En menos de un mes, el próximo 10 de mayo, se iniciará oficialmente una nueva edición de PHotoESPAÑA, que contará con 84 exposiciones y la participación de casi trescientos artistas. Tomará el relevo a Claude Bussac como directora de esta cita María Santoyo, que ha asumido en la presentación del Festival tres retos como propios: diversificar las prácticas artísticas agrupadas en esta iniciativa, acercar a la fotografía nuevos públicos y convertir PHE en un foro de debate abierto.

Bajo el lema “Perpetuum mobile”, PHotoESPAÑA tendrá esta vez el movimiento como eje central, atendiendo al dinamismo del medio fotográfico, al de los creadores en el desarrollo de su trabajo, a la representación de lo efímero y también a los cambios colectivos, históricos o sociales. Esa misma expresión latina será, además, el título de una muestra colectiva que acogerá el Círculo de Bellas Artes y que reunirá el trabajo de 27 fotógrafos españoles nacidos en democracia, y por tanto formados en la etapa de transición entre la imagen analógica y la digital y consolidados en las primeras décadas del siglo XXI.

La fotografía española estará, asimismo, representada por figuras como Gonzalo Juanes (Sala Canal de Isabel II), Javier Campano (Sala El Águila), Pilar Aymerich (Lonja de Zaragoza) y Paloma Navares (Jardín Botánico).

Podremos disfrutar también de retrospectivas de tres autores internacionales: Erwin Olaf, en la primera gran muestra dedicada a su obra tras su muerte (Centro Fernán Gómez); el ucraniano Boris Savelev, cuyo trabajo podrá verse por primera vez en España (Serrería Belga), y la fotógrafa Barbara Brändli, con una extensa exposición de su archivo, en su mayoría inédito (CentroCentro). Otros grandes nombres de la fotografía internacional en PHotoESPAÑA serán el japonés Masahisa Fukase (Círculo de Bellas Artes), los estadounidenses Elliott Erwitt (Fundación Canal) y Consuelo Kanaga (Fundación MAPFRE), el sudafricano David Goldblatt (Fundación MAPFRE) y el holandés Iwan Baan (Museo ICO), entre otros.

Entre las nuevas sedes del Festival destaca el Teatro Real, que analizará en una exhibición la desconocida faceta como fotógrafo del compositor Giacomo Puccini. Además, PHotoESPAÑA recupera su pasada alianza con Patrimonio Nacional a través del proyecto Cuadernos de campo, una iniciativa que pretende promover el conocimiento del acervo natural de los Reales Sitios y de los mecanismos que han posibilitado su preservación y explotación sostenible. Javier Vallhonrat será el responsable de su primera edición; tendrá carácter trienal.

Por su parte, los museos estatales establecerán diálogos entre figuras emergentes de la creación visual contemporánea y sus colecciones históricas: Laura San Segundo y Alejandría Cinque, filip custic y Sofia Crespo han preparado propuestas específicas para el Museo del Romanticismo, el Museo Cerralbo y el Museo de Altamira, respectivamente.

La fotografía emergente quedará representada por las gallegas Catara Rego y Lúa Ribeira, la haitiana Widline Cadet, el argentino Sebastián Bruno y los jóvenes artistas participantes en la exposición colectiva de la convocatoria NUR en Casa Árabe. Y la experimentación con nuevos formatos expositivos se materializará en una colaboración del Festival con Palibex, gracias a la cual las fotografías de Manuela Lorente, Bubi Canal, Ana Palacios y Tanit Plana se mostrarán en camiones de esa firma.

Como es habitual, el Festival tendrá su prolongación OFF en una treintena de galerías madrileñas (algunas se estrenan en la lid) e incluirá exhibiciones en Alcalá de Henares, Alcobendas, Almería, Barcelona, Cartagena, Valladolid o Zaragoza. Ya en septiembre, Santander presentará una extensa programación propia, además del programa de apoyo a la joven creación Descubrimientos.

Como novedades, podemos mencionar la creación de la serie documental ¿Qué miras?, un proyecto producido por La Fábrica y CaixaForum+ con la colaboración de Magnum Photos, que en su primera temporada estará protagonizado por figuras como Joan Fontcuberta, y el desarrollo de un ciclo de tres encuentros en el Espacio Fundación Telefónica Madrid donde se reflexionará sobre el impacto de la Inteligencia Artificial en el campo de las artes visuales.

Más colaboraciones: este año, PHotoESPAÑA se une al programa Transcultura de la UNESCO para visibilizar el trabajo de quince fotógrafos residentes en siete países del Caribe; aunará esfuerzos con Fotoseptiembre, una bienal impulsada por el Centro de la Imagen de Ciudad de México, organizando tres de las exposiciones de su programación; y celebrará los cien años del olimpismo femenino español con una muestra centrada en Lilí Álvarez y las pioneras del deporte en la Edad de Plata. Será en la Fundación Ortega Marañón.

Unos meses después de la apertura de su espacio en A Coruña (en Calle de Ramón de la Sagra, 3), la Galería Nordés se despide de su sede inicial en Santiago de Compostela, donde comenzó su andadura en 2017. La última exhibición en su espacio en la capital gallega dio carta blanca a Rosendo Cid, mientras que actualmente, en su espacio coruñés, podemos visitar, hasta el 19 de abril, una individual de Mar Ramón Soriano.

Chus Villar se mantiene al frente de este proyecto.

El MUMOK, centro que alberga uno de los fondos más importantes de arte moderno y contemporáneo de Austria, ha anunciado que tendrá como nueva directora a Fatima Hellberg, que toma el relevo a Karola Kraus y se ha fijado como reto encontrar “formas novedosas de activar y dar vida a su colección y ampliar su público”. Además, se ha mostrado convencida de que los museos públicos son un espacio cívico y con potencial de desarrollar espacios de reflexión, experiencia y confrontación en ese umbral donde la vida se encuentra con el arte y el arte se encuentra con la vida.

