frente a noches que se les vienen encima en medio del campo, homicidios involuntarios, suicidios en el vecindario, palabras-piedra (no haría mal la RAE en tenerlas en cuenta) y remordimientos y culpas que desencadenan más negritud por si no fuera bastante.

Hablamos de Sara Mesa hace algo más de un año al incluirla en una injustamente breve lista de novelistas a los que seguir los pasos, y antes de estos tres volúmenes de los que acabamos de hablaros (todos publicados en Anagrama) había escrito Cuatro por cuatro, con el que fue finalista del Premio Herralde. Los hemos leído en orden caprichoso, comenzando por Un incendio invisible, que ganó el Premio Málaga en 2011 y que fue hace pocos meses reeditada tras algunas modificaciones de la autora; siguiendo por Cicatriz, de 2015, y acabando por Mala letra, de 2016 (tenemos pendiente Cuatro por cuatro, menos habitual en librerías). Y os diremos que realmente no podemos elegir una opción mejor que otra para adentrarnos en los mundos de esta autora, bastante coherente temáticamente y en cuanto a estilo en estos años; quizá sí haya evolucionado hacia un mayor peso de los diálogos.

Sara Mesa. Mala letraSus protagonistas suelen encontrarse solos o ser solitarios, al margen de que formen parte de familias convencionales de las que no dan calor. Hay quien tiene a sus padres muertos en la habitación o los sustituye por maniquíes, quien se deja cuidar por tíos hirientes, quien se relaciona más o menos casualmente con quien le traerá amarguras. La mayoría de sus personajes encuentra reemplazos dañinos a necesidades personales no cubiertas. Los escenarios en los que se mueven parecen ficticios o utópicos por desacogedores, pero todo en ellos remite a lo cotidiano, y esa es la gran paradoja: la gran ciudad de Cárdenas y sus centros comerciales visitados por ladrones ocasionales, paisajes campestres en los que la amenaza gana a lo bucólico, y ciudades fantasma, como la distópica Vado, fruto de la especulación. No hay calidez posible, los acercamientos verdaderos son escasos, y por eso algo -nuestro gusto por la seguridad, la tendencia a conformarnos y no cuestionarnos demasiado- nos hace pensar que sus mundos, estas atmosferas sombrías con peligros al acecho, son lejanos. Como suponéis, ilusos somos; nos quedan a un paso.

Animales y objetos simbolizan emociones, la tensión de cada trama la acentúan las elipses y los desenlaces no trillados; en general, en las obras de Sara hay más zonas de sombra que de luz. En la narración, porque desde lo nimio y cotidiano sabe desarrollar intriga y turbación, y en los protagonistas, porque no hay personajes estupendos, menos estupendos y malvados sino un continuo elenco de grises movidos por las dudas. Mirándose las puntas de los pies, metiéndose en el fango y a veces a los demás con ellos.

Hay demasiada luz ahí fuera, en nuestro reino virtual, así que nuestro elogio para quien enseña las pezuñas de la sombra y, además, no reclama su presencia entre sus personajes e historias: aquí cualquier atisbo biográfico no es más que intuición del lector. Hay ironía y crítica distanciada, pero no juicio, ni fácil ni difícil. Podríamos quedar todos imputados.

 

 

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La uruguaya: Mairal contra la idealización http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-uruguaya-mairal-contra-la-idealizacion/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-uruguaya-mairal-contra-la-idealizacion/#comments Tue, 09 May 2017 16:39:38 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=162023 Y yo después me había dado el lujo de hacerme el descarriado, el artista sin empuje empresarial, el bohemio. Era un lujo más. La uruguaya es una mujer de carne y hueso, con dudas sentimentales … Leer más

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Pedro Mairal. La uruguayaY yo después me había dado el lujo de hacerme el descarriado, el artista sin empuje empresarial, el bohemio. Era un lujo más.

La uruguaya es una mujer de carne y hueso, con dudas sentimentales y quizá también, solo quizá, con malas intenciones, pero lo que es sobre todo es un espejismo, una vía de escape que significativamente se llama Guerra. Ella y Lucas Pereyra, el protagonista de esta novela del argentino Pedro Mairal, apenas se ven unos pocos días, pero Guerra es casi tan central como él en el desarrollo de la trama de La uruguaya, no como presencia cotidiana sino como pensamiento idealizado, como compañía futurible y escurridiza.

Por desconocida y por lejana (y por esas razones, sublimada) supone para Pereyra un refugio, siempre mental, frente a un mar de problemas cotidianos que no son graves si pensamos aisladamente en ellos pero que, unidos, dan forma a una losa insuperable: una economía frágil, un trabajo como docente poco motivante, un matrimonio en horas bajas y un bebé lleno de demandas. Ese es el contexto, que no la causa ni excusa, de la forja de una infidelidad que Mairal explica sin esquivar su lado vergonzante y, a la vez, sin considerarlo del todo como tal.

La uruguaya es una historia de desencantos encadenados: con las relaciones matrimoniales y la paternidad entendidas desde la convención, con el mundo laboral, con el amor extramatrimonial objeto de sus desvelos y consigo mismo, con nuestra personalidad y con ese paso indeleble del tiempo que trae la pérdida de la inocencia y que nos convierte, por dentro y por fuera, en personajes muy alejados de los que esperábamos ser.

Aunque quizá el desencanto mayor abordado por Mairal no es el que permite que surja el deseo “fuera de campo”, sino el que se deriva de esas andanzas extramatrimoniales, un deseo fruto de creencias inventadas, porque la distancia da alas a la imaginación. En el amor no oficial, como en la economía, en su oficio de escritor y en su familia, las expectativas acaban convirtiéndose en humo. Precisamente porque, como buenas expectativas, no se materializan.

Es fácil que el lector se ponga en el lugar de Pereyra (al margen de sus costumbres amorosas), por el esfuerzo de Mairal por describir sus sensaciones sensoriales, por hablarnos de las consecuencias físicas de sus emociones desde una escritura vital, y porque, quizá, la mediana edad sea época de balance, frustrado o no, para casi todos. Pereyra habla además en primera persona dirigiéndose a su esposa y haciéndolo con honestidad, confesando en todo momento su propia verdad y arriesgándose a sonar sincero o lamentable.

El tono coloquial que emplea en casi todo momento puede dar una sensación engañosa, y podemos entenderlo como un truco: narrando unos cuernos, con sus esperanzas y su cara vulgar, el autor propone reflexiones que trascienden lo individual y sabe encajar fragmentos de lirismo, siendo el del desenlace el más logrado.

 

 

 

 

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Adiós a Europa: retazos delicados del último Zweig http://masdearte.com/fuera-de-menu/adios-europa-retazos-delicados-del-ultimo-zweig/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/adios-europa-retazos-delicados-del-ultimo-zweig/#comments Fri, 05 May 2017 14:55:02 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161901 Pulcro e impecable es Stefan Zweig. Adiós a Europa, el segundo largo como directora de la actriz María Schrader, pero conviene acudir al cine con una premisa clara: no se trata de un biopic, porque … Leer más

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Stefan Zweig. Adiós a EuropaPulcro e impecable es Stefan Zweig. Adiós a Europa, el segundo largo como directora de la actriz María Schrader, pero conviene acudir al cine con una premisa clara: no se trata de un biopic, porque la película se centra en instantes contados, fragmentos escogidos, de sus años de exilio en América y Estados Unidos, y tampoco tiene como propósito mostrar de manera completa la personalidad sensible, el bagaje cultural o los intereses de este escritor austriaco. Aunque parte de ellos sí queden reflejados, hubiese sido una tarea que, por muy ambiciosa, podría haber tenido mal resultado.

El propósito de Schrader era más humilde, que no necesariamente fácil: apuntar las dificultades y los cambios de ánimo a las que se han enfrentado quienes han tenido que exiliarse y abandonar una cultura que representase para ellos más una madre que un contexto. No podemos decir que para la directora haya sido Zweig una excusa o un ejemplo para abordar este asunto, porque con mucha inteligencia y gracias a un guion somero y un lenguaje gestual muy bien calibrado, la película enseña mucho de la forma de ser del autor. Mucho con poco. Pero sí que el centro de esta obra es el desarraigo, la imposibilidad de los nuevos comienzos, y no la literatura.

Se estructura en capítulos marcados, convenientemente señalados en sus fechas y escenarios, siendo el último el centrado en las reacciones a su suicidio, y el de su segunda esposa, por parte de sus cercanos en Brasil. Schrader ha acertado separando unos retazos de otros, no tratando de vertebrarlos de manera más o menos artificiosa, y conduciendo nuestra mirada hacia momentos muy concretos en los que quedaba patente la buena voluntad y la mirada empática de Zweig hacia su nuevo entorno y a la vez su desconexión de él, su añoranza. Con mucha finura los actores que interpretan al escritor y su mujer (Josef Hader y Aenne Schwarz) logran trasladar ambas sensaciones a la vez, la ambivalencia de los sentimientos.

Stefan Zweig. Adiós a Europa

La directora pone el foco también en el rechazo del matrimonio al trato arrogante, en la educación exquisita de los dos y en la resistencia de Zweig a adoptar posturas fáciles respecto al nazismo y las derivas de Alemania desde el otro lado del océano. Deja, además, su sello delicado en una estética que brilla en momentos contados, por lo austero del conjunto: el exquisito centro floral del primer banquete, la belleza de una carrera de caballos. Una película elegante y (necesariamente) amarga.

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Sugerencias de temporada: 10 propuestas para el mes de mayo http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-mayo/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-propuestas-para-el-mes-de-mayo/#comments Sun, 30 Apr 2017 22:57:37 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161690   1. PAULA El próximo 26 de mayo llega a nuestros cines Paula, una de las películas alemanas del año, dirigida por Christian Schochow (Al otro lado del muro). Cuenta la historia de la pintora … Leer más

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Paula (película de Schochow), Allbirds, Poetas 2017, restaurante El Flaco, Regreso a Twin Peaks, Tomavistas, DocumentaMadrid, Nuevo disco de Paul Weller, Centenario de Balenciaga, El taller de flores de Lucía

 

1. PAULA

El próximo 26 de mayo llega a nuestros cines Paula, una de las películas alemanas del año, dirigida por Christian Schochow (Al otro lado del muro). Cuenta la historia de la pintora Paula Modersohn-Becker, una de las principales representantes del expresionismo alemán del siglo XX, además de una mujer apasionante y apasionada, que contó entre sus amistades con la también pintora Clara Westhoff y el poeta Rainer Maria Rilke. Tras el fracaso de su matrimonio con el artista Otto Modersohn, viaja a París donde descubre un nuevo universo creativo y vital.

