La Galería Joan Prats, con sede en Barcelona, y NoguerasBlanchard, con espacios en Madrid y L’Hospitalet de Llobregat, han anunciado hoy su unión con el objetivo de ganar fortaleza y relevancia y abrir caminos nuevos de cara al futuro. En este año, comenzarán a operar como una única galería, que se llamará Prats Nogueras Blanchard.

En adelante, programarán sus exposiciones en dos espacios: uno en Barcelona, que se ubicará en la calle Méndez Núñez y se estrenará con ese fin, y otro en Madrid, que se corresponderá con la sede actual de NoguerasBlanchard en la calle Beneficencia de la capital.

La primera presentación del proyecto PratsNogueras Blanchard tendrá lugar en la Feria ARCOmadrid, del 6 al 10 de marzo (en su stand encontraremos a Luis Gordillo, Victoria Civera, Wilfredo Prieto o Mercedes Azpilicueta), y su primera exhibición como tal se inaugurará en la Ciudad Condal en abril; se tratará de una individual de Antoni Muntadas.

En palabras de sus responsables, esta nueva iniciativa aunará a artistas nacionales e internacionales de distintas generaciones, creando un diálogo enriquecedor que se beneficiará de la larga experiencia de ambas galerías. Con esta fusión queremos reunir diversas voces, disciplinas y prácticas desde una perspectiva internacional más amplia, con un enfoque en el Mediterráneo y América Latina.

Los cuatro galeristas desde ahora al frente de Prats Nogueras Blanchard son Álex Nogueras, Rebeca Blanchard y las hermanas Patricia y Marta de Muga.

El Ministerio de Cultura ha anunciado hoy que nombrará a Óscar Arroyo Ortega como nuevo director de la Biblioteca Nacional de España, en sustitución de Ana Santos Aramburo, que ocupaba ese cargo desde 2013. Está previsto que el ministro Urtasun informe de la candidatura seleccionada al Pleno del Real Patronato, que se reunirá en las próximas semanas, y más tarde dicha candidatura se llevará al Consejo de Ministros para su aprobación.

El proceso de renovación de la dirección de la Biblioteca Nacional de España se inició el pasado mayo, cuando Santos Aramburo informó al Pleno del Real Patronato de su intención de jubilarse. El Ministerio abrió entonces el proceso de selección de la nueva dirección que, según el estatuto del organismo, debía garantizar “la publicidad y concurrencia, y asegurar la participación del Real Patronato, con el asesoramiento de profesionales del ámbito bibliotecario y documental. Su designación atenderá a los principios de mérito, capacidad e idoneidad”.

El madrileño Arroyo Ortega es graduado en Información y Documentación por la Universitat Oberta de Catalunya (2020) y diplomado universitario en Biblioteconomía y Documentación por la Universidad Complutense de Madrid (1996). Funcionario de carrera en activo de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, perteneciente al Cuerpo Superior de Archivos, Bibliotecas y Museos (en la especialidad de Bibliotecas), ha sido jefe del Servicio del Libro, Archivos y Bibliotecas de la Consejería de Educación, Cultura y Deportes desde 2011, y anteriormente, igualmente en la Junta de Castilla – La Mancha, fue asesor del Libro y Bibliotecas, entre 2007 y 2011; jefe de Sección de Coordinación Bibliotecaria, de 2000 a 2007; y técnico auxiliar de Archivos y Bibliotecas en la Biblioteca de Castilla-La Mancha en Toledo, de 1998 a 2000.

Como tal, se encontraron entre sus funciones la planificación, la responsabilidad técnica y el impulso de la Red de Bibliotecas Públicas de Castilla-La Mancha y la Red de Bibliotecas Móviles; la coordinación de la Biblioteca de Castilla-La Mancha, las cinco Bibliotecas Públicas del Estado y los cinco Archivos Históricos Provinciales de la región; y la redacción de borradores de normas legales en materia de bibliotecas, archivos históricos y depósito legal. También fue responsable del Catálogo Colectivo de Patrimonio Bibliográfico en Castilla-La Mancha, de la Biblioteca Digital y del Repositorio de Patrimonio Cultural de esa comunidad, que integra el Archivo de la Imagen y el Archivo de la Palabra.

El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, junto al secretario de Estado del ramo, Jordi Martí, y la directora general del Libro, del Cómic y de la Lectura, María José Gálvez, así como el presidente de la Asociación Sectorial del Cómic, Alejandro Casasola, presentaron la semana pasada el Libro Blanco del Cómic en España, concebido como el estudio más amplio que se ha realizado sobre este sector en nuestro país.

Este documento se ha llevado a cabo con la colaboración de más de 650 profesionales y tiene como fin, entre otros, dar forma a nuevas acciones encaminadas a establecer ayudas específicas para los creadores de cómic, a que este llegue a nuevos públicos y a la formación de jóvenes lectores. Es fruto de más de tres años de trabajo y esboza las fortalezas, fragilidades y posibles oportunidades futuras de este campo en cuanto a su consolidación como industria y expresión cultural.