Nacida en Suecia en 1986, Hellberg era hasta ahora responsable de Bonner Kunstverein y ha comisariado exposiciones y proyectos en instituciones como la Tate Modern, el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, el Instituto CCA Wattis de Arte Contemporáneo de San Francisco, el Malmö Konsthall sueco o el Museion de Bolzano. Su práctica curatorial se basa en un estrecho diálogo con los artistas, con quienes suele desarrollar colaboraciones de larga duración, atendiendo además a la generación de experiencias para el espectador. También aboga por el trabajo en sintonía de todos los departamentos de un museo, favoreciendo asimismo la inclusión y la sostenibilidad.

Antes de hacerse cargo de Bonner Kunstverein, Hellberg fue directora artística de Künstlerhaus Stuttgart, entre 2015 y 2019, y comisaria en Cubitt y Electra, una organización de arte contemporáneo con una larga historia de dedicación a los asuntos de género y el feminismo.

Estudió Cultura Visual e Historia del Arte en la Universidad de Oxford y Comisariado de Arte Contemporáneo en el Royal College of Art de Londres, y ha ejercido la docencia en el Sandberg Institute de Ámsterdam; en Städelschule, Frankfurt; la Universidad de Oxford, la Academia de Arte de Düsseldorf o la Akademie der bildenden Künste Wien, entre otros centros. Ha publicado, asimismo, en revistas como Texte zur Kunst, Frieze Magazine, Kunstkritikk, Afterall y Kunstforum.

El Museo del Prado, buscando favorecer el conocimiento y la difusión de sus colecciones, ofrece desde hoy una visita virtual por sus salas con acceso a casi noventa obras digitalizadas en alta resolución, para hacer zoom y ver una ficha básica (incluidas cinco esculturas en 3D-Photo); y una decena de recorridos temáticos con una introducción locutada sobre piezas seleccionadas en ellos. Se trata de recursos gratuitos, hasta ahora el proyecto más ambicioso de digitalización en super-alta resolución (gigapixel) realizado en un museo.

Podemos disfrutar de un paseo por las plantas baja, primera y segunda a través de panorámicas 360⁰ que permiten apreciar las obras y su disposición en las salas; se ha utilizado el sistema de digitalización 360º flexible de Madpixel, que puede proporcionar tanto resolución Ultra-HD (245 megapixel) como resolución gigapixel (1.000 megapixel) para cada panorama (imagen 360º). Se basa en un sistema robotizado y computarizado de captura, de forma automatizada mediante robot y con sistemas de ayuda al disparo, gestionado por completo desde iPad.

Se han digitalizado 475 panorámicas (puntos de vista 360º) de las salas del Museo, para lo que se han tomado más de 17.000 fotografías en alta resolución. En cuanto a la digitalización de las obras seleccionadas, ha implicado el uso del mismo sistema de MadpixelROB que posibilita utilizar la mejor combinación de cámara y lente según cada pieza, ubicación, condiciones de captura y resolución deseada; contar con imágenes de resolución gigapixel (1.000 megapixel) de diferentes formatos de obra (pinturas, retablos, pintura mural y esculturas); y abordar la digitalización de trabajos de diferentes tamaños. Esta vez, la pieza más pequeña ha sido La extracción de la piedra de la locura de El Bosco, y la más grande, Fusilamiento de Torrijos en las playas de Málaga de Antonio Gisbert.

Dada la envergadura y el peso de algunas obras, Madpixel ha llevado a cabo expresamente una innovación en su formato 3D-Photo, la 3D-Photo surrounded o 3D-Photo exterior, con una metodología nueva en la que es el sistema de digitalización el que se desplaza alrededor de la composición, capturando sus caras.

Los recorridos temáticos son los siguientes: Un paseo por el Olimpo, en torno a piezas de temática mitológica grecorromana; Llega la muerte, itinerario que arranca con su triunfo por Bruegel el Viejo; La mirada del artista, dedicado a composiciones en las que el autor incluye su propia imagen en la obra; El cuerpo, acentuando piezas en las que este cobra gran protagonismo, religiosas o mitológicas; Al fondo, con obras donde lo interesante no ocurre en primer plano o brota en los detalles; Escrito está, que reúne piezas con inscripciones especialmente significativas; Música en el Prado, con obras donde ese arte juega un papel relevante, por la presencia de instrumentos musicales o porque se interpretan determinadas composiciones; Flores del Prado, en las que podremos identificar determinadas especies; Sentados en el trono, con imágenes protagonizadas por monarcas españoles del siglo XV al XIX; y, por último, Obras maestras, disponibles igualmente en súper-zoom.

Podemos acceder aquí: www.museodelprado.es

El pasado 24 de marzo, el Museo Carmen Thyssen de Málaga cumplió trece años desde su apertura; en este periodo, ha superado las dos millones de visitas: más de 60.000 han tenido lugar en lo que llevamos de 2024 y, 24.000 de ellas, solo en el mes de marzo, un valor histórico para este centro.

En este tiempo han sido cerca de medio centenar las exposiciones temporales programadas, en su mayoría de producción propia.