 

2. ALLBIRDS, PISANDO LAS NUBES

Se han convertido en las zapatillas favoritas en Silicon Valley. Esto, de entrada, no tiene por qué ser ni bueno ni malo, aunque está claro que marca tendencia… Las zapatillas allbirds (que por el momento solo se envían dentro de USA y Nueva Zelanda) están hechas con la mejor lana posible, son ecológicas, ergonómicas, ligeras y no excesivamente caras, así que todo hace pensar que tienen futuro. De momento, aquí lo dejamos, pero pronto sabremos si merecen la fama de la que empiezan a disfrutar y si realmente son “las zapatillas más cómodas del mundo”, como dicen sus creadores.

www.allbirds.com

 

3. POETAS 2017

El Festival Poetas tendrá lugar entre los días 27 y 28 de mayo, en Matadero Madrid, y en la programación de este año encontramos artistas plásticos, humoristas, músicos, cantantes, pintores, djs, escritores, fotógrafos, directores de cine, performers, editores, y sí, también algunos poetas. Y es que no se trata de un evento de poesía sino poético en el sentido más amplio de la palabra. El elenco de participantes y la lista de actividades (para todos los públicos) son enormes, así que lo mejor es entrar en la web y analizar el cartel de esta 12ª edición.

poeticofestival.es/2017

 

4. EL FLACO

Andy Boman es el chef detrás de El flaco, y en cuanto vayáis por allí a degustar sus deliciosos platos sabréis de donde le viene el nombre… Algo escondido en la calle Javier Ferrero, en el barrio madrileño de Prosperidad, está el local de este sueco de nacimiento que por avatares familiares y personales ha recorrido medio mundo -algo que deja traducir en su cocina- y que un día fue seducido por la cocina de Tailandia, país donde vivió tres años. Todo en El flaco es sencillo, artesanal y original. Tiene delicias como el Bao de panceta, las Vieiras a la plancha con Wakame y salsa Citrus Beurre Blanc o el Curry verde de Mar con albahaca Thai.

www.restauranteelflaco.com

 

5. REGRESO A TWIN PEAKS

Enric Ros y Raquel Crisóstomo son los coordinadores de esta publicación que nos devuelve a los lugares emblemáticos de aquella serie que marcó historia y que ahora, 25 años después, regresa a las pantallas con una tercera entrega de la que por el momento se sabe poco. A través de este libro no solo se redescubre el bosque o aquella mítica cafetería del pueblo, sino que indaga en todos los aspectos de la serie, su origen, cómo se hizo, la influencia que tuvo en creaciones posteriores y las relaciones con otros ámbitos como la filosofía y la naturaleza. Para ello, Regreso a Twin Peaks cuenta con el relato de su creador y director, David Lynch; con David Chase, creador de Los Soprano; el cineasta Nacho Vigalondo y Michel Chion, máximo especialista mundial en la obra de Lynch. La serie se estrena el 21 de mayo en el canal americano Showtime y Regreso a Twin Peaks, editado por errata naturae, estará a la venta en librerías desde el 2 de mayo.

erratanaturae.com

 

6. TOMAVISTAS

El tercer fin de semana de mayo, desde el viernes 19 hasta el domingo 21, hay una cita con la música más actual en el Parque Enrique Tierno Galván. Un año más, el Tomavistas se organiza pensando en un cartel que cuente con mucha variedad, pocas etiquetas y, en principio, con propuestas para todos los gustos. Un buen plan al aire libre en el que, además, los niños también son bienvenidos. Algunos de los grupos confirmados son Lori Meyers, León Benavente, Delorean, Cómo vivir en el campo, Polock… Entra para verlos a todos.

www.tomavistasfestival.com

 

7. DOCUMENTAMADRID

El Festival Internacional de Documentales DOCUMENTAMADRID se celebrará del 4 al 14 de mayo en Cineteca. Además de las proyecciones, contará con actividades paralelas como la exposición “PLATEA: Los fotógrafos miran al cine en Matadero”, organizada por Acción Cultural Española (AC/E) e ideada para espacios al aire libre (hasta el 7 de mayo en Matadero Madrid); el “Seminario Estrategias digitales del cine documental independiente”; una mesa redonda sobre el documental de impacto El asalto a las pantallas; un “Foro de producción y desarrollo de proyectos”; el Homenaje a Jean Rouch en colaboración con el Institut Français de Madrid; o la mesa de debate “La deriva del documental español en el siglo XXI”, espacio de reflexión entre profesionales del documental.

www.documentamadrid.com

 

8. NUEVO DISCO DE PAUL WELLER

Paul Weller lanza un nuevo disco, que saldrá a la venta el 12 de mayo, del que ya conocemos dos temas, Long long road y Nova. Según ha avanzado el propio Weller, en este nuevo trabajo encontraremos canciones que siguen su estilo de los últimos años, conviviendo estilos que van del rock and roll, al soul, jazz, funk o folk. Las nuevas canciones las ha grabado con su banda habitual, Andy Crofts, Ben Gordelier, Steve Cradock y Steve Pilgrim, y ha contado también con algunos invitados como Robert Wyatt; el guitarrista de The Strypes, Josh McClorey; y Boy George, entre otros.

 

9. CENTENARIO BALENCIAGA

A lo largo de 2017 se celebra el centenario de la creación del primer atelier de Cristóbal Balenciaga en San Sebastián, y 80 años de la apertura de su famosa casa parisina en el número 10 del Boulevard George V. Con motivo de esta destacada efeméride, su museo en Getaria está de celebración y presentará a finales de mes una muestra dedicada a la colección de Rachel L. Mellon, por ser ella una de las mejores clientas internacionales de la maison Balenciaga. La exposición, procedente de su guardarropa, mostrará 150 piezas de indumentaria y documentación original y se concentra cronológicamente en algo más de 10 años que corresponden a la madurez creativa de Cristóbal Balenciaga, desde 1956 hasta1968, fecha en la que éste cierra sus talleres.

www.cristobalbalenciagamuseoa.com

 

10. EL TALLER DE LUCÍA

Por fuera, esta tienda de flores, de reciente creación, no llama demasiado la atención, pero cuando cruzas la puerta entras en un taller en el que cualquier elaboración floral que pueda imaginarse puede hacerse realidad gracias al saber hacer de Lucía Navas y a la selección de flores con la que es capaz de sorprenderte. Para quien esté pensando en preparar un evento o una celebración especial, recomendamos echar un vistazo a la web o acercarse a su espacio, en la calle Alfonso XIII.

www.eltallerdelucia.es

 

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Lo tuyo y tú, el amor como reino de la incertidumbre http://masdearte.com/fuera-de-menu/lo-tuyo-y-tu-el-amor-como-reino-de-la-incertidumbre/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/lo-tuyo-y-tu-el-amor-como-reino-de-la-incertidumbre/#comments Fri, 28 Apr 2017 13:04:12 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161715 A Hong Sangsoo le interesa elucubrar sobre el amor, perderse y encontrarse divagando, imaginar cómo serían las relaciones si fueran de otra manera y preguntarse si es posible el verdadero encuentro amoroso. Lo hace, en su … Leer más

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Hong Sangsoo. Lo tuyo y túA Hong Sangsoo le interesa elucubrar sobre el amor, perderse y encontrarse divagando, imaginar cómo serían las relaciones si fueran de otra manera y preguntarse si es posible el verdadero encuentro amoroso. Lo hace, en su abundante producción (está previsto que sean cuatro los largos que presente este año), conforme a un estilo que hace a su filmografía absolutamente reconocible: ambientes cotidianos, oficios y preocupaciones comunes, alcohol y talleres de artista, extensas conversaciones sobre su asunto preferido que, incluso cuando parecen superficiales, apuntan a lugares profundos.

Sangsoo juega con el espectador (sobre todo con el novato) a que nada de lo que parece sencillo lo sea, a crear incertidumbres, laberintos y visiones alternativas en torno a lo que parece ser un relato único protagonizado por personajes con los que no es difícil empatizar.

En este caso las dudas las suscita la personalidad en apariencia dual de Minjung, pareja del pintor Youngsoo, quien le recrimina su afición a la bebida y su contacto con otros hombres. Tras una fuerte discusión deciden separarse, y la trama verdaderamente interesante transcurre después de la ruptura, el punto en que podemos comenzar a entender el relato de forma literal, y perdernos mucho, o elucubrar junto a Sangsoo y jugar a descubrir sus metáforas. Porque es entonces cuando arranca la constante búsqueda, sin éxito, de su exnovia por parte de Youngsoo, y el paralelo paso de Minjung o de una mujer idéntica a ella (su posible hermana gemela, siembra la duda filosófica el director) por los brazos de distintos hombres.

La trama, aparentemente caprichosa, atiende a las andanzas angustiosas de uno y despreocupadas de la otra, sumidos en lo que parecen caminos paralelos a ninguna parte, sin posibilidad de encuentro alguna. O sí.

Tras la ruptura inician ambos un proceso, fatigoso, de examen y recomposición, una catarsis de la que no saldrán, ni mucho menos, igual que entraron. Quedarán convertidos en otros.

Se mueven por las mismas calles y bares de siempre, en una ciudad cualquiera que Sangsoo ha filmado en más de una ocasión, pero su historia personal convierte esos lugares en espacios para el deseo y la utopía. Los dos parecen anhelar una relación que es un espejismo y ambos, sobre todo Minjung, parecen un espejismo mismo. Quizá una proyección de las aspiraciones de Sangsoo para ella, que el espectador puede acabar compartiendo con él.

Lo tuyo y tú es un laberinto hecho con imaginación e inteligencia que nos implica y que termina haciéndose corto.

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La profesora, corrupción en las aulas http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-profesora-corrupcion-en-las-aulas/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-profesora-corrupcion-en-las-aulas/#comments Wed, 26 Apr 2017 16:34:55 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161639 Es posible que nadie dude de que a toda corrupción y debilidad humana en las altas esferas le corresponde su trasunto a pie de calle: abusos de oficina, corrupción en las aulas, autoritarismo en los … Leer más

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La profesora, Jan HrebejkEs posible que nadie dude de que a toda corrupción y debilidad humana en las altas esferas le corresponde su trasunto a pie de calle: abusos de oficina, corrupción en las aulas, autoritarismo en los hogares. Pero, por alguna razón, no solemos llamar a esos comportamientos por estos nombres.

Aunque aborde el asunto en tono menor y muy a menudo recurra al humor (negro), la aparente liviandad de La profesora de Jan Hrebejk nunca da al traste con su mensaje: las múltiples y ligeras formas de abusar de alguien por quien puede y quiere hacerlo, al margen de su oficio. La profesora de este filme eslovaco, interpretada con mucha solvencia por Zuzana Mauréry, ejerce este abuso aprovechándose de tres circunstancias: la posición de relativo poder que le da su función de calificar a los alumnos de su clase, la lástima que busca causar aprovechándose de su viudedad y su puesto de jefa del Partido Comunista en el colegio donde enseña.

Ninguna de esas tres situaciones tendrían por qué derivar en su constante aprovecharse de los demás, pero el uso que la maestra hace del conjunto de ellas es letal para los críos y para sus padres, presionados para concederle favores sin fin, cada uno en función de sus posibilidades: desde llevar pasteles a Moscú a arreglar sus electrodomésticos. Quien se niega se expone a un triple castigo: las malas calificaciones de los chicos, el chismorreo sobre su nula piedad hacia una viuda sin hijos y su aislamiento político.

En torno a Zuzana (Mária Drazdechová) se construye una ley del silencio y del miedo, y en este punto es posible y oportuno pensar en Kazan. Por razón de la costumbre y sin norma escrita que lo ordene, todo es poco para contentar a una profesora aprovechada e insaciable que chupa la sangre a sus súbditos y castiga fieramente a quien no se pone a sus pies. Por falta de costumbre de que eso suceda, además de por su personalidad autoritaria.

La clase se convierte en una dictadura corrupta que nadie llamaría así, una reproducción a pequeña escala del régimen mayor en que se sumía la Checoslovaquia de hace unas décadas en la que se ambienta la película. Por mostrarlos en un ambiente escolar los problemas parecen menores, pero las consecuencias no lo son tanto: las presiones de la maestra inciden forzosamente tanto en el futuro de sus alumnos como en su salud presente. Y es cuando ese daño se hace evidente cuando unos pocos (muy pocos) padres se rebelan, tímidamente al principio, sopesando las consecuencias de su arrojo.

El desarrollo de la trama, en un tono ligero de thriller en el que la tensión dramática se crece por momentos y los flashbacks se utilizan continuamente con maestría, es uno de los puntos fuertes de La profesora, junto a la magnífica interpretación de esa maestra de formas dulces y carácter manipulador que ofrece Mauréry. La anécdota de una clase no puede empañar el mensaje de largo alcance de la película: hay totalitarismos y servidumbres fuera de la política y de los grandes poderes y desde casi cualquier posición se puede explotar si se tiene la voluntad. Y también hay maneras de posicionarse: colaborar, callar o protestar.

 

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Pianos, de las manos de Cristofori a las nuestras http://masdearte.com/fuera-de-menu/pianos-de-las-manos-de-cristofori-las-tuyas/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/pianos-de-las-manos-de-cristofori-las-tuyas/#comments Wed, 19 Apr 2017 16:13:39 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161419 En 1837, Le Ménestrel, uno de los entonces numerosos periódicos dedicados a la música, publicó un artículo satírico titulado Gas musical en el que se informaba de que un químico británico llamado Pumpernikle había hecho un … Leer más

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En 1837, Le Ménestrel, uno de los entonces numerosos periódicos dedicados a la música, publicó un artículo satírico titulado Gas musical en el que se informaba de que un químico británico llamado Pumpernikle había hecho un hallazgo revolucionario: el citado gas musical. El mismo científico había demostrado antes que el sonido del piano podía transmitirse entre dos edificios situados a cuarenta metros, y ahora había dado un paso más: descubrir cómo carbonizar las ondas sonoras. A través de un receptor con forma de campana, los sonidos originales se transmitían por un tubo hasta llegar a una caldera en la que se condensaban hasta formar una sustancia parecida al carbón.