Hablando de cifras, el Libro Blanco del Cómic destaca el hecho de que la del cómic es una industria con un grado de profesionalización muy elevado en el sector editorial español, integrando a más de un millar de creadores, más de ochenta editoriales, dos centenares de librerías y 1.500 empleos especializados. Se publican en nuestro país más de 4.600 novedades anualmente, que generan una facturación cercana a 130 millones de euros: el 7% del mercado editorial español, sin incluir los libros de texto.

En cuanto al perfil de los creadores, el 78% de ellos son hombres frente a un 20% de mujeres, y el 67% se concentra en un intervalo de edad de 33 a 52 años. El 71% cuenta con estudios universitarios, el 58% ha cursado formación artística especializada y, en cuanto a los idiomas en que trabajan, el 94% ha publicado en castellano, el 22% en catalán, el 8% en euskera, el 8% en gallego y el 4% en valenciano.

El informe también incide en que solo el 21% de los creadores asegura que la totalidad de sus ingresos procede de su actividad en el cómic, pese al creciente prestigio de su obra en mercados extensos como el norteamericano y el francobelga. En cuanto a los traductores, el 98% de ellos trabaja por cuenta propia y los idiomas a los que traducen son habitualmente el español y el catalán. Entre los idiomas internacionales desde los que más se traduce figuran el inglés, el japonés y el francés; en todo caso, más de la mitad (el 52%) de estos profesionales considera que su remuneración por los encargos de cómic es mala o muy mala.

En un último capítulo, este estudio pone de manifiesto el papel del cómic en el fomento de la lectura infantil y juvenil y su rol como impulsor de otras industrias culturales, como el cine o los videojuegos, para los que viene siendo, cada vez más, fuente de inspiración.

También recalca que, pese al reconocimiento creciente y la calidad de la producción de los creadores españoles, las obras traducidas a partir de idiomas internacionales son mayoría en el mercado español: más del 85% de los títulos publicados, siendo mayoritarios los contenidos originados en Estados Unidos, Japón y Francia.

Otros retos son la presencia femenina en esta actividad, aún minoritaria; la fuga de talento; la regulación de la inteligencia artificial; la creación de una titulación específica para los creadores de cómic; la mejora de la presencia del cómic en las bibliotecas públicas o la conservación de sus publicaciones artísticas.

Montse Galán y Javier Panera presentan, en la Sala Amós Salvador de Logroño hasta el 18 de febrero, el proyecto “Girls To The Front!”, una muestra que pretende trazar una genealogía de las relaciones entre las artes plásticas y el devenir de la música pop-rock, invitando al espectador a poner en cuestión las bases sobre las que se ha cimentado el relato convencional de las músicas populares urbanas: si Robert Johnson, Elvis Presley, Mick Jagger, David Bowie, Bruce Springsteen o Kurt Cobain son tópicos razonablemente imprescindibles, también habrían de serlo mujeres que han contribuido a forjar unas prácticas culturales ligadas a la rebeldía y a la confrontación generacional.

Componen esta exhibición más de trescientas portadas de discos – diseñadas, en ocasiones, por artistas tan relevantes como Cindy Sherman, Barbara Kruger, Annie Leibovitz, Linder Sterling, Ana Torralva o Lynn Goldsmith-; con ellas se estructura un recorrido cronológico e iconográfico por los principales géneros y subgéneros de la música popular grabada en el último siglo, desde 1923, únicamente por mujeres.

El periplo comienza con pioneras del blues como Ma Rainey, Bessy Smith o Memphis Minnie, que además grabaron las primeras canciones feministas de la historia y fueron en ocasiones replicadas por The Rolling Stones o Led Zeppelin. Después llegarán Big Mama Thornton, que grabó en 1953 la primera versión de Hound Dog, que luego popularizó Elvis Presley; iconos como Aretha Franklin o Patti Smith; y figuras de culto asociadas al punk y la música de vanguardia como Lydia Lunch, Yoko Ono, Annea Lockwood, Ana Curra, Mamen Rodrigo, Diamanda Galas o Kim Gordon. El broche final lo ponen artistas actuales que han aunado experimentación y sensibilidad pop, como Bjork, St. Vincent, FKA Twigs, Rosalía o Sevdaliza.

Particular atención se presenta al movimiento Riot Grrrl, alternativa en los noventa a estilos como el grunge y el heavy metal de la mano de Guerrilla Girls y Pussy Riot. Forman parte de la muestra varias obras producidas específicamente para este espacio riojano, como un monumental diagrama conceptual que permite visualizar una historia de las relaciones de intercambio entre las artes visuales y la música pop desde las primeras décadas del siglo XX hasta hoy, así como la videoperformance La historia del rock en 10 canciones (Vol. 2) y la videoinstalación Love Song de Montse Galán.