La próxima Cátedra organizada por el Museo Nacional del Prado, que será la duodécima y tendrá lugar el próximo noviembre, contará como titular con Bénédicte Savoy, profesora de Historia del Arte Moderno en la Technische Universität de Berlín. Entre 2016 y 2021 también lo fue en el Collège de France de París, donde impartió enseñanzas sobre historia cultural del patrimonio artístico en Europa entre los siglos XVIII y XX. Está especializada en la historia de los museos, en el intercambio cultural entre Francia y Alemania, el arte expoliado por los nazis y la procedencia postcolonial. En 2018 escribió, junto al investigador senegalés Felwine Sarr, el informe “Sobre la restitución del patrimonio cultural africano” por encargo de Emmanuel Macron, presidente de Francia.

Ha recibido el premio Gottfried Wilhelm Leibniz de 2016, que concede la Sociedad Alemana de Investigación, y más recientemente el Premio de Ciencias de Berlín. Asimismo, es miembro de la Academia de Ciencias y Humanidades de Berlín-Brandenburgo y Dama de la Legión de Honor de Francia y, entre sus últimas publicaciones, figuran Le Long Combat de l’Afrique pour son art. Histoire d’une défaite postcoloniale, que ha sido traducido a varios idiomas, y Atlas der Abwesenheit. Kameruns Kulturerbe in Deutschland (Atlas de la ausencia. El legado cultural de Camerún en Alemania).

En la Cátedra de la pinacoteca madrileña, Savoy abordará los procesos de restitución de bienes culturales efectuados a los países que Francia saqueó durante el imperio de Napoleón: entre 1794 y 1811, sucesivos gobiernos galos efectuaron campañas de confiscación de “obras de arte y ciencia” en varios estados europeos desde la creencia en que dichas obras de arte, como fruto de la libertad, debían corresponder a la tierra de la libertad (teniendo por tal, en aquel momento, a Francia). Aquella política de apropiación derivó en un muy voluminoso traslado de objetos culturales (pinturas, esculturas, manuscritos e incunables preciosos).

La mayor parte de estos objetos fueron reunidos en París, en el Louvre y la Bibliothèque nationale, y se devolvieron a sus propietarios primeros tras la caída del Imperio (1814 y 1815). La restitución de 1815, acontecimiento histórico y cultural de dimensión europea, movilizó a toda la intelectualidad del continente y tuvo un gran impacto en la geografía cultural de este; además, muchas ideas defendidas entonces siguen articulando actualmente los debates contemporáneos sobre las restituciones, no solo en el contexto francés y napoleónico.

Como viene siendo habitual, la Cátedra se estructurará en cuatro conferencias gratuitas para los asistentes inscritos y se completará con un seminario de participación exclusiva para alumnos seleccionados entre los solicitantes, que serán becados, y con un coloquio.

El programa de las conferencias, a las que podremos apuntarnos en octubre, ya lo conocemos: versarán sobre la recuperación del patrimonio cultural, la interacción entre moral y derecho, la paradoja del concepto de museo universal y la dispersión o unificación de los bienes culturales y la reintegración de dicho patrimonio. Estas serán sus fechas: 7, 14, 21 y 28 de noviembre.

Hasta el próximo 24 de mayo, la Galería Daniel Cuevas de Madrid acoge “Será símbolo o no será”, su primera muestra del artista granadino Roberto Urbano, uno de los jóvenes autores que viene trabajando en una renovación del discurso escultórico e instalativo a partir de combinaciones sutiles pero muchas veces inauditas y de un lenguaje que evita la descripción sencilla, en favor de la ambigüedad.

Óscar Alonso Molina subrayaba en el texto El abatimiento el fondo literario y filosófico de su obra y sus numerosas citas a asuntos vinculados a la historia de la cultura y el pensamiento, por la vía de recursos como la alegoría, la metáforas, la paradoja o la antítesis.

En las piezas que veremos en esta exhibición ha utilizado materiales diversos, como metales fundidos, acero, bandas de lija o hierro cortado a laser, para generar, manipulación mediante, ready mades, dándoles una vida alternativa y ensalzando los volúmenes, texturas, colores y formas a los que pueden dar lugar.

En último término, en “Será símbolo o no será” Urbano viene a incidir en la relación entre la supervivencia del símbolo y la evolución del objeto que lo sostiene o la capacidad de su diseño para adaptarse a miradas diferentes e incluso a la censura.

Hasta el próximo 30 de abril, la Galería Siboney de Santander presenta “Pinturas de Estudio”, su quinta muestra individual de Fernando Martín Godoy, artista zaragozano con el que esta sala lleva dos décadas colaborando. Consta esta exhibición de un conjunto de vistas y detalles de los talleres de diversos artistas, incluyendo el suyo propio; es habitual que este autor trabaje a partir de referencias a la actividad artística, a sus espacios de creación o a materiales (fundamentalmente papel en blanco y lienzo).

El centro de atención de buena parte de estas composiciones reside en un lienzo en blanco rodeado de un área oscura, ocupada por pinceles o botes de pintura y en la que, paradójicamente, sucede lo más interesante. En otras piezas contemplaremos libros, relevantes por su rol como fuentes de estudio e investigación para los artistas y retratados aquí como objetos voluminosos y enigmáticos.

Con planteamientos sobrios en fondo y forma, idea Martín Godoy en estos trabajos en Santander, fechados en 2023 y 2024, juegos geométricos y confrontaciones de figuración y abstracción en los que es posible encontrar tensiones emocionales tras la aparente frialdad que transmiten en una primera contemplación. La obra de mayor tamaño en esta exhibición es Desastre (estudio), la interpretación de un rincón del taller de Francis Bacon que ha aparecido más de una vez en las imágenes del zaragozano: como es sabido estaba lleno de papeles y recortes diseminados que nunca recogía y, sobre sus muebles, de botes, trapos o tubos, de ahí el título de la composición, que enlaza con otras series del aragonés del mismo nombre en las que la acumulación de restos parece generar pequeñas catástrofes.

