NOMBRE: Nora
APELLIDOS: Silva
LUGAR DE NACIMIENTO: Madrid
PROFESIÓN: Artista
Cuando el virus nos barrió a todos de las calles, en La Casa Encendida quedó suspendida “Generación 2020”, la muestra que reunía los ocho proyectos seleccionados en la última edición de la convocatoria de la Fundación Montemadrid, que ya ha cumplido dos décadas. Entre ellos se encontraba el de nuestra última fichada, Nora Silva: en No Fall Games, nos proponía una coreografía de acciones y gestos inspirados en los sistemas de vigilancia y seguridad a los que nos hemos habituado, los sociales y los propios. Esa performance se desarrolló durante varios fines de semana de febrero, dentro de una instalación en la que la artista abordaba el miedo y la claustrofobia interiorizados en sociedades teóricamente abiertas, las amenazas a nuestra privacidad y a la misma diversidad social y de pensamiento que implica nuestra búsqueda constante de certezas y la conjura de riesgos.
Antes, Silva ha presentado muestras individuales en Sa Parra (Menorca), en el precioso pueblo riojano de Torrecilla en Cameros, Artists Alliance (Nueva York), en LaJuan Gallery (Madrid), la Chalton Gallery de Londres y ODD Gallery (Bucarest) y ha participado en colectivas en espacios como Corporum (Aarhus, Dinamarca), el Design Museum de Londres, la Tate, dentro del programa Tate Exchange; Open Space Contemporary (Londres), el Salón Acme de Ciudad de México, la SO gallery, el Shonibare Studio, 53 Beck Road, el Camden Art Center, el Carousel, IKLECTIK y el ICA de Londres. También en Contemporary Colective, Draft House, el Bussey Building, el Chelsea Fringe Festival y el WCA, de nuevo en la capital británica; en la Tabacalera madrileña o el Palacio de los Serrano de Ávila.
Las residencias de PACTO le han llevado a Milán, Galicia y Atenas; también ha desarrollado otras en Residency Unlimited (Nueva York), Ses Dotze Naus (Ibiza) y el Arctic Circle Residency (Svalbard, Noruega) y, antes de ser una de las seleccionadas en Generaciones, participó en el Encontro de Artistas Novos gallego y recibió una beca del INJUVE por su proyecto I Never Went (2018); fue nominada al Premio a la producción artística de Fundación Banco Santander y al Artquest Workweek Prize (2017) y obtuvo una beca del Gilbert Bayes Trust británico (2016). Asimismo, ese mismo año, Nora obtuvo el David Villiers Award británico y resultó seleccionada en los Cowley Manor Awards.
Licenciada en Bellas Artes por el Wimbledon College of Arts de Londres (la ciudad donde reside) y Máster en el Royal College of Arts, Silva se ha formado también en el Westminster Kingsway College y en Filosofía en la UNED y se incorpora esta semana a nuestros Fichados porque queremos prestar atención a su mirada sobre cuestiones que a todos nos afectaban antes del confinamiento pero que, parece, serán fuente de (pre)ocupaciónes aún con más intensidad tras la pandemia: la vigilancia y el reto de mantener la intimidad en Internet, el desarrollo de identidades digitales y las reglas de la política en la red, la incuestionable presencia de lo virtual en nuestro mundo cotidiano e incluso los mecanismos de manipulación de comportamientos y opiniones a través de las redes, vía monitorización constante de nuestra actividad digital. También le interesan a Silva la banalización de la violencia derivada de ciertos videojuegos o de su tratamiento en el cine y la difícil pervivencia de la autenticidad y del humano error en un clima social que abona la sobreprotección, individual y colectiva.