Según el último Observatorio de la Cultura difundido por la Fundación Contemporánea, elaborado a partir de consultas a más de cuatrocientos profesionales del sector en noviembre y diciembre del año pasado, Madrid, Cataluña, País Vasco, Comunidad Valenciana y Andalucía continúan siendo las comunidades autónomas con una programación cultural más rica, con un amplio porcentaje de distancia respecto al resto (Aragón, Castilla-La Mancha y Murcia ocupan las últimas posiciones). Las ciudades más valoradas por la innovación y calidad de sus propuestas son Madrid, Barcelona, Valencia, Bilbao, Málaga, Sevilla, San Sebastián, Santander, Valladolid y Zaragoza.

Cada uno de los participantes en este Observatorio ha propuesto una decena de instituciones y acontecimientos culturales de su propia región y otros tantos del resto de España como los más significativos de 2023, y no hay demasiadas sorpresas: encabezan el ranking el Museo del Prado (por sus muestras “Picasso, El Greco y el cubismo analítico“, “Reversos” y “Guido Reni“), el Reina Sofía (por “Picasso 1906. La gran transformación“), el Thyssen – Bornemisza (por “Lucian Freud” y “Maestras“), el Festival de Cine de San Sebastián, el Museo Guggenheim (por sus exhibiciones de Yayoi Kusama, Kokoschka y el Picasso escultor), el Teatro Real, el IVAM (por sus exposiciones “Popular” y “Otobong Nkanga”), el Centre del Carme de Valencia, con una muy amplia subida de 18 puestos, ARCOmadrid y PHotoESPAÑA. En este capítulo, se han incorporado a la lista la Celebración Picasso 1973-2023, la Galería de las Colecciones Reales, abierta en verano; el Centenario Sorolla, el Museu Picasso de Barcelona y el, también recién inaugurado en Valencia, Centro de Arte Hortensia Herrero.

En cuanto a las consideradas insignias culturales de cada comunidad, se estrenan el Museo Picasso de Málaga en Andalucía, el Festival Periferias en Aragón, el Teatre Principal de Palma en Baleares, el Festival Mueca del Puerto de la Cruz en Canarias, la Fundación Antonio Pérez acompañando al Festival de Almagro en Castilla-La Mancha, el CCCB en Cataluña, el Festival de Mérida en Extremadura, la Cidade da Cultura en Galicia, el Festival Cuéntalo acompañando al Festival Actual en La Rioja y La Mar de Músicas en Murcia. Repiten el Festival de Cine de Gijón en Asturias, el Centro Botín en Cantabria, la Seminci en Castilla y León, el IVAM en la Comunidad Valenciana, el Museo del Prado en Madrid, Baluarte en Navarra y el Festival de San Sebastián en el País Vasco.

Este año se ha sumado al Observatorio una nueva clasificación, Los Imprescindibles, dedicada a las propuestas culturales más destacadas a nivel nacional agrupadas por tipología de proyecto. Así, se consideran museos y centros de arte fundamentales Prado, Reina Sofía, Thyssen, Guggenheim Bilbao, IVAM, MACBA, Museo Picasso Málaga, Galería de las Colecciones Reales, Fundación MAPFRE y CA2M, mientras que los centros culturales más valorados son el citado Centre del Carme, CaixaForum, CCCB, Fundación Juan March, Centro Botín, La Casa Encendida, Matadero Madrid, Círculo de Bellas Artes, Conde Duque y Tabakalera.

Respecto a las propuestas culturales más relevantes en el ámbito digital, corona de nuevo el listado la plataforma Filmin, seguida del Museo del Prado (TikTok, visitas virtuales), CaixaForum+, la Fundación Telefónica (Cultura en Digital), RTVE Play, la Fundación Juan March (Canal March), el Teatro Real (My Opera Player), la Biblioteca Nacional, Sónar+D y Medialab Matadero. Agradecemos la incorporación a este capítulo, por primera vez, de masdearte.com.

El Observatorio señala, igualmente, proyectos alabados por su compromiso social o con la sostenibilidad, y en este sentido sobresalen la Fundación “la Caixa”, la Fundación Daniel y Nina Carasso (por Concomitentes) y la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, de Cerezales del Condado (León). En relación con las novedades más valoradas, se sitúan en cabeza la Galería de las Colecciones Reales en Madrid, el Centro de Arte Hortensia Herrero en Valencia y la celebración del Centenario Sorolla.

Por último, se ha preguntado a los panelistas por sus previsiones respecto al presupuesto manejado por las organizaciones culturales donde trabajan: más de la mitad (51,2%) cree que será similar y es mayor el número de quienes piensan que ascenderá (32,3%) que el de quienes esperan descensos (16,3%). En todo caso, el sector rebaja su pronóstico de crecimiento hasta un 1,2%, por debajo de la inflación.