Ese carbón acústico podía reducirse a gas almacenable en tanques subterráneos y transportable por cañerías hasta los domicilios de los abonados, que simplemente con abrir una llave podían disfrutar de un concierto. Hoy, afortunadamente, no dependemos de los escapes de gas para escuchar música y esta ha sido una de las artes más “afectadas” por la revolución tecnológica.

Conrad Graf. Fortepiano, hacia 1838. Colección del MET, Nueva York

Conrad Graf. Fortepiano, hacia 1838. Colección del MET, Nueva York

Dos siglos antes, a comienzos del s XVII, la música sacra estaba dominada por el órgano, y la secular por el clavicémbalo. Otro instrumento de tecla de la época, el clavicordio, permitía obtener matices más dinámicos, pero por su volumen sonoro amortiguado era inservible para utilizarse en grandes conjuntos o salas de conciertos. Avanzado el siglo, el progreso de la ópera y el declive de la polifonía intensificaron la necesidad de contar con un instrumento más expresivo que combinara potencia del clavicémbalo y el rango dinámico del clavicordio, y fue el providencial Bartolomeo Cristofori, fabricante de instrumentos musicales al servicio de Fernando III de Medici, quien crearía lo que un inventario de 1700 definió como clavicémbalo que tocaba piano y forte, con dos conjuntos de cuerdas al unísono.

El instrumento se bautizaría como fortepiano y tuvieron que pasar décadas, muchas, para que se convirtiera en el instrumento de tecla por antonomasia. Al principio, su falta de volumen sonoro no favoreció su popularidad, porque no podía competir con el del clavicémbalo, pero los fabricantes comenzaron a mejorar el original, entre ellos Gottfried Silbermann, amigo de Bach, quien probó sus instrumentos.

Para fortepiano concibió Haydn sus sonatas para teclado; él no tuvo uno hasta 1788, pero tuvo a su disposición el de su mecenas, el príncipe Esterhazy, desde 1773, y comenzó escribiendo únicamente para él dejando el clavicémbalo a un lado, sabiendo que existía un mercado creciente para estas composiciones.

La popularidad de los conciertos para Piano escritos por Johann Christian Bach para los conciertos londinenses que organizó con Carl Friedrich Abel en la década de 1760 supuso un paso adelante importante y a este Bach se atribuye también el honor de haber interpretado el primer recital solo para piano, en 1768. Aunque quizá podamos pensar que la mayoría de edad del piano llegó con Mozart, que demostró de manera imbatible sus posibilidades ya desde su infancia. El piano dio prestigio al músico y Mozart dio prestigio al instrumento en sus dieciocho sonatas para él, treinta y seis sonatas para violín y piano, doce tríos con piano y veintisiete conciertos para este.

La reacción de los fabricantes favoreció su difusión por Europa, y hay que subrayar la aportación del alemán Johann Christoph Zumpe, que construyó un fortepiano cuadrado lo suficientemente compacto para caber en un salón de una familia de clase media y lo bastante barato (entonces dieciséis guineas) para que la misma familia lo pudiese comprar.

Johann Christoph Zumpe construyó un fortepiano cuadrado lo suficientemente compacto para caber en un salón de una familia de clase media

Charles Burney y, de nuevo, Johann Christian Bach respaldaron su creación, y contribuyeron a que Zumpe incrementara su fortuna (tanto como para retirarle, literalmente).

Uno de los seguidores más exitosos de Zumpe fue Broadwood, cuya empresa aún pervive y ha abastecido de pianos a los monarcas ingleses desde el s XVIII. En la década de 1790, esta compañía fabricaba cuatrocientos pianos cuadrados y cien de cola anualmente (los clavicémbalos dejaron de fabricarlos en 1793).

Si el fortepiano de Cristofori era frágil y pequeño, con solo cuatro octavas; en 1800 los pianos de cola de Broadwood eran más grandes, fuertes y sonoros y abarcaban cinco octavas y media.

En 1818, Thomas Broadwood, hijo del fundador de la firma, donó un piano de cola de seis octavas a Beethoven, y no perdió la ocasión para publicitar el regalo para aumentar su fama. Se sabe que el compositor quedó encantado y que con él compuso la Sonata para piano en si bemol op.106 Hammerklavier.

Cuando los virtuosos Weber, Moscheles, Kalkbrenner, Field o Liszt llevaron en sus giras el instrumento ante un público cada vez más numeroso, se multiplicaban sus ventas. Chopin apenas dio conciertos públicos, pero se sabía que su preferido era un Pleyel.

Hubert von Herkomer. Liszt al piano

Hubert von Herkomer. Liszt al piano

En menos de un siglo, el piano pasó de ser un invento a lograr la aceptación y alcanzar una situación de primacía, satisfaciendo la demanda de música que apelara a las emociones. Cuando triunfó el romanticismo, se acrecentaría la fortuna del instrumento, que alcanzó su culmen con Liszt, que sacó el mayor partido a los que le proporcionaba la casa Erard. Él fue el primer pianista que tocó de memoria y que colocó el piano en ángulo recto respecto al público, para que el intérprete fuera más visible a los oyentes. También el primero en dedicar un concierto entero a un único instrumento: inventó el concepto de recital al aplicarlo a un concierto que ofreció en Londres en 1840.

Escribió, además, arreglos para piano a partir de obras de Beethoven, Berlioz, Schubert, Rossini y Verdi y sus versiones asombrosas de las óperas de Wagner son geniales pruebas de las posibilidades expresivas del instrumento.

No obstante, no había que ser un genio para tocar aceptablemente el piano: un estudiante sagaz podía conseguir pronto sonidos agradables, a diferencia de otros instrumentos, como el violín. Aquel hecho favoreció su difusión, junto al tamaño aceptable de un piano cuadrado, o vertical, y su no excesivo coste.

Edelfelt. Al piano, 1884

Edelfelt. Al piano, 1884

Su éxito avanzó en el s XIX, dadas las condiciones sociales y económicas. En 1845 el compositor y crítico Henri Blanchard decía que no había palacio, tienda, reunión familiar o baile donde no se oyera un piano, una exageración que no deja de reflejar la ubicuidad del instrumento y los números disparados de su fabricación, sobre todo en Alemania y Reino Unido. La literatura (Stendhal, Zola…) se hizo eco de la relevancia social de la educación musical, sobre todo de los conocimientos de piano, y también la prensa, a veces en términos satíricos.

Tanto llegó a extenderse socialmente el piano que algunos críticos de prensa musical le acusaron de haber acabado con la música de cámara, de fomentar la inmoralidad porque permitía a las parejas sentarse muy juntas mientras tocaban, de inducir la tensión nerviosa en niños al pretender que tocaran con maestría o de vulgarizar el gusto musical.

Weber comentó que, aunque el piano era un invento italiano, se había perfeccionado en el norte de Europa, donde el clima obligaba a permanecer en casa largas temporadas, así que había terminado convertido en un instrumento hogareño de clase media. En cualquier caso, la idea de que el piano era el instrumento de clase media – en Europa – por excelencia, resulta aceptable porque se ajustaba a sus posibilidades económicas, sus salones y sus gustos.

A fines del s XIX, cuando el perfeccionamiento del piano se consumaba, podían apreciarse las primeras señales de una revolución tecnológica que democratizaría la música hasta ponerla al alcance de toda la sociedad, y que continúa hoy.

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John Coltrane y el himno religioso de los descreídos http://masdearte.com/fuera-de-menu/john-coltrane-y-el-himno-religioso-de-los-descreidos/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/john-coltrane-y-el-himno-religioso-de-los-descreidos/#comments Tue, 18 Apr 2017 12:37:49 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161351 Si hay dos géneros al margen de la tradición clásica que ilustran la vigencia de patrones románticos en la música del s XX, esos son el jazz y el rock. Desde su surgimiento a fines … Leer más

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Si hay dos géneros al margen de la tradición clásica que ilustran la vigencia de patrones románticos en la música del s XX, esos son el jazz y el rock.

Desde su surgimiento a fines del s. XX, el primero encajó perfectamente con la estética romántica dado su carácter espontáneo, individual e improvisador; además, sus orígenes afroamericanos lo convirtieron en un aliado posible de los movimientos de liberación.

No obstante, durante décadas y pese a su capacidad de expresar las aspiraciones y el sufrimiento de una comunidad oprimida, el jazz fue parte importante de la industria del entretenimiento. Incluso Louis Amstrong o Duke Ellington trabajaban dentro de una estructura cultural sustentada en los valores de la jerarquía y el respeto; solo cuando la hegemonía internacional de la cultura estadounidense empezó a quebrarse después de 1945, los músicos de jazz se volvieron más ambiciosos en la teoría y la práctica.

John Coltrane

John Coltrane

Un ejemplo: en 1964, John Coltrane grabó en una sola noche su disco A Love Supreme con un cuarteto en el que él mismo se ocupaba del saxofón tenor, Wynton Kelly del piano, Elvin Jones de la batería y Jimmy Garrison del contrabajo.

A principios del año siguiente, cuando salió a la venta con una seria portada, las notas del disco estaban escritas por el propio Coltrane. Comenzaban así: Alabado sea el Señor, digno de todas las alabanzas. Sigámoslo por el camino recto. Sí, es verdad: buscad y hallaréis. Solo por medio de él podemos llegar a conocer el legado más maravilloso.

A continuación, Coltrane explicaba que ofrecía su música como un intento de decir “Gracias, Señor” por haberlo rescatado del barrizal en el que lo había sumido su adicción a la heroína y el alcohol. En realidad, su conversión se había producido siete años atrás, pero el “enderezamiento” de sus costumbres no había sido un camino fácil.

Las notas incluían también un poema titulado también A Love Supreme en el que, de nuevo, daba gracias a Dios por respirar suavemente a través de la especie humana y daba sentidas muestras de gratitud. Coltrane había colocado ese poema en el atril para que le sirviera de inspiración en las improvisaciones que forman Pslam, la cuarta y última parte de la suite.

Esas palabras eran el único material escrito que manejó en la sesión, pues Coltrane había buscado los sonidos que quería solo movido por la intuición. Algunas semanas antes, le había contado al crítico Nat Hentoff que seguía investigando ciertos sonidos y escalas sin estar muy seguro de lo que buscaba, solo sabiendo que sería algo que nadie hubiera tocado nunca: no sé lo que es. Sé que albergo ese sentimiento cuando me invade.

Parece que el nacimiento de su hijo terminó de darle la inspiración necesaria. Tim Blanning cuenta que su segunda mujer, Alice, recordaba que el músico se encerró en una habitación del piso de arriba de su casa, solamente acompañado por su saxofón: Cuando salió, fue como cuando Moisés volvió de la montaña, así de bello. Al bajar, en su rostro había alegría, paz, serenidad. Yo le dije: cuéntamelo todo, no te hemos visto en cuatro o cinco días. “Es la primera vez que he recibido toda la música que quiero grabar, una suite. Es la primera vez que todo, absolutamente todo, está listo”.

Cualquier artista romántico, sea cual sea su disciplina, podría haber firmado estas confesiones de Coltrane sobre sus aspiraciones: Mi propósito es vivir la genuina vida religiosa y expresarla en mi música. Si vives esa vida, cuando tocas no surge ningún problema, porque la música es parte de todo lo que hay. Ser músico no es cualquier cosa. Es algo que cala muy, muy hondo. Mi música es la expresión espiritual de lo que soy (…) Cuando empiezas a ver las posibilidades de la música, quieres hacer algo realmente bueno por la gente, ayudar a la humanidad a liberarse de sus ataduras (…). Quiero hablar a sus almas.