En último término, en estas obras aborda Martín Godoy la necesidad de adoptar una toma de posición como pintor contemporáneo a la hora de contar el mundo y de reflexionar sobre él y sobre la misma disciplina pictórica como campo de búsquedas. La oscuridad de estas piezas no es casual: remite a la memoria, que almacena selectivamente instantes y solo los recupera desde los velos, la negrura, que genera el tiempo, obtenida aquí a partir de la tinta china o el acrílico.

Múltiples referencias, desde el Renacimiento y el Barroco a la imagen digital, pueblan su producción, marcada por la voluntad de síntesis formal y por unas atmósferas insondables que en ocasiones remiten al cine negro. Interesan a Martín Godoy lo bello y misterioso del mundo, la verdad y la apariencia, lo oculto y lo prohibido y, además de interiores, ha cultivado naturalezas muertas, paisajes o retratos; fuera del campo pictórico, también esculturas, instalaciones e intervenciones espaciales.

Desde el pasado 20 de marzo y durante el próximo año, podemos contemplar en la Sala de los Austrias de la Galería de Colecciones Reales de Madrid la primera obra invitada en esta institución: el Retrato de Felipe II que Antonio Moro pintó entre 1549 y 1550. Procede del Museo de Bellas Artes de Bilbao, y con la puesta en marcha de este programa la Galería comienza a cumplir su deseo de ser un espacio vivo, despierto, que rota y que se mueve, en palabras de Ana de la Cueva, presidenta de Patrimonio Nacional.

Ejemplo destacado del retrato renacentista ligado a la Corona española y obra fundamental en los fondos del centro bilbaíno, esta composición manifiesta también los que fueron ejes en la representación de los miembros de la corte de los Austrias: el lujo en la indumentaria, la austeridad en los gestos y el decoro del conjunto.

Felipe II tenía 22 años cuando posó para Moro, en el marco del llamado Felicíssimo Viaje en el que sería presentado como heredero ante los Estados Generales de Flandes. Ese desplazamiento sería decisivo en términos políticos y en lo que tuvo que ver con la educación artística del futuro rey, pues fue en ese momento cuando entró en contacto con el arte internacional: con los palacios y jardines flamencos, las tapicerías y armaduras propias de esta región y con artistas fundamentales como Tiziano o el mismo Moro.

Este retrato es, asimismo, una de las primeras imágenes que se conservan del hijo de Carlos V, definido aquí como príncipe del Renacimiento. Se concede una importancia fundamental a su rostro -con la inexpresividad característica de la iconografía filipina, asumida a la majestad- y también a los ropajes: porta un lujoso atuendo cortesano en el que el pintor hace hincapié y sobre el que pende el Vellocino o Toisón de Oro, collar que es símbolo de la orden del mismo nombre. Llaman nuestra atención, igualmente, sus numerosas joyas en forma de botonadura, el rico cinturón o talabarte y la empuñadura de la espada, cuajada de perlas y piedras preciosas.

Son varias las obras de Antonio Moro expuestas actualmente en los Reales Sitios; la principal es Felipe II en la jornada de San Quintín (1560), que presenta al monarca vestido con la armadura de la labor de aspas, que lo acompañó en aquella campaña y que se conserva en la Real Armería de Madrid. El propio Felipe II dispuso que este retrato estuviera en el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, donde aún puede contemplarse.

Dentro del acuerdo de colaboración entre Patrimonio Nacional y el Bellas Artes de Bilbao, se exhiben además, en la pinacoteca vasca y como “obras invitadas”, tres piezas de la Real Armería del Palacio Real: nos referimos a La rodela del Juicio de París, una celada y un arcabuz, todas ellas producidas en la Fábrica de Armas de Eugui (Navarra) y adquiridas por Felipe II en el siglo XVI. Se acompañan de documentos decimonónicos llegados del Archivo General de Palacio y de la Real Biblioteca: un libro ilustrado con producciones de la armería publicado por el medievalista francés Achille Jubinal, fotografías de época de Charles Clifford y Jean Laurent, y un álbum fotográfico del Conde de Lipa.

El British Museum de Londres anunció el pasado jueves el nombramiento como su nuevo director de Nicholas Cullinan, historiador del arte que desde 2015 dirigía la National Portrait Gallery. Se pone fin así a un período inestable para esta institución, que carecía de responsable permanente en los últimos meses.

Cullinan, de 46 años, asumirá el cargo en el próximo verano y tendrá que enfrentarse, entre otros retos, a las consecuencias de un escándalo notable, el derivado del robo, por parte de un ya excomisario del centro, de más de 1.800 objetos de sus almacenes, muchos de ellos vendidos después en eBay. También deberá emprender una amplia campaña de recaudación de fondos para costear una renovación importante de las instalaciones del museo y responder a las demandas de devolución de ciertas piezas en disputa por sus países de origen, incluidas las esculturas del Partenón y una colección de bronces de Benin.

En sus primeras declaraciones tras este nombramiento, Cullinan ha afirmado que espera llevar al British Museum “a un nuevo capítulo” y poner en marcha “transformaciones significativas, tanto arquitectónicas como intelectuales”. Su objetivo mayor será, en sus palabras, “reinventar colectivamente el British para la audiencia más amplia posible”.

El principal museo de Reino Unido lleva siete meses sin director estable, desde que Hartwig Fischer, historiador del arte alemán, dimitiera el pasado agosto. Su marcha se produjo poco después de que The New York Times y la BBC informaran de que había minimizado las sospechas de que dicho comisario estuviera robando objetos de los fondos del British. En septiembre, Mark Jones, exdirector del Victoria and Albert Museum también londinense, lo reemplazó de forma interina.