El Museo Picasso Málaga se encuentra entre los centros que acaban de presentar su programación expositiva de cara a 2024.

Las novedades comenzarán en marzo: desde el día 19 de ese mes, las salas del Palacio de Buenavista ofrecerán la séptima remodelación de la colección de esta pinacoteca en sus dos décadas de andadura. Cerca de ciento cincuenta obras de Picasso se mostrarán en una exposición que llevará por título “Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra” y que examinará su producción desde una perspectiva general, en lugar de dividirla en etapas o estilos concretos. Podrá contemplarse, esa presentación, hasta la primavera del año 2027 y constará de pinturas, esculturas, dibujos, cerámicas y obra gráfica, subrayando sus conexiones más allá de las clasificaciones tradicionales. Esta nueva disposición ha sido ideada con la supervisión académica de Michael FitzGerald, profesor de Historia del Arte en el Trinity College de Hartford, Connecticut, y en colaboración con la Fundación Almine y Bernard-Ruiz-Picasso.

Desde el 30 de abril podremos visitar en este centro andaluz “María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo”, una retrospectiva comisariada por José Lebrero que planteará un recorrido cronológico por las distintas etapas de la trayectoria artística de la pintora santanderina, la primera mujer en España en adoptar el estilo cubista y en experimentar en sus composiciones con la fragmentación y las perspectivas múltiples. Se incidirá en sus aportaciones al movimiento moderno y en su dominio técnico.

Adentrándonos en el otoño, el Museo Picasso nos enseñará, por primera vez en España, la obra del caricaturista, galerista, pintor, ensayista y filántropo Marius de Zayas. Su exhibición podrá visitarse desde el 15 de octubre de 2024 hasta el 19 de enero de 2025, y estará comisariada también por Lebrero Stals. Este autor mexicano, hijo adoptivo de Nueva York (donde introdujo el arte moderno europeo), es una personalidad difícil de clasificar; fue además editor, autor de ensayos, ilustrador, periodista (firmó la primera entrevista a Picasso) y estudioso del flamenco – que contribuyó a difundir en Europa-, y favoreció asimismo la divulgación de la obra del propio Picasso, Braque, Rodin o Cézanne, entre otros artistas contemporáneos fundamentales.

Por último, desde el 3 de diciembre de 2024 y hasta el 2 de marzo de 2025, se podrá ver en este centro malagueño la muestra “Pablo Picasso: los cuadernos de dibujo de Royan”, dedicada a las libretas de dibujo que realizó el artista en Royan (Francia), donde residió durante un año tras declararse la Segunda Guerra Mundial. Comisariada por Marilyn McCully y Michael Raeburn, en colaboración con la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso, explorará un tiempo fecundo en el que el creador de El Guernica llevó a cabo un cuerpo de obra importante, incluyendo cuadernos con dibujos y poesía, además de gouaches y pinturas.

Hoy viernes, el director general del Museo Guggenheim Bilbao, Juan Ignacio Vidarte, y sus comisarios Lucía Agirre, Marta Blàvia, Manuel Cirauqui y Lekha Hileman Waitoller han hecho públicas la decena de exposiciones que podremos visitar en ese centro en 2024.

La primera se abrirá el 9 de febrero y expondrá medio centenar de trabajos del artista povera Giovanni Anselmo, entre fotografías, proyecciones, dibujos, esculturas y propuestas realizadas in situ. En su trabajo resultan vitales las nociones de inestabilidad, aleatoriedad, indeterminación e interdependencia, tomadas de su observación de las potencialidades físicas de la naturaleza, que tanto inspiró a los autores ligados a aquella corriente. Gloria Moure será su comisaria, en colaboración con el propio Anselmo.

Una semana después, el Museo inaugurará la exhibición colectiva “Signos y objetos: Arte Pop de la Colección Guggenheim”, que incidirá en la relación estrecha entre los Guggenheim y ese movimiento desde sus mismos inicios. Recogerá obras inspiradas en revistas baratas, vallas publicitarias, anuncios, películas, la televisión y las tiras cómicas en las que, frente a la espontaneidad del gesto propia de la Escuela de Nueva York, se adopta el lenguaje impersonal característico de lo producido en mesa. Las piezas históricas se completarán con otras de autores de generaciones posteriores que exploran el legado del Pop.

A partir de marzo y bajo el comisariado de Manuel Cirauqui, la muestra “Vascular” analizará las prácticas escultóricas de June Crespo, artista navarra que viene trabajando a partir de la abstracción y el gesto, lo trágico y lo opaco, lo extraño y lo ligero; también atendiendo, más recientemente, a la sensibilidad feminista. Sus conductos, chapas, moldes, encofrados, piezas textiles y papeles parecen interrogarse entre sí y remitir a lo corporal, a su textura y peso.