A un entrevistador francés que preguntó a Coltrane si era posible improvisar empleando el sistema dodecafónico de Schönberg, el músico le contestó también de forma estrictamente romántica: Al diablo con las reglas, lo que cuenta es el sentimiento.

John Coltrane. A Love Supreme

John Coltrane. A Love Supreme

Probablemente hubiese ofendido a Stravinski, pero al igual que unos pocos compases de Wagner hacen olvidar sus teorizaciones más densas, la música asombrosa de Coltrane puede desconcertar al más cínico. Durante poco más de media hora (treinta y dos minutos y cincuenta segundos de inspiración), Coltrane y sus tres compañeros crearon una de las piezas maestras del siglo pasado.

Pese a lo exigente que A Love Supreme es con quien escucha, toca enseguida en el público una fibra poderosa y duradera, sensible pero a la vez intelectual. A finales de la década de los sesenta, había vendido más de medio millón de copias y despertó un entusiasmo que aún se mantiene en muchos.

Las ideas religiosas de Coltrane eran tan profundas como imprecisas: no pertenecía a ninguna religión concreta ni suscribía ningún credo, creía en todos los dioses. Su capacidad para combinar una introspección profunda y una visión trascendental fue lo que dotó a su música de un atractivo fuerte y perdurable.

Hay quien ve en A Love Supreme una prueba de la validez de la contundente afirmación de Wagner de que “la música está más dotada que una religión senil sin poder ya sobre el público” para satisfacer las aspiraciones espirituales de una sociedad que ya avanzaba hacia la secularización.

Así se refería Bono (U2) a A Love Supreme: Estaba en lo alto del Grand Hotel de Chicago, en una gira de 1987, escuchando A Love Supreme y aprendiendo la lección de toda una vida. Un poco antes, había visto a unos telepredicadores rehacer a Dios según su propia imagen: pequeño, mezquino y avaricioso. La religión se ha convertido en el enemigo de Dios. Pensé que la religión era lo que quedó cuando Dios, como Elvis, se fue de casa. Desde los primeros recuerdos que guardo de mi vida, he sabido que el mundo serpenteaba en una dirección opuesta a la del amor y que yo también estaba atrapado por su curso. En este mundo hay mucha maldad, pero la belleza es nuestro premio de consolación: la belleza de la voz aflautada de John Coltrane, su carácter susurrante, su sabiduría, su sexualidad velada, su elogio de la creación. Así fue como empecé a encontrar sentido a Coltrane. Dejé que la música se repitiera una y otra vez y me quedé en vela escuchando a un hombre que se volvía hacia Dios con el regalo de su música.

 

 

 

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El otro lado de Kaurismäki http://masdearte.com/fuera-de-menu/el-otro-lado-de-kaurismaki/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/el-otro-lado-de-kaurismaki/#comments Tue, 11 Apr 2017 15:52:07 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161236 Kaurismäki es un tipo muy coherente y sus películas tienen mucho que ver con sus entrevistas y con la que parece ser su personalidad: cuenta cosas muy serias de manera muy absurda, nunca al revés; … Leer más

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El otro lado de la esperanza, Aki KaurismäkiKaurismäki es un tipo muy coherente y sus películas tienen mucho que ver con sus entrevistas y con la que parece ser su personalidad: cuenta cosas muy serias de manera muy absurda, nunca al revés; no teme a la exageración y es capaz de bromear incluso con su posible suicidio.

Ahora presenta en cines El otro lado de la esperanza, el segundo capítulo, tras El Havre, de la que suponemos será una trilogía dedicada al drama de los refugiados. En este caso sitúa la acción en Finlandia, su país, para alternar, en una primera parte del filme, las desventuras de un finlandés recién divorciado (Wikström) y de un inmigrante sirio recién llegado allí (Khaled). Aparentemente uno y otro no tienen mucho en común, pero no deja de tratarse de dos personajes en huida, y en su búsqueda de una vida mejor su suerte se cruza en un restaurante. Se conocen a puñetazos, pero en ese bar cutre de la desdicha, donde transcurre fundamentalmente la segunda parte de la película, estrechan lazos, los lazos que legalmente Finlandia se niega a conceder a Khaled. Porque ese es el meollo de la propuesta de Kaurismäki: poner claro, con múltiples capas de humor muy personal mediante, que la solidaridad civil está supliendo la ayuda oficial a quienes escapan de la guerra siria.

No puede el cineasta dejar más clara su postura cuando presenta a Khaled explicando su periplo y su tragedia familiar ante funcionarios asépticos o en ese juicio perdido de antemano en el que se le niega el asilo porque la situación en su ciudad, Aleppo, no es para tanto. Pero la bandera de Kaurismäki no es la de la crítica que no va más allá, así que la une a episodios líricos, humanistas, de solidaridad con sus compañeros en el centro de internamiento en el que reside al principio y después con los trabajadores de ese restaurante donde no se cocina para el que Wikström le contrata. Así que, sí, hay drama y hay ternura, pero siempre tapizados por el sello casi dadá del director, tan personal como carente de pretensiones.

La ética que parece proponer es instintiva, una moral que no debería tener que reivindicarse por ser natural y que no merece, precisamente por esa razón, discursos densos. Khaled y Wikström, en los entornos tan extravagantes y a la vez con rasgos tan reconocibles en los que se mueven, generan empatía sin ser personajes redondos y sin apelar de forma directa al espectador, ni reírse ni llorar ni casi mover una ceja. Y porque no busca contentarnos, y lo suyo es un ejercicio de estilo, no crea el finlandés un desenlace feliz.

A subrayar la fotografía y su cuidado de la luz (hay un plano de Wikström en su restaurante con pared roja memorable) y los retazos brillantes de guion (ese consejo impagable de refugiado a refugiado, que vale para todo en la vida, de no poner cara de triste, porque expulsan antes a los melancólicos, pero tampoco reírse demasiado).

El otro lado de la esperanza, Aki Kaurismäki

 

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Vieja y Nueva Crítica: hablar o no hablar de cine español http://masdearte.com/fuera-de-menu/vieja-y-nueva-critica-hablar-o-hablar-de-cine-espanol/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/vieja-y-nueva-critica-hablar-o-hablar-de-cine-espanol/#comments Tue, 04 Apr 2017 16:30:42 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=161042 A fines del s XIX, cuando el cine se introdujo en nuestro país (la primera proyección tuvo lugar en Madrid el día de san Isidro de 1896), aún no contábamos con las bases industriales, económicas … Leer más

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A fines del s XIX, cuando el cine se introdujo en nuestro país (la primera proyección tuvo lugar en Madrid el día de san Isidro de 1896), aún no contábamos con las bases industriales, económicas y sociales adecuadas para su desarrollo. No era fácil el desarrollo de debates serios sobre cine al margen de los miembros de la burguesía intelectual nacida al calor de la Institución Libre de Enseñanza, más aún teniendo en cuenta que, quizá a diferencia de otras disciplinas, este medio necesita de forma muy evidente de un público no minoritario y sí participativo, educado y formado para su desarrollo.

Film Ideal nº15, 1958

Film Ideal nº15, 1958

En España, a fines del s XIX y principios del XX, las revistas de contenidos artísticos que llevaban a cargo una labor crítica sólida y mantenían espacios reservados para el séptimo arte encontraron menor difusión que en otros países europeos. De hecho no tuvo demasiado eco social, sí un importante valor simbólico, el número especial que La Gaceta Literaria dedicó al cine en 1928, un monográfico que no se dirigía tampoco al gran público, sino a una minoría interesada por asuntos como el decoupage, Epstein o la consideración del cine como arte nuevo.

Bien entrado ya el s XX, en 1951 y 1962, el que era entonces director general de Cinematografía y Teatro, José María Gil Escudero, reclamaba todavía una necesaria renovación del público para lograr una regeneración, ya no de la crítica o la prensa cinematográfica, sino del propio cine español, de sus argumentos, discursos y calidad técnica. En esa necesidad estuvieron de acuerdo Rafael Gil, Sáenz de Heredia o García Viñolas y Juan Piqueras, Florentino Hernández Girbal y Bartolomé Mostaza escribieron desde distintas ópticas y momentos pidiendo un determinado sello para el cine español, una impronta propia y distinta de la que realmente se proyectaba en las pantallas. Como intuís, esa cuestión identitaria sigue sin diluirse ni en nuestro cine ni en su crítica.

En los primeros pasos de la crítica cinematográfica desarrollada en España, no existía una esfera pública sólida donde intercambiar discursos razonados a partir de una noción ajena de arte o de un cine propio y, ya en los sesenta y setenta, quizá la revista Nuestro Cine fue la que evidenciaría la tendencia a atender a lo exterior en la revisión de actitudes, temáticas y problemáticas cinematográficas de la crítica, hasta fechas recientes.

VIEJA CRÍTICA

Se considera que se desarrolló entre 1907 y 1955, aproximadamente. Nació con las primeras revistas cinematográficas surgidas algunos años después de la llegada del cinematógrafo a España, como la llamada, precisamente, Cinematógrafo (1907), Arte y Cinematografía (1910) o El Cine (1911), prolongándose su desarrollo hasta la celebración de las Conversaciones Cinematográficas de Salamanca.

Esta Vieja Crítica presta atención a un cine triunfalista y espectacular del que se destacan sus aspectos más efectistas o glamurosos, por influencia de la lógica publicitaria de la crítica en Estados Unidos. En su vertiente divulgativa, tuvo secciones fijas en los diarios El Sol, El Diario Mercantil, el Diario de Barcelona, El Correo Catalán, El Día Gráfico, El Diluvio, La Vanguardia o El Noticiero Universal, y dos solían ser sus motivaciones: la labor de dar información o los ingresos publicitarios recibidos.

Por otro lado, se acometió una reflexión teórica sobre el hecho cinematográfico que, por nuestro contexto social, no tuvo demasiada repercusión fuera de minorías intelectuales, pero sí puso las bases para posteriores discusiones críticas sobre la constitución del cine español. En definitiva, aquella Vieja Crítica reflejó las discusiones sobre cine sostenidas fuera de nuestro país, sobre un cine no español, sentando, paradójicamente y sin pretenderlo, las bases intelectuales de las reflexiones sobre las posteriores cuestiones de nuestro cine.

Los ejemplos más ilustres de esa actitud crítica pero distante con el cine español fueron la revista España, que Ortega y Gasset creó en 1915, y La Gaceta Literaria, un proyecto intelectual que Giménez Caballero fundó en 1927. Los temas tratados en España por su crítico principal, Alfonso Reyes, se alejan en parte de la realidad traslucida del cine español, al centrarse en la comparación literaria, las alusiones a la mitología, las diferencias entre artes y géneros o las variantes entre héroes literarios y cinematográficos, discusiones semejantes a las de publicaciones coetáneas europeas.

Sus argumentos posiblemente solo resultaran accesibles, y sobre todo inteligibles, a personas de su esfera intelectual; público y realizadores españoles preferían un cine despreocupado y conectado con sus vivencias populares, donde las cuestiones estéticas que abordaba Reyes, o Antonio Espina, tenían escasa cabida. Pese a la inacción social, no obstante, estas teorías construirían el debate fundamental del futuro del cine español.

Nuestro Cinema nº 11, 1933

Nuestro Cinema nº 11, 1933

Las preocupaciones de la Vieja Crítica avanzarían hacia las esencias identitarias del cine español. Los argumentos de revistas como Popular Film (1926-1936), Nuestro Cinema (1932-1937), Cinegramas (1934-1936), Primer Plano (1940-1962) y Objetivo (1953-1955) subrayan, desde distintas premisas ideológicas, la búsqueda de un modelo para el cine español.

Rafael Gil escribió en 1931, para Popular Film: No pensábamos escribir sobre el cinema español. Y no íbamos a hacerlo por una razón bien sencilla: porque no nos gusta hablar ni forjar quimeras sobre lo que no existe. Juan Piqueras dijo un año después, en Nuestro Cinema: Nos hace falta un cinema que enfoque ampliamente el tema social, el tema documental sin falsearlo, el tema educativo desde un punto de vista sincero (…) Queremos un cinema enjundioso, nuevo y fuerte, y para preconizarlo y señalar los valores y deficiencias del de hoy, nacen nuestros cuadernos mensuales…

Hay que subrayar que desde las posiciones ideológicamente más extremas, como las que podrían representar, desde el comunismo, Nuestro Cinema y Objetivo o, desde la cercanía a la Falange, Primer Plano, se aproximaron en la solicitud de una regeneración absoluta del cine español. No obstante, mientras la revista falangista quiso encontrar su modelo cinematográfico en la españolidad, Nuestro Cinema se inspiró en el cine ruso de Eisenstein o Pudovkin.