Cullinan, a quien los conocedores del panorama museístico británico tienen por un líder enérgico, capaz de reformar instituciones en crisis, impulsó la reapertura de la National Portrait Gallery el año pasado tras una muy alabada renovación que tuvo un coste de 53 millones de dólares. Nació en Connecticut, pero creció en Gran Bretaña, estudió Historia del Arte en el Courtauld Institute of Art de Londres y fue curador de arte moderno internacional en la Tate Modern, antes de ejercer dos años como curador de arte moderno y contemporáneo en el Metropolitan Museum neoyorquino.

En 1970, Jordi Longaron concibió el cómic Friday Foster para el Chicago Tribune Syndicate, con guión de Jim Lawrence; protagonizaba sus tiras Friday Foster, una fotógrafa-detective afroamericana, sensual por fuera y valiente por dentro, que cuestionaba tabúes de aquel momento y que generó debate entre ciertos sectores sociales.

Se convirtió en la primera protagonista afroamericana de una tira de prensa sindicada, resquebrajando estereotipos, y hoy se sigue considerando esta trama como una pieza clave para entender la transformación social y cultural que supuso el movimiento blaxploitation, en un Estados Unidos aún marcado por los conflictos raciales.

Longaron, que solo viajó una vez a Nueva York, capturó en esta obra una América soñada, la del cine y la televisión, ajena a grandes conflictos y desigualdades, pero su personaje supondría un mito para el movimiento Black Power.

El Museu Nacional d´Art de Catalunya dedica una exposición de pequeño formato a este cómic, en su línea de trabajar por la recuperación histórica y la reivindicación patrimonial del tebeo como género artístico. Puede visitarse hasta el 24 de junio de 2024.

Tras dedicar exhibiciones a la actividad anual de diversas galerías consolidadas de Madrid, CentroCentro acoge, hasta el próximo junio, “Ensanchar la puerta. Novisimo galerismo en Madrid”, una muestra en la que repasa los proyectos y expectativas de media docena de salas de reciente apertura: Arniches 26, Belmonte, El Chico, la oficina, Picnic y Pradiauto.

Esta propuesta, comisariada por Joaquín García Martín, se desarrolla en tres vertientes: entrevistas con los galeristas, accesibles en forma de podcast; un recorrido físico por los resultados de la investigación en torno a estas salas emergentes, junto con una exhibición colectiva de los artistas representados por las mismas, que puede verse en la quinta planta del Palacio de Cibeles; y un programa público de mesas redondas que tendrán lugar durante la exposición.

L’Internationale es una confederación europea de museos, organizaciones artísticas y universidades que se fundó en 2009; trabaja en red, a partir de archivos interconectados, y quiere fomentar una visión abierta y no exclusiva del patrimonio cultural. Agrupa actualmente a HKW (Berlín), MSU (Zagreb), Museo Reina Sofía (Madrid), MACBA (Barcelona), M HKA, (Amberes), MSN (Varsovia), Salt (Estambul), Van Abbemuseum (Eindhoven), Institute of Radical Imagination (Nápoles), tranzit.ro (Bucarest, Cluj e Iasi) y VCRC (Kiev). Sus miembros académicos son HDK-Valand (Gotemburgo), NCAD (Dublín) y ZRC SAZU (Liubliana), y suma tres asociaciones colaboradoras: IMMA (Dublín), MG+MSUM (Liubliana) y WIELS (Forest, Bélgica).

En 2014, este confederación puso en marcha L’Internationale Online, una plataforma web para la difusión de su trabajo que recoge contribuciones ensayísticas, recomendaciones de lectura, libros electrónicos gratuitos, editoriales, declaraciones, ensayos y artículos de investigadores, grupos de reflexión y universidades que forman parte de L’Internationale, también de académicos y profesionales invitados. Ahora esta plataforma estrena diseño, uno que permite buscar material por título, autor o hilo temático, incluidos los contenidos producidos en la última década y relativos a los tres ejes de su proyecto actual: la emergencia climática, las perspectivas decoloniales y las institucionalidades situadas. Todos estos materiales se publican en versión original y en inglés, son de acceso gratuito y pueden descargarse en PDF y EPUB.

Esta nueva versión de L’Internationale Online se ha desarrollado bajo la dirección de Nick Aikens, editor jefe y responsable de investigación del proyecto desde agosto de 2023, como parte del proyecto Museum of the Commons, cofinanciado por el programa Europa Creativa de la Unión Europea.

El equipo responsable del rediseño de L’Internationale Online lo componen, además de Nick Aikens, Anna Granqvist y Tove Posselt. El diseño gráfico ha corrido a cargo de Anja Groten, la interacción y el desarrollo técnico es obra de Joel Gálvez, y la accesibilidad y el entorno del sitio web son trabajo de Karl Moubarak. El Digital Ecology Institute ha participado como asesor en materia de ecología.

La Fundación Sandretto Re Rebaudengo Madrid ha anunciado esta semana los tres comisarios seleccionados en la quinta edición de su Young Curators Residency Programme: se trata de Kaushal Sapre (India), Nikki Nita Ramírez (EE.UU.) y Phokeng Setai (Sudáfrica).

Este programa trabaja con escuelas de comisariado internacionales, que proponen una primera selección de candidaturas de sus alumnos más destacados; entre esas entidades se encuentran el Royal College of Art de Londres, el Bard College de Nueva York, la Universidad de las Artes de Zurich, el Independent Curators International (ICI), también en Nueva York, o el Rockbund Art Museum de Shanghai. El jurado que ha escogido a los tres jóvenes participantes ha estado formado por Javier Hontoria, director del Museo Patio Herreriano de Valladolid, y la ex directora del IVAM, Nuria Enguita. Por segundo año consecutivo, el colectivo hablarenarte coordinará el desarrollo de esta propuesta.