Como decíamos, estudió Bellas Artes en Londres, pero finalizados sus estudios decidió transitar por caminos aparentemente muy distantes… que de forma natural le llevaron de vuelta a la creación. Nos habla de sus inicios: Cuando acabé la carrera de Bellas Artes me hice cocinera, porque estaba desencantada con el mundo del arte. Fue cuando me fui de viaje por Latinoamérica, cocinando de país en país, cuando empecé a hacer pequeñas acciones por mi cuenta, sin ninguna pretensión ni objetivo. Entonces me di cuenta de que en realidad estaba generando obra, y decidí intentar trabajar en una revista de arte para volver al ruedo de alguna forma. Trabajé unos meses en México D.F., redactando para Revista Código, y aquello bastó para convencerme de que quería ser artista. Conseguí meterme de nuevo en el mundo del arte a través de una residencia artística en Nueva York.
Como adelantábamos, se sumerge en su producción en las transformaciones que lo digital ha traído a nuestras vidas y en la consideración actual de nuestra privacidad, pero entre sus intereses también se encuentran las huellas de la colonización y la descolonización en América Latina, en relación con sus propios orígenes, y otros asuntos con implicaciones sociales: Me interesa, por un lado, trabajar la identidad nacional y el postcolonialismo, ya que soy mitad española, mitad chilena, y hacer obra sobre ello es mi forma de acercarme a la fabricación de mi propia subjetividad. Por otro lado, me interesan temas políticos de actualidad, por ejemplo políticas migratorias, la pérdida de privacidad o la distribución de la responsabilidad del espacio a través de “health & safety” y los sistemas de seguros.
La propuesta que hasta el pasado marzo pudo presentar en La Casa Encendida es representativa de sus medios habituales de trabajo; su obra se basa en acciones, pero estas suelen acompañarse de proyectos materiales que podemos abordar de forma autónoma: Trabajo principalmente con performances, pero siempre creo instalaciones y obra, principalmente en cerámica, metal y pintura, que acompañan las acciones y que también se constituyen individualmente como piezas.
Sus referencias son diversas; menciona a habituales del circuito de performances; a quienes, como ella, desarrollan su práctica tanto en el campo de la acción y la coreografía como en el de la plástica y cierto cine (y series) sobre androides y usos sombríos de la tecnología: A nivel performático me fascina el trabajo de Anne Imhof o Ragnar Kjartansson, el colectivo STASIS, Alexandra Pirici, Holley Blakey y Hannah Perry. Por otro lado, me encanta la obra de artistas plásticos como Paloma Proudfoot, Holly Hendry, Sara Ramo o Teresa Soler.
También me interesa la estética de Blade Runner o Black Mirror.
Hemos hablado ya de No Fall Games, su último proyecto expuesto. Incidiendo en nuestra contemporánea obsesión por esquivar todo peligro, sus performers se nos mostraban envueltos en ergonomía diseñada para prevenirlos y monitorizaban sus movimientos mientras tomaban selfies, generando un autodiseño mediado por algoritmos para la recopilación de datos y la producción del valor de una marca propia a la que no podíamos acceder. Sus acciones quedaban determinadas por la eficiencia y la seguridad: eran aeslethes – estetas atléticos, ágiles productores de contenido.
En alguna ocasión, Silva ha desarrollado performances para escenarios concretos; fue el caso de The Reluctant Goodbye, que llevo a cabo durante una expedición en barco al Círculo Polar Ártico, en relación con el incremento de su temperatura debido a la acción humana: Arrojé cubitos de hielo al mar, tratando de devolver el hielo perdido. La pieza es un gesto desesperado hacia la inmensidad de la crisis climática, un enfoque doméstico hacia un exterior inalterable. Casi como David contra Goliat, arrojé los cubos de hielo con violencia. Como una broma ansiosa, la pieza es un intento ridículo de frenar el calentamiento global.