Hay quien considera que el debate propiciado en el seno del cine español sobre su identidad es un trasunto del sostenido por la intelectualidad española desde la pérdida de las últimas colonias en 1898.

NUEVA CRÍTICA

La Nueva Crítica (1955-1983) viene delimitada por la aparición de la revista Cinema Universitario, nacida en las Conversaciones Cinematográficas de Salamanca como órgano dependiente del cine-club del SEU dirigido por Martín Patino (1955-1963) y el ocaso de la primera fase de la radical propuesta de Contracampo (1979-1983-1987), coincidiendo con el final de la transición. Las revistas más importantes de ese periodo fueron Film ideal (1956-1971) y Nuestro Cine (1961-1971).

A los diecinueve números de Cinema Universitario publicados en los cincuenta y sesenta podemos acceder a través de cervantesvirtual.com y Talens y Santos Zunzunegui han estudiado a fondo Contracampo, si os interesa profundizar.

A grandes rasgos, Cinema Universitario sintetizó dos propuestas críticas anteriores: Índice (1945-1976) y Objetivo (1953-1955), caracterizadas ambas por su combatividad, hasta el punto de que para Índice los asuntos políticos tuvieron a veces más importancia que la crítica artística.

Objetivo nº7, 1955

Objetivo nº7, 1955

El consejo de redacción de Objetivo, compuesto por Juan Antonio Bardem, Eduardo Ducay, Muñoz Suay y Caragorri, adoptó en materia cinematográfica un espíritu crítico y también polémico, en la línea de Cinema Nuovo de Aristarco.

El panorama de ideologías opuestas se completó con la aparición en 1956 de Film Ideal (1956-1971), síntesis de varias propuestas católicas anteriores vehiculadas por Arriba y las revistas Alcalá, Ateneo y Signo. La escisión política no fue estricta; en Objetivo colaboraron Juan Cobos, García Escudero y Arroita-Jaúregui, algunos de ellos futuros miembros de Film Ideal.

Nuestro Cine (1961-1971) ocupó, nada más comenzar a publicarse, el lugar de la existente pero debilitada Cinema Universitario, así como los de Objetivo, y se proclamó heredera de la revista de Piqueras, Nuestro Cinema.

Fue el gozne sobre el que giró la crítica elaborada por la izquierda y, tras su desaparición, Contracampo llenó su hueco. Francisco Llinás, editor y director, definió sus intenciones críticas como el estudio del hecho cinematográfico a partir del análisis de sus elementos materiales; un materialismo opuesto a la cinefilia que en las décadas anteriores había dominado la crítica europea. Durante el desarrollo de esa nueva crítica, vieron también la luz revistas de vida breve, como Documentos Cinematográficos (1960-1963), Cinema 2002 (1975-1980) o Casablanca (1981-1985).

Quizá la convivencia de Film Ideal y Nuestro Cine fue el momento más interesante de la Nueva Crítica. Su debate central se constituyó fuera del cine español, y podemos entender que la atención prestada al Nuevo Cine Español por Nuestro Cine forma parte de un proyecto cinematográfico de cariz político; quizá sin ese matiz el encuentro no se hubiera producido.

Nuestro Cine tendía a abordar un modelo cinematográfico basado en el realismo crítico propugnado por Visconti, autor escasamente difundido entonces en España, como Índice mostró su disconformidad con el cine coetáneo español y la necesidad de dotarlo de realismo, aunque fuese a costa de importarlo de fuera, para alcanzar un nuevo estadio cinematográfico consolidado por Berlanga y Bardem.

José María Pérez Lozano, en Objetivo, apuntaba que la propensión de la crítica española hacia un cine no español solo podía entenderse como una deserción ante la imposibilidad de luchar contra el inamovible estado del cine propio. Llegó a decir, en 1955: Creo que la culpa del mal cine que padecemos es atribuible de modo principal a la crítica. Vamos, es un decir. A la inhibición crítica. A la traición crítica. A la vergonzosa deserción de la crítica.

En la misma publicación, Bardem confesaba el mismo año su no menos cruda opinión: Después de sesenta años de cine, el cine español es políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo, estéticamente nulo, industrialmente raquítico.

Nuestro cine nº54, 1966

Nuestro cine nº54, 1966

La particular historia de la búsqueda de un cine español con nuevos aires encontró su jalón definitivo en el proyecto del Nuevo Cine Español, del que Nuestro Cine habló en una decena de números. Tras la primera etapa del franquismo, se procedió hacia cierta apertura: se reestructuraron planteamientos de base, insertando modelos europeos, sobre todo en lo económico. Pero aquel Nuevo Cine Español no derivó solo de la construcción de una vía económica para la cinematografía, sino también del deseo de erigir un cine español en consonancia con los cines europeos de los sesenta. Sobre los resultados, hay opiniones diversas.

La crítica moderna española, que puede fecharse entre 1983 y la actualidad, puede dividirse, según Luis Navarrete, en una crítica al uso, a la que se accede a través de los medios tradicionales, y otra desarrollada en Internet. Dirigido (1972), Archivos de la Filmoteca (1989), Nosferatu (1991-2007), Nickel Odeon (1995-2003) y Cahiers de Cinema. España (2007) componen, en cuanto a publicaciones especializadas, el grupo más prestigioso de la crítica al uso.

La unificación de los planteamientos crítico-cinematográficos y el borrado (en general) de matices y características históricas del cine español han hecho que nuestra crítica aparezca situada en una posición similar a la de sus homólogas europeas. Pero este episodio merece otro capítulo.

 

 

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Sugerencias de temporada: 10 ideas para el mes de abril http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-ideas-para-el-mes-de-abril/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/sugerencias-de-temporada-10-ideas-para-el-mes-de-abril/#comments Fri, 31 Mar 2017 10:21:20 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=160758   1. DÍA INTERNACIONAL DEL LIBRO INFANTIL Si hay un mes en el calendario especialmente librero, ese es abril. Casi todo el mundo sabe que el día 23 está dedicado internacionalmente a los libros, pero … Leer más

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qué ver en abril de 2017

 

1. DÍA INTERNACIONAL DEL LIBRO INFANTIL

Si hay un mes en el calendario especialmente librero, ese es abril. Casi todo el mundo sabe que el día 23 está dedicado internacionalmente a los libros, pero lo que no tantos conocen es que nada más estrenarse el mes, el 2 de abril, se celebra el Día Internacional del libro infantil, en homenaje al escritor danés Hans Christian Andersen. Actualmente, en las librerías y en las bibliotecas podemos encontrar maravillosos libros infantiles y juveniles que contribuyen al fomento de la lectura entre los más pequeños, además de enseñarles a desenvolverse mejor en su día a día. Como nos resultaba complicado recomendar solo uno, dos o tres libros para los más pequeños, hemos pensado en recordar a un autor que supo despertar el deseo por la lectura a través de la magia de sus historias y personajes: Roald Dahl, padre de fantásticas obras como Matilda, James y el melocotón gigante o Charlie y la fábrica de chocolate, entre otros.

 

2. reMARKABLE, LIBRETA DIGITAL

Para los que lo quieren todo, ahora existe una tablet que te permite escribir con boli, como si de una libreta en papel se tratara. Textos, dibujos o anotaciones en documentos para no tener que renunciar a la posibilidad de trasladar pensamientos al papel, disfrutando al mismo tiempo de los avances tecnológicos. De momento hay que hacer una pre-reserva -a un precio bastante más bajo del que tendrá cuando salga definitivamente a la venta- en la web de reMARKABLE, donde se pueden consultar todas las especificaciones técnicas de este dispositivo que lo tiene todo para triunfar en el mercado.

getremarkable.com

 

3. STEFAN ZWEIG, ADIÓS EUROPA

El 21 de abril llega a las salas españolas este biopic sobre el escritor austriaco Stefan Zweig, uno de los intelectuales más sobresalientes del siglo XX. Por su origen judío, Zweig fue perseguido por los nazis y se vio obligado a exiliarse, emprendiendo un viaje que le llevaría a París, Londres y finalmente a Sudamérica, instalándose definitivamente junto a su esposa en Brasil. La película está escrita y dirigida por Maria Schrader y, aunque no llegó a ser nominada, fue la cinta seleccionada en Austria para competir por el Oscar a la mejor película extranjera.

 

 

 

4. LAS CHICAS DEL CABLE

Las chicas del cable es la primera serie original española de Netflix y uno de los estrenos más esperados por los usuarios de esta plataforma. La historia nos traslada al Madrid de 1928 y nos introduce en la vida de Lidia, Marga, Ángeles y Carlota, cuatro chicas que comienzan a trabajar como telefonistas en el edificio más moderno de la ciudad. La amistad entre ellas será clave para el desarrollo de la trama y para defender un estado de libertad que las mujeres de la época tenían totalmente limitado. Las chicas del cable está escrita por Ramón Campos, Gema R. Neira y María José Rustarazo; dirigida por Carlos Sedes y David Pinillos y protagonizada por Blanca Suárez, Ana Fernández, Maggie Civantos y Nadia de Santiago.

 

5. EL MONARCA DE LAS SOMBRAS

Javier Cercas vuelve a la Guerra Civil con El monarca de las sombras, una novela que engancha por lo que cuenta pero sobre todo por cómo lo cuenta, por la magistral manera de escribir de Cercas. El libro narra la búsqueda del rastro perdido de un muchacho casi anónimo, Manuel Mena, que en 1936, al estallar la guerra civil, se incorporó al ejército de Franco y que dos años después moriría en la sangrienta batalla del Ebro. En realidad, Cercas también nos está hablando de él en este libro, porque Mena, falangista, era su tío abuelo, y para escribirlo ha tenido que indagar en el pasado más incómodo de su familia; por ello cuenta cómo habiéndose resistido mucho tiempo a meterse en harina con la investigación para esta obra acaba convirtiéndola en el libro que siempre había querido escribir. Cuestiones de memoria y de marketing al margen, la lectura amena y el buen ritmo de la narración, con momentos de tensión pero también de humor, hacen que sea una de nuestras recomendaciones para este mes.

www.megustaleer.com

 

6. FESTIVAL INTERNACIONAL DE JARDINES

Entre los meses de abril y noviembre, enmarcado en el idílico entorno del Castillo de Chaumont-sur-Loire tiene lugar cada año, desde 1992, la celebración del Festival internacional de jardines. Allí se dan cita los mejores paisajistas, diseñadores de jardines y artistas para dar rienda suelta a la imaginación y al poder florar, convirtiendo los entornos del dominio de Chaumont en un espectáculo para los sentidos. Aunque los trabajos permanecen hasta el otoño, se recomienda la visita de mayo a julio por ser cuando la floración se encuentra en su mejor momento. Además, durante una parte del verano, los jardines pueden visitarse por la noche, iluminados por diodos electroluminiscentes que con sus colores, sus luces y sus reflejos revelan aspectos inéditos, ambientes insólitos y misteriosos. Una propuesta a considerar para una escapa diferente.

www.domaine-chaumont.fr/fr/festival-international-des-jardins

 

7. MUSAS, LO NUEVO DE LAFOURCADE

Todavía no sabemos el día exacto en el que saldrá a la venta Musas,  el último rabajo de Natalia Lafourcade, pero la artista ya ha avanzado que será a finales de abril. Tras el éxito cosechado con Hasta la raíz, del que acaba de terminar la gira, la expectativa es alta, ya que la artista -y su personal estilo en el que se meclan pop y tradición- goza cada vez de mayor reconocimiento.

www.lafourcade.com.mx

 

8. CIRCO CONTEMPORÁNEO EN EL PRICE

El Price abre su programación de abril con la Gran Gala de Circo Internacional y continúa todo el mes con espectáculos de circo moderno, actual, de la mano de dos compañías con propuestas muy distintas: Machine de cirque y Cirque le Roux. La primera es una compañía canadiense fundada en 2013 que, bajo la dirección artística de Vincent Dubé, trabaja principalmente números de acrobacia y malabares, no exentos de poesía y pensados para entretener a todos los públicos. Por su parte, Cirque Le Roux es una joven compañía francesa que está causando sensación internacionalmente y que llega al Price con su espectáculo The elephant in the room, ambientado en 1937 en una de las habitaciones del suntuoso castillo de Miss Betty…

www.teatrocircoprice.es

www.machinedecirque.com

www.cirqueleroux.com

 

 

9. SEMANA DEL DISEÑO DE MILÁN

Milán es sinónimo de diseño y en abril tiene lugar en la ciudad una de las citas más importantes para creadores y fabricantes vinculados a esta disciplina. Quienes puedan pasar unos días en la ciudad italiana del descubrirán multitud de eventos paralelos al Salone del mobile (del 4 al 9 de abril) y cómo la ciudad se vuelca, aún más si cabe que el resto del año, con el tema del diseño. Desde fuera de menú recordamos este mes a Ettore Sottsass (1910-2017), uno de los diseñadores más originales de la escena milanesa del siglo XX.