Estructurada en varias etapas, la residencia llevará a Sapre, Ramírez y Setai a visitar centros de arte, museos, galerías, fundaciones, espacios independientes y estudios de artistas de ciudades como Barcelona, ​​Valencia y Valladolid, entre otras. Los frutos de su investigación, que se prolongará durante los próximos meses, podrán verse en una exposición que se inaugurará en junio en el Ateneo de Madrid, institución con la que la Fundación mantiene colaboración desde hace años.

El Young Curators Residency Programme sigue la estela de un proyecto similar convocado por la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo de Turín, donde se celebra desde 2006, y pretende apoyar el arte contemporáneo español y su internacionalización, además de la práctica curatorial de los jóvenes agentes del sector. Forma a nuevos comisarios con el fin de facilitar el desarrollo de sus habilidades profesionales y críticas y les ofrece la oportunidad de entrar en contacto con artistas españoles y generar redes de colaboración entre ellos.

El Museo Boijmans Van Beuningen de Róterdam ha anunciado la adquisición de Naturaleza muerta con patatas, obra que Vincent van Gogh llevó a cabo en París en el invierno de 1886-1887.

Esta pintura ya se encontraba bajo préstamo en ese centro, desde hace más de cuarenta años, pero como la mayoría de estas operaciones a largo plazo, sobre todo las que afectan a piezas de artistas tan relevantes como el holandés, estaba sujeta a riesgos: fundamentalmente a que el propietario solicitara su devolución o la vendiese, posiblemente en el extranjero. Así, la compra realizada garantiza que esta composición formará parte de la Colección Nacional de Arte de este país; ha sido posible con el apoyo de la Asociación Rembrandt, el Fondo Mondriaan, VriendenLoterij, Bruynzeel y diversos donantes y legados privados, a quienes el Boijmans agradece su apoyo crucial.

Con esta son siete las pinturas que ese museo posee de Vincent van Gogh, pero estas patatas destacan en el conjunto por fecharse en un momento clave en la trayectoria del autor de Los girasoles: en la transición desde las oscuras composiciones que lo ocuparon en Brabante, en su etapa temprana, hasta las de vibrante colorido que realizaría en Francia.

Cuando efectuó este bodegón ya había estudiado Van Gogh, aunque durante un breve período, en la Academia de Bellas Artes de Amberes, en 1885. Mientras que sus pinturas en su región natal –como Los comedores de patatas– ofrecen una paleta oscura y restringida, el sur y la Provenza le inspiraron tonalidades brillantes. Naturaleza muerta con patatas presenta una paleta menos sombría que la de sus obras holandesas y es pieza muy expresiva; podemos asociarla a alguna de las cartas que este autor escribió a su hermano Theo, en la que le hablaba de su deseo de pintar y representar el tubérculo de manera que pareciese real, generando la impresión de que se podía tirar.

Esta pieza es tres años posterior a la citada Los comedores de patatas, que se conserva en el Van Gogh Museum de Ámsterdam y se llevó a cabo en Nuenen, donde residía la familia del pintor y donde comenzó a preocuparse por el sufrimiento ajeno a raíz de su trato con mineros, tejedores y agricultores. Por su querencia a retratar esas penurias con crudeza y perspectiva crítica se distanció de los campesinos de Millet, quien lo influenció en un momento anterior.

El Museo del Prado expone, desde hoy y hasta el 30 de junio en su sala 10 A, Bodegón con cidras, naranjas y rosa, la única naturaleza muerta de Zurbarán de la que consta firma y fecha (1633). Procede del Norton Simon Museum de Pasadena, en California, y se considera una de las obras fundamentales de la historia de este género del bodegón en Europa; su descubrimiento en la década de los veinte permitió consolidar el proceso de reconstrucción del catálogo del pintor.

El préstamo de esta pieza forma parte del programa “La obra invitada”, patrocinado por la Fundación Amigos del Museo del Prado desde hace catorce años para enriquecer la visita al Prado y establecer un término de comparación que permita reflexionar sobre las propias pinturas de este centro. Se exhibe en Madrid el bodegón junto a otras obras de Zurbarán pertenecientes a distintos géneros y datadas en épocas diversas de su trayectoria, con el fin de entender lo que significa esta tela en el contexto de la carrera del extremeño.

En la pintura contemplamos, sobre una mesa y ante un fondo oscuro, un plato de metal con varias cidras, una cesta con naranjas, con sus hojas y flores de azahar, y otro plato también metálico que contiene una taza y una rosa. Taza y flor aparecen en otras composiciones de Zurbarán, proclive a incorporar naturalezas muertas en sus obras de temática religiosa; son más escasos sus bodegones concebidos de forma autónoma.

Destaca igualmente Bodegón con cidras, naranjas y rosa por el empleo genial de la escala por parte del artista barroco, por la precisión descriptiva en los objetos y por sus valores compositivos. El mencionado ajuar ocupa la mayor parte de la superficie pictórica: se dispone en tres planos ligeramente diferenciados entre sí y una luz lateral muy matizada lo arranca de las sombras para la vista del observador, favoreciendo además la definición clara de los volúmenes y las texturas. El orden muy calculado de las piezas, su individualización y el empleo dirigido de la iluminación y la oscuridad del fondo generan una pintura a un tiempo silenciosa, delicada y solemne, en la que es posible encontrar -y así lo han hecho numerosos expertos- connotaciones sagradas.

El próximo 20 de marzo, participarán en un coloquio en torno a este préstamo Javier Portús, Jefe de Departamento de Pintura Española del Prado; Emily Talbot, Jefa de Conservación del Norton Simon Museum; y Ángel Aterido, profesor de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid.