Ya en verano serán dos las retrospectivas de artistas internacionales que abrirá el Guggenheim: estarán dedicadas a la austriaca Martha Jungwirth, creadora de un lenguaje abstracto vinculado al mundo físico, y derivado de la observación del paisaje, los animales y la forma humana; y a Yoshitomo Nara, del que veremos sus más que populares retratos infantiles, entre la inocencia y la amenaza. Sus fuentes de inspiración son sus experiencias vitales, la música punk, el folk y el rock underground, la literatura, la naturaleza y la historia del arte de Europa y Japón.

Cerrarán el año en este espacio bilbaíno otras dos antologías: las de Hilma af Klint, pionera audaz de la abstracción ya en 1906, que rara vez expuso al público en vida y viene siendo recuperada para crítica y público desde los ochenta, y Paul Pfeiffer. Este autor hawaiano se inspira en grandes espectáculos deportivos para analizar nuestra obsesión por la fama y cómo se manipula la conciencia colectiva; las consecuencias las aplica a los terrenos del arte, la religión, la política y la identidad nacional y despliega sus hallazgos en vídeo, fotografías, instalaciones y esculturas.

Por último, en la sala Film & Video podremos conocer, entre febrero y junio, la obra Teoría del caos de Metahaven, dúo holandés formado por Vinca Kruk y Daniel van der Velden. Se trata de un poema audiovisual sobre la evolución de dos hermanas en su juventud.

El Museum De Lakenhal, en Leiden (Holanda), celebra su 150 aniversario presentando la serie de Los cuatro sentidos de Rembrandt, que forma parte de su producción más temprana. La realizó el artista en esta misma ciudad y cuando contaba cerca de 18 años: se trata de El vendedor de gafas (Alegoría de la vista), en los fondos de este centro, y de Operación de piedra (Alegoría del tacto), Tres músicos (Alegoría de la audición) y Paciente inconsciente (Alegoría del olor), llegadas de la Leiden Collection de Nueva York.

Se trata de variaciones sobre un tema clásico: especialmente desde el siglo XVI, se tendió a personificar los sentidos como elegantes figuras femeninas, acompañadas de atributos fijos, pero este autor desplegó aquí un enfoque distinto al al optar por escenas cotidianas con las que cualquiera podría identificarse. Se aprecian ya en estas composiciones características que se convertirían en los grandes atributos de Rembrandt: un uso singular del claroscuro, pinceladas audaces y una habilidad asombrosa para capturar las expresiones de la gente común.

El reencuentro de los sentidos de Rembrandt en la misma ciudad donde fueron creados supone una novedad, tanto para Leiden como para el Museo De Lakenhal. Se exhibirán en el corazón de su colección permanente, rodeados de otras obras del pintor en su juventud y junto con varias pinturas de su amigo y rival Jan Lievens, así como de su alumno Gerrit Dou.

La mayor muestra dedicada hasta ahora a Eduardo Momeñe puede visitarse, hasta el próximo 21 de enero, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Bajo el título de “Retratos y otras Ficciones”, cuenta con trabajos suyos datados a lo largo de cuatro décadas y centrados en la figura humana y la puesta en escena en torno a ella; esto es, veremos retratos llevados a cabo en su estudio de Madrid entre 1978 y 2022.

Las imágenes se acompañan, en este montaje, de textos y vídeos, de modo que cada una de ellas se convierte en parte del relato de la producción de Momeñe y de la muestra, un relato abierto a que el espectador lo amplíe.

Hoy se ha presentado el proyecto arquitectónico ganador del concurso para construir el nuevo CaixaForum Málaga, que se situará en la plaza Manuel Azaña y que completará la ya extensa oferta cultural de la ciudad andaluza, además de dotar de nuevas zonas verdes a este área.

Liderado por el estudio Pich Architects (Felipe Pich-Aguilera y Teresa Batlle), se ha concebido para que quede integrado en el paisaje y genere un impacto positivo en el barrio circundante, y tendrá como emblema su cubierta con forma de gota de agua. Contará con 9.417 metros cuadrados que albergarán dos grandes salas de exposiciones, un auditorio y salas polivalentes en la primera planta; un espacio educativo, una cafetería restaurante y una tienda librería en la planta baja, así como un aparcamiento subterráneo. También dispondrá de oficinas, almacenes, recepción, vestíbulo, zonas técnicas y un amplio jardín exterior donde se desarrollarán actividades al aire libre.

Implicará, CaixaForum Málaga, una inversión próxima a los treinta millones de euros y está previsto que abra sus puertas a finales de 2026, iniciándose sus obras de construcción en este 2024. A la inversión inicial se sumarán otros cinco millones de euros que se destinarán al mantenimiento del centro, así como a la producción de media docena de exposiciones anuales y 1.500 actividades.