Nora considera necesario abordar desde el arte el reto de la conservación de la naturaleza, a sabiendas del eco limitado de las decisiones personales: Teniendo en cuenta el alarmante estado del calentamiento global y la ausencia de medidas gubernamentales, me parece urgente trabajar desde el arte sobre una crisis que nos afecta como especie. Sin embargo, ¿cuál es nuestra capacidad como ciudadanos sin facultad aparente para afectar cuestiones figuradamente inalcanzables? ¿Podemos convocar el cambio desde lo doméstico? El reto consiste en usar el poder de los pequeños gestos con una romántica peregrinación hacia el norte. The Reluctant Good Bye es un esfuerzo constante hacia una causa percibida como perdida. Sin embargo, no trata sobre el fracaso, sino sobre la esperanza.
Podemos relacionar No Fall Games con I Never Went, donde ya estudiaba la difícil pervivencia de la privacidad en tiempos de hipervigilancia; planteando si se ha convertido en un concepto exótico o destinado a la melancolía. Diseñó un carnaval en referencia al mercado de identidades en el que quizá se hayan convertido las redes: Mientras navegamos gobernados voluntariamente por algoritmos, reconocemos que la privacidad es una cosa del pasado. Ya no es opción, sino una causa perdida, de alguna manera nostálgica. De manera similar a la pérdida de lo exótico, ahora hemos sido privados de privacidad. Cubierto en datos como un edredón sofocante, propongo un carnaval. El carnaval como festividad en la que se celebra la pérdida de identidad, una conmemoración donde todos son famosos y nadie lo es.
El carnaval es un ritual invertido, en el cual los roles sociales se dan la vuelta y las normas sobre el comportamiento deseado se suspenden. Las jerarquías son aplanadas y la identidad queda borrosa. Sin embargo, ¿cómo podemos desenfocar efectivamente la identidad bajo vigilancia global? ¿Cómo podemos fabricar una nueva tradición? ¿Podemos instalar una tradición? El espectáculo incluyó un desfile filmado, puestos de panópticos, un patrón de carnaval de privacidad trinitario y un banquete de carne falsa.
En varios de sus trabajos, Silva ha hecho hincapié en los significantes de los espacios y en los roles que asumimos al encontrarnos en unos u otros lugares. Ocurrió en Your Friendly Local, que se presentó en la Charlton Gallery, el pub The Cock Tavern y una tienda de comestibles: Al confrontar las ambigüedades y expectativas de cada espacio con la obra, las ideologías de los diferentes establecimientos se confunden, desdibujando los roles durante la toma de decisiones. Si la performance se hace en el pub, ¿convierte a los consumidores del mismo en audiencia? ¿Puedo colocar una pintura entre las patatas fritas en la tienda, y además, podría comprarla? ¿Puedo servir alcohol en la galería pero eliminar la charla, eliminar lo social? Explorando la noción de “estética duradera” (durational aesthetics), diseñé diferentes acciones para que sucedieran en ciertos momentos en los diferentes contextos.
Y también en The Arms: The Arms es un pub que fue instalado como contexto para performances y eventos. Al utilizar la estrategia del bar como ready-made, las subjetividades de los espacios se enfrentan y confunden entre la ideología de la galería, la escuela y la casa social del alcohol. Sin embargo, las ambigüedades de las regulaciones del espacio expositivo se verán confrontadas con la obra. The Arms albergó actuaciones no puntuales, como una mamá amamantando a su hijo, gemelos idénticos haciendo un pulso o un maniático comiendo nueces constantemente.
El proyecto que Silva llevó a LaJuan Gallery madrileña fue Hear me whisk, cuyo título procede de un poema de Kim Wells que a su vez era una adaptación de la canción I Am Woman, un himno feminista en el Estados Unidos de los setenta. La fusión inesperada de narrativas tomadas de ámbitos distintos activaba de nuevo la reflexión: La versión de Kim Wells es más doméstica, menos épica y más práctica. Para Hear Me Whisk, utilicé ese carácter de familiaridad casera para crear una escena hogareña con una narrativa entre la ficción de hospital y la receta de cocina. Albergó una serie de acciones ritualistas que hacen referencia a la identidad nacional de exportación, al feminismo de estar por casa y al realismo mágico como terapia, a ritmo de música clásica de salón.