Concluidas las valoraciones de las candidaturas presentadas al concurso para escoger la dirección de Es Baluard. Museu d’Art Contemporani de Palma, la comisión encargada del proceso ha otorgado la mayor puntuación a David Barro, cuyo nombramiento será ratificado por la Comisión Ejecutiva de la Fundación del centro y por su Patronato.

El jurado ha estado formado por Guillermo Solana, director del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Madrid; el escritor y crítico de arte Fernando Castro Flórez; la comisaria independiente Neus Cortés; el artista Bernardí Roig; y la comisaria y gestora cultural Alicia Ventura. Veinte candidaturas optaban a la elección.

Barro cuenta con una trayectoria de 25 años en el sector artístico y cultural, específicamente en el ámbito del arte contemporáneo y el diseño, como comisario de exposiciones, editor, escritor y director artístico.

Desde 2017 es director de la Fundación DIDAC de Santiago de Compostela y ha sido director gerente de la Fundación Luis Seoane, asesor de la Fundación Barrié y responsable de su Colección de Pintura Contemporánea Internacional. También ha sido director artístico de citas como el Festival de Acción Artística Sostenible SOS 4.8, de Murcia; Look Up! Natural Porto Art Show, en Oporto; o la feria Espacio Atlántico, en Vigo. En 2023 fue comisario del país invitado de la Porto Design Biennale y codirector de Plataforma. Festival de Artes Performativas en Santiago de Compostela. Desde 2020 a 2023 ejerció como director artístico de MadBlue Summit, fue editor y fundador de la revista DARDOmagazine y, desde 2018, ejerce como consultor estratégico para instituciones públicas y privadas, entre otras, la Agencia Gallega de Innovación (Xunta de Galicia), donde colabora asesorando el Programa de Diseño para la Innovación y la Sostenibilidad 2024.

Entre los autores de los que ha comisariado muestras se encuentran Julião Sarmento, Julian Opie, Jessica Stockholder, Axel Hütte, Alex Katz, Günther Förg, Sandra Cinto, Fernanda Fragateiro, Caio Reisewitz, Markus Linnenbrink o Berta Cáccamo. Asimismo, ha sido profesor de la UCP de Oporto y desde 2015 es docente del Máster de Estudios Avanzados de Universidad de Salamanca, siendo el responsable de la materia “Pintura y Escultura en el Siglo XX”.

La barcelonesa Galería Mayoral ha estrenado este mes de marzo una nueva sede, contigua a su espacio habitual en el número 286 de la calle Consell de Cent, con la muestra colectiva “Mater”, compuesta por obras de las artistas Carolina Caycedo, Catalina León, Cinthia Marcelle, Marga Ximenez y Pia Camil.

El lugar ha sido diseñado por Jorge Vidal STUDIO, firma que obtuvo el Premio FAD de Arquitectura e Interiorismo en 2023, y su elección en un local adyacente a la sede tradicional viene a recalcar el compromiso de los galeristas -segunda generación de responsables de esta sala- con el lugar en el que Mayoral ha desarrollado la mayor parte de sus tres décadas y media de andadura. Se trata de una gran estancia funcional que irá adaptándose a las necesidades de las exposiciones y que cuenta con 250 metros cuadrados, techos de triple altura y paredes desplazables para acoger piezas de gran formato, entre ellas algunas de las que integran “Mater”.

Esta colectiva analiza las razones del uso por esas artistas de los materiales empleados, subrayando cómo cada una ha querido trascender los límites convencionales de su medio para, a la vez, poner en cuestión conceptos arraigados en nuestra sociedad: podremos contemplar nueve propuestas de grandes dimensiones que oscilan entre la instalación, lo escultórico y lo performativo y que tienen en común su carácter social, al abordar asuntos ligados a las migraciones, las formas de disidencia, el consumismo desmedido o los actuales posicionamientos políticos derivados de ciertas narrativas históricas. Conjuga así la exhibición el tratamiento de temas tenidos por urgentes y la atención a la poética del material.

Veremos Atarrayas (2024), de Carolina Caycedo, proyecto en torno a las consecuencias ecológicas, y también económicas e incluso psicológicas, de las represas construidas en vías fluviales en países latinoamericanos; Capibara (2012-2024), de Catalina León, que trata de fundir la pintura con la vida y todos sus elementos (tierra, plantas, escombros, retratos, frases, persianas, etc); Na Batalha de Maria (2003), de Cinthia Marcelle, que plantea nuevos modos de mirar el mundo a partir de piedras portuguesas, ropa o vídeos; De Família i Famílies (2001) y Diari de viatge (2017), de Marga Ximenez, que busca reformular el concepto de identidad, en relación con la familia y la memoria colectiva, a través de materiales textiles y domésticos; y Bara, Bara, Bara (2017), de Pia Camil, instalación formada por camisetas adquiridas a vendedores ambulantes mexicanos. A través de esas prendas nos habla de la globalización del consumo y de sus efectos en los pequeños comerciantes.

Mayoral continúa teniendo a Eduard, Jordi y Cristina Mayoral como directores y a Cristina Sandoval como directora de ventas, mientras la crítica y comisaria Joana Hurtado será su directora artística. Los galeristas desean, en los próximos años, centrar su actividad en artistas iberoamericanas sin perder de vista a los autores con quienes han trabajado hasta ahora.

La organización de ARCOmadrid, cuya 43ª edición finalizó este domingo, 10 de marzo, en IFEMA, ha anunciado algunas de las adquisiciones que se han efectuado en la Feria, al margen de las realizadas por el Museo Reina Sofía, que se detallaron el pasado viernes.