Este CaixaForum será el séptimo, tras los de Madrid, Barcelona, Valencia, Sevilla, Zaragoza y Palma de Mallorca, y se ha planteado desde una perspectiva del todo sostenible: será un edificio de balance cero, pues producirá toda la energía que consuma. Además, la vegetación del jardín se adaptará al clima local, mientras que las construcciones contarán con cubiertas que incluirán mantos vegetales, placas fotovoltaicas y piezas cerámicas reflectantes para evitar la acumulación de calor solar. En la concepción de las mismas, que tendrán forma de escamas con matices de colores entre el azul y el verde sobre un fondo blanco, Pich Architects se ha inspirado en el cromatismo de la pintura de Joaquín Sorolla.

Hasta el 19 de enero puede visitarse en la sevillana Galería Birimbao “Línea Horizonte”, exhibición de Norberto Gil en el que este autor andaluz ha buscado investigar las intersecciones entre la visión, la arquitectura y la expresión plástica haciendo hincapié en la subjetividad de la mirada. Los trabajos reunidos inciden en la importancia de la línea del horizonte como elemento básico en la organización del campo visual en diversas disciplinas, como el dibujo, la pintura y la arquitectura, y la huella de esta última está muy presente en la muestra, dada la influencia en Gil de Álvaro Siza, que se formó en la Escuela Superior de Bellas Artes de Oporto, donde este artista realizó una estancia de investigación doctoral entre julio y septiembre del año pasado.

El luso, y su diálogo entre los planos rígidos de las construcciones y la organicidad de los entornos, su análisis de la escala y de la materia y su búsqueda de interacción entre geometría, luz y naturaleza es constantemente evocado en las piezas abstractas de Gil, que no ha tratado de representar edificaciones, sino una exploración perceptual que recrea la realidad. Pese al título del proyecto, más que la idea de línea del horizonte le interesa la noción de plano del horizonte, donde pueden proyectarse lo vertical y lo horizontal y convergen todos los puntos de fuga definidos por la mirada del creador. Además, la elección del lino crudo como base de las telas que aquí vemos tiene que ver con la relevancia de lo natural para Siza.

Sabemos que al creador de la Piscina das Marés le hubiera gustado ser escultor y que vio en sus construcciones posibles ejercicios de escultura en los que la materia, la luz, los volúmenes, el diálogo entre elementos, la composición o la dinámica están siempre presentes. El creador sevillano, por su parte, se fija en la forma en que los arquitectos trabajan el espacio, incorporando una mirada arquitectónica a su práctica pictórica.

Si los arquitectos parten del territorio para planificar una edificación con el fin de alcanzar la tridimensionalidad, Gil busca comprender cómo estas pueden ser devueltas de nuevo al plano, al de la pintura; es decir, trata de desmontar la tridimensionalidad, comprimir y filtrar el espacio, entendiendo la tela como el territorio en sí.

La Fundació Sorigué de Lleida ha anunciado hoy que prorrogará hasta el próximo 22 de marzo su exposición “La vida en emergencia. Juan Zamora“, primera gran muestra individual del artista madrileño, quien aborda en ella, desde un enfoque artístico y científico, cuestiones básicas de la existencia humana vinculadas a los procesos biológicos en dibujos, instalaciones o vídeos.

Más de 6.300 personas, en su mayoría procedentes de Lleida y Barcelona, han visitado hasta ahora esta muestra, que se inauguró el 18 de febrero de 2023; de ellas, dado el potencial carácter didáctico del proyecto, 4.500 fueron atendidas por el Área Educativa de la Fundación, y esta demanda en concreto ha sido uno de los motivos principales de esta prórroga.

Asimismo, la Fundació Sorigué ofrece visitas guiadas a la exhibición: las próximas tendrán lugar el 1 y el 15 de febrero y el 7 y el 21 de marzo de 2024 a las 17:30 horas, con reserva previa a través de la web www.fundaciosorigue.com.

El Ministerio de Cultura ha anunciado la adquisición de la colección y el archivo del diseñador y modista Lorenzo Caprile, por valor de algo más de 275.000 euros; hablamos de un conjunto compuesto por cerca de 500 piezas de indumentaria y complementos, unos 5.000 fondos documentales y 300 bibliográficos. Pasarán a las colecciones del Museo del Traje de Madrid, cuya titularidad y gestión dependen precisamente del Ministerio.

Caprile inició su colección en los ochenta, cuando residía en Italia, y en los noventa, como director de su firma en España, continuó haciéndose con piezas nacionales e internacionales de valor estético o técnico, en ocasiones como fuente de documentación y otras desde una voluntad coleccionista, atendiendo a su gusto ecléctico y a su vocación por la moda en su sentido más amplio.