 

10. FURIOSA ESCANDINAVIA

Víctor Velasco dirige esta obra sobre el amor y la memoria contada desde sus contrarios, el desamor y el olvido, inspirada en la lectura de En busca del tiempo perdido de Marcel Proust que bucea en estos temas tan propios del ser humano como son los recuerdos, el enamoramiento, la pérdida y la huida. En el Español, hasta el 16 de abril, de martes a sábado a las 20:30h y domingos a las 19:30h.

teatroespanol.es

 

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Ettore Sottsass en busca de la emoción http://masdearte.com/fuera-de-menu/ettore-sottsass-en-busca-de-la-emocion/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/ettore-sottsass-en-busca-de-la-emocion/#comments Thu, 30 Mar 2017 18:41:17 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=160912 Murió hace diez años y nació hace cien, así que este año es doble el motivo, en lo que a efemérides se refiere, para acordarnos de Ettore Sotsass, quizá el nombre más internacional del diseño … Leer más

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Ettore Sottsass & Perry King. Olivetti Valentine

Ettore Sottsass & Perry King. Olivetti Valentine

Murió hace diez años y nació hace cien, así que este año es doble el motivo, en lo que a efemérides se refiere, para acordarnos de Ettore Sotsass, quizá el nombre más internacional del diseño italiano pese a haber nacido en Innsbruck.

De padre arquitecto, creció en Milán y se licenció en arquitectura en Turín, finalizando sus estudios justo el año en que arrancaba la II Guerra Mundial.  Él se enroló en el ejército italiano, pasó buena parte de los años siguientes en un campo de concentración yugoslavo, y de hecho fueron precisamente las dificultades materiales que padeció en la posguerra las que motivaron que se dedicase al diseño de objetos y no al de edificios. Tuvo que esperar hasta 1948 para abrir, de nuevo en Milán, su propio estudio arquitectónico e industrial y por fin conoció la suerte cuando se fijó en sus proyectos Adriano Olivetti, el empresario al que le debemos nuestras máquinas de escribir más resistentes.

La colaboración de cerca de tres décadas que ambos mantuvieron tuvo como frutos la muy difundida Mainframe Elea 9003 y la portátil Valentine, que forma parte de los fondos del MoMA y que impactó con su luminoso plástico rojo. De hecho, Olivetti fue en aquellos años, aproximadamente entre los cincuenta y los ochenta, el mejor pasaporte de presentación de los grandes diseñadores italianos fuera de ese país y también el de su introducción en los hogares internacionales, en la esfera de la cultura popular. Sus diseños de máquinas Olivetti le valieron a Sottsass el Premio Compasso d´ Oro (en 1960, junto a Mario Tchou y Roberto Olivetti, por la Elea 9003) y un doctorado honoris causa por el Royal College of Art de Londres.

Pero en esos largos años en que trabajó para Olivetti, Sottsass no dejó de desarrollar su producción personal, realizando objetos en los que volcaba experiencias individuales, a veces relacionadas con sus muchos viajes y con la cultura india y lo tántrico, dos de sus pasiones. Quizá buscando que su obra no se asociara universalmente a una imagen de marca, el diseñador se ligó también a arquitectos jóvenes que trabajaban en proyectos de corte experimental, como Archizoom, los valedores del antidiseño, o Superstudio.

Ettore Sottsass. Librería Carlton

Ettore Sottsass. Librería Carlton

Junto a Arata Isozaki, Andrea Branzi o Michele de Lucchi puso en pie en los ochenta el grupo MEMPHIS, del que saldrían muebles icónicos, como la librería Carlton. En alguna ocasión, Sottsass declaró que el diseño era para él, más que una actividad, una manera de relacionarse con el mundo: Para mí, el diseño es una forma de discutir la vida, de discutir la sociedad, el erotismo, la política, la comida y el diseño mismo.

A raíz del éxito de Memphis, Sottsass puso en marcha la consultoría de diseño y arquitectura Sottsass Associati, desde la que defendió la necesidad de que la arquitectura no se alejase nunca de las necesidades del hombre y de la adaptación al medio natural. Devoto del poder de la belleza, buscó expandirla a todo tipo de materiales: además de muebles, edificios y máquinas de oficina, trabajó en joyas, orfebrería, cerámica, vidrio o lámparas. Con todos ellos quiso provocar una emoción.

Coincidiendo con el centenario de su nacimiento, Le Stanze del Vetro, un centro artístico dedicado al vidrio en la isla de San Giorgio Maggiore, abrirá el 10 de abril una muestra que incluirá dos centenares de sus trabajos en vidrio y cristal, procedentes en su mayoría de la colección Ernest Mourmans. Muchos de ellos serán inéditos para el público.

Podremos descubrir allí que Sottsass concibió estas piezas de índole artesanal como organismos complejos. Con el fin de dar vida al vidrio y desafiar los límites de su técnica, incorporó a ellas plástico y policarbonato.

Ettore Sottsass. Sillón Fliyng Carpet

Ettore Sottsass. Sillón Fliyng Carpet

 

 

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Plan teatral: os invitamos al estreno de El Eremita en los Teatros Luchana http://masdearte.com/fuera-de-menu/plan-teatral-os-invitamos-al-estreno-de-el-eremita-en-los-teatros-luchana/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/plan-teatral-os-invitamos-al-estreno-de-el-eremita-en-los-teatros-luchana/#comments Thu, 30 Mar 2017 12:19:58 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=160879 ¿Estáis cansados de vuestro trabajo o hartos de circular de uno a otro sin la menor pasión? Esa también es la historia de Miguel, un inadaptado en el mercado laboral que disfruta leyendo textos sobre … Leer más

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El eremita, Teatro en Serie¿Estáis cansados de vuestro trabajo o hartos de circular de uno a otro sin la menor pasión? Esa también es la historia de Miguel, un inadaptado en el mercado laboral que disfruta leyendo textos sobre los antiguos anacoretas y que decide dejarlo todo indefinidamente para dedicarse a la contemplación y la meditación, alejándose de distracciones mundanas. Su entorno trata de convencerlo de que no tome esa drástica decisión, por todas las vías posibles…pero no es Miguel el convencido.

Si os identificáis con sus dilemas, seguramente disfrutaréis con El eremita, la nueva propuesta teatral de Teatro en Serie, una fábula cómica sobre nuestros avatares íntimos en tiempos de competitividad y globalización. La dirige Luis López de Arriba, cuenta en su reparto con Miguel Uribe, Inma Gamarra, Marcos Fernández y Andrea Hermoso y se inspira, según ha explicado López de Arriba, en el fenómeno japonés de los hikikomori: jóvenes que deciden recurrir al aislamiento ante la imposibilidad de conectar con su entorno social, una suerte de anacoretas modernos que, eso sí, no han renunciado a Internet ni a los videojuegos. También se acordó el autor de la obra de Buñuel Simón del desierto, sobre Simeón el Estilita, y del documental de Alec Soth Somewhere to disappear, sobre dos geniales eremitas estadounidenses.

En 2014 ya os hablamos de otro proyecto de Teatro en Serie, La Casa de Huéspedes, un proyecto de teatro por capítulos. Esta compañía nació hace cinco años con el propósito de investigar las posibilidades de presentar teatro en espacios no convencionales y desde procedimientos tampoco habituales, como la entrega por episodios.

OS INVITAMOS A DISFRUTAR DE “EL EREMITA”

El eremita se estrena este domingo, 2 de abril, en los Teatros Luchana de Madrid a las 19:45 horas, y en ese mismo horario podremos disfrutar de ella el resto de los domingos de abril.

A la primera sesión os invitamos: pedídnoslas en Twitter o en Facebook desde las 17:15 horas, con el hashtag #ElEremitasoyyo. Nuestros dos seguidores más rápidos tendrán su entrada para este domingo 2.

El eremita, Teatro en Serie

El eremita, Teatro en Serie

 

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Novelas en las que lo dijeron todo http://masdearte.com/fuera-de-menu/novelas-en-las-que-lo-dijeron-todo/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/novelas-en-las-que-lo-dijeron-todo/#comments Tue, 28 Mar 2017 16:01:37 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=160797 A Luigi Pirandello lo conocemos sobre todo por su teatro, pero antes que ese género cultivó el de la nóvela y en uno y en otro mantuvo una densidad existencial parecida, preguntándose por la identidad … Leer más

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A Luigi Pirandello lo conocemos sobre todo por su teatro, pero antes que ese género cultivó el de la nóvela y en uno y en otro mantuvo una densidad existencial parecida, preguntándose por la identidad del yo. Entre su producción novelística destacó, sin duda, El difunto Matías Pascal (1904), en la que el autor siciliano abordó uno de sus temas preferidos: el desdoblamiento y la pérdida de la identidad personal que conducen a la completa incertidumbre. Se pregunta: Matías Pascal, ¿cuándo era más él? ¿Cuándo estaba vivo o cuando le creen muerto? Porque el hombre no sabe quién es: Uno, ninguno, cien mil, como se titulaba otra de sus novelas dos décadas posterior.

Repasamos otras novelas-compendio, esas que -prácticamente, para no exagerar– resumen carreras y nos ofrecieron, como El difunto Matías Pascal, lo mejor de sus autores:

EN BUSCA DEL TIEMPO PERDIDO

Marcel Proust

Marcel Proust

Marcel Proust tuvo la suerte, por su acomodado origen familiar, de poder dedicarse a la escritura sin preocuparse por la economía. Los ambientes burgueses, aristocráticos y elegantes con los que entró en contacto le sirvieron de material para sus obras, aunque lo relevante en ellas no es tanto el tono social como la forma de exponerlo.

Cuando, entre 1910 y 1922, escribió En busca del tiempo perdido, Proust se había decidido a llevar una vida aislada en una habitación tapizada de corcho con las ventanas cerradas. De allí solo salía por las noches.

El tiempo en que maneja las historias no es el objetivo, sino el del recuerdo y la memoria, las impresiones y las reminiscencias, y ese tiempo líquido queda por encima de los sucesos narrados, los personajes y el ambiente: es su razón de ser. Podemos decir que Proust trata de recuperar el tiempo (perdido) desde el hombre, subjetivamente, discurriendo veloz o deteniéndose morosamente.

A partir de Proust podemos hablar, en el ámbito de la novela, de una estructuración y de un tratamiento de los materiales derivados de una noción de tiempo impresionista.

EL RUIDO Y LA FURIA

William Faulkner fue un maestro aunando sus agitadas experiencias personales y sus observaciones del Sur estadounidense con un vocabulario sugerente e imaginativo, hasta el punto de confundir al lector sobre lo que es realidad y fantasía. Dio personalidad a los objetos y sangre a lo abstracto.

El ruido y la furia fue la primera y probablemente la mejor de una serie de tres novelas en las que relató la historia de una familia sureña a lo largo de varias generaciones. Nos traslada a ese Sur nostálgico de la Guerra de Secesión, poblado de gentes y costumbres conflictivas, quebrando el tiempo en constantes flashbacks y regresos al presente y reviviendo la historia pasada desde la actualidad y el monólogo interior.