La Fundación ARCO ha ampliado su colección con la compra de siete obras sufragadas con la recaudación de la tradicional Cena Fundación ARCO, celebrada el 7 de marzo. Las piezas adquiridas, con la asesoría de Tania Pardo, directora del Centro de Arte Dos de Mayo, y Claudia Segura, comisaria de exposiciones y colección en el MACBA barcelonés, corresponden a Ana Jotta (Projectesd), Eva Kotakova (Hunt Kastner), Violeta Quishpe (Vigilgonzales), Laercio Redondo (Ana Mas Projects) y Sinead Spelmann (etHALL). La misma institución recibirá trabajos de Theo Mercier (Casado Santapau), gracias a una donación de Frèdèric Malle, y Belén Uriel (Madragoa), en este último caso con el apoyo del Consejo Internacional de la Fundación.

El Ayuntamiento de Madrid se ha hecho con cuatro obras que se incorporarán al Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de la capital. Hablamos de una escultura de Teresa Solar y de tres composiciones (una pintura y dos dibujos) de Carlos Forns Bada; ambos son autores madrileños y sus piezas estaban valoradas en alrededor de 40.000 euros.

Por su parte, la Fundación María Cristina Masaveu Peterson ha comprado obra de Luis Gordillo y Oteiza (Guillermo de Osma), Roberto Diago (El Apartamento), David Nash (Lelong), Manolo Paz y Eugenio Ampudia (Max Estrella), Joi Murugavell (Ponce+Robles), Juan Asensio (Elvira González) y Marria Prats (Mayoral), mientras que la Fundación María José Jove sumó a sus fondos una pieza de Kiko Pérez (Galería Ehrhardt Flórez).

Entre los grandes compradores de ARCO se sitúa también la Fundación Helga de Alvear: se ha hecho con obras de Marcel Duchamp (La Caja Negra), Waldo Balart (Casado Santapau), Rafael Grassi (NF/ Nieves Fernández), Piero Dorazio (Cayón), Tomás Saraceno (Neugerriemschneider), Heinz Mack (Parra & Romero), Markus Linnenbrink (Max Estrella), Ugo Rondinone (Esther Schipper) y Alfredo Jaar (Thomas Schulte).

La celebración de ARCOmadrid 2024, hasta el 10 de marzo en los pabellones 7 y 9 de IFEMA MADRID, viene acompañada de la concesión de un buen número de premios por parte de instituciones y empresas. Hemos dado cuenta ya de los reconocimientos a Concha Jerez, Susana Solano, Miguel Marina y Fuentesal Arenillas, por parte, respectivamente, de Bodegas ENATE, Catalina d´Anglade y la Comunidad de Madrid, y hoy repasamos el resto de galardones que ha traído la Feria.

Lexus ha entregado el Premio Lexus al Mejor Stand de ARCOmadrid a la galería argentina W – GALLERY, tras el fallo de un jurado formado por Juan Antonio Álvarez Reyes, comisario de exposiciones y crítico de arte, y Taiyana Pimentel Paradoa, directora de Marco-Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey.

La Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT ha anunciado que Tomás Saraceno (Pinksummer Gallery, Génova) y Abraham González Pacheco (Galería Campeche, Ciudad de México) son los ganadores de su primer Premio de Adquisición en la Feria; en este caso los seleccionaron Chiara Bertola, directora de GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea; Manuel Segade, director del Museo Reina Sofia; y Hans Ulrich Obrist, codirector de las Serpentine Galleries.

Por su parte, Fermín Jiménez Landa ha obtenido el octavo Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente por su obra Almuerzo solar, creada junto a la artesana Encarnita Berrio; así lo han decidido Patrizia Sandretto Re Rebaugendo, presidenta de la Fundación Re Rebaudengo; Fernando Pérez Gómez, director de Azkuna Zentroa; Estíbaliz Urresola, guionista, directora y productora audiovisual; José María Luna Aguilar, director de la Agencia Pública para la gestión de la Casa Natal de Picasso, la Colección del Museo Ruso y Centre Pompidou Málaga; Sara Núñez de Arenas, directora de ¡Atención Obras!; Rodrigo Ruíz-Jiménez Carrera, director general de la Alhambra y Generalife; Javier Vilar-Sancho, director de marketing de Cervezas Alhambra; y Silvia Pozo Giraldez, Global Brand Director de Cervezas Alhambra.

En cuanto al Premio illy SustainArt, dedicado al mecenazgo de jóvenes promesas, ha sido para la madrileña Mónica Mays, representada por la galería suiza Blue Velvet, por En la palma de sus manos, obra en la que conjuga elementos naturales y de la esfera industrial. En este caso, el jurado ha estado compuesto por Patrizia Sandretto Rebaudengo, Tania Pardo, directora del Museo CA2M; Ianko López, periodista especializado; y Carlo Bach, director creativo de illycaffè.

Más galardones: el 19º Premio ARCO/BEEP de Arte Electrónico 2024, otorgado junto a la Arts Connection Foundation, se ha concedido a Daniel Canogar por su obra Scrawl (2023), que podemos ver en el stand de la Galería Max Estrella, y a Peter Halley por su obra Exploding Cell (1983), en la Galería Senda. Pasarán a los fondos de la NewArt { collecEon;}.

Por último, las galerías argentinas Remota y Piedras se han hecho con el X Premio Opening al mejor stand de esta sección. Además, la galería Sissi Club, de Francia, ha logrado una mención especial. El jurado ha estado formado por Alex Alonso, director de Fluent, Santander; Kasia Redzisz, directora de Kanal-Centre Pompidou, Bruselas; Sarah Lookofsky, directora de Kunstnernes Hus, Oslo; y Ana Roman, gerente de comisariado y producción del Instituto Tomie Ohtake, São Paulo.