Las diferentes acciones se aproximaban a temas como la identidad del sur en el norte, la comodificación o el feminismo desde la fábula de la performance. Algunas de las narrativas: una de las performers bate nata constantemente, sin prisa ni presión pero con una constancia casi absurda que acabará por embadurnarlo todo. La explotación tranquila de una nata que llega a su apogeo para después caer cuajada. La nata es recogida por una segunda performer que la usa para cubrir sus piernas y proceder a depilarlas con un cuchillo de mantequilla, que acabará revelando la misma piel. En el otro extremo de la sala hay otra performer haciendo zumo de naranja con el puño, rechazando la media naranja con una violencia vitamínica y hablando sobre la soledad en un trago perdido.
El Brexit también tuvo respuesta performática de Nora, con Juliet Sings to Romeo: Es una obra desarrollada durante las semanas previas al referéndum del Reino Unido sobre su permanencia en Europa. La obra tuvo lugar en un balcón en una zona céntrica de Londres, desde el que una cantante de ópera entonó el himno europeo con un megáfono todos los días durante una semana.
Y, asimismo, ha estrechado lazos entre performance y juego, cuestionando si este debe atenerse a reglas y hasta qué punto ser social implica ser disciplinado en A Playground for Homo Ludens: Homo Ludens y la diversión fallida: una historia de juegos instruidos y expectativas decepcionadas. ¿Tiene un juego un lado correcto y otro incorrecto? ¿Tiene un manual de instrucciones? ¿Hay una manera adecuada de usar el patio de recreo? ¿Puede ser un tobogán inútil? A Playground for Homo Ludens es una escultura en metal que quiere cuestionar la naturaleza disciplinada de ser social.
Nos explicaba la artista al principio que uno de los intereses fundamentales presentes en su obra es el de las migraciones. La problemática en torno a las que se dirigen de México a Estados Unidos la trató en Limbo, dirigiendo nuestra mirada a las dificultades inherentes a cruzar las vallas: Con el objetivo de evidenciar la problemática existente entre la frontera de Estados Unidos con México, Limbo es una propuesta que incluye una proyección de vídeo y un juego de limbo. El vídeo muestra a una mujer mexicana haciendo una demostración de “Instrucciones de seguridad para el cruce de fronteras”, una serie de directrices absurdas sobre cómo proceder dependiendo del peligro confrontado al estilo de las instrucciones de seguridad de un avión.
En The Baptism ya había abordado el asunto migratorio, en aquella ocasión haciendo alusión a las adaptaciones culturales y tomando como punto de partida su propia experiencia: Como rito para establecerme como inmigrante al mudarme en Londres desde España, entré al río Támesis para ser “bautizada” por una londinense. Usando mi historial católico como agente de significación, reubiqué el ritual como símbolo de las transiciones migratorias actuales.
Cerramos nuestro repaso a su producción con The Google Translate Poems, esta vez un proyecto dedicado al lenguaje y a los resultados de tratarlo como masa en bruto, confiando solo en la inteligencia de la tecnología: The Google Translate Poems es una selección de escritos traducidos exclusivamente con la herramienta Google Translate, con todos sus errores y absurdos. El lenguaje se ha visto reducido a un material de copiar y pegar, convirtiéndose en transferible y moldeable, como una masa. En esta obra es Google el que esculpe el texto. Los poemas están impresos en postales, y además organicé una serie de lecturas en público con gente de distintas nacionalidades.
Algunos proyectos de Nora se han visto paralizados por la crisis del coronavirus, pero nos adelanta su próximo paso por Argentina: Tengo confirmada mi participación en la Semana del Arte de Buenos Aires en 2021 y una residencia en cheLA, también en Buenos Aires.
Conocedla mejor, aquí: www.norasilva.com y también en Instagram.