En cuanto a tipologías, el conjunto más extenso de la adquisición lo constituye el de indumentaria, compuesto por 452 piezas de representantes de la historia de la moda desde el siglo XIX y de la alta costura y el prêt-à-porter, entre ellos Gucci, Jeanne Lanvin, Jean Patou, Dior, Givenchy, Versace y Valentino. Destaca también la presencia en este acervo de la moda española, con modelos de Cristóbal Balenciaga, Pedro Rodríguez, Flora Villarreal, Elio Berhanyer, Manuel Pertegaz, Manuel Piña, Amaya Arzuaga y Victorio & Lucchino. Al Museo del Traje también se incorporará obra del propio Caprile: una decena de piezas entre trajes y vestidos de novia, vestidos cortos y chaquetas.

Respecto al fondo documental, agrupa el grueso de los bocetos preparatorios de encargos que ha recibido a lo largo de su trayectoria, en un número aproximado de 5.000 figurines, muestrarios textiles y otros documentos relativos a su proceso creativo.

Completan la adquisición accesorios de indumentaria: corsés de principios de siglo, sombrillas o parasoles y abanicos de diferentes tipologías desde el siglo XIX, mantones con motivos art decó, tres centenares de volúmenes encuadernados de revistas de moda publicadas entre finales del siglo XIX y el primer tercio del XX, monografías de fondo antiguo (anteriores a 1970) y fondos documentales especializados.

Hasta el próximo 25 de febrero y en el marco del programa Trajectòries 2023-2025, el Centre del Carme de Valencia exhibe obras sonoras e intervenciones en el espacio público del compositor, artista y teórico Llorenç Barber. Contemplaremos instrumentos inventados por él y de carácter escultórico, una selección de sus músicas visivas y partituras que parten de una concepción de la ciudad como orquesta y documentos procedentes de su archivo que testimonian lo diverso de su actividad; además de una genealogía personal del arte sonoro a escala internacional.

A partir del 8 de febrero, será el Instituto Valenciano de Arte Moderno el que revisará el archivo de este autor, atendiendo a sus prácticas y a las de sus colaboradores desde hace décadas.

La Celebración Picasso 1973-2023, impulsada por los Gobiernos de España y Francia para tributar homenaje al artista en el 50º aniversario de su fallecimiento, ha registrado hasta ahora más de tres millones de visitantes en las 46 exposiciones nacionales e internacionales que se han llevado a cabo, según datos facilitados por nuestro Ministerio de Cultura.

El programa arrancó en junio de 2022, con la muestra “Picasso – El Greco” en Kunstmuseum Basel.

Si el Museo del Prado anunció la semana pasada que en 2023 batió el récord de visitas que estableció en 2019, el Museo Reina Sofía ha hecho público hoy que las suyas (en su sede principal de Santa Isabel) superaron el año pasado, en un 20%, las de 2022: 1.409.113 respecto a un total de 2.530.560 espectadores. Las del Palacio de Cristal necesariamente han decaído, dado su cierre por obras de mejora, situándose en 479.281 frente a 1.318.823 en 2022, mientras que las del Palacio de Velázquez ascendieron de 491.086 a 536.425.

Además, 65.022 personas participaron en las actividades que organizó el Reina Sofía y 40.719 acudieron a su Biblioteca, un aumento muy notable respecto a 2022 (27.309). La recaudación por entradas ascendió un 29%, pese a que el 64,2% de los visitantes de la sede principal accedió al MNCARS en horario de entrada gratuita. El día del año con mayor afluencia de visitantes en esa sede principal fue el 12 de octubre, festivo; el 73% del público fue internacional y, entre este, los más numerosos fueron, por este orden, italianos, franceses y estadounidenses.

En cuanto al Museo Guggenheim Bilbao, 1.324.211 personas lo visitaron en el año terminado, siendo este, en esos términos, el mejor año de su historia. La cifra supera en 35.074 la de 2022 y la mayor parte de ellas procedían de fuera del País Vasco (1.152.072). Este centro ha recuperado así los niveles previos a la pandemia. El mismo récord lo ha logrado el Museo Picasso de Málaga: recibió los pasados doce meses, en el quincuagésimo aniversario del fallecimiento de Pablo Picasso, a 779.279 personas, casi 60.000 más que en 2019 y un 21% más que en 2022. Y logra, igualmente, el mejor resultado en este sentido desde su apertura en 2011 el Museo Carmen Thyssen, con 185.000 entradas, frente a las 170.000 de 2019.

La Fundación “la Caixa” también ha hecho balance de visitantes de todos sus centros de divulgación cultural y científica: más de 8,1 millones de personas se acercaron en 2023 a los CaixaForum y al Museo de la Ciencia CosmoCaixa, así como a las exposiciones itinerantes impulsadas por la Fundación “la Caixa”, lo que representa un aumento global del 13,19% respecto a 2022.