En El ruido y la furia (1929) estructura el relato en cuatro núcleos narrativos en contrapunto cronológico. La siguieron, por cierto, Santuario y Mientras agonizo.

Si sois novatos en Faulkner, sabedlo de antemano: hay que tomárselo con tiempo (no tanto como a Proust). Lo advirtió Claude-Edmonde Magny: No es de extrañar que frecuentemente el lector se sienta inclinado a pedir gracia o, por lo menos, a protestar por el esfuerzo que se exige de él, y a acusar al autor de arbitrariedad y hasta de perversidad.

William Faulkner

William Faulkner

EL EXTRANJERO

Carmen Laforet. Nada

Carmen Laforet. Nada

Camus se resistió a enrolarse del todo en el existencialismo, era más literato y menos ideólogo que Sartre, pero su gran tema fue, como el de los escritores ligados a esa corriente, el problema del hombre y su libertad abordado desde una perspectiva libre de creencias religiosas. Su primera gran novela fue El extranjero (1942), que narra la historia de Meursault, sumergido en un absurdo vital desolador. Al protagonista no lo conmueven ni la muerte, ni el crimen ni el sufrimiento; parece ajeno a cualquier sentimiento y para él ni vivir ni morir tiene especial sentido. Tras un proceso judicial que Camus critica con sarcasmo, Meursault camina hacia la muerte aceptándola como otra sinrazón más.

Cinco años después llegaría La peste, donde Camus comenzaba a encontrar cierta salida a ese nihilismo corrosivo: la rebelión, no necesariamente acompañada de esperanza ni de resultados, sino como mero ejercicio de solidaridad existencial.

NADA

Nada es probablemente la mejor novela de Carmen Laforet, pese a la juventud de la escritora cuando la publicó (data de 1945, cuando ella tenía 24 años). Recrea el ambiente de la sociedad española de posguerra, centrándose en una familia marcada por la mediocridad y la alienación y en el entorno universitario. Robert C. Spires dijo de esta obra que, como La familia de Pascual Duarte de Cela, en lugar de documentar las circunstancias sociopolíticas del momento, transforma esas circunstancias en la experiencia de una psique que choca con la nueva realidad española. Cruda y desesperanzada, como el buen título indica.

DOCTOR ZHIVAGO

La libertad individual contra todo y todos. La épica novela de Pasternak llevada al cine y protagonizada por un médico que trata de ponerse a salvo, a él y a su conciencia, durante la Revolución Rusa, y la vida de su autor tienen ciertos puntos en común: el escritor, obligado a rechazar el Nobel en 1958, murió en plena campaña en su contra a cargo de las autoridades soviéticas, pagando el precio de la independencia.

Lo sensorial de su escritura quizá tenga que ver con sus dotes artísticas (antes de escritor, Pasternak fue pintor y pianista). Doctor Zhivago es un melodrama de virtudes estilísticas evidentes y de una intensidad que atrapa en lo trágico y en lo feliz.

Boris Pasternak

Boris Pasternak

ENTRE VISILLOS

La obra que le valió a Carmen Martín Gaite el Premio Nadal en 1957 muestra un mundo cerrado y asfixiante en una ciudad pequeña de los cincuenta, los tópicos enervantes y las formas absurdas, y lo hace desde una técnica detallista y objetivista que tendría eco en novelas posteriores de esta autora salmantina, como Ritmo lento o Retahílas.

El carácter de un profesor de alemán recién llegado al instituto choca con la cerrazón de sus alumnas y su conformismo.

Luis Martín-Santos. Tiempo de silencio

Luis Martín-Santos. Tiempo de silencio

TIEMPO DE SILENCIO

Cuando Luis Martín-Santos se dispuso a escribir Tiempo de silencio, solo pocos años antes de su muerte a los cuarenta, la novela predominante en los medios literarios españoles era la del realismo social, pero él quiso superar su objetivismo viajando al polo opuesto: a un subjetivismo en el que la ironía y un lenguaje algo barroco ampliasen las miras de un callejón de lo social que se le quedaba pequeño.

A diferencia de las novelas sociales de los sesenta, aquí no hay protagonista colectivo, sino individual; no hay conductismo sino auto-análisis de un fracaso personal y profesional y tampoco hay personajes planos buenos y humillados o malos y ociosos, sino que los rasgos se interrelacionan y quienes son víctimas lo son, más bien, de las circunstancias. Todos los personajes, en cualquier caso, luchan a brazo partido con su propia existencia pero ejercen también cierta posibilidad de elección; cierta porque las diferencias insalvables entre sus deseos y la realidad hacen que no haya opciones reales de cambio.

Esta novela se ha enmarcado a menudo en la línea barojiana de análisis nacional, aunque aquí Pedro, el héroe abandonado, se muestra con mayor poder destructor que el de los mitos hispánicos. Martín Santos desmitifica los supuestos valores nacionales, apuntando a ellos con cierto encono y recurriendo a la ironía, la ridiculización o la parodia.

VOLVERÁS A REGIÓN

Aunque se dio a conocer con Una meditación (1970), obra en la que se remontó a los momentos inmediatamente anteriores a la Guerra Civil recuperando procedimientos para reconstruir narrativamente el pasado que recuerdan a Faulkner y Proust, puede que la novela más interesante de Juan Benet fuese la anterior Volverás a Región (1967), donde localizó el espacio geográfico imaginario que daba sentido a las vidas y acontecimientos de quienes pueblan sus novelas. Ese mundo extraño, entre lo real y lo fantástico, lo había anticipado antes en la colección de relatos Nunca llegarás a nada (1961), que pasaron al principio desapercibidos.

En Región asistimos a la historia particular de tres personajes en contrapunto con otra historia general, la de la Guerra Civil. Benet aplica tres perspectivas: la del propio narrador, la de un doctor y la de la hija del general Gamallo, y entretanto superpone distintos planos temporales.

Alberto Oliart dijo de Volverás a Región que, por su estructura e intensión, se acerca a la técnica musical. Tiene sentido porque sabemos que Benet era muy aficionado a la música y sobre todo a Wagner.

 

 

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Locas de alegría, la cordura esquiva http://masdearte.com/fuera-de-menu/locas-de-alegria-la-cordura-esquiva/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/locas-de-alegria-la-cordura-esquiva/#comments Thu, 23 Mar 2017 17:32:21 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=160645 A mediados de 2014 se debatía en el Parlamento italiano el posible cierre de las residencias psiquiátricas mientras la situación económica del país preocupaba a algunos hasta el desquicie. Aquella controversia y el precedente crítico … Leer más

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Locas de alegría, Paolo VirziA mediados de 2014 se debatía en el Parlamento italiano el posible cierre de las residencias psiquiátricas mientras la situación económica del país preocupaba a algunos hasta el desquicie. Aquella controversia y el precedente crítico de El capital humano inspiraron a Paolo Virzi a vertebrar Locas de alegría, la aventura con forma amable y fondo amargo de dos internas en una de esas residencias, una clínica en un entorno paradisiaco, atendida por profesionales empáticos, en la que pacientes con enfermedades de gravedad muy diversa tratan de recuperarse.

La locura de las dos protagonistas (una Valeria Bruni Tedeschi en expansión y Micaela Ramazzotti recluida en sí misma) es literal y no tanto; evidentemente necesitan recurrir a la medicina, pero la suya es una de esas tristezas sin asideros, sin fecha de principio ni fin pero con causas trágicas y muy justificadas: la soledad, la ausencia de cobijo ni familiar ni sentimental, la suma de pesares sin espacio para la calma… el cansancio de vivir, como finalmente reconocen las dos. Si una se refugia de su pena en una alegría que es incapaz de canalizar y en mentiras y delirios de grandeza que le dan placeres breves, la otra lo hace en su propia nostalgia y en el deseo de recuperar, un día, al hijo del que perdió la custodia.

Las personalidades de la una y la otra apenas se acercan, pero quizá por eso se convierten en algo más que amigas íntimas: en consuelo mutuo, casi en ayuda imprescindible, quizá porque solo quien está en situación parecida a quien padece males psicológicos de este tipo puede proporcionar este tipo de comprensión que no demanda ni juzga y que consiste solo en acompañar. Su unión les permite encontrar cierto rumbo en sus constantes huidas sin destino, sus intentos por escapar, en el fondo, de sí mismas.

Las historias de ambas, y la mutua, son profundamente tristes (de una tristeza seria), pero Virzi ha tenido el acierto de trasladárnoslas desde la ternura y el humor, dando por hecha la inteligencia del espectador para comprender el fondo trágico de sus vidas sin mostrar ningún patetismo evidente. Quizá no porque el tema mueva a la chanza, sino porque la naturaleza humana puede ser realmente graciosa. La risa en las escapadas de Beatrice y Micaela es inevitable, tanto como obvia es la dificultad del camino que las dos tienen por detrás y por delante.

Ambas son tóxicas y la personalidad de ambas atrapa, porque su locura puede ser ambigua y cuestiona lo que entendemos por cordura. Virzi lo declaró en la pasada Seminci, donde Locas de alegría obtuvo la Espiga de Oro: Atención, que en este mundo te conviertes en loco en un momento.

El toque realmente sentimental nos espera en el desenlace, que no conmueve menos por más que podamos anticiparlo.

Aunque Micaela y Valeria, sobre todo esta última, se merienden casi al completo la película los tipos con los que se cruzan dan para trazar un análisis psico o sociológico de una sociedad de norte un tanto perdido (sus padres, sus amantes y conocidos son casi invariablemente egoístas o hipócritas y la bondad la acaban encontrando en desconocidos). Como en El capital humano, Virzi no da puntada sin hilo.

Locas de alegría, Paolo Virzi

 

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El viajante o el arte de dirimir cuentas http://masdearte.com/fuera-de-menu/el-viajante-o-el-arte-de-dirimir-cuentas/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/el-viajante-o-el-arte-de-dirimir-cuentas/#comments Fri, 17 Mar 2017 23:35:03 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=160427 Un acto brutal que no vemos ocasiona tramas donde los no culpables dejan claro que, a su manera, ellos tampoco son del todo inocentes. Ocurre en Los exámenes de Mungiu, también en Elle, y nuevamente … Leer más

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El viajante, Asghar FarhadiUn acto brutal que no vemos ocasiona tramas donde los no culpables dejan claro que, a su manera, ellos tampoco son del todo inocentes. Ocurre en Los exámenes de Mungiu, también en Elle, y nuevamente una violación que no se nos enseña hace tambalearse vidas estables en El viajante, la obra de Asghar Farhadi que obtuvo el Óscar a la Mejor Película Extranjera en la última edición de los premios.

Emad y Rana (Shahab Hosseini y Taraneh Alidoosti) forman una pareja sólida de actores de teatro inmersos en la preparación de La muerte de un viajante de Miller. Su personalidad y su relación se debate entre sus personalidades avanzadas y el contexto tradicional en el que se desenvuelven.

El bloque en el que viven se derrumba  -su huida de allí se nos presenta en la primera secuencia del filme- y ese es el anticipo del trauma mayor que llegará cuando acaben de instalarse en su nuevo piso: Rana abre confiadamente la puerta de su casa confiando en que es su pareja quien ha llamado al telefonillo, pero quien sube resulta ser un extraño que abusa de ella y se marcha dejando múltiples huellas.

Desde ese momento Farhadi nos guía por dos caminos: el de Emad tratando de averiguar quién la ha vejado a ella, decidida a no denunciar; y el de ambos por intentar que la situación no pueda con su unión y con la idea del mundo que manejaban hasta ese momento.

Encontrar al violador, bastante digno de lástima y lo suficientemente torpe para sembrar sus pasos de pistas, no fue demasiado difícil; lo realmente complicado para la pareja fue gestionar el dolor, controlar los deseos de violencia y de venganza, actuar de un modo que satisfaga en lo posible a los dos y que no vaya encaminado solo a restañar el orgullo del marido herido.