El Museo de la Ciencia CosmoCaixa ha batido el récord histórico de público de la red de centros de la Fundación, con 1.266.989 visitantes; le siguen CaixaForum Valencia, con 899.339, y CaixaForum Madrid, con 655.422.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, por su parte, volvió a superar el millón de visitantes en 2023: recibió 1.012.660 espectadores, cifra ligeramente inferior a la de 2022 (1.073.183). Es el séptimo año que este centro supera ese millón, siendo el 60,9% de su público de procedencia nacional y el 39,1%, internacional.

El Museo del Prado ha anunciado hoy que este año 2023 ha superado, a unos días de que diciembre termine, el récord de visitantes que logró en 2019, año de la celebración de su Bicentenario. Hasta ahora se han acercado a sus salas 3.209.285 personas, unas 6.000 más que las de aquel año, y un 48% de ellas (1.5547.213 visitas) accedieron a la pinacoteca de forma gratuita, en las horas en que el Museo permite el acceso sin tarifa.

Para Miguel Falomir, su director, un museo no se puede medir solamente por el número de visitantes, pero sin duda el tener un público amplio es algo que siempre te produce una enorme satisfacción.

Los meses de 2023 que han registrado un mayor número de visitas han sido abril, mayo y junio, pero el miércoles 27 de diciembre fue el día de mayor afluencia de público, con 14.345 visitantes.

El Consejo Ejecutivo de la Fundación Museo Picasso ha anunciado hoy la resolución del concurso internacional que convocó el pasado marzo para la selección del director artístico del centro malagueño entre 2024 y 2029. El candidato escogido, que asumirá el cargo el próximo enero, es Miguel López-Remiro Forcada, licenciado en Economía y Doctor en Filosofía y Letras, Estética y Teoría del Arte por la Universidad de Navarra, Executive MBA por el IESE y graduado por el Getty Leadership Institute de la Universidad de Claremont en Los Angeles.

López-Remiro ha sido también Visiting Scholar en la Universidad de California, en San Diego, y es editor de la primera antología de textos de Mark Rothko con Yale University Press y Flammarion. Recientemente ha ocupado el puesto de Profesor Doctor en la Universidad Europea de Madrid: en la Escuela de Arquitectura, Ingeniería y Diseño y su nuevo Campus Creativo, e igualmente ha desempeñado los cargos de subdirector curatorial del Museo Guggenheim Bilbao, director fundador del Museo Universidad de Navarra y comisario en instituciones como la Fundación Sorigué o la Fundación Otazu.

En su octava edición, UVNT Art Fair estrenará sede: Matadero Madrid. Esta vez se celebrará del 7 al 10 de marzo de 2024 y reunirá las propuestas de 38 galerías, nacionales e internacionales, en una carpa de 3.000 metros cuadrados. La pintura y la figuración reciente serán sus protagonistas.

Según ha explicado el director de esta cita, Sergio Sancho, el cambio de ubicación se debe a la búsqueda de stands más amplios y a la posibilidad de generar un espacio con condiciones propias en dicha carpa, que permitirá la instalación de muros altos. El año que viene, el estudio arquitectónico que diseñará UVNT Mahou Talks será Studio Animal.

Junto al Programa General de la feria, podremos recorrer de nuevo la sección Young Galleries, que promocionará proyectos más jóvenes, y también se pondrá en marcha un Programa de Arte Público.

Las salas participantes serán Gallery Afternoon (Seúl), Alzueta Gallery (Barcelona/Girona/Madrid), Antonio Colombo Arte Contemporánea (Milán), A Pick Gallery (Turín), Arma Gallery (Madrid), Arniches 26 (Madrid), Berlín Galería (Sevilla), La Bibi Gallery (Palma de Mallorca), La Causa Galería (Madrid), El Castillete (Madrid), Cerquone Gallery (Caracas, Venezuela / Madrid), Delimbo Gallery (Sevilla), DiGallery (Sevilla), Espacio Líquido + La Gran (Gijón / Madrid), Gärna Art Gallery (Madrid), HAGD Contemporary (Aalborg, Dinamarca), Galería Herrero de Tejada (Madrid), Isabel Croxatto Galería (Santiago de Chile), JPS Gallery (Hong Kong), Lariot Collective (Londres), Galería Llamazares (Gijón), Mobius Gallery (Bucarest), My Name’s Lolita (Madrid), NBB Gallery (Berlín), Gallery RED (Palma de Mallorca), Renace Contemporary Art (Baeza), S Gallery (Madrid), Swinton Gallery (Madrid), Galería Trinta (Santiago de Compostela), VETA Galería (Madrid), Victor Lope Arte Contemporáneo (Barcelona). Voskhod Gallery (Basilea, Suiza), Wadström Tönnheim (Marbella), Whitestone Gallery (Hong Kong/ Taipei/ Seúl/ Pekín/ Ginza/ Singapur), Wizard Gallery (Milán), Yiri Arts (Taipei) y Galería Yusto/Giner (Madrid).