Ese dilema moral supone el meollo de la historia de El viajante porque, aunque determine su desenlace, se va gestando desde que ocurre el suceso trágico y mina, grieta a grieta y miedo a miedo, la relación entre Emad, quien parece guiarse por una voluntad de reparar un honor mal entendido, y Rana, que pretende sentirse protegida y olvidar, sobre todo tras conocer las circunstancias de su violador y a su familia.

La verosimilitud del final de la película, que se mueve con agilidad entre el melodrama y el thriller, puede ser cuestionable, pero en cualquier caso el mensaje de Farhadi, ese sí carne del día a día, se plantea con claridad: la pureza moral es escurridiza, también para quienes no delinquen.

Es interesante cómo la estética del filme (la humildad del segundo piso de los protagonistas y de los medios con los que disponen al actuar, las paredes resquebrajadas, los cielos siempre nublados, sus rostros serios constantemente, en los que la cámara se recrea -solo un niño les saca una sonrisa, abruptamente interrumpida-) anticipan la sordidez y la pobreza interior, muy distinta en cada caso pero pobreza, del culpable y del que se considera más agraviado que su mujer.

El viajante, Asghar Farhadi

 

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Los últimos: las voces diversas de nuestra Laponia http://masdearte.com/fuera-de-menu/los-ultimos-las-voces-diversas-de-nuestra-laponia/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/los-ultimos-las-voces-diversas-de-nuestra-laponia/#comments Thu, 16 Mar 2017 19:43:08 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=160394 Toda Soria; Guadalajara, Teruel y Cuenca casi también por completo; el suroeste de Zaragoza, el sureste de Burgos, el nordeste de Segovia, el sur de La Rioja y el interior de las provincias de Castellón … Leer más

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Los últimos. Voces de la Laponia española. Paco CerdáToda Soria; Guadalajara, Teruel y Cuenca casi también por completo; el suroeste de Zaragoza, el sureste de Burgos, el nordeste de Segovia, el sur de La Rioja y el interior de las provincias de Castellón y Valencia conforman lo que Francisco Burillo, Catedrático de Prehistoria de la Universidad de Zaragoza, llama Serranía Celtibérica y el periodista de Levante-EMV Paco Cerdá ha dado en llamar la Laponia española. Su despoblación es conocida, pero las cifras abruman: en una superficie equivalente a la de Dinamarca, Lituania, Letonia, Croacia, Eslovaquia, Estonia, Países Bajos, Bélgica, Eslovenia, Chipre, Luxemburgo y Malta habitan menos de 500.000 habitantes (censados, los números reales son otra historia) y solo seis poblaciones superan los 5000 vecinos.

Datos similares, referidos a la España no costera, los recogía Sergio del Molino en La España vacía, y no por imaginados dejan de sobrecoger. Si la obra de Del Molino era un repaso bien trazado por la evolución de la percepción de lo rural en nuestro país, desde los propios pueblos y desde la ciudad, la que recientemente ha publicado Paco Cerdá (Los últimos. Voces de la Laponia española, editada por Pepitas de calabaza) propone una inmersión en el mismo paisaje desde una perspectiva distinta: la charla cercana y desprejuiciada con quienes lo habitan. Cercana porque la mirada y el trato de Cerdá hacia quienes viven en los pueblos carece de los defectos de forma de los que hablaba Del Molino y a los que tan acostumbrados estamos (el paternalismo, la altanería, la idealización) y desprejuiciada porque ha tenido el acierto de no dar voz únicamente a quienes los tópicos asocian a la vida rural – agricultores y ganaderos que, desde luego, también aparecen – sino también a profesionales de perfiles variados que, por obligación o elección, viven en pueblos (maestros, entrenadores de equipos de fútbol, extranjeros enamorados del campo y con posibilidades de trabajar a distancia, personas llegadas de la ciudad buscando otra calidad de vida…).

En Los últimos hay historias (realidades) desoladoras, como la de Juan, el único chaval de Selas, que tiene que jugar solo en el frontón; el hombre sin nombre de Otilla, que murió solo y sin que nadie se enterase hasta días después; la de los chavales de Cuevas de Cañart que asistieron al cierre de su escuela (certificado de defunción, prácticamente, para cualquier pueblo) o la del decadente equipo de fútbol de Campillo de Altobuey; pero también hay historias de gente absolutamente feliz que no cambiaría por nada una vida sencilla, sobre todo sencilla.

El problema de la despoblación (porque lo es, acuciante) es un asunto muy complejo, difícil de abordar en sus causas, no tanto en sus consecuencias. Es complicado dilucidar si se produjo, hasta cierto punto, de forma natural tras la mecanización del campo; si esta nos llegó a España tarde y desordenada, y eso favoreció la desatención a los pueblos; o si existe algún tipo de interés en la escasa relevancia dada hasta ahora a “la España vacía” a nivel político, como algunos entrevistados por Cerdá dejan caer. Este periodista no entra en esas disquisiciones, pero hace el acto valiosísimo de poner nombre a quienes viven en los pueblos olvidados, que, paradójicamente y como él mismo señala, quizá fuesen menos bellos a ojos de quien viene de fuera si nos acordásemos más de ellos.

Narra sin idealizar, dejando claro que lo bucólico empieza en un sitio y acaba en otro y que allí mismo empieza lo duro. Pero también sin ocultar la calidad de vida de la que disfruta el medio millón de pobladores repartidos por diez provincias que viven, felices y no tanto, casi en el silencio. Porque el día a día en el campo puede no ser apto para gente extraordinariamente social o muy presumida que necesite constantemente alguien con quien comunicarse o con quien fardar; pero el cemento urbano (y sus caras de cemento) tampoco son terreno abonado para el bienestar de quienes disfrutan, sin complejos, de la naturaleza o la soledad.

Lo explica Alberto, un chef de prestigio que decidió cocinar en Checa: Hay personas que rondaban la treintena y que no habían oído nunca el silencio hasta que llegaron aquí. Lo mismo pasa con el cielo (…). Este entorno no te aporta nada: de aquí solo te llevas lo que traes dentro de ti. Esta soledad elimina interferencias. Es como una campana de silencio. Y eso es un arma de doble filo que actúa como un amplificador emocional: si tú estás bien, aquí estarás mejor; pero si estás mal, este sitio puede ser un infierno insufrible.

En la enorme franja de este país por la que Cerdá ha viajado viven 7,34 habitantes por kilómetro cuadrado.  Los pueblos y las zonas de las que habla  -algunas, de una belleza que apabulla sin exagerar-  son la pura vaciedad (olvidaos, si no lo habéis hecho, de frases de informativo como Nos encontramos en Calasparra, una pequeña localidad murciana de tan solo 10.000 habitantes. La pequeñez es que haya más gatos que vecinos). Encontrar medios de vida en estos lugares es difícil y habitarlos no está hecho para todos -sí para muchos más de los que hay-, pero lo que no tiene excusa es el desconocimiento, puede que un problema tan grave como el de la misma despoblación.

La RAE la recoge mencionando su uso peyorativo, pero la acepción de provinciano como “poco elegante o refinado” es absolutamente absurda; poco elegante o refinado es el que se cree distinto o mejor por el peregrino motivo de haber nacido en una ciudad grande. Si pueblerino es alguien, también en su acepción peyorativa, “poco refinado en sus modales o en sus gustos, o carente de amplitud de ideas o puntos de vista”, no hace falta mucho tiempo para encontrar urbanitas con esa cualidad. Es posible que la vida en el campo imprima carácter (leyendo a James Rebanks en La vida del pastor, a quienes charlaron con Delibes en Castilla habla o a quienes hablan con Cerdá, o simplemente pensando en nuestros abuelos veremos muchos lazos). Pero no tanto lazos de cerrazón como de esfuerzo. El respeto con el que Cerdá conversa con unos y otros es prueba de sensibilidad y de conocimiento del medio.

No sabemos si este renovado interés literario por el campo se materializará en alguna consecuencia positiva, pero el hecho de que autores jóvenes estén prestándole atención y generando ensayos sólidos sobre la despoblación es, desde luego, una razón para la alegría.

Un último apunte: leyendo Los últimos descubriréis dónde germinó en Julio Llamazares la idea de dar forma a esa novela de culto que fue La lluvia amarilla. (No es Ainielle, ese fue el aldabonazo).

Iglesia abandonada de Sarnago, Soria

Iglesia abandonada de Sarnago, Soria

 

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La comunidad de los corazones rotos, y alienados http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-comunidad-de-los-corazones-rotos-y-alienados/ http://masdearte.com/fuera-de-menu/la-comunidad-de-los-corazones-rotos-y-alienados/#comments Tue, 14 Mar 2017 16:03:29 +0000 http://masdearte.com/?post_type=fuera-de-menu&p=160251 En domicilios sin textiles estampados, y prácticamente sin más muebles que los básicos, viven vecinos de rostros tan anodinos como sus casas (celdas de un bloque-enjambre de suburbio) que parecen moverse como guiñoles y que … Leer más

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La comunidad de los corazones rotosEn domicilios sin textiles estampados, y prácticamente sin más muebles que los básicos, viven vecinos de rostros tan anodinos como sus casas (celdas de un bloque-enjambre de suburbio) que parecen moverse como guiñoles y que apenas se conocen entre ellos. Alguno incluso desconfía al dar su nombre.

Componen La comunidad de los corazones rotos un gafe reincidente que se queda en silla de ruedas al día siguiente de rechazar pagar el ascensor; un adolescente silencioso que vive solo y se relaciona con gentes que saben abrir puertas sin ser cerrajeros, una actriz que ya vivió sus mejores tiempos y que acusa igualmente la soledad y una madre anciana y bondadosa que acoge en su casa a un astronauta recién llegado con toda la naturalidad del mundo.

Son gentes extrañas; son entrañables, somos todos. El quinto largo de Samuel Benchetrit, a quien quizá recordéis por Janis & John, se inspira en un proyecto literario del propio cineasta, que es también escritor: Crónica del asfalto, localizable -su primer volumen- en Anagrama. Se trataba de un repaso (extenso, en cinco libros de los que se han publicado ya tres) de sus primeros treinta años de vida, pero no examinados a través de sus vivencias personales sino desde un enfoque mucho más original: prestando atención a los espacios en los que transcurrió ese periodo y a las personas con las que más o menos, más menos que más, convivió.

Benchetrit creció siendo niño y joven en uno de estos barrios de las afueras y precisamente su hijo, Jules, interpreta al chico que podría ser su alter ego, un joven algo huraño que, muy poco a poco y marcando distancias, entabla cierta relación cuasi maternal con su vecina (Isabelle Huppert, encantadora en el rol de una señora misteriosa, siempre en apuros y nunca apurada). Una relación semejante entablan también el astronauta americano (John McKenzie) que se pierde en el espacio y acaba apareciendo en el tejado del edificio y la señora de origen árabe (Tassadit Mandi) que lo acoge, amorosa progenitora de un chico conflictivo a quien visita en la cárcel. El señor constantemente gafe (Gustave Kervern) también encuentra con quien compartir mentiras piadosas en una enfermera de un hospital cercano (Valeria Bruni-Tedeschi), con quien aprende a coincidir a la hora de su cigarro. Unos y otros se cruzan en encuentros que empiezan en prosa y terminan en verso.

La comunidad de los corazones rotosLa comunidad de los corazones rotos es la historia de una vecindad de números primos que, ellos sí, parecen astronautas llegados de algún punto del espacio a ese lugar. Pero aunque Benchetrit juegue con humor a acentuar su aislamiento y sus rarezas, nos queda claro que lo que estos vecinos tienen en común es su soledad (sentimental, social o ambas) y su desamparo, y que ni la una ni el otro tienen edad ni profesión, aunque quizá sí caldo de cultivo: ciudades en crecimiento desordenado.

Mientras el formato 1:33 subraya las estrecheces vitales y de espacio en que viven los personajes, el tono cómico y una atmósfera de cierta irrealidad restan seriedad, y sentimentalidad, a lo que podría entenderse como tragedia y aquí es motivo de risa amarga.

Es inevitable pensar que cada uno de los corazones rotos podría ser objeto por sí mismo de otra película. Si Benchetrit continúa optando por lo autorreferencial, veremos.

 

 

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